In einem modernen Sinne bezieht sich Comedy auf jeden Diskurs oder jede Arbeit, die allgemein humorvoll oder amüsant sein soll, indem er Lachen auslöst, insbesondere im Theater, Fernsehen, Film, Stand-up-Comedy oder irgendeinem anderen Medium der Unterhaltung. Die Ursprünge des Begriffs finden sich im antiken Griechenland. In der athenischen Demokratie wurde die öffentliche Meinung der Wähler von der politischen Satire beeinflusst, die von den komischen Dichtern an den Theatern durchgeführt wurde. Das theatralische Genre der griechischen Komödie kann als eine dramatische Aufführung beschrieben werden, die zwei Gruppen oder Gesellschaften in einem amüsanten Agon oder Konflikt gegeneinander antreten lässt. Northrop Frye stellte diese beiden gegensätzlichen Seiten als „Gesellschaft der Jugend“ und „Gesellschaft der Alten“ dar. Eine überarbeitete Sicht charakterisiert den wesentlichen Agon der Komödie als einen Kampf zwischen einer relativ machtlosen Jugend und den gesellschaftlichen Konventionen, die seine Hoffnungen behindern. In diesem Kampf wird die Jugend durch ihren Mangel an sozialer Autorität eingeschränkt, und es bleibt ihnen nur wenig übrig, als Zuflucht in Tricks zu suchen, die eine sehr dramatische Ironie erzeugen, die Lachen auslöst.

Satire und politische Satire benutzen die Komödie, um Personen oder soziale Institutionen als lächerlich oder korrupt darzustellen und ihre Zuhörer vom Objekt ihres Humors zu entfremden. Parodie unterwandert populäre Genres und Formen und kritisiert diese Formen, ohne sie notwendigerweise zu verurteilen.

Andere Formen der Komödie sind die Screwball-Komödie, die ihren Humor größtenteils aus bizarren, überraschenden (und unwahrscheinlichen) Situationen oder Charakteren und schwarzer Komödie bezieht, die durch eine Form von Humor gekennzeichnet ist, die dunklere Aspekte des menschlichen Verhaltens oder der menschlichen Natur beinhaltet. Auf ähnliche Weise erzeugen skatologischer Humor, sexueller Humor und Rassenhumor eine Komödie, indem sie soziale Konventionen oder Tabus auf komische Weise verletzen. Eine Sittenkomödie nimmt typischerweise einen bestimmten Teil der Gesellschaft (gewöhnlich die Oberschicht der Gesellschaft) zum Gegenstand und benutzt Humor, um das Verhalten und die Manierismen ihrer Mitglieder zu parodieren oder zu verspotten. Romantische Komödie ist ein populäres Genre, das aufkeimende Romantik in humorvollen Begriffen darstellt und sich auf die Schwächen derjenigen konzentriert, die sich verlieben.

Geschichte

Anfänge der Komödie in der griechisch-römischen Antike
Die Komödie und die Tragödie, deren Darstellung bis ins 6. Jahrhundert vor Christus zurückreicht. AD und 5. Jahrhundert vor Christus. AD, haben einen religiösen Ursprung, in Bezug auf den Kult des Dionysos.

„Da diese Anbetung wiederum Traueropfer oder frohe Feierlichkeiten brachte, um die Trauer des Winters oder das glänzende Erwachen des Frühlings zu feiern, konnte man sehen, dass die heilige Zeremonie wiederum in das Drama der Tränen oder die Tragödie der Freude verwandelt wurde Prozessionen von betrunkenen Schurken und verkleidet in Pans und Satyrs führten ihren religiösen Karneval durch das Dorf, und benutzten die Lizenz des Festivals, um ihre Hymnen von satirischen Apostrophen zu unterbrechen, die an die Menge gerichtet sind.Schleicht nehmen diese Zwischenspiele von Lazzis eine dramatische zu Form; die Joker machen die Satire noch durchdringender, indem sie die Charaktere spielen, die sie angegriffen haben: diese Unterhaltung wird zu Karikaturen. Das war der Geburtsort der Komödie. “

Diese Aufführungen finden auf vom Staat organisierten Parties statt. Zweimal im Jahr versammeln sie sich um einen Wettbewerb zwischen drei im Voraus ausgewählten Autoren. Während der drei Zeremonietage stellen diese jeweils mehrere Stücke dar. So besucht das Publikum etwa fünfzehn Vorstellungen von morgens bis abends. Diese Art, Theater zu sehen, unterscheidet sich ziemlich von der, die wir heute haben, abgesehen von bestimmten Festivals.

Der Standort dieser Darstellungen ist ein Freiluftgebäude, das ein großes Publikum aufnehmen kann und die Stände besetzt. Vor ihm ist die Szene, über der ein Balkon die Götter sehen kann. Es gibt auch einen Orchestergraben, einen kreisförmigen Raum, in dem sich ein dem Dionysos gewidmeter Altar befindet, der dem Chor vorbehalten ist (also sowohl „mit“ den Schauspielern als auch getrennt von ihnen).

Der Chor besteht aus einer bestimmten Anzahl von Chorsängern, die den lyrischen Teil der Show (das Lied) übernehmen. Er wurde am Anfang von einem Schauspieler (der Protagonist) begleitet, dann fügten wir zwei andere hinzu: der Deuteragonist und der Tritagonist. Mit der Entwicklung des Theaters hat der lyrische Teil zugunsten des Dialogs abgenommen.

Zu dieser Zeit werden alle Rollen von Männern gehalten, die Masken tragen: Das Gesicht des Schauspielers drückt keine nuancierte Psychologie aus, und die Nuancen der Emotion gehen an dem Ton und den Gesten vorbei. Die Schauspieler tragen farbenfrohe Tuniken, die dem Publikum helfen, die verschiedenen Rollen zu unterscheiden. Die griechischen Stücke bestehen aus einer bestimmten Anzahl von bestimmten „Momenten“: einem Prolog, dann dem Eingang des Chors („Parodos“), dann Episoden, die von Gesängen des Chors geschnitten werden, schließlich der Ausgang des Chores („Exodos“) .).

Anfänge der Literatur in der Komödie
By Aesop Fabeln bezeichnet eine Reihe von Fabeln in Prosa zurückzuführen auf Äsop, Schriftsteller Griechisch, die im späten 7. und Anfang des 6. Jahrhunderts v. Chr. Lebte. ANZEIGE. Er stammte aus Thrakien, nahe dem Schwarzen Meer.

Die Fabeln von Aesop waren Prosa und prägnant, La Fontaine legte einige in Strophen als Phèdre, Avianus und Charles Perrault, um nur die berühmtesten Fabulisten zu nennen.

Athener Komödie im Zeitalter Perikles
Im 5. Jahrhundert vor Christus. Während des Jahrhunderts Perikles, in der vollen athenischen Demokratie, schuf der Dichter Cratinos die Alte Komödie als eine Institution der politischen Opposition. Mit der Alten Komödie verwandelt sich das Theater in eine Tribüne.

Wenn wir nichts von Cratinos, Phrynichos dem Komischen, Eupolis, Pherecrates, Plato dem Komischen, Kisten, Phormis und so vielen anderen bewahrt haben, so haben wir auf der anderen Seite elf Stücke von Aristophanes, die uns eine genügende Vorstellung von diesem phantastischen Drama geben können voller Fantasie und Poesie.

Diese Stücke umfassen eine solche Vielfalt von Objekten und vermischen sich so stark mit den Ereignissen der Zeit, dass sie, vielleicht sogar besser als die Geschichte von Thukydides, uns die Situation von Athen zu dieser Zeit bewusst machen. “

Aber als das Jahrhundert Perikles zu Ende geht, neigen die athenische Freiheit und die alte Komödie dazu, zu verschwinden. Ausgeschlossen von der Politik, verurteilt, sich der Persönlichkeit zu enthalten, sucht sie im Privatleben eine neue Sache und fügt sich der allgemeinen Satire der Leidenschaften, der Kreuzungen und der Humors der Menschen. Diese Metamorphose wird jedoch nicht an einem Tag durchgeführt. Zwischen der Alten Komödie und der Neuen Komödie gab es eine unentschiedene Periode des Übergangs, die von Antiphane, Eubulos, Alexis, die die Medium Comedy genannt wurde, wo wir, wie die sizilianische Szene, Spaß haben, die Episoden der Mythologie zu verbergen in der populären Komödie von Italien (die später in der Commedia dell’arte gefunden wird)

Neue Komödie unter der makedonischen Monarchie
Die neue Komödie (auch Nea genannt) beginnt in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts v. ANZEIGE. Es war kaum bis zur makedonischen Monarchie, dass ein großer Dichter, Menander, schließlich aus diesen Skizzen die wahre Komödie der Manieren und des Charakters, wie wir es noch heute konzipieren, hervorbrachte.

Diphile und Philemon waren mit Menander die Hauptautoren der Comedie Nouvelle.

Die dorische Komödie
Diese andere Art von griechischer Komödie entwickelte sich in verschiedenen Städten Dorias, wie Megara, Sparta … Die Dorische Komödie wurde von drei Dichtern, Epicharme, Phormis und Dinoloque vertreten. Es war nicht demokratisch wie die athenische Komödie: geschützt durch die beiden Könige Gelon und Hieron blieb es dem Geist der politischen Satire fremd, der die Alte Komödie von Athen auszeichnete. Es behielt, mit einem Charakter der philosophischen Schwerkraft, den Respekt der Mächtigen bei; und philosophische Diskussionen waren sehr wichtig.

Die römische Komödie
Wie in Athen hat das römische Theater eine religiöse Dimension: Die Darstellungen sind mit dem Bacchus-Kult verbunden. Wie auch in Athen ist die politische Dimension präsent, da das Theater während der Spiele oder während wichtiger Zeremonien gespielt wird, die die Menschen zusammenbringen. Singen, Tanzen, Musik begleiten den Text – das Theater ist eine „totale Show“.

Die Accessoires sind zahlreicher als im griechischen Theater: Der Bühnenvorhang erscheint, die Kostüme sind manchmal prächtig, die Maschinerie wächst. Masken sind immer anwesend.

Auf der Bühne kein „Dekor“ im modernen Sinn: ein paar Türen, was ein Haus oder einen Palast bedeutet, und manchmal eine Maschinerie, um einen Gott zu enthüllen, der eine Tirade rezitiert – daher der Ausdruck „deus ex machina“.

Im Römischen Reich, der Farce, der Atellane, die von maskierten Schauspielern gespielt wurde, die beliebte Gunst genossen und an der Quelle der Commedia dell’arte waren (die die Masken den heutigen Masken der Commedia dell’arte sehr ähnlich macht), existierte bevor die Neue Athenische Komödie in ihre Verwendung übersetzt wurde. Und die Komödie, die der Malerei römischer Manieren (comoedia togata, gespielt in Toga) gewidmet war, erreichte nie den Erfolg der atellane.

Griechische Komödie (Neue athenische Komödie) wurde von Livius Andronicus (280 BC – 204) gebracht. Die aufgeklärte Bevölkerung wollte nichts weiter als griechische Spiele. Die neue Komödie wird nach Rom exportiert, wo sie an das III. Jahrhundert als Comedia palliata (in dem die Schauspieler das griechische Gewand, das Pallium tragen) adaptiert und von Plautus und Terence umfassend übernommen wird. In der Tat, alle Stücke, die wir von Plute und Terence (einschließlich Molière wurde manchmal inspiriert) sind nur Übersetzungen von griechischen Komödien.

Seit der Diktatur von Sylla (die im Dezember 82 v. Chr. Begann) wurde Attelane durch Mime ersetzt. Die Komödien von Plautus hörten nicht auf, im ganzen Reich bis zur Invasion der Deutschen gespielt zu werden.

So entwickelte sich in Europa die Komödie als theatralische Gattung in der griechisch – römischen Antike, wo sie die im Römischen Reich errichteten Theater mit der Tragödie teilte.

Die römische Komödie, Literatur
Aus Griechenland geht die Fabel nach Rom. Horace schlägt eine bemerkenswerte Anpassung der Stadt Rat und der Feld Ratte (Satiren, II), die einige Kritiker als die Version von Jean de La Fontaine überlegen. Ihm folgt Phaedrus, der wie Aesop in Thrakien geboren wurde und Sklave war, bevor er von Augustus befreit wurde. Wir verdanken ihm sechs Fabeln, von denen das erste mit dem Wolf und dem Lamm beginnt. Phèdre wird mit dieser vollständig in Strophen geschriebenen Sammlung die Fabel wirklich zu einem poetischen Genre machen. Er gibt sich nicht damit zufrieden, Aesop auf Lateinisch zu adaptieren, sondern ist auch originell: Von den 126 Fabeln in seiner Sammlung sind weniger als die Hälfte direkt von Aesop entlehnt. Auch wenn diese Fabeln ihm zu seinen Lebzeiten keinen Ruhm bringen, wird Phèdre nacheifern.

Der Dichter Babrius, ein hellenisierter römischer Zeitgenosse mit Phaedrus, schreibt die esopischen Fabeln auf Griechisch um und setzt sie in Versform um. Er ist bekannt aus zwei Sammlungen, insgesamt 123 Fabeln.

Die Modewelt wächst in der griechisch-römischen Welt. Im griechischen Autor Lucien de Samosate (120-180) finden sich verschiedene Hinweise auf Fabeln, besonders die der tanzenden Affen, die auf dem Gegensatz zwischen dem angeborenen und dem erworbenen, gemeinsamen Thema vieler Fabeln, unter anderem in La Fontaine und Florian, spielen 6. Im fünfzehnten Jahrhundert erlaubte der römische Dichter Avianus 42 größtenteils Anpassungen von Phaedra, aber viele, die anderswo nicht bestätigt werden, sind gut gebaut. Sein Zeitgenosse, der Grieche Aphthonios, hinterließ eine Sammlung von 40 Fabeln in Prosa.

Durch den lateinischen Sektor werden die Fabeln von Äsop im Mittelalter weitergegeben und inspirieren unzählige Nachfolger.

Die Komödie im Mittelalter in Europa
Nach dem Zusammenbruch der antiken Kultur erfindet das Mittelalter, das das Wort „Komödie“ ignoriert, viele Formen des komischen Theaters neu. Das Theater wird in der Straße (Straßentheater) in Form von Mysterien, Fabeln, Witzen, Soties oder sogar Pantomime gespielt. Einige dieser Genres sind mehr oder weniger von Überresten antiker Genres wie Atellan inspiriert.

Die Tradition der Jongleure und der Geschmack der parodistischen Unterhaltung unter den Klerikern drückt sich im Mittelalter in einer Vielzahl von satirischen und didaktischen Elementen aus:

Teufel, die in den religiösen Mysterien enthalten sind

die Witze, die kurze Stücke sind, die populäre Arten des täglichen Lebens (der Bauer, die Frau, der Priester, der Adlige, usw.) und eine einfache Situation auf dem Hintergrund der traditionellen Moral zeigen
die Soties (die im 15. und 16. Jahrhundert erscheinen), konzentrierten sich auf den „Narren“ (eine Art Clown vor seiner Zeit) und nutzten alle Freiheiten der Satire.

Ab dem 12. Jahrhundert hat die Bourgeoisie (Einwohner der Stadt) ihre eigene Literatur, echte Satire vor dem sozialen Brief. Es ist im Wesentlichen boshaft, malerisch, aber meistens realistisch. Wir sind immer noch im Wesentlichen Fabeln (Estula, Der Windhund und die Schlange, The Three Blind Compiègne), der Reynard der Fuchs und später Farcen (Die Farce von Meister Pathelin, 15. Jahrhundert).

Im 13. Jahrhundert spielt das Theater auf dem Dorfplatz oder Stadt. Die Zuschauer sind „bürgerlich“ (Bewohner des Bezirks), während die Höfe der Herren die Shows von Turnieren, Balletten usw. bevorzugen.

Im 14. und 15. Jahrhundert werden die Shows kostenpflichtig. Daher wird das Theater immer öfter in geschlossenen Räumen und nicht auf dem Hauptplatz gespielt. Einige Sätze werden im Mittelalter benutzt: Manchmal sind wir mit den Zeichen zufrieden, die den Ort anzeigen. Aber Maschinen entwickeln sich, um „Spezialeffekte“ zu erzeugen.

Immer im Mittelalter ist es die Aufgabe von Bouffon, Menschen zum Lachen zu bringen: Sie unterhalten sich, benutzen Unverschämtheit und sind manchmal Berater; die bekanntesten sind die Narren der Könige und Herren. François I er schuf im 15. Jahrhundert eine verrückte Schule.

Komödie in Frankreich unter dem Humanismus
Im 15. Jahrhundert schrieb Rabelais Gargantua als erster Autor, der die Burleske in seinen Werken verwendete. Seine Hauptwerke, wie Pantagruel (1532) und Gargantua (1534), sind Chroniken, Märchen mit ihren Heldenfiguren, die Heldenkomik-Parodie, das Epos und die Romantik des Rittertums, die aber auch das Realistische, Satirische und Philosophische vorwegnehmen Roman, gelten als eine der ersten Formen des modernen Romans.

In den Jahren 1456-1460 veröffentlichte 8 eines der seltenen Komödienstücke der Zeit Die Farce des Meisters Pathelin. Immer das 15. Jahrhundert erscheint die Moral, mit allegorischen Figuren, die die Laster und Tugenden der Menschen und die Mängel der Gesellschaft darstellen

Im 16. Jahrhundert schaffen Gelehrte die humanistische Komödie, um der mittelalterlichen Tradition des Stopfens entgegenzutreten und zu den Wurzeln der lateinischen Komödie zurückzukehren. Humanistische Komödien sind die ersten „regelmäßigen Komödien“ in der Geschichte des französischen Theaters. Dieser Name bedeutet Komödien, die in Nachahmung der römischen Komödie komponiert sind und die formalen Regeln respektieren, im Gegensatz zu Witzen, Sotties, Moralen und anderen Theaterspielen jener Zeit, bezeichnet mit dem gleichen Begriff der „Komödie“, die im heutigen Vokabular allesamt glücklich sind Endausführungen (und die unter diesem Namen durch ein Edikt des Parlaments von Paris von 1588 bis 1594 verboten werden).

Aus der Mischung von Stuffing with Morality entsteht Sottie, die unter der Herrschaft von Ludwig XII. An die alt-athenische Komödie erinnert, zumindest aus Bosheit und Mut, alles zu sagen.

Die dunkle Komödie im Niedergang in Frankreich aus der Mitte des 16. Jahrhunderts
In der Mitte des 16. Jahrhunderts ist das Mysterium (das prestigeträchtigste Theatergenre) verboten. In der Tat glaubt die Kirche jetzt, dass der Glaube das Geschäft der Gelehrten sein muss, nicht die Schauspieler (das Theater wird von der Kirche auf die schwarze Liste gesetzt, die ihm vorwirft, über die Realität zu lügen). So sinkt das Theater trotz einiger Widerstände in den Niedergang. Es wird notwendig sein, auf eine Neudefinition dieser Kunst zu warten, damit sie wieder konsistent wird.

Komödie in Europa unter der Renaissance
In der Renaissance wollten Schriftsteller aus ganz Europa zu den Quellen des Theaters und der passenden lateinischen Komödie zurückkehren. Der Begriff „Komödie“ ist eine von der lateinischen Komödie inspirierte Komödie, die ihre formalen Regeln respektiert, während sie sich verschiedenen Formen mittelalterlicher Komödien entgegenstellt.

Im 15. Jahrhundert (in Italien) erschienen die ersten Modelle in der Komödie „Regular“, gefolgt von Aretino, Machiavelli (Mandrake) und Trissino im 16. Jahrhundert. Sehr bald fällt die italienische Komödie auf, mit Giordano Bruno (der Kronleuchter) und Ruzzante, der in paduanischem Dialekt populäre Szenen wählt und seinen Stil in der Improvisation der Commedia dell’arte findet.

Italienische Komödie
Italienische Komödie, das 16. Jahrhundert, sieht die Commedia dell’arte erscheinen, die regelmäßige Komödie verdrängt; sein Einfluss wird beträchtlich auf der Entwicklung der Theatertechniken sein.

Shakespeare- und elisabethanische Komödie
In England Ende des 16. Jahrhunderts wird die elisabethanische Komödie, gefütterte Beobachtungen, von Shakespeare beherrscht, aber sie ist auch in Ben Jonson, Francis Beaumont und John Fletcher, Thomas Middleton, Thomas Dekker erfolgreich.

Die elisabethanische Komödie hatte eine ganz andere Bedeutung als die moderne Komödie. Eine Komödie von Shakespeare ist eine, die ein glückliches Ende hat, normalerweise mit Ehen zwischen unverheirateten Charakteren, und einem Ton und Stil, der heller ist als andere Teile von Shakespeare.

Die spanische Komödie
Das Spanische Goldene Zeitalter (Siglo de Oro in Spanisch) ist die kulturelle Einflussperiode Spaniens in Europa vom 16. bis zum 17. Jahrhundert. Es ist eine Zeit großer literarischer und künstlerischer Vitalität in Spanien und den spanischsprachigen Ländern Lateinamerikas
Die spanische Komödie vom Ende des 16. Jahrhunderts (hauptsächlich comedia), führt alle Arten von Intrigen mit Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Moreto y Cabaña, Fernando de Rojas, und beginnt mit Pedro de Alarcón, die „Komödie von Charakter „, die direkt Pierre Corneille (mit dem Lügner 1652) inspirieren wird.

Die spanische Komödie versucht, die Phantasie durch das romantische Interesse der Handlung und nicht durch die Wahrheit des menschlichen Herzens zu fesseln. Der Charakter verschwindet und wird von der dominanten Leidenschaft absorbiert. Phantasie herrscht und auch Leidenschaft.

Das Theater ist beunruhigt über die Plausibilität des Romans und die Wahrheit des Charakters. Ein junger Liebesreiter und die junge Doña, in die er verliebt ist, werden inszeniert; sie sind durch alle möglichen Hindernisse voneinander getrennt, unflexible Eltern, eifersüchtige Wächter, erbitterte Rivalen, die Distanz der Ränge; durch die Vorkommnisse einer komplizierten Intrige folgen wir mit neugierigem Interesse den List und Bemühungen, mit denen sich die beiden Liebenden zu vereinigen suchen.

Von vielen als das größte spanisch geschriebene Werk betrachtet, ist Don Quijote einer der ersten Romane, die in Europa veröffentlicht wurden. Dieser Roman, wie die Welt, in der sein Autor lebt, Miguel de Cervantes, ist an der Grenze des Mittelalters und der Neuzeit. Der zweite Band erscheint 1615, ein Jahr vor dem Tod des Autors. Don Quijote ist sowohl ein mittelalterlicher Roman – ein ritterlicher Roman – und ein Roman aus der damals entstehenden Ära. Das Buch ist eine Parodie auf mittelalterliche Manieren und das ritterliche Ideal und eine Kritik der sozialen Strukturen einer rigiden spanischen Gesellschaft, die als absurd gilt. Don Quijote ist ein wichtiger Meilenstein in der Literaturgeschichte, und die Interpretationen, die wir geben, sind vielfältig, rein komisch, soziale Satire, politische Analyse.

Zeitgenössische Cervantes, der Dramatiker Lope de Vegais berühmt für seine Dramen, vor allem diejenigen auf der Grundlage der Geschichte des Landes. In den Hunderten von Stücken, die er schrieb, übernahm Lope de Vega wie Cervantes einen komischen Ansatz, der beispielsweise ein konventionelles moralisches Spiel in ein humorvolles und zynisches Werk umwandelte. Sein Hauptziel ist es, sein Publikum abzulenken. Die Mischung aus moralischen Elementen, Komik, Drama und populärem Genie macht ihn zu einem Cousin Shakespeares, mit dem er oft verglichen wird und dessen Zeit er ist. Als Gesellschaftskritiker greift Lope de Vega, wie auch Cervantes, viele der alten Institutionen des Landes an, darunter Aristokratie, Ritterlichkeit, Starrheit der Manieren … Diese beiden Schriftsteller stellen eine künstlerische Alternative zur Askese eines Francisco Zurbarán dar. Jahrhundert, Lope de Vega „Mantel und Schwert“ Stücke mischen Abenteuer, romantische Intrigen und Komödie beeinflussen seinen literarischen Erben, Pedro Calderón de la Barca.

Komödie in England im 17. Jahrhundert

Charles II genoss die Komödien der Restauration.
Die Komödie der Restauration bezieht sich auf die Komödien, die seit der englischen Restauration (1660) bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts geschrieben und aufgeführt wurden. Nach dem Verbot öffentlicher Theateraufführungen, die 18 Jahre lang vom puritanischen Regime Cromwells auferlegt wurden, markiert die Wiedereröffnung der Theater 1660 die Wiedergeburt des englischen Theaters. Wenn der Beginn dieser Periode durch die Thronbesteigung Karls II. Vollkommen definiert ist, ist sein Enddatum eher vage. Es übersteigt jedoch den Tod Karls I. im Jahre 1685, der den strengen Sinn des Endes der Restauration kennzeichnet, und greift auf die Regentschaften Jacques II. Auf Wilhelm III. Und sogar auf Anne I. zurück.

Erneuerung der Komödie in Frankreich im 17. Jahrhundert

Umsetzung des klassischen Theaters im frühen 17. Jahrhundert
In Frankreich erscheinen zu Beginn des 17. Jahrhunderts mehrere Neuheiten. In der Tat fasziniert der Beruf des Komödianten, auch wenn er von der Kirche und einem Teil der Meinung verachtet wird, mehr und mehr. Und Frauen können endlich auf die Bühne kommen.

Im Jahr 1629 erscheint Melite von Pierre Corneille, er nannte in der ersten Ausgabe von „Comic-Stück“ und nicht Komödie, neue Form der „romantischen Komödie“ auf Herzschmerz Herz und eine neue Konzeption des theatralischen Dialog, die er selbst beschreiben dreißig Jahre später als das „Gespräch der ehrlichen Leute“, weit weg von den komischen Formen dann bekannt als Farce und die italienische Komödie.

Im Jahr 1630 wird das Theater von Richelieu als offizielle Kunst anerkannt. Und die Regel von drei Einheiten wird 1630 im Brief an das Drama von John Kaplan, Berater von Kardinal Richelieu empfohlen. Sie sind viel von der theatralischen Sprache der Zeit, sie sind charakteristisch für das, was später klassisches Theater genannt wurde. Sie werden 1634 im Meisterwerk von Jean de Mairet, Sophonisbe, vorgestellt.

Von 1640 bis 1656 ist die Komödie von Mantel und Schwert in Frankreich in Mode. Es wird durch galante Tragikomödie ersetzt.

Der Abt von Aubignac spielt eine wichtige Rolle, weil er in The Practice of the Theatre 14 1657 das antike Theater und das zeitgenössische Theater analysiert und Prinzipien formuliert, die die Grundlagen des klassischen Theaters mit der Herrschaft der drei Einheiten bilden: der Herrschaft von Anstand, der verpflichtet ist, auf der Bühne nur das zu vertreten, was die Öffentlichkeit nicht schockiert.

In diesem vom Klassizismus geprägten Jahrhundert ist die Unterscheidung zwischen theatralischen Genres klar: Tragödie und Komödie haben ihre eigenen Eigenschaften, die ein Autor respektieren muss (es gibt jedoch einige Formen „gemischt“: Der Cid, Pierre Corneille, ist also eine Tragikomödie). Was die Tragödie anbetrifft, muss die französische klassische Komödie die Regel von drei Einheiten befolgen.

Die Komödie, Ludwig XIV
Im 17. Jahrhundert erfand Molière im königlichen Hof Ludwig XIV. 1661 das Komödie-Ballett von Jean-Baptiste Lully und benutzt die Burleske häufig im Theater von 1662 in der Schule für Frauen.

Auch wenn der Klerus dem Theater mehrheitlich feindlich gesinnt ist und die Akteure exkommuniziert werden müssen, gelingt es Corneille und Molière, sich durchzusetzen. Corneille wandte sich dem Schreiben der Tragödie zu, während sich Molière (trotz seiner Vorliebe für die Tragödie) der Komödie zuwandte; es sei denn, es ist Corneille, der an Stelle von Molière alles geschrieben hat (siehe die Vaterschaft der Werke von Molière).

La France, von Italien und Spanien in seiner literarischen Renaissance übertroffen, beginnt damit, sie als Modelle zu nehmen. Das ist es, was Molière zuerst macht, bevor er sich differenziert („Molière selbst entlehnt sich lange den italienischen und spanischen Szenen und Zeichnungen seiner ersten Komödien, er beginnt damit, fremde Modelle zu kopieren, bevor er selbst originell wird“).

Inspiriert von der Farce und der Commedia dell’arte, die im fliegenden Arzt zu finden ist, erfindet Molière 1662 die Comédie de caractère in der Schule der Frauen neu (in George Dandin finden wir die Charakterkomödie) oder der verwirrte Mari, der Misanthrop, der Geizige …), und erfindet die Komödie der Sitten in Doktor trotz allem im Jahr 1666 neu. So hat Molière das Comedy-Theater zu einer eigenen Kunst gemacht und nicht mehr als Sub -gen im Vergleich zu Tragedy.

Die romantische Komödie
Die Fabeln von La Fontaine setzen eine mittelalterliche französische Tradition fort, komische Geschichten und Satire sozialer Sitten, deren Schauspieler tierische Verkörperungen sind, wie der römische Renart, wo wir die Anekdote des „Raben und Fuchses“ finden, mit Moral, oder wie Marie de Frankreich, wo wir die erste Version des „Wolf und das Lamm“ finden.

La Fontaine hat auch eine Arbeit der Übersetzung und Anpassung alter Texte, wie die Fabeln von Äsop (zum Beispiel „Die Zikade und die Ameise“), Phèdre, Abstémius, aber auch Texte von Horaz, von Livius („die Glieder und die Magen „), apokryphische Briefe von Hippokrates (“ Demokrit und die Abderitianer „), und viele andere, sie bilden eine Summe der klassischen lateinischen und griechischen Kultur und öffnen sich sogar in der zweiten Sammlung in der indischen Tradition.

Einfluss in ganz Europa bis ins 18. Jahrhundert
Die von Molière aufgezwungenen Komödien von Manieren und Charakteren dienten als Modell in ganz Europa, sogar für englische Autoren, die für die Komödien von William Congreve die Kühnheit und Verbitterung des elisabethanischen Theaters aufgegeben und auch das gesamte Theater beeinflusst hatten. Europäischer Comic während eines Teils des 18. Jahrhunderts (Moratín, in Spanien; Carlo Goldoni in Italien).

Komödie in Frankreich im 18. Jahrhundert
Im 18. Jahrhundert erscheint in Frankreich das Copyright Theater, wie das von Marivaux und Beaumarchais. In der Aufklärung erscheinen die „Einheiten“, die als essentiell für das 17. Jahrhundert anerkannt sind, wie sie (nach Boileau ua) den Partien eine größere Glaubwürdigkeit verleihen, nach und nach als Fesseln, deren Verfasser sie rückgängig machen wollen. Außerdem sind die Aufklärungsphilosophen heftig gegen den Klerus und seine autoritäre Haltung gegenüber dem Theater. Die „freien Geister“ glauben, dass das Theater nicht nur eine unschuldige Unterhaltung, sondern auch ein pädagogisches Mittel ist: Voltaire und Diderot unterstützen die Idee, dass die Darstellung von Lastern und Tugenden kann den Menschen „erleuchten“. Dieses Jahrhundert der Aufklärung sieht Satire (Alain René Lesage in Frankreich, Sheridan in England) und die Analyse von Gefühlen (Marivaux).

In Marivaux sind die Charaktere nicht länger komische Typen oder tragische Helden, sondern Individuen, die mit Fragen nach ihrer Identität kämpfen. In einigen Komödien (z. B. Double Inconstancy) verbergen die Charaktere ihre Identität zu ihren versprochenen und nehmen das Kostüm ihres Kammerdieners (oder ihres nächsten). Jeder möchte sein Versprechen maskiert erfahren – aber er selbst hat auch in diesem Spiel Masken entdeckt. Die Sprache von Marivaux überträgt die Momente der Verführung zwischen den Helden und die Verhöre der Charaktere auf ihre eigenen Gefühle zurück: es ist die „Marivaudage“.

Dieses Zeitalter der Aufklärung, das willig mit Emotion und Pathos spielt, schafft mit Nivelle de La Chaussée die Komödie „tränenreich“ oder sentimentale und romantische Komödie mit Gotthold Ephraim Lessing, während Denis Diderot in der Komödie „Serious“, inkarniert von Michel Jean Sedaine, ein Gegenstück zum bürgerlichen Drama.

Beaumarchais, mit Der Barbier von Sevilla oder Die Hochzeit des Figaro, gibt dem Charakter des Kammerdieners eine entscheidende Bedeutung. Der Kammerdiener war schon vorher eine wichtige Persönlichkeit (in Molière zum Beispiel mit Scapin, Sganarelle, etc.), aber er ist in Beaumarchais und trägt Ansprüche auf Gerechtigkeit und soziale Gleichheit. Beaumarchais ist somit ein Vorläufer der Französischen Revolution und der Meinungsfreiheit, die so in seinem Stück Le Mariage de Figaro zusammengefasst ist: „Ohne die Freiheit zu tadeln, gibt es kein schmeichelhaftes Lob.“ Er wird einen Tribut in dem Film Beaumarchais, der Unverschämte, haben (mit Fabrice Luchini).

Das vom italienischen Theater und der Commedia dell’arte übernommene Theater der Messe (improvisierte Komödie und Farce kombinierend) verwandelt sich in eine komische Oper (die ihrerseits Comédie-Ballett erbt).

Komödie in Frankreich im 19. Jahrhundert
Im 19. Jahrhundert werden die Regeln des 17. Jahrhunderts (Einheiten, Anstand) dauerhaft aufgegeben. Die Autoren der Romantik wollen ein anderes Theater. Sie wollen eine Art von Stück, die Geschichte und Macht in einem Stil darstellen kann, der nicht mehr der Anständigkeit unterliegt. Victor Hugo spricht von den Einheiten als „Käfig“ und erklärt provokativ: „Ich habe diesen großen albernen Alexandriner ausgerenkt.“

Alfred de Musset, ein weiterer romantischer Autor, zeichnet sich dadurch aus, dass er schnell genug aufgibt, um seine Stücke darstellen zu lassen. Nach dem Scheitern der Venezianischen Nacht schrieb er Dramen und Komödien, in Prosa, junge Menschen in Liebe und groteske und autoritäre alte Charaktere, in mehreren Sätzen, schwer zu inszenieren. Das Theater, mit Musset, ist geschaffen, mehr gelesen zu werden (und vorgestellt) als gesehen zu werden.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts werden Pantomime und Pantomime (Marionette) vom Schauplatz der Messe wiederaufgebaut und erhalten ihre heutige Form. Unter dem Zweiten Kaiserreich findet im Boulevardtheater (in dem es im Film Die Kinder des Paradieses eine Hommage geben wird) eine letzte Verwandlung des Varieté-Theaters statt. Angesichts dieser nicht-literarischen Repertoires des komischen Theaters gelingt es der Comédie-Française, die noch sehr jung ist, den Standards der Dramaturgie Respekt zu verschaffen, die sie symbolisch zu einer wichtigen Institution, Garanten der Traditionen werden lässt.

Die russische Komödie Belle Epoque
Das russische Theater Belle Epoque (vom Ende des 19. Jahrhunderts bis Anfang des 20. Jahrhunderts) greift auf die komischen Szenen unter „Ernst“ zurück. So oszilliert in Chekhovs Stücken die Malerei einer verwesenden Gesellschaft mit ihrer Galerie von bemitleidenswerten Figuren ständig zwischen dem Grotesken und dem Tragischen.

Komödie aus dem 20. Jahrhundert
Nach dem Schock des Ersten Weltkrieges und dem Aufstieg des Faschismus in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, erscheint mehr Tragik (Cocteau, Jean Anouilh, Jean Giraudoux), dass Komödie und Tragödie wie von alten Mythen erscheint.

Diversifikationsgenres im Theater
Im 20. Jahrhundert nimmt das Theater verschiedene Kanäle auf – die Autoren graben und diversifizieren heute noch.

Einige Teile gehen weiter in die Richtung der Sittenkomödie, die schon im 17. Jahrhundert vorhanden war und die Ende des 19. Jahrhunderts mit Georges Feydeau und Eugène Labiche (Vaudeville-Autoren) erneut Erfolge feierte.

Zur gleichen Zeit erscheint ein Theater der „Subversion“: Alfred Jarry, mit Ubu König, präsentiert ein Stück zum Schock gemacht (die erste Zeile ist ein klares „Merdre!“). In einer gewissen Nähe zur Dada-Bewegung oder zum Surrealismus lehnt dieses Theater jegliche Psychologie der Charaktere ab, die eine grobe, fast abstrakte Darstellung des Menschen bevorzugen.

Im vollen Zweiten Weltkrieg erscheint das Theater des Absurden (Eugène Ionesco, Samuel Beckett): Durch das alte Umschreiben ist es das Ziel, die Mythen zu zerstören, indem man die gleichen Helden, die gleichen Themen nimmt und sie degradiert, passieren zu können aus dem tragischen Register im Comicregister. Sie hinterfragen in ihren Werken den theatralischen Charakter, die Art von Stücken (Ionescothus behauptet, dass „das Komische die andere Seite des Tragischen ist“) und die Sprache selbst. Schreie und scheinbar bedeutungslose Antworten folgen einander, um ein lustiges und beängstigendes Bild der Menschheit zu geben.Die Szene spielt sich in einem Klima der Katastrophe ab, aber die Comic muss sich auch über das Absurde zu überzeugen. Die Charaktere haben oft getriebene Reaktionen.

Das Boulevardtheater, nach der Boulevard du Crime 1862 wurde zum ersten Mal im Jahr 1944 eröffnet.

Literatur Comedy
Marcel Proust, in der Suche nach der Verlorenen Zeit, die nicht ein Comic-Roman ist, ist verschieden, Formen der Komik:

Comic-Charakter und Gesten: M bin Verdurin verkörpert die Karikatur von falscher Freundlichkeit, eine Parodie auf Kultur und Auszeichnung , und Madame de Cambremer …
Situationskomik: Der Großvater des Erzählers möchte sein Enkel eine Empfehlung, wenn er in Balbec heilt … ohne Erfolg … Herr Legrandin verschiedene Strategien, um das Gespräch des Großvaters abzulenken.
Wortwelten: Zeugma: Madame Verdurin spricht im Ton des Christus mit den Vertrauten des kleinen Clans …

Neue Formen der Komödie
im 20. Jahrhundert diversifiziert die Komödie in Musik, Film, Fernsehen und in theatralischen Formen (Sketch, Stand-up und neue Formen der Improvisation).