In senso moderno, la commedia si riferisce a qualsiasi discorso o lavoro generalmente inteso a essere umoristico o divertente inducendo risate, specialmente in teatro, televisione, film, cabaret o qualsiasi altro mezzo di intrattenimento. Le origini del termine si trovano nell’antica Grecia. Nella democrazia ateniese, l’opinione pubblica degli elettori è stata influenzata dalla satira politica eseguita dai poeti dei fumetti nei teatri. Il genere teatrale della commedia greca può essere descritto come una performance drammatica che mette due gruppi o società l’uno contro l’altro in un divertente agone o conflitto. Northrop Frye dipinse questi due lati opposti come una “Società della gioventù” e una “Società del vecchio”. Una visione rivista caratterizza l’agone essenziale della commedia come una lotta tra una gioventù relativamente impotente e le convenzioni sociali che ostacolano le sue speranze. In questa lotta, il giovane è inteso essere costretto dalla sua mancanza di autorità sociale, ed è lasciato solo una piccola scelta, ma ricorrere alle astuzie che generano un’ironia molto drammatica che provoca risate.

La satira e la satira politica usano la commedia per ritrarre persone o istituzioni sociali ridicole o corrotte, alienando così il loro pubblico dall’oggetto del loro umorismo. La parodia sovverte generi e forme popolari, criticando quelle forme senza necessariamente condannarle.

Altre forme di commedia includono la commedia screwball, che deriva il suo umorismo in gran parte da situazioni o personaggi bizzarri, sorprendenti (e improbabili) e commedia nera, caratterizzata da una forma di umorismo che include aspetti più oscuri del comportamento umano o della natura umana. Allo stesso modo umorismo scatologico, umorismo sessuale e umorismo razziale creano commedie violando convenzioni sociali o tabù in modi comici. Una commedia di maniere prende tipicamente come soggetto una parte particolare della società (di solito la società dell’alta società) e usa l’umorismo per parodiare o satirizzare il comportamento e il manierismo dei suoi membri. La commedia romantica è un genere popolare che raffigura il romanticismo fiorente in termini umoristici e si concentra sui punti deboli di coloro che si innamorano.

Storia

Gli inizi della commedia nell’antichità greco-romana
La commedia e la tragedia, la cui rappresentazione risale al VI secolo aC. D.C. e V secolo a. D.C., hanno un’origine religiosa, legata al culto di Dioniso.

“Dato che questa adorazione portava a turno sacrifici funebri o solennità felici per celebrare il lutto dell’inverno o il brillante risveglio della primavera, si poteva vedere a turno la cerimonia sacra trasformarsi nel dramma delle lacrime o nella tragedia della gioia. processioni di criminali ubriachi e camuffati in Padri e Satiri guidarono il loro carnevale religioso attraverso il villaggio, e usarono la licenza del festival, per interrompere i loro inni di apostrofi satirici indirizzati alla folla. A poco a poco questi interludi di lazzis assumono un aspetto più drammatico forma, i jolly rendono la satira più pungente, interpretando i personaggi che hanno attaccato: questo spettacolo si trasforma in scene di caricature, questo è stato il luogo di nascita di Comedy “.

Queste esibizioni si svolgono a feste organizzate dallo Stato. Due volte all’anno, raccolgono cittadini attorno a una competizione tra tre autori selezionati in anticipo. Durante i tre giorni di cerimonie, questi rappresentano diversi pezzi ciascuno. Quindi, il pubblico partecipa a circa quindici spettacoli, dalla mattina al tramonto. Questo modo di vedere il teatro è molto diverso da quello che abbiamo oggi, ad eccezione di alcuni festival.

La posizione di queste rappresentazioni è un edificio a cielo aperto, in grado di ospitare un vasto pubblico, occupando gli stand. Di fronte a lui è la scena, sopra la quale un balcone può vedere apparire gli dei. C’è anche una buca dell’orchestra, uno spazio circolare nel quale c’è un altare dedicato a Dioniso e riservato al coro (quindi situato entrambi “con” gli attori, e separato da loro).

Il coro è composto da un certo numero di coristi, che si occupano della parte lirica dello spettacolo (la canzone). Era accompagnato all’inizio di un attore (il protagonista), poi ne abbiamo aggiunti altri due: il deuteragonista e il tritagonista. Con l’evoluzione del teatro, la parte lirica è diminuita, a favore del dialogo.

A quel tempo, tutti i ruoli sono tenuti da uomini, indossando maschere: il volto dell’attore non esprime una psicologia sfumata e le sfumature dell’emozione passano dal tono e dai gesti. Gli attori indossano tuniche colorate, il colore per aiutare il pubblico a distinguere i diversi ruoli. Le opere greche sono composte da un certo numero di “momenti” precisi: un prologo, poi l’ingresso del coro (“parodos”), poi episodi tagliati da canti del coro, infine l’uscita del coro (“exodos”) .).

Gli inizi della letteratura nella commedia
Per favola di Esopo si intende una serie di favole in prosa attribuite ad Esopo, scrittore greco che visse nel tardo settimo e all’inizio del VI secolo aC. ANNO DOMINI. Era della Tracia, vicino al Mar Nero.

Le favole di Esopo erano prose e concise, La Fontaine ne metteva in versi come Phèdre, Avianus e Charles Perrault, per nominare solo i più famosi fabulisti.

Commedia ateniese nell’età di Pericle
Nel 5 ° secolo aC. Durante il secolo di Pericle, in piena democrazia ateniese, il poeta Cratinos creò la Vecchia Commedia come un’istituzione di opposizione politica. Così, con la vecchia commedia, il teatro si trasforma in tribuna.

Se non abbiamo conservato nulla di Cratinos, Frrynico il Comico, Eupolis, Ferecrate, Platone il fumetto, Crate, Phormis e tanti altri, d’altra parte abbiamo undici pezzi di Aristofane che possono darci un’idea sufficiente di questo fantastico dramma pieno di immaginazione e poesia.

Questi pezzi abbracciano una tale varietà di oggetti e si mescolano così fortemente con gli eventi del tempo che, forse persino meglio della storia di Tucidide, ci rendono consapevoli della situazione di Atene in quel momento. ”

Ma mentre il secolo di Pericle finisce, la libertà ateniese e la vecchia commedia tendono a scomparire. Escluso dalla politica, condannato ad astenersi dalle personalità, cerca nella vita privata una nuova materia, e si attacca alla satira generale delle passioni, delle traversate e degli umori degli umani. Tuttavia, questa metamorfosi non viene eseguita in un giorno. Tra la vecchia commedia e la nuova commedia c’è stato un periodo di transizione indeciso, quello di Antiphane, Eubulos, Alexis, che si chiamava Medium Commedia, dove, come la scena siciliana, ci siamo divertiti a mascherare gli episodi della mitologia. nella commedia popolare d’Italia (che sarà trovata più tardi nella Commedia dell’arte)

Nuova commedia sotto la monarchia macedone
La nuova commedia (nota anche come Nea) inizia nella seconda metà del XV secolo aC. ANNO DOMINI. Fu quasi fino alla monarchia macedone che un grande poeta, Menandro, alla fine tirò fuori da questi disegni la vera commedia di costume e carattere, come la concepiamo ancora oggi.

Diphile e Filemone erano, con Menandro, i principali autori della Commedia Nouvelle.

La commedia dorica
Questo altro tipo di commedia greca si sviluppò in varie città doriche, come Megara, Sparta … La commedia dorica era rappresentata da tre poeti, Epicharme, Phormis e Dinoloque. Non era democratico, come la commedia ateniese: protetto da due re, Gelon e Hieron, rimaneva estraneo a quello spirito di satira politica che contraddistingue la vecchia commedia di Atene. Conservava, con un carattere di gravità filosofica, il rispetto dei potenti; e le discussioni filosofiche erano molto importanti.

La commedia romana
Come ad Atene, il teatro romano ha una dimensione religiosa: le rappresentazioni sono legate al culto di Bacco. Come ad Atene anche la dimensione politica è presente, dal momento che il teatro si svolge durante i Giochi, o durante importanti cerimonie che riuniscono le persone. Cantare, ballare, la musica accompagnano ancora il testo: il teatro è uno “spettacolo totale”.

Gli accessori sono più numerosi che nel teatro greco: appare il sipario, i costumi a volte sontuosi, il macchinario cresce. Le maschere sono sempre presenti.

Sul palcoscenico, nessun “decoro” nel senso moderno: poche porte, che significano una casa o un palazzo, e talvolta un meccanismo per rivelare un dio che recita una filippica – da qui l’espressione “deus ex machina”.

Nell’impero romano, la farsa, gli Atellane, eseguiti da attori mascherati, che godevano di favore popolare e erano alla fonte della Commedia dell’arte (che rende le maschere molto simili alle maschere attuali della Commedia dell’arte), esisteva prima che la nuova commedia ateniese fosse tradotta al suo uso. Inoltre, la commedia dedicata alla pittura dei costumi romani (comoedia togata, suonata in toga) non ha mai raggiunto il successo dell’atellane.

La commedia greca (nuova commedia ateniese) fu portata da Livio Andronico (280 aC – 204). La popolazione illuminata non voleva nient’altro che i giochi greci. La nuova commedia viene esportata a Roma, dove sarà adattata al III secolo come la comedia palliata (in cui gli attori indossano l’abito greco, il pallio) e ampiamente ripreso da Plauto e Terenzio. In effetti, tutti i pezzi che abbiamo conservato da Plaute e Terence (incluso Molière a volte è stato ispirato) sono solo traduzioni di commedie greche.

Dalla dittatura di Sylla (iniziata nell’82 dicembre aC), Atellane fu sostituito da Mime. Le commedie di Plauto non cessarono di essere suonate in tutto l’Impero fino all’invasione dei tedeschi.

Così, la commedia come genere teatrale si sviluppò in Europa nell’antichità greco-romana, dove condivideva con la tragedia i teatri costruiti nell’impero romano.

La commedia romana, la letteratura
Dalla Grecia, la favola passa a Roma. Horace propone un notevole adattamento del Rat Town e del Field Rat (Satires, II) che alcuni critici considerano superiore alla versione di Jean de La Fontaine. Sarà seguito da Fedro che, come Esopo, nacque in Tracia e fu schiavo prima di essere liberato da Augusto. Gli dobbiamo sei libri di favole, il primo dei quali si apre con Il lupo e l’agnello. Con questa collezione interamente scritta in versi, Phèdre renderà davvero la favola un genere poetico a sé stante. Non si accontenta di adattare Aesop in latino, ma è anche originale: delle 126 favole della sua collezione, meno della metà sono prese direttamente in prestito da Aesop. Anche se queste favole non gli attirano la gloria durante la sua vita, Phèdre emulerà.

Il poeta Babrius, un contemporaneo romano ellenizzato con Fedro, riscrive le favole esopiche in greco e le mette in versi. È conosciuto da due raccolte, per un totale di 123 favole.

La moda della favola cresce nel mondo greco-romano. Ci sono vari riferimenti alle favole nell’autore greco Lucien de Samosate (120-180), in particolare quello delle scimmie ballerine, che gioca sull’opposizione tra l’innato e il tema comune acquisito a molte favole, tra cui a La Fontaine e Florian 6. Nel XV secolo, il poeta romano Aviano ammise 42 adattamenti per lo più di Fedra, ma molti che non sono attestati altrove sono ben costruiti. Il suo contemporaneo, il greco Aphthonios ha lasciato una raccolta di 40 favole in prosa.

Attraverso il settore latino, le favole di Esopo passeranno nel Medioevo e ispireranno innumerevoli successori.

La commedia nel Medioevo in Europa
Dopo il crollo della cultura antica, il Medioevo, che ignora la parola “commedia”, reinventa molte forme di teatro comico. Il teatro si svolge in strada (teatro di strada), sotto forma di misteri, favole, barzellette, soties o persino mimi. Alcuni di questi generi sono più o meno ispirati alle sopravvivenze di generi antichi come Atellan.

In effetti, la tradizione dei giocolieri e il gusto dell’intrattenimento parodistico tra i chierici si esprimono nel Medioevo in un’ampia varietà di pezzi di carattere satirico e didattico:

diavoli, che sono inclusi nei misteri religiosi

le barzellette, che sono brevi pezzi con tipi popolari di vita quotidiana (il contadino, la donna, il prete, il nobile, ecc.) e una situazione semplice sullo sfondo della morale tradizionale
i soties (che appaiono ai secoli XV e XVI), focalizzati sul “pazzo” (una specie di clown prima del tempo) e che usano tutte le libertà della satira.

Dal 12 ° secolo, la borghesia (abitanti della città), ha una sua letteratura, una vera satira sociale prima della lettera. È essenzialmente malizioso, pittoresco, ma molto spesso realistico. Siamo ancora essenzialmente delle favole (Estula, Il levriero e il serpente, The Three Blind Compiègne), la Reynard the Fox e, più tardi, le farse (The Farce of Master Pathelin, XV secolo).

Nel 13 ° secolo, il teatro gioca sul villaggio verde o città. Gli spettatori sono “borghesi” (abitanti del distretto), mentre le corti dei signori preferiscono spettacoli di tornei, balletti, ecc.

Nel 14 ° secolo e 15 ° secolo, gli spettacoli diventano a pagamento. Di conseguenza, il teatro è sempre più spesso giocato in spazi chiusi piuttosto che nella piazza principale. Pochi set sono usati nel Medioevo: a volte siamo soddisfatti dei segni che indicano il luogo. Ma i macchinari si stanno sviluppando, al fine di creare “effetti speciali”.

Sempre nel Medioevo, il ruolo di Bouffon è quello di far ridere le persone: intrattengono, usano l’insolenza e talvolta sono consiglieri; i più noti sono gli sciocchi di re e signori. Inoltre, il XV secolo, François Ier, creò una scuola pazza.

Commedia in Francia sotto l’umanesimo
Nel XV secolo, Rabelais scrisse Gargantua diventando il primo autore ad aver usato il burlesque nelle sue opere. Le sue opere principali, come Pantagruel (1532) e Gargantua (1534), entrambe le cronache, racconti con i loro personaggi di giganti, la parodia eroica-comica, l’epica e il romanzo cavalleresco, ma che prefigurano anche il realistico, satirico e filosofico romanzo, sono considerati come una delle prime forme di romanzo tematico.

Negli anni 1456-1460 pubblicò una delle rare commedie del tempo The Farce of Master Pathelin. Sempre il XV secolo appare la Morale, con figure allegoriche che rappresentano i vizi e le virtù degli uomini e dei difetti della società

Nel XVI secolo, gli studiosi creano la commedia umanistica, per opporsi alla tradizione medievale del ripieno e tornare alle radici della commedia latina. Le commedie umanistiche sono le prime “commedie regolari” nella storia del teatro francese. Questo nome significa commedie composte a imitazione della commedia romana e che rispettano le regole formali, in contrapposizione a battute, succhi, moralità e altri giochi teatrali del tempo designati con lo stesso termine di “commedia”, che includevano nel vocabolario corrente tutti felici spettacoli finali (e che saranno tutti vietati con questo nome dall’editto del Parlamento di Parigi dal 1588 al 1594).

Inoltre, dal miscuglio di Ripieno di Morale nasce Sottie, che, sotto il regno di Luigi XII in particolare, richiama la vecchia commedia ateniese, almeno per malizia e audacia nel dire tutto.

La commedia oscura nel declino della Francia dalla metà del XVI secolo
A metà del XVI secolo, il mistero (vale a dire il genere teatrale più prestigioso) è proibito. In effetti, la Chiesa ora crede che la fede deve essere l’attività dei dotti, non degli attori (il teatro è nella lista nera della Chiesa che lo accusa di mentire sulla realtà). Quindi, nonostante qualche resistenza, il teatro sprofonda nel declino. Sarà necessario attendere una ridefinizione di quest’arte in modo che richieda nuovamente coerenza.

Commedia in Europa sotto il Rinascimento
Durante il Rinascimento, scrittori di tutta Europa volevano tornare alle fonti del teatro e alla commedia latina appropriata. Il termine “commedia” è una commedia ispirata alla commedia latina e che rispetta le sue regole formali, mentre si oppone a varie forme di commedie medievali.

Nel XV secolo (in Italia), i primi modelli apparvero nella commedia “regolare”, seguiti nel XVI secolo da Aretino, Machiavelli (Mandrake) e Trissino. Molto presto, spicca la commedia italiana, con Giordano Bruno (il lampadario) e Ruzzante, che dialoga in dialetto popolare padovano e trova il suo stile nell’improvvisazione della commedia dell’arte.

Commedia italiana
La commedia italiana, il 16 ° secolo, vede apparire la commedia dell’arte che soppianta la commedia regolare; la sua influenza sarà considerevole sull’evoluzione delle tecniche teatrali.

Commedia shakespeariana ed elisabettiana
In Inghilterra, alla fine del 16 ° secolo, la commedia elisabettiana, nutrita di osservazioni, è dominata da Shakespeare, ma ha anche successo in Ben Jonson, Francis Beaumont e John Fletcher, Thomas Middleton, Thomas Dekker.

La commedia elisabettiana aveva un significato molto diverso dalla commedia moderna. Una commedia di Shakespeare è una che ha un lieto fine, che di solito coinvolge matrimoni tra personaggi non sposati, e un tono e uno stile che è più leggero di altre parti di Shakespeare.

La commedia spagnola
L’età d’oro spagnola (Siglo de Oro in spagnolo) è il periodo di influenza culturale della Spagna in Europa dal XVI al XVII secolo. È un periodo di grande vitalità letteraria e artistica in Spagna e nei paesi di lingua spagnola dell’America Latina
La commedia spagnola della fine del XVI secolo (principalmente comedia), attua ogni tipo di intrigo con Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Moreto e Cabaña, Fernando de Rojas e apre con Pedro de Alarcón, la “commedia” di carattere “, che ispirerà direttamente Pierre Corneille (con il Bugiardo nel 1652).

La commedia in Spagna cerca di catturare l’immaginazione dall’interesse romantico della trama, piuttosto che dalla verità del cuore umano. Il personaggio scompare ed è assorbito dalla passione dominante. L’immaginazione prevale e, anche, la passione.

Il teatro è a disagio per la plausibilità del romanzo e la verità del personaggio. Un giovane cavaliere d’amore e la giovane doña di cui è innamorato sono in scena; sono separati da ogni sorta di ostacoli, genitori inflessibili, un guardiano geloso, rivali feroci, la distanza dei ranghi; attraverso gli episodi di un complicato intrigo, seguiamo con curioso interesse le astuzie e gli sforzi con cui i due innamorati si sforzano di unirsi.

Considerato da molti come la più grande opera scritta in spagnolo, Don Chisciotte è uno dei primi romanzi pubblicati in Europa. Questo romanzo, come il mondo in cui vive il suo autore, Miguel de Cervantes, si trova ai confini del Medioevo e dei tempi moderni. Il secondo volume è pubblicato nel 1615, un anno prima della morte dell’autore. Don Chisciotte è sia un romanzo medievale – un romanzo cavalleresco – sia un romanzo dell’epoca allora nascente. Il libro è una parodia dei modi medievali e l’ideale cavalleresco e una critica delle strutture sociali di una rigida società spagnola vissuta come assurda. Don Chisciotte è un’importante pietra miliare nella storia della letteratura, e le interpretazioni che diamo sono molteplici, puramente comiche, satira sociale, analisi politica.

Il contemporaneo Cervantes, il drammaturgo Lope de Vegais famoso per i suoi drammi, specialmente quelli basati sulla storia del paese. Nelle centinaia di opere teatrali che ha scritto, Lope de Vega ha adottato, come Cervantes, un approccio comico, trasformando per esempio un gioco morale convenzionale in un’opera umoristica e cinica. Il suo obiettivo principale è quello di distrarre il suo pubblico. La miscela che fa di elementi morali, commedia, dramma e genio popolare, lo rende cugino di Shakespeare, al quale viene spesso paragonato e di cui è contemporaneo. Come critico della società, Lope de Vega attacca, come anche Cervantes, molte delle vecchie istituzioni del paese, tra cui l’aristocrazia, la cavalleria, la rigidità delle maniere … Questi due scrittori costituiscono un’alternativa artistica all’ascetismo di un Francisco Zurbarán. secolo, i pezzi di “cappa e spada” di Lope de Vega mescolano avventure, intrighi romantici e comicità al suo erede letterario, Pedro Calderón de la Barca.

Commedia in Inghilterra nel 17 ° secolo

Carlo II si è goduto le commedie della Restaurazione.
La commedia della Restaurazione si riferisce al tipo di commedie scritte ed eseguite dalla Restaurazione inglese (1660) fino all’inizio del XVIII secolo. Dopo il divieto di spettacoli teatrali pubblici imposto per 18 anni dal regime puritano di Cromwell, la riapertura dei teatri nel 1660 segna la rinascita del teatro inglese. Se l’inizio di questo periodo è perfettamente definito dall’adesione al trono di Carlo II, la sua data di fine è piuttosto vaga. Tuttavia supera di gran lunga la morte di Carlo II nel 1685, che segna il senso stretto della fine della Restaurazione, e invade i regni di Giacomo II a Guglielmo III e persino di Anna I re.

Rinnovamento della commedia in Francia nel 17 ° secolo

Attuazione del teatro classico all’inizio del XVII secolo
In Francia, all’inizio del 17 ° secolo appare diverse novità. In effetti, la professione di attore comico, anche se disprezzata dalla Chiesa e parte dell’opinione, affascina sempre di più. E le donne possono finalmente salire sul palco.

Nel 1629 appare Melite di Pierre Corneille, che chiamò nella prima edizione del “fumetto” e non della commedia, nuova forma di “commedia romantica” basata sul cuore spezzato e una nuova concezione del dialogo teatrale che egli stesso descriverà trent’anni dopo come la “conversazione di persone oneste”, lontano dalle forme comiche allora conosciute come farsa e la commedia italiana.

Nel 1630, il teatro è riconosciuto come arte ufficiale di Richelieu. E la regola delle tre unità è raccomandata nel 1630 nella Lettera al dramma di John Chaplain, consigliere del cardinale Richelieu. Reggente di gran parte del linguaggio teatrale del tempo, sono caratteristici di quello che in seguito fu chiamato teatro classico. Sono introdotte nel 1634 nel capolavoro di Jean de Mairet, Sophonisbe.

Dal 1640 al 1656, la commedia di cappa e spada è in voga in Francia. Sarà sostituito da una tragica commedia galante.

L’Abate di Aubignac gioca un ruolo importante, perché in The Practice of the Theatre 14 nel 1657 analizza il teatro antico e il teatro contemporaneo e disegna i principi che costituiscono le basi del teatro classico con la regola delle tre unità: la regola di decoro, che obbliga a rappresentare sul palcoscenico solo ciò che non sconvolgerà il pubblico.

In questo secolo dominato dal classicismo, la distinzione tra i generi teatrali è chiara: tragedia e commedia hanno le loro caratteristiche, che un autore deve rispettare (ci sono tuttavia alcune forme “miste”: The Cid, Pierre Corneille, è quindi una tragicommedia). Per quanto riguarda la tragedia, la commedia classica francese deve obbedire alla regola di tre unità.

La commedia, Luigi XIV
Nel XVII secolo, nella corte del re Luigi XIV che funge da mecenate, Molière ha inventato il balletto di Jean-Baptiste Lully nel 1661 e frequentemente utilizza il burlesque nel teatro dal 1662 in La scuola per mogli.

Anche se il clero è nella sua maggioranza ostile al teatro, e ritiene che gli attori debbano essere scomunicati, Corneille e Molière riescono a imporsi. Corneille si rivolse alla scrittura della tragedia, mentre Molière (nonostante la sua preferenza per la tragedia) si dedicò alla scrittura di commedie; a meno che non sia Corneille che ha scritto tutto al posto di Molière (vedi la paternità delle opere di Molière).

La Francia, superata dall’Italia e dalla Spagna nella sua rinascita letteraria, inizia prendendo a modello. Questo è ciò che Molière fa all’inizio, prima di differenziarsi (“Molière stesso prende in prestito molto tempo dalle scene di italiano e spagnolo sulla tela e sui personaggi delle sue prime commedie, inizia copiando modelli stranieri, prima di diventare lui stesso originale”).

Dopo essere stato ispirato dalla farsa e dalla Commedia dell’arte (che si trova nel medico volante), Molière reinventa la Comédie de caractère, in The School of Women nel 1662 (troveremo la commedia del personaggio in George Dandin o la confusa Mari, The Misanthrope, l’Miser …), e reinventa la Commedia dei costumi in Doctor suo malgrado, nel 1666. Così, Molière ha fatto teatro comico un’arte a sé stante e non più come un sub -genio rispetto alla tragedia.

La commedia romantica
Le Favole di La Fontaine continuano una tradizione medievale francese, storie comiche e satira costumi sociali, i cui attori sono personificazioni animali, come il Roman Renart dove troviamo l’aneddoto del “Corvo e Volpe” con la morale ambientata in adagio, o come Marie de Francia dove troviamo la prima versione del “Lupo e l’agnello”.

La Fontaine ha anche fatto un lavoro di traduzione e adattamento di testi antichi, come le Favole di Esopo (ad esempio “La cicala e la formica”), Phèdre, Abstémius, ma anche testi di Orazio, di Livio (“le arti e il stomaco “), lettere apocrife di Ippocrate (” Democrito e Abderitians “), e molti altri, costituiscono una somma della cultura classica latina e greca, e persino aperta nella seconda collezione nella tradizione indiana.

Influenza in tutta Europa fino al XVIII secolo
Le commedie di costume e carattere, imposte da Molière, servirono da modello in tutta Europa, anche agli autori inglesi, che abbandonarono la truculenza e la buffoneria del teatro elisabettiano per le commedie di William Congreve, e influenzarono anche l’intero teatro. Fumetti europei durante una parte del XVIII secolo (Moratín, in Spagna, Carlo Goldoni in Italia).

Commedia in Francia nel XVIII secolo
Nel XVIII secolo in Francia appare il teatro dei diritti d’autore, come quello di Marivaux e Beaumarchais. Nell’Illuminismo, le “unità”, riconosciute come essenziali per il 17 ° secolo come consentivano (secondo Boileau, tra gli altri) di dare maggiore verosimiglianza alle parti appaiono gradualmente come catene che i loro autori cercano di annullare. Inoltre, i filosofi illuministi sono ferocemente contrari al clero e al suo atteggiamento autoritario nei confronti del teatro. Gli “spiriti liberi” credono che il teatro non sia solo un intrattenimento innocente, ma anche un mezzo educativo: Voltaire e Diderot sostengono l’idea che la rappresentazione dei vizi e delle virtù può “illuminare” gli uomini. Questo secolo dell’Illuminismo vede la satira (Alain René Lesage in Francia, Sheridan in Inghilterra) e l’analisi dei sentimenti (Marivaux).

In Marivaux, i personaggi non sono più tipi comici o eroi tragici, ma individui che lottano con domande sulla loro identità. Così, in diverse commedie (ad esempio, Double Incostance), i personaggi nascondono la loro identità ai loro promessi, prendendo il costume del loro cameriere (o il loro prossimo). Tutti vogliono conoscere la sua promessa in modo mascherato – ma lui stesso ha scoperto anche in queste maschere di gioco. Il linguaggio di Marivaux riadatta i momenti di seduzione tra gli eroi e gli interrogatori dei personaggi sui propri sentimenti: è il “marivaudage”.

Questa Age of Enlightenment, che gioca volentieri con emozione e pathos, crea, con Nivelle de La Chaussée, la commedia “lacrime”, o commedia sentimentale e romantica con Gotthold Ephraim Lessing, mentre Denis Diderot saluta nella commedia “Serious”, incarnata da Michel Jean Sedaine, una controparte del dramma borghese.

Beaumarchais, con Il barbiere di Siviglia o Le nozze di Figaro, conferisce al personaggio del valletto un’importanza cruciale. Il posteggiatore era già un personaggio importante prima (a Molière per esempio, con Scapin, Sganarelle, ecc.), Ma è a Beaumarchais che reclamizza la giustizia e l’uguaglianza sociale. Beaumarchais è quindi un precursore della Rivoluzione francese e la libertà di opinione così riassunta nella sua opera Le Mariage de Figaro: “Senza la libertà di biasimare, non c’è lode lusinghiera.” Avrà un tributo nel film Beaumarchais, l’insolente (con Filippo Luchini).

Il teatro della fiera (che combina commedia improvvisata e farsa), ereditato dal teatro italiano e dalla Commedia dell’arte, si trasforma in un’opera buffa (che a sua volta eredita anche il balletto della Comédie).

Commedia in Francia nel 19 ° secolo
Nel 19 ° secolo, le regole del 17 ° secolo (unità, proprietà) sono definitivamente abbandonate. Gli autori del romanticismo vogliono un altro teatro. Vogliono un tipo di pezzo capace di mettere in scena storia e potere, in uno stile che non è più soggetto a proprietà. Victor Hugo parla delle unità come una “gabbia” e dichiara provocatoriamente: “Ho dislocato questo grande sciocco alessandrino”.

Alfred de Musset, un altro autore romantico, si distingue per il fatto che si arrende abbastanza velocemente da avere i suoi pezzi rappresentati. Dopo il fallimento di The Venetian Night, ha scritto drammi e commedie, in prosa, mescolando giovani innamorati e personaggi grotteschi e autoritari, in serie multiple, difficili da mettere in scena. Il teatro, con Musset, è fatto per essere letto (e immaginato) più che essere visto.

All’inizio del 19 ° secolo, la mimica e la pantomima, e il burattino (burattino) provenienti dalla scena della fiera, vengono ricostruiti e acquisiti nella forma attuale. Sotto il Secondo Impero, il teatro della fiera compie una trasformazione finale nel vaudeville nel teatro boulevard (in cui ci sarà un omaggio nel film The Children of Paradise). Di fronte a questi repertori non letterari del teatro comico, la Comédie-Française, ancora molto giovane, riesce a imporre il rispetto per gli standard di drammaturgia che la rendono simbolicamente un’istituzione importante, garante delle tradizioni.

La commedia russa Belle Epoque
Il teatro russo Belle Epoque (dalla fine del XIX secolo all’inizio del XX secolo) ricorre alle scene comiche sotto “seri”. Così nelle opere di Cechov la pittura di una società in decadenza, con la sua galleria di personaggi pietosi, oscilla costantemente tra il grottesco e il tragico.

Commedia del 20 ° secolo
Dopo lo shock della prima guerra mondiale e l’ascesa del fascismo nella prima metà del 20 ° secolo, appare più tragedia (Cocteau, Jean Anouilh, Jean Giraudoux) che la commedia e la tragedia appaiono come antichi miti.

I generi di diversificazione nel teatro
Nel 20 ° secolo, il teatro prende in prestito vari canali – che gli autori oggi continuano a scavare e diversificare.

Alcune parti continuano nella vena della commedia dei costumi, già presente nel 17 ° secolo, e che ha visto un rinnovato successo alla fine del 19 ° secolo, con Georges Feydeau e Eugène Labiche (autori di vaudeville).

Allo stesso tempo appare un teatro di “sovversione”: Alfred Jarry, con il re Ubu, presenta un pezzo realizzato per shock (la prima riga è un sonoro “Merdre!”). In una certa prossimità al movimento o al surrealismo Dada, questo teatro rifiuta qualsiasi psicologia dei personaggi per preferire una rappresentazione grezza, quasi astratta, dell’uomo.

In piena Seconda Guerra Mondiale, appare il teatro dell’assurdo (Eugène Ionesco, Samuel Beckett): con l’antica riscrittura, l’obiettivo è demolire i miti prendendo gli stessi eroi, gli stessi temi e degradandoli, riuscendo a passare dal registro tragico nel registro dei fumetti. Mettono in discussione nelle loro opere il carattere teatrale, il tipo di opere teatrali (Ionescothus afferma che “il fumetto è l’altro lato del tragico”) e il linguaggio stesso. Grida e risposte apparentemente prive di significato si susseguono per dare un’immagine divertente e terrificante dell’umanità. The scene often takes place in a climate of disaster but the comic mixes to overcome the absurd. The characters often have exaggerated reactions.

The boulevard theater, after the Boulevard du Crime was destroyed in 1862 (and that “thereafter, the theater encloses itself in buildings and only addresses a small elite”), becomes again the theater of street after the Second World War.

Literature Comedy
Marcel Proust, in In Search of Lost Time, which is not a comic novel in itself, uses different forms of comedy:

Comic character and gestures: M me Verdurin embodies the caricature of false friendliness, a parody of culture and distinction, and Madame de Cambremer…
Comic of situation: the grandfather of the Narrator wishes for his grandson a recommendation when he goes to cure in Balbec… without success… Mr. Legrandin uses various strategies to divert the conversation of the grandfather.
Comic of words: Zeugma: Madame Verdurin speaking to the familiar of the little clan in the tone of Christ…

New forms of comedy
In the 20th century, the comedy diversified into music (Musical), in film (Film Comic), in television, and in new theatrical forms (Sketch, Stand-up and new forms of improvisation).