Biennale d’Arte di Venezia 2019, Mostra in Arsenale, Italia

La 58a mostra d’arte internazionale, intitolata May You Live In Interesting Times, diretta da Ralph Rugoff, si è svolta dall’11 maggio al 24 novembre 2019. Il titolo è una frase dell’invenzione inglese che è stata a lungo erroneamente citata come un’antica maledizione cinese che invoca periodi di incertezza, crisi e tumulto; “tempi interessanti”, esattamente come quelli in cui viviamo oggi.

La mostra è, come sempre, allestita nelle due principali sedi storiche, i Giardini di Castello e l’Arsenale, ma coinvolge anche sedi prestigiose di tutta Venezia, dove sono ospitati i rappresentanti di molte nazioni e dove vengono allestite mostre ed eventi collaterali. Tutti i futuri del mondo formano un percorso espositivo ampio e unitario che si articola dal Padiglione Centrale dei Giardini all’Arsenale, comprendendo le partecipazioni di 79 Paesi e regioni.

Il titolo di questa Mostra l’espressione “tempi interessanti” evoca l’idea di tempi impegnativi o addirittura “minacciosi”, ma potrebbe anche essere semplicemente un invito a vedere e considerare sempre il corso delle vicende umane nella loro complessità, un invito, quindi, che appare particolarmente importante in tempi in cui, troppo spesso, sembra prevalere l’eccessiva semplificazione, generata dal conformismo o dalla paura.

May You Live in Interesting Times, include opere d’arte che riflettono sugli aspetti precari dell’esistenza odierna, comprese le diverse minacce alle tradizioni chiave, alle istituzioni e alle relazioni dell'”ordine del dopoguerra”. Ma ammettiamo subito che l’arte non esercita le sue forze nel campo della politica. L’arte non può arginare l’ascesa di movimenti nazionalisti e governi autoritari in diverse parti del mondo, ad esempio, né può alleviare il tragico destino dei popoli sfollati in tutto il mondo.

La 58a Esposizione Internazionale d’Arte mette in evidenza un approccio generale al fare arte e una visione della funzione sociale dell’arte come abbracciando sia il piacere che il pensiero critico. La mostra si concentra sul lavoro di artisti che sfidano le abitudini di pensiero esistenti e aprono le nostre letture di oggetti e immagini, gesti e situazioni.

L’arte di questo tipo nasce da una pratica di intrattenere prospettive multiple: di tenere a mente nozioni apparentemente contraddittorie e incompatibili e di destreggiarsi tra diversi modi di dare un senso al mondo. Gli artisti che pensano in questo modo offrono alternative al significato dei cosiddetti fatti suggerendo altri modi per collegarli e contestualizzarli. Animati da curiosità sconfinata e arguzia pungente, il loro lavoro ci incoraggia a guardare con sospetto a tutte le categorie, concetti e soggettività indiscussi.

Una mostra d’arte merita la nostra attenzione, prima di tutto, se intende presentarci con l’arte e gli artisti come una sfida decisiva a tutti gli atteggiamenti troppo semplificatori. In modo indiretto, forse l’arte può essere una sorta di guida su come vivere e pensare in “tempi interessanti”. Ci invita a considerare molteplici alternative e punti di vista sconosciuti, ea discernere i modi in cui “ordine” è diventato la presenza simultanea di ordini diversi.

La Mostra in Arsenale
La Mostra si sviluppa dal Padiglione Centrale (Giardini) all’Arsenale e comprende 79 partecipanti provenienti da tutto il mondo. Avviato nel 1980, Aperto nasce come un evento marginale per artisti più giovani e artisti di origine nazionale non rappresentati dai padiglioni nazionali permanenti. Di solito viene allestito all’Arsenale ed è entrato a far parte del programma formale della Biennale.

Dal 1999, la mostra internazionale si è tenuta sia al Padiglione Centrale che all’Arsenale. Sempre nel 1999, una ristrutturazione da 1 milione di dollari ha trasformato l’area dell’Arsenale in un agglomerato di cantieri, capannoni e magazzini rinnovati, più che raddoppiando lo spazio espositivo dell’Arsenale degli anni precedenti.

Parte I

Soham Gupta
Nei suoi ritratti spettrali, Soham Gupta fa luce sulla vita notturna di Calcutta, rivelando come vivono alcuni degli abitanti più vulnerabili della città. Nella sua serie Angst, seguiamo queste figure notturne mentre si muovono attraverso i mondi che abitano, diventando personaggi vividi nell’immaginazione del fotografo. Gupta pensa ai suoi ritratti come il risultato di un processo collaborativo, tratto da interazioni intime in cui lui e i suoi soggetti si confidano l’uno con l’altro. Il fotografo ha un’affinità istintiva con coloro che esistono ai margini della società; cammina in mezzo a loro, identificandosi con i loro dolori e le loro lotte.

Dopo aver trascorso del tempo con ogni soggetto, Gupta fa resoconti biografici delle loro storie. Le fotografie di Gupta infondono a chi non ha potere un’azione espressiva. Più che una documentazione di una città e della sua gente, le fotografie sono l’espressione di uno stato psicologico radicato in qualcosa di più essenziale. Un senso di vulnerabilità e solitudine è punteggiato da momenti di gioia e spontaneità. Mentre le grida e i dolori dell’agonia possono essere messi a tacere dall’immagine fotografica, le fotografie di Gupta esprimono vividamente le varie sfumature dell’umanità che possono essere viste solo durante la notte.

Anthony Hernandez
Il lavoro fotografico di Anthony Hernandez è duro e poco sentimentale. Negli ultimi tre decenni una domanda prevalente ha assillato il fotografo: come fotografare le rovine contemporanee della città e il duro impatto della vita urbana sui suoi cittadini meno avvantaggiati? Hernandez ha affrontato questa domanda concentrandosi su quelli che il fotografo Lewis Baltz ha chiamato “i paesaggi degli sconfitti”: campi per senzatetto, uffici di disoccupazione, autodemolizioni, pensiline degli autobus e altri spazi trascurati che si trovano alla periferia della città. Né romantico né nostalgico, il lavoro di Hernandez ha dettagliato i siti e gli spazi in cui la promessa di felicità del capitalismo si è inacidita.

Christian Marclay
Le opere di Christian Marclay sono fatte di oggetti, immagini e suoni che già esistono, di cui si appropria e manipola. Le sue esplorazioni nel rapporto tra suono e immagine lo hanno portato ad applicare tecniche di campionamento ai film di Hollywood. Ha creato montaggi di clip per formare nuove narrazioni e proiezioni su più schermi. “Ho sempre usato oggetti, immagini e suoni trovati, e li ho uniti insieme, e ho cercato di creare qualcosa di nuovo e diverso con ciò che era disponibile. Essere totalmente originale e ricominciare da zero sembrava sempre inutile. Ero più interessato a prendere qualcosa che esisteva e faceva parte del mio ambiente, per tagliarlo, torcerlo, trasformarlo in qualcosa di diverso; appropriarmene e farlo mio attraverso manipolazioni e giustapposizioni”.

Zanele Muholi
Conosciuto per il lavoro Faces and Phases (2006-in corso), un archivio in continua evoluzione di ritratti di lesbiche nere sudafricane, Zanele Muholi è un fotografo che lavora ferocemente contro il mutismo e l’invisibilità. Preferendo essere definito un “attivista visivo” piuttosto che un artista, Muholi è co-fondatore del Forum for the Empowerment of Women, così come Inkanyiso, una piattaforma per l’attivismo queer e visivo.

L’importanza dell’autorappresentazione è centrale in Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-in corso), una serie di autoritratti impenitenti che l’artista intende costruire in 365 immagini di un anno nella vita di una lesbica nera nel sud Africa. La serie comprende opere in cui l’artista incontra in modo provocatorio o diretto lo sguardo dello spettatore, in mostra all’Arsenale, e stampe più piccole alla gelatina d’argento in cui Muholi lo evita e lo frustra, in mostra al Padiglione Centrale.

Ed Atkins
Ed Atkins fa tutti i tipi di convoluzioni dell’autoritratto. Scrive profezie ellittiche e intime scomode, disegna caricature orribili e realizza video realistici generati dal computer che spesso presentano figure maschili alle prese con crisi psichiche inspiegabili. In Arsenale, l’installazione Old Food (2017-2019) è intrisa di storicità, malinconia e stupidità. Qui, Atkins ha ampliato il suo terreno emo, temperando la figurazione autobiografica con problemi e citazioni più ampi.

I disegni che costituiscono Bloom (numerati da uno a dieci e mostrati nel Padiglione Centrale) mostrano tarantole che sbarcano mani incerte o comunque appollaiate su un piede in posa, ognuna con la testa rimpicciolita di Ed Atkins dove dovrebbe essere l’addome dei ragni. Avvolto in peli di aracnidi, il viso di Atkins rompe la quarta parete e ci fissa, con un’espressione ambivalente e di dubbia consapevolezza.

Tavares Strachan
Un tema che ricorre nei collage di Tavares Strachan (insieme al rastafarianesimo, allo sport e all’esplorazione polare) è quello dei viaggi nello spazio; astronauti e razzi spaziali infuocati sono presenti in diverse opere. A seguito di una sovvenzione dell’Art + Technology Lab del Los Angeles County Museum of Art nel 2014, a Strachan è stata offerta l’opportunità di lavorare con SpaceX, la società privata di tecnologia aerospaziale. Ha iniziato la ricerca su Robert Henry Lawrence Jr., il primo astronauta afroamericano, morto in un incidente durante l’addestramento nel 1967 e che è rimasto in gran parte invisibile nelle storie standard dei viaggi spaziali americani. L’esito di questo progetto è esposto in Arsenale.

L’opera presentata nel Padiglione Centrale è legata al concetto di enciclopedia a stampa: oggi, nell’era di Internet e di Wikipedia, è doppiamente ridondante. La sua manifestazione più famosa, l’Enciclopedia Britannica, pubblicata per la prima volta nel 1768, si aggrappa tuttavia a una certa autorità del vecchio mondo. Cresciuto alle Bahamas – ex colonia britannica – Tavares Strachan è arrivato a comprendere l’Enciclopedia Britannica come uno strumento di conquista imperiale, uno che si appropria (e condensa) la conoscenza come mezzo per segnalare il dominio culturale. Strachan si interessò a tutto ciò che l’enciclopedia tralasciava.

Gabriel Rico
In quanto collezionista di oggetti culturali scartati, autoproclamatosi ontologo, architetto esperto e ricercatore dell’esperienza umana con un’affinità per gli animali, si può dire che Gabriel Rico abbia “occhi affamati”. Le sue domande, esplorazioni e collezioni portano a un approccio post-surrealista / Arte povera che estrae una gamma di materiali, dalla tassidermia e oggetti naturali a forme al neon e altri resti di oggetti artificiali. Ciò si traduce in sculture stimolanti che affrontano il rapporto tra ambiente, architettura e le future rovine della civiltà.

In tutto il lavoro di Rico, la bellezza della storia si trova nei dettagli. I componenti riflettono le sfide che devono affrontare un luogo specifico, il Messico, e contemporaneamente risuonano con le nostre preoccupazioni globali condivise. Rico considera la fragilità dello spazio, sia formalmente che filosoficamente, presentando il momento precario che è adesso.

Shilpa Gupta
Shilpa Gupta lavora intorno all’esistenza fisica e ideologica dei confini, rivelando le loro funzioni simultaneamente arbitrarie e repressive. La sua pratica attinge alle zone interstiziali tra stati nazionali, divisioni etno-religiose e strutture di sorveglianza – tra definizioni di legale e illegale, appartenenza e isolamento. Le situazioni quotidiane sono distillate in succinti gesti concettuali; come testo, azione, oggetto e installazione, attraverso cui Gupta affronta i poteri impercettibili che dettano la nostra vita di cittadini o apolidi.

Jesse tesoro
Le sculture di Jesse Darling sono ferite, ombrose e instabili, ma sono anche piene di vita. Realizzati con materiali di uso quotidiano a basso costo, questi assemblaggi senza pretese evocano corpi con un’insolita intensità; sono anche decisamente non monumentali. Incapace di usare la maggior parte del braccio destro a causa di una malattia neurologica, Darling fu colpito dalle ideologie ereditate e dal machismo abilista che avevano inizialmente informato la loro comprensione della scultura: idee di “duro lavoro” e “gesto”. Spiegano: “Ora sto cercando di pensare e lavorare verso una pratica di scultura non macho raccogliendo e assemblando piccoli oggetti in formulazioni narrative e imparando a disegnare con la mano sinistra”.

Teresa Margolles
Teresa Margolles allena un obiettivo femminista sulle brutalità della narcoviolenza che pervadono il suo paese natale, il Messico. Avendo studiato medicina legale e co-fondato il collettivo di artisti ispirati al death metal SEMEFO, Margolles ha durante tutta la sua pratica tematizzata la negligenza governativa, il costo sociale ed economico della criminalizzazione delle droghe, e le specifiche trame, odori e resti fisici, la materialità di Morte.

Henry Taylor
Descrivendo la sua pratica pittorica come “vorace”, Henry Taylor popola il suo lavoro con un’enorme diversità di soggetti, dagli indigenti agli abbaglianti successi. Che si tratti di ritratti intimi di familiari e amici, o scene di gruppo politicamente inflesse che uniscono geografie e storie diverse, l’obiettivo di Taylor è quello di ritrarre onestamente la realtà dell’esperienza nera e il funzionamento spesso iniquo della vita americana. Ma nonostante il suo occhio acuto per l’ingiustizia e la frequente incorporazione di riferimenti storico-artistici, le immagini di Taylor non sono pesanti; le loro forme audaci e i colori a blocchi sono immediati e catturano lo spettatore.

Njideka Akunyili Crosby
I dipinti di Njideka Akunyili Crosby riflettono la sua esperienza come membro della diaspora nigeriana contemporanea, raffigurando una specifica identità culturale e nazionale sconosciuta a molti, ma immediatamente riconoscibile a coloro che hanno seguito un percorso simile. Emigrata per studiare negli Stati Uniti da adolescente, Akunyili Crosby si muove con sicurezza (anche se forse non senza attriti interiorizzati) tra diversi contesti estetici, intellettuali, economici e politici, ed è la collisione e il disallineamento di questi contesti che dà ai suoi dipinti il ​​loro tensione e commozione.

L’artista dipinge ritratti e interni domestici che di solito raffigurano se stessa e la sua famiglia. Queste scene sono allo stesso tempo piatte e infinitamente profonde, con finestre e porte che si aprono su altri spazi, mentre gli spazi descritti in queste immagini sono indeterminati; alcuni dettagli – come un radiatore in ghisa, ad esempio – indicano un clima freddo (come New York, dove l’artista ha vissuto per un periodo), mentre altri, come una lampada a paraffina appoggiata su un tavolo, sono tratti dall’opera di Akunyili Crosby ricordi della Nigeria.

Kemang Wa Lehulere
L’opera riccamente stratificata di Kemang Wa Lehulere incoraggia i visitatori a riunirsi intorno ad essa in una contemplazione condivisa. Questa nozione di collettivo è la chiave per la pratica più ampia dell’artista: è diventato un artista verso la fine dei vent’anni, dopo molti anni di esperienza come attivista a Cape Town. Ha fondato Gugulective nel 2006, una piattaforma artistica per la performance e l’intervento sociale. Sia le installazioni esposte in Arsenale che nel Padiglione Centrale sono realizzate con legno e metallo recuperati da banchi e sedie di scuola. Ogni elemento di queste opere si intreccia in una trama di associazioni, riferimenti e storie perché per Wa Lehulere, biografia personale e storia collettiva sono inestricabili.

Apichatpong Weerasethakul
Le opere di Apichatpong Weerasethakul sono immerse nella vita sociale, nella cultura divergente e nella politica tumultuosa della sua nativa Thailandia, mentre le arene transitorie del sonno, del sogno e della memoria ricorrono come spazi per l’esplorazione, la liberazione e la sovversione silenziosa. Questi soggetti si intrecciano nel complesso gioco di luce, suono e schermo di Synchronicity (2018), realizzato con l’artista giapponese Tsuyoshi Hisakado (1981, Giappone) e presentato all’Arsenale, nel cui ambiente gli spazi di soglia di Weerasethakul prendono forma fisica.

Numerose opere riguardano gli incontri dell’artista con il passato traumatico di Nabua, una città nel nord-est della Thailandia, dove i contadini ribelli furono brutalmente repressi e uccisi dall’esercito thailandese negli anni ’60. Due opere nel Padiglione Centrale segnalano un cambiamento significativo per Weerasethakul, che per la prima volta ha lavorato fuori dalla Thailandia, in Colombia, per il suo attuale progetto Memoria. La topografia della Colombia e le sue cicatrici di decenni di guerra civile hanno un’affinità viscerale con Weerasethakul; i traumi della memoria collettiva fanno parte del tessuto della vita quotidiana, così come lo sono a Nabua.

Yin Xiuzhen
Dall’inizio degli anni ’90, Yin Xiuzhen ha lavorato con materiali riciclati per creare sculture ambiziose cariche di riferimenti sociali. Riflettendo l’eccessivo sviluppo, il consumo e la globalizzazione che hanno in gran parte definito la Cina post-1989, nelle sue opere unisce tessuti morbidi a una serie di oggetti – spesso con trame e connotazioni drasticamente contrastanti – come valigie, frammenti di cemento, detriti, metalli e oggetti industriali.

Suki Seokyeong Kang
Incorporando pittura, scultura, video e ciò che l’artista ha descritto come “attivazione”, la pratica multivariata di Suki Seokyeong Kang è incentrata sul luogo e sul ruolo dell’individuo oggi. Kang attinge ad aspetti del patrimonio culturale coreano e alla sua storia personale per reimmaginare le strutture ideologiche e immaginare arene politicizzate in cui le parti interessate possono articolare ed esercitare la loro agenzia nello spazio-tempo del presente.

Handiwirman Saputra
Negli ultimi dieci anni, Handiwirman Saputra ha creato una serie di sculture e dipinti enigmatici intitolati No Roots, No Shoots, innescati da oggetti casuali che ha trovato nella vita di tutti i giorni. L’impulso per alcune di queste opere era un tratto di fiume vicino a casa sua, dove le radici esposte di boschetti di bambù e alberi erano impigliate con i rifiuti domestici. Saputra è stato incuriosito non solo dalle cose che ha scoperto lì, ma dalle associazioni tra di loro: “Forse si potrebbe anche dire che costruiscono conversazione, dialogo sull’esperienza di quella cosa – a cosa è stata usata dalle sue origini fino al punto che l’ho trovata”.

Lee Bul
Cresciuta come figlia di attivisti di sinistra durante la dittatura militare della Corea del Sud, Lee Bul ha sperimentato gli effetti di un regime repressivo in un paese in rapida trasformazione economica e culturale. I suoi primi lavori, risalenti alla fine degli anni ’80, erano spettacoli di strada per i quali realizzava e indossava mostruosi costumi di “scultura morbida” addobbati con sporgenze e viscere penzolanti.

Queste sono state seguite dalle sue sculture Cyborg in cui i corpi femminili si sono trasformati in macchine, formando ibridi incompleti privi di teste e arti. A loro volta, l’hanno portata a esplorare idee di paesaggi urbani futuristici ispirati ai sogni, agli ideali e alle utopie concepite nei manga e negli anime giapponesi, nella bioingegneria e nell’architettura visionaria di Bruno Taut (1880-1938).

Sun Yuan e Peng Yu
La coppia di artisti Sun Yuan e Peng Yu ha iniziato la loro collaborazione nel 2000. Nel 2009 hanno creato l’installazione Sun Yuan Peng Yu, un autoritratto che descrive la relazione e la dinamica della loro alleanza artistica. Un cerchio di fumo ricorrente veniva disperso con insistenza da una scopa azionata da un braccio meccanico che continuava a spazzare nell’aria; il fumo ricompariva con insistenza, solo per dissolversi quando la scopa colpiva di nuovo.

Per Sun e Peng, il momento dell’incontro tra le due componenti, e la dissoluzione dell’una dall’altra, simboleggiavano un momento di creazione artistica congiunta nel loro modo di lavorare. Quasi tutte le installazioni di Sun Yuan e Peng Yu sono volte a sollecitare meraviglie e tensione da parte degli spettatori. L’atto di guardare, a volte sbirciare, da parte dei membri del pubblico è un elemento costitutivo dei loro lavori recenti, che spesso comportano la messa in scena di spettacoli intimidatori.

Cameron Jamie
Cameron Jamie ha prodotto lavori in diversi media, da fotografie e video a disegni, ceramiche, sculture e fanzine fotocopiate. L’opera che gli ha portato la più ampia attenzione nei primi anni della sua carriera è stata però Kranky Klaus (2002-2003), un video che documenta la tradizione natalizia alpina dei Krampuslauf. In un villaggio rurale austriaco, uomini vestiti da bestie cornute corrono per le strade di notte, presumibilmente alla ricerca di bambini e giovani donne che si dice siano state cattive. Le bestie Krampus poi aggrediscono fisicamente le loro vittime in quello che è un rituale culturalmente sanzionato di violenza coreografata, anche se apparentemente reale.

Seconda parte

Maria Loboda
La continua trasformazione di oggetti e immagini attraverso le loro traiettorie di trasmissione e incontro è al centro della pratica di Maria Loboda. Le opere di Loboda provocano diffidenza verso ciò che si suppone evidente, ma invitano anche a fare amicizia con le incertezze che loro – e le cose da cui siamo circondati – possiedono. Loboda è interessato al modo in cui le immagini sono influenzate dai contesti in cui circolano, plasmate dalla storia degli sguardi su di esse.

Rula Halawani
Le immagini spettrali di Rula Halawani catturano le conseguenze delle periodiche violenze che hanno trasformato il suo paese in una zona di guerra. Attingendo sia al suo background di fotoreporter sia ai suoi ricordi della vita sotto l’occupazione israeliana, Halawani cerca in un paesaggio ormai sconosciuto le tracce sbiadite della Palestina storica. Attraverso il mezzo della fotografia, le implicazioni spaziali dell’occupazione si riflettono non solo attraverso la rappresentazione di strutture politiche nell’ambiente costruito, ma più distintamente nel vuoto di spazi negativi e illusioni oscure.

Lawrence Abu Hamdan
Descrivendosi come un “orecchio privato”, Lawrence Abu Hamdan si concentra sulla politica dell’ascolto, sull’impatto legale e religioso del suono, sulla voce umana e sul silenzio. La sua pratica nasce da un background nella musica fai-da-te, ma attualmente abbraccia film, installazioni audiovisive e saggi audio dal vivo – un termine che preferisce a “lecture-performance”, poiché descrive meglio l’intreccio di voce e contenuto, e del discorso e le condizioni in cui viene pronunciato. Si occupa della voce umana come materiale politicizzato, facilmente afferrabile da governi o società di dati.

Julie Mehretu
Le tele precedenti di Julie Mehretu facevano riferimento a mappe, diagrammi architettonici e griglie urbanistiche; l’artista ha utilizzato una serie di vettori e notazioni che indicavano la mobilità globale e le disuguaglianze globali. Sono vertiginosamente complessi e magistrali nel loro uso della scala e dello spazio negativo; trasmettono una sensazione di velocità. Nei suoi ultimi dipinti abbraccia un diverso tipo di disorientamento, producendo opere in cui si aggiungono e cancellano tratti aerografati ed elementi serigrafati, evocando un senso di dissipazione e smarrimento. Nonostante i dettagli delle pitture di fondo, questa immagine di origine ha ancora la capacità di registrarsi a livello emotivo, impostando il tono per il dipinto completato.

Gauri Gill
Viaggiando più lontano, Gill vide nuove “colonie suburbane esistenti in una landa desolata di detriti, imitando i castelli inglesi con le case di fortuna dei lavoratori migranti che li circondavano”. Il suo Deadpan architettonico racchiude i cartelloni degli sviluppatori che vendono sogni irraggiungibili; mostre educative su edilizia e costruzioni; palme finte piantate tra alberi veri; una dea che presiede sopra un’unità di aria condizionata; un nuovo edificio, coperto da teli strappati, in procinto di essere demolito su Mahatma Gandhi Road; cumuli di spazzatura che marciscono lungo la Grand Trunk Road; e grattacieli anonimi, ovunque.

Otobong Nkanga
Facendo riferimento al movimento (spesso violento) e allo scambio di minerali, energia, merci e persone, il lavoro di Otobong Nkanga ricorda che gli oggetti e le azioni non esistono in isolamento: c’è sempre una connessione, sempre un impatto. “Nessuno di noi esiste in uno stato statico”, ha detto l’artista. “Le identità sono in continua evoluzione. Le identità africane sono molteplici. Quando guardo, ad esempio, alle culture nigeriana, senegalese, keniota, francese o indiana, non si può parlare di un’identità specifica senza parlare degli impatti coloniali e dell’impatto di questo scambio – del commercio e dei beni e della cultura”.

Michele Armitage
Situati da qualche parte tra una realtà fantastica e il caos politico della vita moderna, i dipinti di Michael Armitage intrecciano molteplici fili narrativi. Attento osservatore di complesse dinamiche sociali, sovverte i codici convenzionali di rappresentazione attraverso il linguaggio della pittura narrativa. Magnificando questioni di disuguaglianza e incertezza politica, la bellezza pittoresca dei suoi vividi tableaux smentisce una realtà sinistra in cui la collisione di dettagli sontuosi e colori vibranti fornisce uno spaccato dei costumi sociali e delle ideologie politiche che governano la vita quotidiana a Nairobi.

Haris Epaminonda
Haris Epaminonda lavora con materiali trovati come sculture, ceramiche, libri o fotografie, che spesso combina per costruire con cura le sue installazioni caratteristiche. Questi oggetti sono impigliati in una trama di significati storici e personali sconosciuti al pubblico e, probabilmente, anche a lei. Non è che ignori queste storie: sono implicite, esercitano il loro potere intrinsecamente, mentre si piegano dolcemente in qualcosa di diverso mentre si depositano nelle sue installazioni. Li sceglie per i loro qualia, le loro irriducibili qualità esperienziali, che li fanno risplendere e divenire visibili.

Liu Wei
I primi lavori di Liu Wei si occupavano spesso di architettura urbana, paesaggi urbani e oggetti di uso quotidiano e rappresentavano vari aspetti del mondo fisico impiegando uno schema geometrico ricorrente nei dipinti e nelle installazioni. Negli ultimi due decenni, ha lavorato con un incredibile assortimento di materiali: dagli articoli da masticare per cani in pelle di bue ai libri, dai dispositivi elettronici domestici alla porcellana cinese e ai materiali da costruzione di scarto. Le sue recenti installazioni su larga scala evocano la formalità e lo splendore delle scenografie moderniste, piene di forme e forme geometriche.

Alexandra Bircken
La pratica di Alexandra Bircken è costruita attorno alla forma umana. Le sue opere incorporano una gamma insolita di materiali, da manufatti come silicone, collant in nylon, armi e macchinari, a materiali organici tra cui lana, pelle, rami e frutta secca. Spogliati del loro antico scopo, questi sono assemblati in arrangiamenti straordinari e scomodi, ogni opera viva di tensioni opposte.

All’Arsenale gli artisti esibiscono l’installazione viscerale, apocalittica e dinamica ESKALATION (2016), una visione distopica di come potrebbe essere la fine dell’umanità. Nel Padiglione Centrale, Bircken presenta sei opere che intrecciano temi di genere, potere e vulnerabilità, animale e macchina. Sono opere che richiamano la nostra vulnerabilità, la nostra fisicità e gli strumenti arroganti che creiamo per proteggerci dall’esterno e gli uni dagli altri.

Alex Da Corte
Le opere immersive di Alex Da Corte testimoniano un atto di creazione magnetica del mondo. Coreografa una danza di oggetti che significano e implicano, senza essere quelle cose. Racconta storie attraverso codici e simboli, in cui un vortice di americani appropriati, assemblati, messi in scena e realizzati è infuso simultaneamente con riferimenti culturali di alto e basso livello e reperti di negozi di dollari.

Nell’Arsenale, il diavolo a matita di gomma illuminato al neon, miniaturizza gli spettatori mentre si siedono sulle panchine e guardano versioni per adulti sovradimensionate e sovrasature di programmi TV familiari in cui una serie di personaggi esegue una coreografia ipnoticamente lenta. Nel Padiglione Centrale, gli spettatori diventano giganti che guardano le persone vivere la loro vita tranquilla all’interno delle case di The Decorated Shed (2019), una replica esatta di un villaggio di periferia americano in miniatura – dalla popolare serie televisiva Mister Rogers’ Neighborhood – presentata su un Federal- tavolo in mogano in stile, con l’aggiunta della segnaletica della catena di ristoranti aziendali.

Khyentse Norbu
Nel lavoro di Khyentse Norbu come artista e regista, le questioni filosofiche del contesto giocano un ruolo centrale. C’è un suggerimento che la comprensione e l’interpretazione siano sempre aperte al cambiamento e che ci sia spazio per una visione più ampia. Conosciuto nel mondo buddista come Dzongsar Khyentse Rinpoche, Norbu è un lama tibetano e bhutanese, rispettato per il suo insegnamento e la sua scrittura.

Ad Minoliti
Per Ad Minoliti, la pittura metafisica è il simbolo dell’utopia modernista e di tutto ciò che in essa trovava riprovevole: la repressività della sua idealità, il conservatorismo delle sue strutture rigide, e persino la sua logica binaria implicita, in riferimento all’idea di Jacques Derrida che Il pensiero occidentale si fonda su opposizioni dualistiche come maschio-femmina, razionale-emotivo o natura-cultura. Il suo sforzo artistico è stato quello di creare uno spazio di rappresentazione alternativo per contrastare questa posizione modernista. Ha trovato un dialettico alter-omologo dello spazio della pittura metafisica nel mondo immaginario della casa delle bambole.

Invenzione del XVII secolo, la casa delle bambole è stata inizialmente creata come strumento pedagogico per istruire le ragazze sui loro ruoli di casalinghe, governanti, allevatori di figli e sostenitori del marito – e i ragazzi sull’accettazione di questa divisione e filosofia del lavoro . Minoliti si appropria dell’estetica della casa delle bambole e dei suoi oggetti di scena, la combina con l’immaginario modernista che fa eco a Kandinsky, Picasso o Matisse, e poi la smonta, la torce, la sposta e la riconfigura di nuovo.

Jon Rafman
Nei movimenti modernisti, ha osservato Jon Rafman, prevalevano visioni utopiche del futuro. La visione postmoderna tardo-capitalista, tuttavia, è diventata distopica. Per esplorare questo cambiamento nelle nozioni di futuro, il lavoro di Rafman utilizza l’immagine in movimento e la grafica generata al computer, rifuggendo il roseo ottimismo a volte associato alle nuove tecnologie.

Ian Cheng
Ian Cheng utilizza tecniche di programmazione per computer per creare ambienti di vita definiti dalle loro capacità di mutare ed evolvere. Stava sviluppando “simulazioni dal vivo”, ecosistemi virtuali viventi che iniziano con proprietà programmate di base ma vengono lasciati evolvere da soli senza controllo o fine autoriale. È un formato per esercitare deliberatamente i sentimenti di confusione, ansia e dissonanza cognitiva che accompagnano l’esperienza del cambiamento inesorabile.

L’ultima creatura di Cheng, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), presentata al Padiglione Centrale, è una forma di AI (intelligenza artificiale) la cui personalità, valori e corpo – che ricorda un serpente o un corallo – sono in continua crescita . I modelli comportamentali e il copione di vita di BOB sono alimentati dalle interazioni con gli umani, che sono in grado di influenzare le azioni di BOB tramite un’app iOS. Life After BOB: First Tract (2019), presentato in Arsenale, opera come una sorta di “anteprima” di un universo narrativo incentrato su BOB.

Arthur Jafa
Per tre decenni Arthur Jafa ha sviluppato una pratica dinamica attraverso mezzi come film, scultura e performance. Durante la sua carriera, è stato investito in modalità espressive specificamente nere e nella sfida di come rendere il mondo (visualmente, concettualmente, culturalmente, idiomaticamente) dal vantaggio dell’essere nero – in tutta la sua gioia, orrore, bellezza, dolore, virtuosismo, alienazione, potere e magia. Jafa raccoglie immagini basate sulla rete, fotografie storiche, ritratti vernacolari, video musicali, meme e filmati di notizie virali per evidenziare l’assurdità e la necessità delle immagini nell’apprensione della razza.

Lara Favaretto
La poliedrica pratica artistica di Lara Favaretto comprende scultura, installazione e azione performativa, ed è spesso espressa attraverso umorismo nero e irriverenza. Un esempio può essere trovato nella sua serie Momentary Monuments (2009-in corso), che non ha lo scopo di glorificare alcun evento storico, né di promuovere sentimenti di identificazione nazionale.

I monumenti di Favaretto sono meno ideologici e più tragicomici, semplicemente marciscono, crollano e si dissolvono in modi diversi. Ciò rende lo sforzo tremendo di costruirli un monumento in sé, ma all’inutilità dell’attività umana. Lo scherzo implicito nel lavoro di Favaretto è che anche gli oggetti fatti dei materiali più stabili, destinati a congelare per sempre valori e ideologie, alla fine scompaiono.

Andra Ursuţa
Compulsioni ossessive e desideri violenti; sottomissione al dominio sessuale e politico; la fragilità dell’esistenza umana; identità come costruzione e finzione: sono questi alcuni dei temi che stanno alla base degli scenari nichilistici e tragicomici esplorati nelle sculture e installazioni di Andra Ursuţa. Incardinato sul paradosso e sull’ironia, il lavoro dell’artista attinge a vicende politiche, cliché e allegorie, oltre che a memorie personali, nel tentativo di esporre e stravolgere le dinamiche di potere che perpetuano i precari confini tra violazione e banalità, indifferenza ed empatia, abiezione e umorismo.

Neil Beloufa
Neil Beloufa – la cui pratica spazia dal cinema, alla scultura e alle installazioni – ha passato la maggior parte dell’ultimo decennio a pensare a cosa c’è in gioco quando si comprende la realtà e la sua rappresentazione. La sua pratica si rifiuta di adottare qualsiasi posizione di autorità; è sia acuto nell’osservazione che discreto in ciò che trasmette. L’artista si allontana costantemente dalle sue proposte come per dire allo spettatore: ‘Questo è il tuo problema ora, te ne occupi tu’.

Ad esempio, per guardare i video di Global Agreement (2018-2019), in mostra all’Arsenale, lo spettatore deve sedersi su strutture che ricordano le attrezzature da palestra, che sono scomode e limitano i movimenti; contemporaneamente, la configurazione dello spazio fa sì che ogni spettatore possa osservare tutti gli altri osservando gli altri: forse stai guardando il video, ma qualcuno sta sempre guardando te.

Ryoji Ikeda
La pratica del compositore e artista Ryoji Ikeda si avvicina al minimalismo monumentale, spesso intrecciando composizioni acustiche sparse con elementi visivi che assumono la forma di vasti campi di informazioni rese digitalmente. Questi si integrano per formare il linguaggio espansivo dell’artista, che si basa su un modo di lavorare algoritmico in cui la matematica viene utilizzata come mezzo per catturare e riflettere il mondo naturale che ci circonda.

Danh Vo
L’eclettico circolo di collaboratori di Danh Vo per la Biennale Arte 2019 include il suo ragazzo, suo nipote, suo padre e il suo ex professore. Nelle installazioni di Vo, la storia incontra la biografia dell’artista attraverso oggetti simbolici carichi come icone culturali o immagini religiose danneggiate, e il coinvolgimento letterale e metaforico dei suoi familiari e amici.

Parte III

Tarek Atoui
Unendo musica e arte contemporanea, la pratica di Tarek Atoui espande le nozioni di ascolto attraverso performance sonore partecipative e collaborative. Influenzato dall’eredità di forme aperte presentate dagli artisti negli anni ’60, che hanno ampliato la comprensione della musica e l’hanno avvicinata al regno dell’arte visiva, Atoui concepisce e coordina ambienti complessi per coltivare il suono. Attraverso le sue installazioni, performance e collaborazioni, abbatte le nozioni attese di performance, sia per il performer che per il pubblico, suggerendo modalità di esperienza multimodali: visiva, sonora e somatica.

Jimmie Durham
Incorporando anche elementi di scrittura e performance, la pratica di Jimmie Durham spesso assume la forma di sculture in cui diversi oggetti di uso quotidiano e materiali naturali sono assemblati in forme vivide. Il processo di produzione, ciò che Durham definisce “combinazioni illegali con oggetti rifiutati”, può essere visto come un’incarnazione dell’atteggiamento sovversivo che pervade le sue opere.

Nell’Arsenale ogni scultura, formata da combinazioni di parti di mobili, materiali industriali lucidi o abiti usati, si avvicina alla scala dell’animale titolare, eppure le forme risultanti non sono ritratti degli esseri, ma piuttosto intrecci poetici che sfidano la tradizionale nozione illuministica di la separazione tra uomo e natura. Nel Padiglione Centrale Durham mette in mostra Black Serpentine, una grande lastra di roccia omonima circondata da un telaio in acciaio inossidabile: una massa di mezza tonnellata ribelle nella sua implacabile forza d’animo.

Anicka Yi
Demarcazioni destabilizzanti tra organico e sintetico, scienza e finzione, umano e non umano, le creazioni proteiformi di Anicka Yi sono sostenute da quella che l’artista descrive come la “biopolitica dei sensi”. Il nuovo corpo di lavoro di Yi è incentrato su recenti indagini sulla “biologizzazione della macchina” mentre si concentra sul sensorio della macchina e contempla come possono essere stabiliti nuovi canali di comunicazione tra entità di intelligenza artificiale (AI) e forme di vita organiche.

Zhanna Kadyrova
Uno degli aspetti più sorprendenti dell’arte di Zhanna Kadyrova, che include fotografia, video, scultura, performance e installazione, è la sua sperimentazione con forme, materiali e significato. Usa spesso piastrelle economiche per il mosaico, combinate con materiali da costruzione pesanti come cemento e cemento.

Per Market (2017-in corso, esposto all’Arsenale), un chiosco gastronomico dotato di tutto ciò di cui un ambulante ha bisogno, produce salsicce e salami in cemento e pietra naturale, e lavora frutta e verdura – banane, angurie, melograni, melanzane – in mosaico grosso. La versione di Second Hand (2014-in corso) in mostra al Padiglione Centrale riutilizza le piastrelle di ceramica di un albergo di Venezia per realizzare capi di abbigliamento e biancheria.

Slavi e tartari
Fondato nel 2006, Slavs and Tatars è iniziato come un club del libro e si è evoluto in un collettivo di artisti la cui pratica poliedrica è rimasta tuttavia molto vicina al linguaggio, sia in modo letterale che figurativo. Il loro lavoro, che spazia da sculture e installazioni a conferenze-performance e pubblicazioni, è un approccio di ricerca non convenzionale alla ricchezza e complessità culturale dell’area geografica racchiusa tra due barriere simboliche e fisiche: l’ex muro di Berlino e la Grande Muraglia cinese. Questa vasta terra è dove Oriente e Occidente si scontrano, fondendosi e ridefinendosi l’un l’altro.

Christoph Büchel
Il 18 aprile 2015, il naufragio più mortale del Mediterraneo a memoria d’uomo è avvenuto nel Canale di Sicilia, 96 km al largo della costa libica e 193 km a sud dell’isola italiana di Lampedusa. La barca, acquistata da trafficanti libici, era piena di migranti, la maggior parte dei quali sono stati rinchiusi nella stiva e nella sala macchine quando si è scontrata con un mercantile portoghese che stava cercando di soccorrerlo.

Barca Nostra, monumento collettivo e memoriale della migrazione contemporanea, non è solo dedicato alle vittime e alle persone coinvolte nel suo recupero, ma rappresenta anche le politiche e le politiche collettive che creano questo tipo di disastri. Nel maggio 2018 un’iniziativa di migranti a Palermo ha avviato una petizione proponendo una processione con il naufragio come un cavallo di Troia che vaga attraverso i confini nazionali attraverso l’Europa, combattendo per il diritto umano alla libera mobilità.

Ludovica Carbotta
La poliedrica pratica artistica di Ludovica Carbotta comprende scultura, disegno, performance, architettura e scrittura. È interessata all’esplorazione fisica dello spazio urbano, costruendo ciò che lei chiama “specificità del sito fittizio”; inventa luoghi immaginari o impregna luoghi reali di contesti fittizi, recuperando il ruolo dell’immaginazione come modalità di costruzione della conoscenza.

Negli ultimi anni ha lavorato a un progetto su larga scala, suddiviso in più capitoli, intitolato Monowe, il nome di una città immaginaria abitata da una sola persona. Attraverso il punto di vista e le esperienze dell’unico abitante di Monowe e la sua possibile accettazione delle condizioni della città, Carbotta esplora l’isolamento come uno stato attraverso il quale abbandonare norme, regole e logiche sociali che sono state date per scontate nella società.

Tomás Saraceno
La ricerca di Tomás Saraceno si nutre di una miriade di mondi. La sua Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, progetti comunitari e installazioni interattive esplorano modi sostenibili di abitare l’ambiente collegando discipline (arte, architettura, scienze naturali, astrofisica, filosofia, antropologia, ingegneria) e sensibilità.

In tutti questi progetti, Saraceno si confronta con le forme di vita che esistono intorno a noi e, in un’epoca di sconvolgimenti ecologici, ci incoraggia a sintonizzare le nostre prospettive con altre specie e sistemi, sia a livello micro che macro, dalle colonie di ragni alle onde – e impegnarsi con modi ibridi e alternativi di abitare il nostro pianeta condiviso.

Cyprien Gaillard
Facendo dell’entropia sia del creato dall’uomo che del naturale la sua preoccupazione centrale, Cyprien Gaillard esegue una critica acuta dell’idea di progresso attraverso i suoi video, sculture, fotografie, collage e arte pubblica. Osservatore nomade, Gaillard attraversa ambienti urbani e paesaggi naturali, alla ricerca di segni del tempo profondo incastonati nel suo ambiente. Porta all’interno frammenti del mondo esterno, formando giustapposizioni anacronistiche, combinando immagini di distruzione e ricostruzione, rinnovamento e degrado.

La pratica di Gaillard è un’archeologia visiva del decadimento, che si tratti dell’erosione delle forme fisiche o del significato sociale e storico. Spesso il tempo che collassa nelle sue opere, Gaillard combatte il romanticismo delle rovine, suggerendo uno sguardo disinteressato attraverso il quale i resti di eventi e luoghi possono essere compresi attraverso una cornice unificata del tempo ciclico.

Halil Altındere
Halil Altındere scruta la politica del quotidiano nei suoi video, fotografie, installazioni e dipinti. Attento osservatore dei meccanismi sociopolitici e della loro invasione dell’individuo, usa spesso i mezzi stessi con cui si afferma l’autorità e la differenza è circoscritta dalle istituzioni dello stato-nazione. Carte d’identità, francobolli, banconote, prime pagine di giornali, slogan militaristici e foto di leader politici sono appropriati per sovvertire la manipolazione e la normalizzazione sociale o politica.

Proveniente da un background curdo ed essendo cresciuto durante l’apice del conflitto turco-curdo, Altındere tocca l’abbandono e il maltrattamento delle minoranze in numerose opere. Negli ultimi anni, Altındere si è impegnato con la crisi globale dei rifugiati in molteplici opere, tra cui Space Refugee (2016), una serie ispirata all’incontro dell’artista con Muhammed Ahmed Faris, il primo e unico cosmonauta siriano, che ha viaggiato nello spazio con una squadra sovietica in 1987.

Biennale di Venezia 2019
La 58a Biennale di Venezia è stata una mostra internazionale di arte contemporanea tenutasi tra maggio e novembre 2019. La Biennale di Venezia si svolge ogni due anni a Venezia, in Italia. Il direttore artistico Ralph Rugoff ha curato la sua mostra centrale, May You Live in Interesting Times, e 90 paesi hanno contribuito con i padiglioni nazionali.

La Biennale di Venezia è una mostra biennale d’arte internazionale che si tiene a Venezia, in Italia. Spesso definita “le Olimpiadi del mondo dell’arte”, la partecipazione alla Biennale è un evento prestigioso per gli artisti contemporanei. Il festival è diventato una costellazione di spettacoli: una mostra centrale curata dal direttore artistico di quell’anno, padiglioni nazionali ospitati da singole nazioni e mostre indipendenti in tutta Venezia. L’organizzazione madre della Biennale ospita anche festival regolari in altre arti: architettura, danza, cinema, musica e teatro.

Al di fuori della mostra centrale e internazionale, le singole nazioni producono i propri spettacoli, noti come padiglioni, come loro rappresentanza nazionale. Le nazioni che possiedono i loro edifici del padiglione, come i 30 ospitati ai Giardini, sono responsabili anche dei propri costi di manutenzione e costruzione. Nazioni senza edifici dedicati creano padiglioni nell’Arsenale di Venezia e palazzi in tutta la città.

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta ne è Presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che si pone in prima linea nella ricerca e promozione delle nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arte (1895), Architettura (1980), Cinema (1932), Danza (1999), Musica (1930), Teatro (1934). La sua attività è documentata presso l’Archivio Storico delle Arti Contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

In tutti i settori si sono moltiplicate le opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente a contatto con docenti di chiara fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, ora attivo nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.

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