A 58ª exposição internacional de arte, intitulada May You Live In Interesting Times, dirigida por Ralph Rugoff, aconteceu de 11 de maio a 24 de novembro de 2019. O título é uma frase de invenção inglesa que há muito tem sido erroneamente citada como uma antiga maldição chinesa que invoca períodos de incerteza, crise e turbulência; “tempos interessantes”, exatamente como os que vivemos hoje.

A exposição é, como sempre, realizada nos dois principais locais históricos, o Giardini di Castello e o Arsenale, mas também envolve espaços de prestígio em Veneza, onde os representantes de muitas nações são hospedados e onde exposições e eventos colaterais são organizados. Todos os futuros do mundo formam um grande e unificado caminho de exposição que se articula do Pavilhão Central dos Jardins ao Arsenale, incluindo as participações de 79 países e regiões.

O título desta expressão “tempos interessantes” evoca a ideia de tempos desafiadores ou mesmo “ameaçadores”, mas também pode ser simplesmente um convite a ver e considerar sempre o curso dos acontecimentos humanos na sua complexidade, um convite, portanto, que parece ser particularmente importante em momentos em que, muitas vezes, a simplificação excessiva parece prevalecer, gerada pelo conformismo ou pelo medo.

May You Live in Interesting Times, inclui obras de arte que refletem sobre os aspectos precários da existência hoje, incluindo diferentes ameaças às principais tradições, instituições e relações da “ordem do pós-guerra”. Mas reconheçamos desde o início que a arte não exerce suas forças no domínio da política. A arte não pode conter a ascensão de movimentos nacionalistas e governos autoritários em diferentes partes do mundo, por exemplo, nem pode aliviar o destino trágico dos povos deslocados em todo o mundo.

The 58th International Art Exhibition highlight a general approach to making art and a view of art’s social function as embracing both pleasure and critical thinking. The Exhibition focus on the work of artists who challenge existing habits of thought and open up our readings of objects and images, gestures and situations.

Arte desse tipo surge de uma prática de entreter perspectivas múltiplas: de manter em mente noções aparentemente contraditórias e incompatíveis e de fazer malabarismos com diversas maneiras de dar sentido ao mundo. Artistas que pensam dessa maneira oferecem alternativas para o significado dos chamados fatos, sugerindo outras formas de conectá-los e contextualizá-los. Animado por uma curiosidade sem limites e humor penetrante, seu trabalho nos encoraja a olhar de soslaio para todas as categorias, conceitos e subjetividades não questionados.

Uma exposição de arte merece a nossa atenção, antes de mais nada, se pretende apresentar-nos a arte e os artistas como um desafio decisivo a todas as atitudes simplificadoras. De forma indireta, talvez a arte possa ser uma espécie de guia de como viver e pensar em ‘tempos interessantes’. Ela nos convida a considerar múltiplas alternativas e pontos de vista não familiares, e a discernir as maneiras pelas quais a “ordem” se tornou a presença simultânea de diversas ordens.

A Exposição em Arsenale
A Exposição se desenvolve desde o Pavilhão Central (Giardini) até o Arsenale e conta com 79 participantes de todo o mundo. Iniciado em 1980, o Aperto começou como um evento marginal para jovens artistas e artistas de origem nacional não representados pelos pavilhões nacionais permanentes. Isso geralmente é encenado no Arsenale e tornou-se parte do programa formal da bienal.

A partir de 1999, a exposição internacional foi realizada no Pavilhão Central e no Arsenale. Também em 1999, uma renovação de US $ 1 milhão transformou a área do Arsenale em um aglomerado de estaleiros, galpões e armazéns renovados, mais do que dobrando o espaço de exibição do Arsenale dos anos anteriores.

Parte I

Soham Gupta
Em seus retratos fantasmagóricos, Soham Gupta ilumina a vida noturna de Calcutá, revelando como vivem alguns dos habitantes mais vulneráveis ​​da cidade. Em sua série Angst, acompanhamos essas figuras noturnas à medida que se movem pelos mundos que habitam, tornando-se personagens vívidos no imaginário do fotógrafo. Gupta pensa em seus retratos como resultado de um processo colaborativo, extraído de interações íntimas nas quais ele e seus súditos confiam um no outro. O fotógrafo tem uma afinidade instintiva com aqueles que vivem à margem da sociedade; ele caminha entre eles, identificando-se com suas dores e lutas.

Depois de passar algum tempo com cada assunto, Gupta faz relatos biográficos de suas histórias. As fotos de Gupta conferem aos impotentes uma agência expressiva. Mais do que a documentação de uma cidade e de seu povo, as fotografias são a expressão de um estado psicológico enraizado em algo mais essencial. Uma sensação de vulnerabilidade e solidão é pontuada por momentos de alegria e espontaneidade. Enquanto os gritos e dores de agonia podem ser silenciados pela imagem fotográfica, as fotos de Gupta expressam vividamente os vários tons de humanidade que só podem ser vistos durante a noite.

Anthony Hernandez
O trabalho fotográfico de Anthony Hernandez é duro e não sentimental. Nas últimas três décadas, uma questão prevalente tem incomodado o fotógrafo: como imaginar as ruínas contemporâneas da cidade e o duro impacto da vida urbana em seus cidadãos menos favorecidos? Hernandez abordou essa questão focalizando o que o fotógrafo Lewis Baltz chamou de “as paisagens dos derrotados” – campos de sem-teto, escritórios de desemprego, pátios de destruição de automóveis, abrigos de ônibus e outros espaços abandonados encontrados nos arredores da cidade. Nem romântico nem nostálgico, o trabalho de Hernandez detalhou os locais e espaços onde a promessa de felicidade do capitalismo azedou.

Christian Marclay
As obras de Christian Marclay são feitas a partir de objetos, imagens e sons já existentes, dos quais ele se apropria e manipula. Suas explorações sobre a relação entre som e imagem o levaram a aplicar técnicas de sampling aos filmes de Hollywood. Ele criou montagens de clipes para formar novas narrativas e projeções em várias telas. “Eu sempre usei objetos encontrados, imagens e sons, e os colei, e tentei criar algo novo e diferente com o que estava disponível. Ser totalmente original e começar do zero sempre pareceu fútil. Eu estava mais interessado em pegar algo que existia e fazia parte do meu entorno, para recortá-lo, torcê-lo, transformá-lo em algo diferente; apropriar-se dele e torná-lo meu através de manipulações e justaposições ”.

Zanele Muholi
Conhecida pelo trabalho Faces and Phases (2006 em andamento), um arquivo em evolução de retratos de lésbicas negras sul-africanas, Zanele Muholi é uma fotógrafa que trabalha ferozmente contra o silenciamento e a invisibilidade. Preferindo ser referido como um “ativista visual” ao invés de um artista, Muholi é co-fundador do Fórum para o Empoderamento das Mulheres, assim como Inkanyiso, uma plataforma para o ativismo queer e visual.

A importância da autorrepresentação é central para Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012 em andamento), uma série de autorretratos sem remorso que a artista pretende construir em 365 imagens de um ano na vida de uma lésbica negra no sul África. A série inclui obras onde o artista está desafiador ou diretamente encontrando o olhar do espectador, à vista no Arsenale, e estampas menores de gelatina de prata onde Muholi a evita e frustra, à vista no Pavilhão Central.

Ed Atkins
Ed Atkins faz todos os tipos de circunvoluções no autorretrato. Ele escreve profecias elípticas e desconfortavelmente íntimas, desenha caricaturas horríveis e faz vídeos realistas gerados por computador que geralmente apresentam figuras masculinas em meio a crises psíquicas inexplicáveis. No Arsenale, a instalação Old Food (2017-2019) é amassada de historicidade, melancolia e estupidez. Aqui, Atkins expandiu seu terreno emo, temperando a figuração autobiográfica afetando com questões e citações mais amplas.

Os desenhos que constituem Bloom (numerados de um a dez e mostrados no Pavilhão Central) apresentam tarântulas desembarcando com as mãos hesitantes ou empoleiradas em um pé posado, cada uma com a cabeça encolhida de Ed Atkins onde deveria estar o abdômen das aranhas. Envolto em fios de cabelo aracnídeo, o rosto de Atkins rompe a quarta parede e nos olha boquiabertos, com uma expressão ambivalente e questionavelmente consciente.

Tavares Strachan
Um tema recorrente nas colagens de Tavares Strachan (junto com o rastafarianismo, esportes e exploração polar) é o da viagem espacial; astronautas e foguetes espaciais de fogo aparecem em várias obras. Após uma bolsa do Laboratório de Arte + Tecnologia do Museu de Arte do Condado de Los Angeles em 2014, Strachan teve a oportunidade de trabalhar com a SpaceX, a empresa privada de tecnologia aeroespacial. Ele começou a pesquisar Robert Henry Lawrence Jr., o primeiro astronauta afro-americano, que morreu em um acidente de treinamento em 1967 e que permaneceu praticamente invisível nas histórias convencionais das viagens espaciais americanas. O resultado deste projeto é exibido no Arsenale.

A obra apresentada no Pavilhão Central está ligada ao conceito de enciclopédia impressa: hoje, na era da Internet e da Wikipedia, é duplamente redundante. Sua manifestação mais famosa, a Encyclopaedia Britannica, publicada pela primeira vez em 1768, ainda assim se apega a uma certa autoridade do velho mundo. Crescendo nas Bahamas – ex-colônia britânica – Tavares Strachan passou a entender a Enciclopédia Britânica como uma ferramenta de conquista imperial, que se apropria (e condensa) o conhecimento como forma de sinalizar a dominação cultural. Strachan se interessou por tudo que a enciclopédia deixava de fora.

Gabriel rico
Como colecionador de objetos culturais descartados, autoproclamado ontologista, arquiteto treinado e pesquisador da experiência humana com afinidade por animais, pode-se dizer que Gabriel Rico tem “olhos famintos”. Seu questionamento, exploração e coleta levam a uma abordagem pós-surrealista / Arte povera que extrai uma variedade de materiais, desde taxidermia e objetos naturais até formas de neon e outros vestígios de itens feitos pelo homem. Isso resulta em esculturas instigantes que abordam a relação entre meio ambiente, arquitetura e as futuras ruínas da civilização.

Em toda a obra de Rico, a beleza da história está nos detalhes. Os componentes refletem os desafios enfrentados por um local específico – México – e simultaneamente ressoam com nossas preocupações globais compartilhadas. Rico considera a fragilidade do espaço, tanto formal quanto filosoficamente, apresentando o momento precário que é agora.

Shilpa Gupta
Shilpa Gupta trabalha em torno da existência física e ideológica das fronteiras, revelando suas funções simultaneamente arbitrárias e repressivas. Sua prática baseia-se nas zonas intersticiais entre os estados-nação, divisões étnico-religiosas e estruturas de vigilância – entre as definições de legal e ilegal, pertencimento e isolamento. Situações cotidianas são destiladas em gestos conceituais sucintos; como texto, ação, objeto e instalação, através dos quais Gupta aborda os poderes imperceptíveis que ditam nossas vidas como cidadãos ou apátridas.

Jesse Darling
As esculturas de Jesse Darling são feridas, nervosas e instáveis, mas também estão cheias de vida. Feitas com materiais de uso diário de baixo custo, essas montagens despretensiosas evocam corpos com uma pungência incomum; eles também são decididamente não monumentais. Incapaz de usar a maior parte do braço direito devido a uma doença neurológica, Darling foi atingido pelas ideologias herdadas e pelo machismo capaz que inicialmente informaram sua compreensão da escultura: idéias de ‘trabalho duro’ e ‘o gesto’. Eles explicam: “Agora estou tentando pensar e trabalhar no sentido de uma prática escultórica não machista, reunindo e montando pequenos objetos em formulações narrativas e aprendendo a desenhar com a mão esquerda”.

Teresa Margolles
Teresa Margolles treina uma lente feminista sobre as brutalidades da narcoviolência que permeiam seu país natal, o México. Tendo estudado medicina forense e cofundado o coletivo de artistas inspirado no death metal SEMEFO, Margolles tem, ao longo de sua prática, tematizado a negligência governamental, o custo social e econômico da criminalização das drogas e as texturas, cheiros e restos físicos específicos, a materialidade de morte.

Henry Taylor
Descrevendo a sua prática de pintura como “voraz”, Henry Taylor povoa a sua obra com uma enorme diversidade de temas, desde os destituídos até aos de grande sucesso. Seja por meio de retratos íntimos de família e amigos, ou cenas de grupo politicamente influenciadas que unem diferentes geografias e histórias, o objetivo de Taylor é retratar honestamente a realidade da experiência negra e os trabalhos frequentemente iníquos da vida americana. Mas, apesar de seu olho aguçado para a injustiça e da incorporação frequente de referências da história da arte, as fotos de Taylor não são pesadas; suas formas em negrito e cores de bloco são imediatas, prendendo o espectador.

Njideka Akunyili Crosby
As pinturas de Njideka Akunyili Crosby refletem sua experiência como membro da diáspora nigeriana contemporânea, retratando uma identidade cultural e nacional específica que é desconhecida para muitos, embora instantaneamente reconhecível para aqueles que seguiram um caminho semelhante. Tendo emigrado para estudar nos Estados Unidos quando adolescente, Akunyili Crosby se move com confiança (embora talvez não sem atritos internalizados) entre diversos contextos estéticos, intelectuais, econômicos e políticos, e é a colisão e o desalinhamento desses contextos que dá a suas pinturas tensão e pungência.

A artista pinta retratos e interiores domésticos que costumam ser representados por ela e sua família. Essas cenas são ao mesmo tempo planas e infinitamente profundas, com janelas e portas que se abrem para outros espaços, enquanto os espaços descritos nessas fotos são indeterminados; certos detalhes – como um radiador de ferro fundido, por exemplo – indicam um clima frio (como Nova York, onde o artista viveu por um tempo), enquanto outros, como uma lamparina de parafina sobre uma mesa, são retirados do Akunyili Crosby’s memórias da Nigéria.

Kemang Wa Lehulere
O trabalho em camadas ricas de Kemang Wa Lehulere incentiva os visitantes a se reunirem em torno dele em contemplação compartilhada. Essa noção de coletivo é a chave para a prática mais ampla do artista: ele se tornou um artista em seus vinte e tantos anos, depois de muitos anos de experiência como ativista na Cidade do Cabo. Fundou a Gugulective em 2006, uma plataforma artística de performance e intervenção social. Ambas as instalações expostas no Arsenale e no Pavilhão Central são feitas de madeira recuperada e metal de carteiras e cadeiras escolares. Cada elemento dessas obras se reúne em uma teia de associações, referências e histórias porque, para Wa Lehulere, a biografia pessoal e a história coletiva são inextricáveis.

Apichatpong Weerasethakul
As obras de Apichatpong Weerasethakul estão imersas na vida social, na cultura divergente e na política tumultuada de sua Tailândia nativa, enquanto as arenas transitórias de dormir, sonho e memória recorrem como espaços para exploração, liberação e subversão silenciosa. Esses temas tecem seu caminho para a interação complexa de luz, som e tela de Synchronicity (2018), feito com o artista japonês Tsuyoshi Hisakado (1981, Japão) e exibido no Arsenale, em cujo ambiente os espaços de limiar de Weerasethakul ganham forma física.

Vários trabalhos estão relacionados aos encontros do artista com o passado traumático de Nabua, uma cidade no nordeste da Tailândia, onde fazendeiros rebeldes foram brutalmente reprimidos e mortos pelos militares tailandeses na década de 1960. Duas obras no Pavilhão Central sinalizam uma mudança significativa para Weerasethakul, que pela primeira vez trabalhou fora da Tailândia, na Colômbia, para seu atual projeto Memoria. A topografia da Colômbia e suas cicatrizes de décadas de guerra civil têm uma afinidade visceral com Weerasethakul; os traumas da memória coletiva fazem parte do tecido da vida cotidiana, tanto quanto em Nabua.

Yin Xiuzhen
Desde o início dos anos 1990, Yin Xiuzhen trabalha com materiais reciclados para criar esculturas ambiciosas carregadas de referências sociais. Refletindo o desenvolvimento, consumo e globalização excessivos que definiram amplamente a China pós-1989, em suas obras ela junta têxteis macios a uma série de itens – muitas vezes de texturas e conotações drasticamente contrastantes – como malas, fragmentos de concreto, detritos, metais e objetos industriais.

Suki Seokyeong Kang
Incorporando pintura, escultura, vídeo e o que o artista descreveu como ‘ativação’, a prática multivariada de Suki Seokyeong Kang centra-se no lugar e no papel do indivíduo hoje. Kang baseia-se em aspectos da herança cultural coreana, bem como em sua própria história pessoal para reimaginar estruturas ideológicas e imaginar arenas politizadas nas quais as partes interessadas com poder podem articular e exercer sua agência no espaço-tempo do presente.

Handiwirman Saputra
Nos últimos dez anos, Handiwirman Saputra criou uma série de esculturas e pinturas enigmáticas intituladas No Roots, No Shoots, acionadas por objetos aleatórios que encontrou na vida cotidiana. O ímpeto para algumas dessas obras foi um trecho de rio perto de sua casa, onde raízes expostas de bosques de bambu e árvores estavam emaranhadas com o lixo doméstico. Saputra ficou intrigado não apenas com as coisas que descobriu lá, mas também com as associações entre eles: “Talvez também se possa dizer que eles constroem uma conversa, um diálogo sobre a experiência daquela coisa – para que ela foi usada desde suas origens até o ponto que eu encontrei “.

Lee Bul
Tendo crescido como filha de ativistas de esquerda durante a ditadura militar da Coreia do Sul, Lee Bul experimentou os efeitos de um regime repressivo em um país em rápida transformação econômica e cultural. Seus primeiros trabalhos, que datam do final dos anos 1980, foram performances de rua para as quais ela fez e usou fantasias monstruosas de ‘esculturas macias’ enfeitadas com saliências e vísceras pendentes.

Estas foram seguidas por suas esculturas Cyborg nas quais os corpos femininos se transformavam em máquinas, formando híbridos incompletos sem cabeças e membros. Eles, por sua vez, a levaram a explorar ideias de paisagens futurísticas inspiradas nos sonhos, ideais e utopias concebidos em mangás e animes japoneses, na bioengenharia e na arquitetura visionária de Bruno Taut (1880-1938).

Sun Yuan e Peng Yu
O casal de artistas Sun Yuan e Peng Yu iniciou sua colaboração em 2000. Em 2009, eles criaram a instalação Sun Yuan Peng Yu, um autorretrato que descreve a relação e a dinâmica de sua aliança artística. Um círculo de fumaça recorrente foi persistentemente dispersado por uma vassoura movida por um braço mecânico que continuava varrendo o ar; a fumaça reaparecia persistentemente, apenas para se dissolver quando a vassoura batia novamente.

Para Sun e Peng, o momento de encontro entre os dois componentes, e a dissolução de um pelo outro, simboliza um momento de criação artística conjunta em sua forma de trabalhar. Quase todas as instalações de Sun Yuan e Peng Yu são voltadas para solicitar maravilhas e tensão dos espectadores. O ato de olhar, às vezes espreitar, por parte dos espectadores é um elemento constitutivo de seus trabalhos recentes, que muitas vezes envolvem a encenação de espetáculos intimidantes.

Cameron Jamie
Cameron Jamie produziu trabalhos em diversas mídias, de fotos e vídeos a desenhos, cerâmicas, esculturas e zines fotocopiados. A obra que mais lhe chamou a atenção nos primeiros anos de carreira, entretanto, foi Kranky Klaus (2002-2003), um vídeo que documenta a tradição do Natal alpino de Krampuslauf. Em uma aldeia rural austríaca, homens vestidos como bestas com chifres saem pelas ruas à noite, supostamente em busca de crianças e mulheres jovens que teriam sido travessas. As feras Krampus então atacam fisicamente suas vítimas no que é um ritual culturalmente sancionado de violência coreografada – embora aparentemente real.

parte II

Maria loboda
A transformação contínua de objetos e imagens por meio de suas trajetórias de transmissão e encontro está no cerne da prática de Maria Loboda. As obras de Loboda provocam desconfiança no supostamente evidente, mas também nos convidam a fazer amizade com as incertezas que eles – e as coisas que nos cercam – possuem. Loboda se interessa pela forma como as imagens são afetadas pelos contextos em que circulam, moldadas pela história dos olhares sobre elas.

Rula Halawani
As imagens fantasmagóricas de Rula Halawani capturam as consequências da violência periódica que transformou seu país em uma zona de guerra. Baseando-se em sua experiência como fotojornalista e em suas lembranças da vida sob a ocupação israelense, Halawani busca em uma paisagem agora desconhecida os vestígios desbotados da Palestina histórica. Por meio da fotografia, as implicações espaciais da ocupação são refletidas não apenas por meio da representação de estruturas políticas no ambiente construído, mas de forma mais distinta no vazio de espaços negativos e ilusões sombrias.

Lawrence Abu Hamdan
Descrevendo-se como um “ouvido privado”, Lawrence Abu Hamdan enfoca a política de escuta, o impacto legal e religioso do som, a voz humana e o silêncio. Sua prática surgiu de uma formação em música DIY, mas atualmente abrange filmes, instalações audiovisuais e ensaios de áudio ao vivo – um termo que ele prefere a “palestra-performance”, pois descreve melhor o entrelaçamento de voz e conteúdo, e do discurso e as condições em que é pronunciado. Ele trata a voz humana como um material politizado, facilmente apreendido por governos ou empresas de dados.

Julie Mehretu
Telas anteriores de Julie Mehretu referiam-se a mapas, diagramas arquitetônicos e grades de planejamento urbano; o artista usou uma série de vetores e notações que apontavam para mobilidades globais – bem como desigualdades globais. Eles são estonteantemente complexos e magistrais no uso da escala e do espaço negativo; eles transmitem uma sensação de velocidade. Em suas pinturas mais recentes, ela abraça um tipo diferente de desorientação, produzindo trabalhos em que pinceladas aerografadas e elementos serigrafados são adicionados e apagados, invocando uma sensação de dissipação e perda. Apesar dos detalhes das pinturas de base, esta fonte de imagens ainda tem a capacidade de registrar em um nível emocional, dando o tom para a pintura concluída.

Gauri Gill
Viajando mais longe, Gill viu novas “colônias suburbanas existentes em um terreno baldio de escombros, imitações de castelos ingleses com as casas improvisadas de trabalhadores migrantes ao seu redor”. Seu Deadpan arquitetônico abrange painéis de desenvolvedores que vendem sonhos inatingíveis; exibições educacionais sobre edificação e construção; palmeiras falsas plantadas entre árvores reais; uma deusa presidindo uma unidade de ar condicionado; um novo prédio, coberto com lonas rasgadas, em processo de demolição na Mahatma Gandhi Road; pacotes de lixo apodrecendo ao lado da Grand Trunk Road; e arranha-céus inexpressivos, em todos os lugares.

Otobong Nkanga
Fazendo referência ao (muitas vezes violento) movimento e troca de minerais, energia, bens e pessoas, o trabalho de Otobong Nkanga é um lembrete de que objetos e ações não existem isoladamente: há sempre uma conexão, sempre um impacto. “Nenhum de nós existe em um estado estático”, disse o artista. “As identidades estão em constante evolução. As identidades africanas são múltiplas. Quando vejo, por exemplo, as culturas nigeriana, senegalesa, queniana, francesa ou indiana, não se pode falar sobre uma identidade específica sem falar sobre os impactos coloniais e o impacto dessa troca – do comércio, dos bens e da cultura ”.

Michael Armitage
Localizadas em algum lugar entre uma realidade fantástica e o caos político da vida moderna, as pinturas de Michael Armitage tecem vários fios narrativos. Como um observador atento de dinâmicas sociais complexas, ele subverte os códigos convencionais de representação por meio da linguagem da pintura narrativa. Ampliando questões de desigualdade e incerteza política, a beleza pitoresca de seus quadros vívidos desmente uma realidade sinistra em que a colisão de detalhes suntuosos e cores vibrantes fornece uma visão sobre os costumes sociais e ideologias políticas que governam a vida cotidiana em Nairóbi.

Haris Epaminonda
Haris Epaminonda trabalha com materiais encontrados, como esculturas, cerâmica, livros ou fotografias, que ela freqüentemente combina para construir cuidadosamente suas instalações características. Esses objetos se enredam em uma teia de significados históricos e pessoais desconhecidos do público e, provavelmente, também dela. Não que ela ignore essas histórias: elas estão implícitas, exercem seu poder intrinsecamente, enquanto suavemente se dobram em algo diferente à medida que se instalam em suas instalações. Ela os escolhe por seus qualia, suas qualidades experienciais irredutíveis, que os fazem brilhar e se tornarem visíveis.

Liu Wei
Os primeiros trabalhos de Liu Wei frequentemente lidavam com arquitetura urbana, paisagens de cidades e objetos do cotidiano, e representavam vários aspectos do mundo físico, empregando um esquema geométrico recorrente em pinturas e instalações. Ao longo das últimas duas décadas, ele trabalhou com uma variedade estonteante de materiais – de cachorros de couro de boi a livros, de aparelhos eletrônicos domésticos a porcelana chinesa e materiais de construção descartados. Suas recentes instalações em grande escala evocam a formalidade e o esplendor dos cenários modernistas, repletos de formas e formas geométricas.

Alexandra Bircken
A prática de Alexandra Bircken é construída em torno da forma humana. Seus trabalhos incorporam uma variedade incomum de materiais, desde itens manufaturados como silicone, meias de náilon, armas e maquinários, até materiais orgânicos, incluindo lã, couro, galhos e frutas secas. Despojados de seu propósito anterior, eles são montados em arranjos extraordinários e desconfortáveis, cada um funcionando com tensões opostas.

No Arsenale os artistas exibem a instalação visceral, apocalíptica e dinâmica ESKALATION (2016), uma visão distópica de como pode ser o fim da humanidade. No Pavilhão Central, Bircken apresenta seis obras que entrelaçam temáticas de género, poder e vulnerabilidade, animal e máquina. São obras que lembram nossa vulnerabilidade, nossa fisicalidade e as ferramentas arrogantes que criamos para nos proteger de fora e uns dos outros.

Alex Da Corte
Os trabalhos envolventes de Alex Da Corte testemunham um ato magnético de criação de mundos. Ele coreografa uma dança de objetos que significam e implicam, sem serem essas coisas. Ele conta histórias por meio de códigos e símbolos, nos quais um turbilhão de Americana apropriada, montada, encenada e trabalhada é infundida simultaneamente com referências culturais de alto e baixo nível e achados de loja de valores.

No Arsenale, o Rubber Pencil Devil com iluminação neon miniaturiza os espectadores enquanto eles se sentam em bancos e assistem a versões adultas de grandes dimensões e saturadas de programas de TV familiares nos quais uma série de personagens desempenha uma coreografia hipnoticamente lenta. No Pavilhão Central, os espectadores se tornam gigantes vendo as pessoas viverem suas vidas tranquilas dentro das casas do The Decorated Shed (2019), uma réplica exata de uma miniatura de uma vila suburbana americana – da popular série de televisão Mister Rogers ‘Neighborhood – apresentada em um Federal- mesa de mogno estilo, com a adição de sinalização de rede de restaurantes corporativos.

Khyentse Norbu
No trabalho de Khyentse Norbu como artista e cineasta, as questões filosóficas do contexto desempenham um papel central. Há uma sugestão de que a compreensão e a interpretação estão sempre abertas a mudanças e que há espaço para uma visão mais ampla. Conhecido no mundo budista como Dzongsar Khyentse Rinpoche, Norbu é um lama tibetano e butanês, respeitado por seus ensinamentos e escritos.

Ad Minoliti
Para Ad Minoliti, a pintura metafísica é o símbolo da utopia modernista e de tudo o que nela achava reprovável: a repressão de sua idealidade, o conservadorismo de suas estruturas rígidas e mesmo sua lógica binária implícita, em referência à ideia de Jacques Derrida de que O pensamento ocidental é baseado em oposições dualistas, como masculino-feminino, racional-emocional ou cultura da natureza. Seu esforço artístico tem sido criar um espaço alternativo de representação para se opor a essa postura modernista. Ela encontrou um alter-homólogo dialético do espaço da pintura metafísica no mundo imaginário da casa de bonecas.

Uma invenção do século 17, a casa de bonecas foi inicialmente criada como uma ferramenta pedagógica para instruir as meninas em seus papéis como donas-de-casa, administradoras de casas, donas de crianças e apoiadoras do marido – e meninos sobre a aceitação dessa divisão e filosofia do trabalho . Minoliti se apropria da estética da casa de boneca e seus adereços, combina-a com imagens modernistas que ecoam Kandinsky, Picasso ou Matisse, e então a desmonta, torce, muda e reconfigura novamente.

Jon Rafman
Nos movimentos modernistas, observou Jon Rafman, prevaleciam visões utópicas do futuro. A visão pós-moderna do capitalismo tardio, entretanto, tornou-se distópica. Para explorar essa mudança nas noções de futuro, o trabalho de Rafman emprega a imagem em movimento e os gráficos gerados por computador, evitando o otimismo róseo às vezes associado às novas tecnologias.

Ian Cheng
Ian Cheng usa técnicas de programação de computador para criar ambientes de vida definidos por suas habilidades de mutação e evolução. Ele estava desenvolvendo ‘simulações ao vivo’, ecossistemas virtuais vivos que começam com propriedades básicas programadas, mas são deixados para se desenvolverem sem controle autoral ou fim. É um formato para exercitar deliberadamente os sentimentos de confusão, ansiedade e dissonância cognitiva que acompanham a experiência de mudança implacável.

A criatura mais recente de Cheng, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), apresentada no Pavilhão Central, é uma forma de IA (inteligência artificial) cuja personalidade, valores e corpo – que lembra uma serpente ou coral – estão crescendo continuamente . Os padrões de comportamento e o script de vida do BOB são alimentados por interações com humanos, que são capazes de influenciar as ações do BOB por meio de um aplicativo iOS. Life After BOB: First Tract (2019), apresentado no Arsenale, funciona como uma espécie de “pré-visualização” de um universo narrativo centrado em BOB.

Arthur Jafa
Por três décadas, Arthur Jafa desenvolveu uma prática dinâmica em mídias como filme, escultura e performance. Ao longo de sua carreira, ele investiu em modos especificamente negros de expressividade e no desafio de como tornar o mundo (visual, conceitual, cultural, idiomático) do ponto de vista do ser negro – em toda sua alegria, horror, beleza dor, virtuosismo, alienação, poder e magia. Jafa reúne imagens baseadas em rede, fotografias históricas, retratos vernaculares, videoclipes, memes e imagens de notícias virais para destacar o absurdo e a necessidade das imagens na apreensão da raça.

Lara Favaretto
A prática artística multifacetada de Lara Favaretto engloba escultura, instalação e ação performativa, e muitas vezes é expressa por meio do humor negro e da irreverência. Um exemplo pode ser encontrado em sua série Momentary Monuments (2009-em andamento), que não pretende glorificar nenhum acontecimento histórico, nem fomentar sentimentos de identificação nacional.

Os monumentos de Favaretto são menos ideológicos e mais tragicômicos, simplesmente apodrecem, desmoronam e se dissolvem de diferentes maneiras. Isso faz um esforço tremendo para construí-los um monumento em si, mas para a futilidade do esforço humano. A piada implícita na obra de Favaretto é que mesmo os objetos feitos dos materiais mais estáveis, destinados a congelar valores e ideologias para sempre, acabam desaparecendo.

Andra Ursuţa
Compulsões obsessivas e desejos violentos; submissão ao domínio sexual e político; a fragilidade da existência humana; identidade como construção e ficção: estes são alguns dos temas que sustentam os cenários niilistas e tragicômicos explorados nas esculturas e instalações de Andra Ursuţa. Baseando-se no paradoxo e na ironia, o trabalho da artista se baseia em acontecimentos políticos, clichês e alegorias, bem como em memórias pessoais, na tentativa de expor e romper a dinâmica de poder que perpetua as fronteiras precárias entre violação e banalidade, indiferença e empatia, abjeção e humor.

Neïl Beloufa
Neïl Beloufa – cuja prática abrange cinema, escultura e instalações – passou boa parte da última década pensando no que está em jogo quando se apreende a realidade e sua representação. Sua prática se recusa a adotar qualquer posição de autoridade; é aguçado na observação e discreto no que transmite. O artista se afasta constantemente de suas proposições como se dissesse ao espectador: ‘Este é o seu problema agora – você lida com ele’.

Por exemplo, para assistir aos vídeos do Acordo Global (2018-2019), em exibição no Arsenale, o espectador tem que se sentar em estruturas que lembram aparelhos de ginástica, que incomodam e restringem seus movimentos; simultaneamente, a configuração do espaço significa que cada espectador pode observar todos os outros observando os outros: você pode estar assistindo ao vídeo, mas alguém está sempre olhando para você.

Ryoji Ikeda
A prática do compositor e artista Ryoji Ikeda aproxima-se do minimalismo monumental, muitas vezes entrelaçando composições acústicas esparsas com visuais que tomam a forma de vastos campos de informação digitalmente renderizada. Eles se integram para formar a própria linguagem expansiva do artista, que se baseia em uma forma algorítmica de trabalho em que a matemática é utilizada como um meio de capturar e refletir o mundo natural ao nosso redor.

Danh Vo
O eclético círculo de colaboradores de Danh Vo para a Biennale Arte 2019 inclui seu namorado, seu sobrinho, seu pai e seu ex-professor. Nas instalações de Vo, a história encontra a própria biografia do artista por meio de objetos simbólicos carregados, como ícones culturais ou imagens religiosas danificadas, e o envolvimento literal e metafórico de seus familiares e amigos.

Parte III

Tarek Atoui
Fazendo uma ponte entre música e arte contemporânea, a prática de Tarek Atoui expande noções de escuta por meio de performances sonoras participativas e colaborativas. Influenciado pelo legado de formas abertas apresentadas por artistas na década de 1960, que ampliou a compreensão da música e a aproximou do reino das artes visuais, Atoui concebe e coordena ambientes complexos para cultivar o som. Por meio de suas instalações, performances e colaborações, ele quebra noções esperadas de performance, tanto para o performer quanto para o público, sugerindo formas multimodais de experiência: visual, auditiva e somática.

Jimmie Durham
Também incorporando elementos de escrita e performance, a prática de Jimmie Durham geralmente assume a forma de esculturas nas quais diversos itens do dia a dia e materiais naturais são montados em formas vívidas. O processo de produção, que Durham denomina de “combinações ilegais com objetos rejeitados”, pode ser visto como uma encarnação da atitude subversiva que permeia suas obras.

No Arsenale, cada escultura, feita a partir de combinações de peças de móveis, materiais industriais lisos ou roupas usadas, aproxima-se da escala do animal titular – mas as formas resultantes não são retratos dos seres, mas sim envolvimentos poéticos que desafiam a noção tradicional do Iluminismo de a separação entre humanos e natureza. No Pavilhão Central, Durham exibe a Serpentina Negra, uma grande laje de rocha homônima cercada por uma estrutura de aço inoxidável – uma massa de meia tonelada desafiadora em sua fortaleza implacável.

Anicka Yi
Demarcações desestabilizadoras entre o orgânico e o sintético, a ciência e a ficção, o humano e o não-humano, as criações multiformes de Anicka Yi são sustentadas pelo que o artista descreve como a “biopolítica dos sentidos”. O novo corpo de trabalho de Yi centra-se em investigações recentes sobre “biologizar a máquina”, enquanto ela se concentra no sensorium da máquina e contempla como novos canais de comunicação podem ser estabelecidos entre entidades de inteligência artificial (IA) e formas de vida orgânicas.

Zhanna Kadyrova
Um dos aspectos mais marcantes da arte de Zhanna Kadyrova, que inclui fotografia, vídeo, escultura, performance e instalação, é sua experimentação com formas, materiais e significado. Ela costuma usar ladrilhos baratos para o mosaico, combinados com materiais de construção pesados, como concreto e cimento.

Para a Market (em andamento em 2017, exibida no Arsenale), uma barraca de comida equipada com tudo que um comerciante de rua precisa, ela faz salsichas e salames de concreto e pedra natural, e modela frutas e vegetais – bananas, melancias, romãs, beringelas – em mosaico robusto. A versão de Second Hand (2014 em andamento) em exibição no Pavilhão Central reaproveita ladrilhos de cerâmica de um hotel em Veneza para a construção de peças de roupa e linho.

Eslavos e tártaros
Fundado em 2006, Slavs and Tatars começou como um clube do livro e evoluiu para um coletivo de artistas cuja prática multifacetada, no entanto, permaneceu muito próxima da linguagem, tanto de forma literal quanto figurativa. Seu trabalho, que vai de esculturas e instalações a apresentações de palestras e publicações, é uma abordagem de pesquisa não convencional para a riqueza cultural e a complexidade da área geográfica delimitada entre duas barreiras simbólicas e físicas: o antigo Muro de Berlim e o Grande Muralha da China. Esta vasta terra é onde o Oriente e o Ocidente colidem, fundindo-se e redefinindo um ao outro.

Christoph Büchel
On 18 April 2015, the Mediterranean’s deadliest shipwreck in living memory occurred in the Sicilian Channel, 96 km off the Libyan coast and 193 km south of the Italian island of Lampedusa. The boat, bought by Libyan traffickers, was filled with migrants, most of whom were locked up in the hold and machine room when it collided with a Portuguese freighter that was trying to come to its rescue.

Barca Nostra, monumento coletivo e memorial à migração contemporânea, não é apenas dedicado às vítimas e às pessoas envolvidas na sua recuperação, mas também representa as políticas e políticas coletivas que geram este tipo de desastres. Em maio de 2018, uma iniciativa de migrantes em Palermo iniciou uma petição propondo uma procissão com o naufrágio como um cavalo de Tróia vagando pelas fronteiras nacionais através da Europa, lutando pelo direito humano à livre mobilidade.

Ludovica Carbotta
A prática artística multifacetada de Ludovica Carbotta abrange escultura, desenho, performance, arquitetura e escrita. Interessa-se pela exploração física do espaço urbano, construindo o que chama de “especificidade do sítio ficcional”; ela inventa lugares imaginários ou imbui lugares reais de contextos ficcionais, resgatando o papel da imaginação como forma de construção do conhecimento.

Nos últimos anos, ela vem trabalhando em um projeto de grande envergadura, dividido em vários capítulos, intitulado Monowe, o nome de uma cidade imaginária habitada por uma única pessoa. Através do ponto de vista e experiências do único habitante de Monowe e sua possível aceitação das condições da cidade, Carbotta explora a reclusão como um estado através do qual abandonar normas sociais, regras e lógicas que foram tidas como certas na sociedade.

Tomás saraceno
A pesquisa de Tomás Saraceno é alimentada por uma miríade de mundos. Sua Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, projetos comunitários e instalações interativas exploram formas sustentáveis ​​de habitar o meio ambiente por meio de disciplinas (arte, arquitetura, ciências naturais, astrofísica, filosofia, antropologia, engenharia) e sensibilidades.

Em todos esses projetos, Saraceno se envolve com formas de vida que existem ao nosso redor e, em uma era de convulsão ecológica, nos encoraja a sintonizar nossas perspectivas com outras espécies e sistemas – seja no nível micro ou macro, das colônias de aranhas ao gravitacional ondas – e se envolver com formas híbridas e alternativas de habitar nosso planeta compartilhado.

Cyprien Gaillard
Fazendo da entropia do feito pelo homem e do natural sua preocupação central, Cyprien Gaillard faz uma crítica incisiva da ideia de progresso por meio de seus vídeos, esculturas, fotografia, colagens e arte pública. Um observador nômade, Gaillard caminha por ambientes urbanos e também por paisagens naturais, em busca de sinais do tempo profundo embutidos em seu entorno. Ele traz fragmentos do mundo exterior para dentro, formando justaposições anacrônicas, combinando imagens de destruição e reconstrução, renovação e degradação.

A prática de Gaillard é uma arqueologia visual da decadência, seja a erosão das formas físicas ou do significado social e histórico. Muitas vezes colapsando o tempo em sua obra, Gaillard luta contra o romantismo das ruínas, sugerindo um olhar desinteressado através do qual os vestígios de eventos e lugares podem ser compreendidos por meio de uma estrutura unificada de tempo cíclico.

Halil Altındere
Halil Altındere examina a política do cotidiano em seus vídeos, fotografias, instalações e pinturas. Observador atento dos mecanismos sociopolíticos e de sua intromissão no indivíduo, ele freqüentemente usa os próprios meios pelos quais a autoridade é afirmada e a diferença é circunscrita pelas instituições do Estado-nação. Cartões de identidade, selos postais, notas, capas de jornais, slogans militaristas e fotos de líderes políticos são apropriados para subverter a manipulação e a normalização social ou política.

Vindo de uma origem curda e tendo crescido durante o auge do conflito turco-curdo, Altındere aborda a negligência e os maus tratos às minorias em várias obras. Nos últimos anos, Altındere se envolveu com a crise global de refugiados em várias obras, incluindo Space Refugee (2016), uma série inspirada no encontro do artista com Muhammed Ahmed Faris, o primeiro e único cosmonauta da Síria, que viajou ao espaço com uma equipe soviética em 1987.

Bienal de Veneza 2019
A 58ª Bienal de Veneza foi uma exposição internacional de arte contemporânea realizada entre maio e novembro de 2019. A Bienal de Veneza acontece a cada dois anos em Veneza, Itália. O diretor artístico Ralph Rugoff fez a curadoria de sua exposição central, May You Live in Interesting Times, e 90 países contribuíram com pavilhões nacionais.

A Bienal de Veneza é uma exposição bienal internacional de arte realizada em Veneza, Itália. Muitas vezes descrita como “as Olimpíadas do mundo da arte”, a participação na Bienal é um evento de prestígio para artistas contemporâneos. O festival se tornou uma constelação de shows: uma exposição central com curadoria do diretor artístico daquele ano, pavilhões nacionais hospedados por nações individuais e exposições independentes em Veneza. A organização matriz da Bienal também hospeda festivais regulares em outras artes: arquitetura, dança, cinema, música e teatro.

Fora da exposição internacional central, nações individuais produzem seus próprios shows, conhecidos como pavilhões, como sua representação nacional. As nações proprietárias de seus pavilhões, como os 30 alojados no Giardini, são responsáveis ​​por seus próprios custos de manutenção e construção. Nações sem edifícios dedicados criam pavilhões no Arsenale de Veneza e palácios por toda a cidade.

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008, e antes disso de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Arte Contemporânea (ASAC), recentemente reformado por completo.

Em todos os setores tem havido mais oportunidades de investigação e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, em contacto direto com professores conceituados; isso se tornou mais sistemático e contínuo por meio do projeto internacional Biennale College, agora executado nas seções de Dança, Teatro, Música e Cinema.