Qui a peur de Teresinha Soares? MASP présente une rétrospective de Teresinha Soares, pionnière dans les thématiques de l’identité de genre féminine. Quem tem medo de Teresinha Soares? occupera le sous-niveau du musée avec des peintures, des dessins, des estampes, des boîtes-objets, des reliefs et des installations, ainsi que de la documentation photographique sur les artistes pionniers des événements et des performances. L’émission mettra en lumière la production peu connue de l’un des artistes brésiliens les plus interrogateurs et les plus controversés des années 1960, qui, à cette époque, a été largement rapporté dans les médias.

Personnalité puissante et émancipée, écrivaine et défenseure des droits des femmes, Teresinha Soares complète sa biographie en étant la première femme élue au conseil municipal de la ville de sa naissance, ainsi qu’une gagnante d’un concours de beauté, une fonctionnaire et Un enseignant.

Avec plus de 50 œuvres d’art de Teresinha Soares (Araxáˇ, Minas Gerais, Brésil, 1927), de sa période intensément productive s’étalant de 1965 à 1976. Ce sera le premier aperçu complet de la production Soares jamais tenu dans un musée, au Brésil ou à l’étranger , et sera également sa première grande exposition solo en plus de 40 ans. Le titre de l’émission fait allusion à la célèbre pièce Who´s Afraid of Virginia Woolf? d’Edward Albee, et fait référence aux tabous comportementaux auxquels le travail de Teresinha Soares est confronté en s’opposant au machisme de la société et du monde de l’art.

Artiste pionnière en ce qui concerne le traitement des thèmes du genre, tels que la libération sexuelle des femmes, la violence contre les femmes et l’équité entre les sexes, Soares a également réalisé des œuvres traitant de questions politiques, comme dans la série de peintures Vietnam (1968), dans laquelle elle présente une approche originale et irrévérencieuse du thème. La représentation du corps est l’un des motifs les plus récurrents de l’œuvre de l’artiste, englobant une gamme d’aspects allant de la naissance à la mort et la relation avec la nature.

Dans l’œuvre Eurotic (1970), composée d’un album de sérigraphies réalisées à partir de dessins au trait et imprimés sur des feuilles de papier de couleurs différentes, une variété de postures est configurée sur la base de combinaisons de corps et d’interactions différentes. À partir de ces dessins, Soares a développé Body to Body dans Color-Pus of Mine (1971), sa première grande installation, qui représente une étape importante dans sa carrière. Ouverte à la participation du spectateur, cette œuvre est composée de quatre modules de hauteurs différentes, en bois peint en blanc, comme une scène surélevée de forme sinueuse qui occupe 24 mètres carrés d’espace. Le jour de l’ouverture, une représentation aura lieu pour inaugurer l’œuvre, tout comme celle réalisée par Soares au Grand Salon du Museu de Arte da Pampulha, en 1970,

Bien qu’il soit possible de relier le travail de Soares à certaines tendances des années 1960, comme le pop art mondial, le nouveau ralisme et le mouvement de nouvelle objectivité brésilien, l’artiste a toujours eu recours à un langage artistique à la fois spontané et personnel. Même aujourd’hui, son travail est peu connu du grand public brésilien, malgré le fait que Soares a participé activement au circuit artistique pendant dix ans, en organisant des expositions dans des galeries, des salons et des biennales. Actuellement, elle participe de plus en plus à des expositions internationales qui la contextualisent dans le cadre du nouveau mouvement de figuration des années 1960, ainsi que dans l’art politique: The EY Exhibition: The World Goes Pop (Tate Modern, Londres, 2015), Arte Vida (Rio de Janeiro, 2014) et Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Hammer Museum, Los Angeles, 2017).

Pour la commissaire d’expositions Rodrigo Moura, c’est aujourd’hui, alors que son travail commence à gagner plus de reconnaissance tant au Brésil qu’à l’étranger, une exposition qui examine de près sa carrière et analyse l’évolution de son langage artistique contribue non seulement à cette reconnaissance, mais aussi pour comprendre les mécanismes et les méthodologies qui ont inspiré une pratique féministe dans le contexte brésilien de cette période. »Adriano Pedrosa, directrice artistique du MASP, commente la pertinence du spectacle: c’est un privilège pour MASP de présenter le premier aperçu général de l’œuvre des artistes. Le musée remplit ainsi un rôle crucial: celui de présenter au grand public une œuvre qui devrait être considérée et réinscrite dans l’histoire récente de l’art brésilien.

Quem tem medo de Teresinha Soares? se déroule dans le cadre de la programmation muséale 2017 dédiée aux thématiques de la sexualité. Autour du spectacle Histories of Sexuality qui présentera des œuvres d’art de différentes périodes et collections, il y aura également un certain nombre d’expositions monographiques d’artistes brésiliens et internationaux dont les œuvres soulèvent des questions sur la corporéité, le désir, le féminisme, les questions de genre et d’autres questions. Cette exposition de Teresinha Soares, sera suivie par des expositions personnelles mettant en vedette le travail de Wanda Pimentel, Henri de Toulouse-Lautrec, Miguel Rio Branco, Guerrilla Girls, Pedro Correia de AraĂşjo et Tunga.

Musée d’art de Sao Paulo
Le Museu de Arte de São Paulo (MASP) est un musée privé à but non lucratif fondé en 1947 par le magnat des affaires et mécène des arts Assis Chateaubriand (1892-1968), devenant le premier musée moderne du pays. Chateaubriand a invité le marchand d’art et critique italien Pietro Maria Bardi (1900–1999) pour diriger MASP, et Lina Bo Bardi (1914–1992) pour concevoir l’architecture et la conception de l’exposition. Avec la plus importante collection d’art européen dans l’hémisphère sud, les collections du MASP se composent actuellement de plus de 11 mille œuvres d’art, y compris des peintures, des sculptures, des objets, des photographies, des vidéos et des vêtements de diverses époques, d’Europe, d’Afrique, d’Asie et du Amériques.

Initialement situé sur la rue 7 de Abril, au centre-ville de São Paulo, en 1968, le musée a été transféré à son emplacement actuel sur l’Avenida Paulista, dans le bâtiment emblématique conçu par Lina Bo Bardi, qui est devenu un point de repère dans l’histoire du XXe siècle architecture. Utilisant le verre et le béton, Lina Bo Bardi a mis en harmonie les surfaces rugueuses et inachevées avec les aspects de légèreté, de transparence et de suspension. La place au niveau du sol sous l’immense travée libre du bâtiment a été conçue comme une place publique polyvalente.

La radicalité de l’architecte est également présente dans les chevalets en verre créés pour montrer la collection au deuxième étage de l’immeuble. En enlevant les œuvres d’art des murs, les chevalets d’exposition questionnent le modèle traditionnel du musée européen, dans lequel le spectateur est amené à suivre une narration linéaire suggérée par l’ordre et la disposition des œuvres d’art dans les salles. Dans la grande galerie de photos de MASP, la conception de l’exposition suspendue et transparente permet au public de s’engager dans une relation plus étroite avec la collection puisque le visiteur peut choisir son propre chemin parmi les œuvres d’art, se déplacer et voir son dos.

Outre l’exposition de longue durée Acervo em transformação [Collection in Transformation] dans la galerie de photos du musée, chaque année, une large programmation d’expositions de groupe et d’expositions individuelles s’articule autour d’axes thématiques: histoires de sexualité (2017), histoires afro-atlantiques (2018), histoires de féminisme / femmes (2019). Il est important de considérer la qualité plurielle du terme «histoires», qui pointe vers des histoires multiples, diverses et polyphoniques, des histoires ouvertes, inconstantes et inachevées, des histoires fragmentées et en couches, des histoires non totalisantes et non définitives. En portugais, le mot histórias peut désigner des histoires fictives ou des histoires factuelles, des récits qui peuvent être personnels et politiques, privés et publics, micro et macro.

Cette approche reflète la nouvelle mission du musée, établie en 2017: «MASP, un musée diversifié, inclusif et pluriel, a pour mission d’établir, de manière critique et créative, des dialogues entre passé et présent, cultures et territoires, à travers les arts visuels . À cette fin, il doit élargir, conserver, rechercher et diffuser sa collection, tout en favorisant la rencontre entre ses différents publics et l’art à travers des expériences transformatrices et accueillantes. »

Le calendrier des expositions est complété par les programmes publics développés par l’équipe de médiation du musée et comprend des séminaires internationaux, des conférences organisées le premier samedi de chaque mois, le programme des enseignants MASP, des ateliers, des cours à l’école MASP et un programme de films et vidéos. Pour élargir et pérenniser la discussion autour de toute cette programmation, le musée produit une série de publications comprenant des catalogues d’expositions et de collections, des anthologies de séminaires et de conférences, ainsi que du matériel axé sur des projets spéciaux tels que des restaurations d’œuvres d’art.