¿Quién teme a Teresinha Soares? MASP presenta una retrospectiva de Teresinha Soares, pionera en la temática de la identidad de género femenina. Quem tem medo de Teresinha Soares? ocupará el segundo subnivel del museo con pinturas, dibujos, grabados, objetos de caja, relieves e instalaciones, así como documentación fotográfica sobre los artistas pioneros en acontecimientos y actuaciones. El espectáculo arrojará luz sobre la producción poco conocida de uno de los artistas brasileños más cuestionadores y controvertidos de la década de 1960, que en ese período fue ampliamente informado en los medios de comunicación.
Teresinha Soares, una personalidad poderosa y emancipada, escritora y defensora de los derechos de las mujeres, completa su biografía al ser la primera mujer elegida para el consejo municipal de la ciudad de su nacimiento, así como una ganadora del concurso de belleza, una trabajadora pública y Un profesor.
Con más de 50 obras de arte de Teresinha Soares (Araxáˇ, Minas Gerais, Brasil, 1927), de su período intensamente productivo que abarca desde 1965 hasta 1976. Esta será la primera visión general extensa de la producción de Soares en un museo, en Brasil o en el extranjero. , y también será su primera gran exposición individual en más de 40 años. El título del espectáculo alude a la famosa obra ¿Quién teme a Virginia Woolf? por Edward Albee, y se refiere a los tabúes conductuales que enfrenta el trabajo de Teresinha Soares al ser contrapuesto al machismo tanto de la sociedad como del mundo del arte.
Artista pionera en el tratamiento de temas de género, como la liberación sexual femenina, la violencia contra la mujer y la equidad de género, Soares también realizó trabajos que abordaron temas políticos, como en la serie de pinturas Vietnam (1968), en la que ella presenta un enfoque original e irreverente del tema. La representación del cuerpo es uno de los motivos más recurrentes en la obra del artista, que abarca una gama de aspectos que abarcan desde el nacimiento hasta la muerte, y la relación con la naturaleza.
En el trabajo Eurotic (1970), que consiste en un álbum de serigrafías basadas en dibujos lineales e impresas en hojas de papel de diferentes colores, se configura una variedad de posturas en función de combinaciones de cuerpos y diferentes interacciones. Basado en esos dibujos, Soares desarrolló Body to Body en Color-Pus of Mine (1971), su primera gran instalación, que representa un hito en su carrera. Abierto a la participación del espectador, esta obra de arte se compone de cuatro módulos de diferentes alturas, hechos de madera pintada de blanco, como un escenario elevado en una forma sinuosa que ocupa 24 metros cuadrados de espacio. El día de la inauguración, se realizará una actuación para inaugurar la obra, como la que Soares realizó en el Gran Salón del Museu de Arte da Pampulha, en 1970,
Aunque es posible relacionar el trabajo de Soares con algunas tendencias de la década de 1960, como el pop art global, el nouveau ralisme y el movimiento brasileño de nueva objetividad, el artista siempre recurrió a un lenguaje artístico que era tanto espontáneo como personal. Incluso hoy, su trabajo es poco conocido por el público brasileño en general, a pesar de que Soares participó activamente en el circuito de arte durante diez años, realizando exposiciones en galerías, salones y bienales. Actualmente, ha participado cada vez más en exposiciones internacionales que la contextualizan en el ámbito del nuevo movimiento de figuración de la década de 1960, así como en el arte político: The EY Exhibition: The World Goes Pop (Tate Modern, Londres, 2015), Arte Vida (Río de Janeiro, 2014) y Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Hammer Museum, Los Angeles, 2017).
Para el comisario de exposiciones, Rodrigo Moura, es hoy, ya que su trabajo está comenzando a obtener un mayor reconocimiento tanto en Brasil como en el extranjero, una exposición que analiza de cerca su carrera y analiza la evolución de su lenguaje artístico, no solo contribuye a este reconocimiento, pero también hacia la comprensión de los mecanismos y las metodologías que informaron una práctica feminista en el contexto brasileño de ese período ”. Adriano Pedrosa, director artístico de MASP, comenta sobre la relevancia del programa: es un privilegio para MASP Presentamos el primer resumen general de la obra de los artistas. El museo cumple así un papel crucial: el de presentar al público en general una obra que debe ser considerada y reinscrita en la historia reciente del arte brasileño.
Quem tem medo de Teresinha Soares? se lleva a cabo en el contexto de la programación del museo para 2017 dedicada a las temáticas de la sexualidad. Alrededor del espectáculo Historias de sexualidad, que contará con obras de arte de diferentes períodos y colecciones, también habrá una serie de exposiciones monográficas de artistas brasileños e internacionales cuyas obras plantean preguntas sobre corporeidad, deseo, feminismo, cuestiones de género y otros temas. A esta exposición de Teresinha Soares, le seguirán exposiciones individuales con el trabajo, respectivamente, de Wanda Pimentel, Henri de Toulouse-Lautrec, Miguel Rio Branco, Guerrilla Girls, Pedro Correia de AraĂşjo y Tunga.
Museo de arte de Sao Paulo
El Museu de Arte de São Paulo (MASP) es un museo privado sin fines de lucro fundado en 1947 por el magnate de los negocios y mecenas de las artes Assis Chateaubriand (1892–1968), convirtiéndose en el primer museo moderno del país. Chateaubriand invitó al comerciante y crítico de arte italiano Pietro Maria Bardi (1900–1999) para dirigir MASP, y Lina Bo Bardi (1914–1992) para concebir la arquitectura y el diseño de la exposición. Con la colección más importante de arte europeo en el hemisferio sur, las existencias de MASP consisten actualmente en más de 11 mil obras de arte, que incluyen pinturas, esculturas, objetos, fotografías, videos y prendas de vestir de varios períodos, de Europa, África, Asia y el Américas
Inicialmente ubicado en la calle 7 de Abril, en el centro de São Paulo, en 1968 el museo fue transferido a su ubicación actual en la Avenida Paulista, en el emblemático edificio diseñado por Lina Bo Bardi, que se ha convertido en un hito en la historia del siglo XX. arquitectura. Haciendo uso de vidrio y hormigón, en su arquitectura, Lina Bo Bardi armoniza las superficies rugosas y sin terminar con aspectos de ligereza, transparencia y suspensión. La plaza a nivel del suelo debajo del inmenso tramo libre del edificio fue diseñada como una plaza pública de usos múltiples.
La radicalidad del arquitecto también está presente en los caballetes de exhibición de vidrio creados para mostrar la colección en el segundo piso del edificio. Al quitar las obras de arte de las paredes, los caballetes de exhibición cuestionan el modelo tradicional del museo europeo, en el que el espectador se ve obligado a seguir una narración lineal sugerida por el orden y la disposición de las obras de arte en las habitaciones. En la espaciosa galería de imágenes de MASP, el diseño de exhibición suspendido y transparente permite al público entablar una relación más estrecha con la colección, ya que el visitante puede elegir su propio camino entre las obras de arte, moverse alrededor de ellas y ver sus espaldas.
Además de la exposición a largo plazo Acervo em transformação [Colección en transformación] en la galería de imágenes del museo, a lo largo de cada año hay una amplia programación de exposiciones colectivas y exposiciones individuales articuladas en torno a ejes temáticos: historias de sexualidad (2017), historias afro-atlánticas (2018), historias de feminismo / mujeres (2019). Es importante considerar la calidad plural del término «historias», que apunta a historias múltiples, diversas y polifónicas, historias abiertas, inconstantes e inacabadas, historias fragmentadas y en capas, historias no totalizadoras y no definitivas. En portugués, la palabra historias puede denotar historias de ficción o historias de hechos, narraciones que pueden ser personales y políticas, privadas y públicas, micro y macro.
Este enfoque refleja la nueva misión del museo, establecida en 2017: “MASP, un museo diverso, inclusivo y plural, tiene la misión de establecer, de manera crítica y creativa, diálogos entre el pasado y el presente, culturas y territorios, a través de las artes visuales. . Con este fin, debe ampliar, conservar, investigar y difundir su colección, al tiempo que promueve el encuentro entre sus diversos públicos y el arte a través de experiencias transformadoras y acogedoras «.
El calendario de exposiciones se complementa con los programas públicos desarrollados por el equipo de mediación del museo e incluye seminarios internacionales, conferencias que se llevan a cabo el primer sábado de cada mes, el programa de maestros MASP, talleres, cursos en la escuela MASP y un programa de películas y videos Para ampliar y perpetuar la discusión en torno a toda esta programación, el museo produce una serie de publicaciones que incluyen catálogos de exposiciones y colecciones, antologías de seminarios y conferencias, así como materiales centrados en proyectos especiales, como restauraciones de obras de arte.