Chi ha paura di Teresinha Soares? MASP presenta una retrospettiva di Teresinha Soares, una pioniera nella tematica dell’identità di genere femminile. Quem tem medo de Teresinha Soares? occuperà il 2 ° livello secondario del museo con dipinti, disegni, stampe, oggetti scatolati, rilievi e installazioni, nonché documentazione fotografica sugli artisti che hanno aperto la strada a spettacoli e spettacoli. Lo spettacolo farà luce sulla produzione poco conosciuta di uno degli artisti brasiliani più interrogativi e controversi degli anni ’60, che in quel periodo fu ampiamente riportato dai mass media.

Personalità potente ed emancipata, scrittrice e difensore dei diritti delle donne, Teresinha Soares completa la sua biografia essendo la prima donna mai eletta nel consiglio comunale della sua città natale, nonché una vincitrice di concorsi di bellezza, un impiegato pubblico e un professore.

Con oltre 50 opere di Teresinha Soares (Araxáˇ, Minas Gerais, Brasile, 1927), dal suo periodo intensamente produttivo che va dal 1965 al 1976. Questa sarà la prima ampia panoramica della produzione di Soares mai tenuta in un museo, in Brasile o all’estero , e sarà anche la sua prima grande mostra personale in oltre 40 anni. Il titolo dello spettacolo allude alla celebre commedia Who´s Afraid of Virginia Woolf? di Edward Albee, e fa riferimento ai tabù comportamentali che l’opera di Teresinha Soares affronta confrontandosi con il machismo sia della società che del mondo dell’arte.

Un’artista pionieristica per quanto riguarda il trattamento di temi di genere, come la liberazione sessuale femminile, la violenza contro le donne e l’equità di genere, Soares ha anche realizzato opere che trattano questioni politiche, come nella serie di dipinti Vietnam (1968), in cui lei presenta un approccio originale e irriverente al tema. La rappresentazione del corpo è uno dei motivi più ricorrenti nell’opera dell’artista, che comprende una serie di aspetti che vanno dalla nascita alla morte e il rapporto con la natura.

Nell’opera Eurotic (1970), che consiste in un album di stampe serigrafiche basate su disegni a tratteggio e stampati su fogli di carta di colore diverso, una varietà di posture è configurata sulla base di combinazioni di corpi e interazioni diverse. Basandosi su questi disegni, Soares ha sviluppato Body to Body in Color-Pus of Mine (1971), la sua prima grande installazione, che rappresenta una pietra miliare nella sua carriera. Aperta alla partecipazione dello spettatore, questa opera d’arte è composta da quattro moduli di diverse altezze, realizzati in legno verniciato bianco, come un palcoscenico rialzato in una forma sinuosa che occupa 24 metri quadrati di spazio. Il giorno di apertura, si terrà uno spettacolo per inaugurare i lavori, proprio come quello realizzato da Soares nel Grand Salon del Museu de Arte da Pampulha, nel 1970,

Sebbene sia possibile mettere in relazione il lavoro di Soares con alcune tendenze degli anni ’60, come la pop art globale, il nouveau ralisme e il movimento brasiliano di nuova oggettività, l’artista ricorreva sempre a un linguaggio artistico che era sia spontaneo che personale. Ancora oggi, il suo lavoro è poco conosciuto dal pubblico brasiliano in generale, nonostante Soares abbia partecipato attivamente al circuito artistico per dieci anni, tenendo mostre in gallerie, saloni e biennali. Attualmente, partecipa sempre più a mostre internazionali che la contestualizzano nell’ambito del nuovo movimento figurativo degli anni ’60, nonché nell’arte politica: The EY Exhibition: The World Goes Pop (Tate Modern, London, 2015), Arte Vida (Rio de Janeiro, 2014) e Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Hammer Museum, Los Angeles, 2017).

Per la curatrice delle mostre Rodrigo Moura, oggi, poiché il suo lavoro sta iniziando a ottenere un maggiore riconoscimento sia in Brasile che all’estero, una mostra che esamina da vicino la sua carriera e analizza l’evoluzione del suo linguaggio artistico contribuisce non solo a questo riconoscimento, ma anche per comprendere i meccanismi e le metodologie che hanno informato una pratica femminista nel contesto brasiliano di quel periodo. ”Adriano Pedrosa, direttore artistico di MASP, commenta la rilevanza dello spettacolo: è un privilegio per MASP presentare la prima panoramica generale dell’opera degli artisti. Il museo svolge quindi un ruolo cruciale: quello di presentare al pubblico in generale un’opera che dovrebbe essere considerata e reinserita nella recente storia dell’arte brasiliana.

Quem tem medo de Teresinha Soares? si svolge nell’ambito della programmazione museale per il 2017 dedicata alle tematiche della sessualità. Intorno alla mostra Storie di sessualità che presenterà opere d’arte di diversi periodi e collezioni, ci saranno anche una serie di mostre monografiche di artisti brasiliani e internazionali le cui opere sollevano domande su corporeità, desiderio, femminismo, questioni di genere e altre questioni. Questa mostra di Teresinha Soares sarà seguita da mostre personali con il lavoro, rispettivamente, di Wanda Pimentel, Henri de Toulouse-Lautrec, Miguel Rio Branco, Guerrilla Girls, Pedro Correia de AraĂşjo e Tunga.

Museo d’arte di San Paolo
Il Museu de Arte de São Paulo (MASP) è un museo privato senza fini di lucro fondato nel 1947 dal magnate degli affari e patrono delle arti Assis Chateaubriand (1892-1968), diventando il primo museo moderno del paese. Chateaubriand ha invitato il commerciante d’arte e critico italiano Pietro Maria Bardi (1900–1999) a dirigere MASP, e Lina Bo Bardi (1914–1992) a concepire l’architettura e il design della mostra. Con la più importante collezione di arte europea nell’emisfero meridionale, le partecipazioni di MASP sono attualmente costituite da oltre 11 mila opere d’arte, tra cui dipinti, sculture, oggetti, fotografie, video e pezzi di abbigliamento di vari periodi, provenienti da Europa, Africa, Asia e Americhe.

Inizialmente situato sulla strada 7 de Abril, nel centro di San Paolo, nel 1968 il museo è stato trasferito nella posizione attuale in Avenida Paulista, nell’iconico edificio progettato da Lina Bo Bardi, che è diventato un punto di riferimento nella storia del 20 ° secolo architettura. Facendo uso di vetro e cemento, nella sua architettura Lina Bo Bardi ha messo in armonia superfici ruvide e non finite con aspetti di leggerezza, trasparenza e sospensione. La piazza a livello del suolo, sotto l’immensa campata libera dell’edificio, è stata progettata come una piazza pubblica multiuso.

La radicalità dell’architetto è presente anche nei cavalletti vetrati creati per mostrare la collezione al secondo piano dell’edificio. Allontanando le opere dalle pareti, i cavalletti esposti mettono in discussione il modello tradizionale del museo europeo, in cui lo spettatore è guidato a seguire una narrazione lineare suggerita dall’ordine e dalla disposizione delle opere nelle stanze. Nella spaziosa galleria di immagini di MASP, il design espositivo sospeso e trasparente consente al pubblico di intrattenere un rapporto più stretto con la collezione poiché il visitatore può scegliere il proprio percorso tra le opere d’arte, spostarsi attorno a loro e vedere le loro spalle.

Oltre alla mostra a lungo termine Acervo em transformação [Collection in Transformation] nella galleria del museo, ogni anno viene organizzata un’ampia programmazione di mostre collettive e mostre personali articolate attorno ad assi tematici: storie di sessualità (2017), storie afro-atlantiche (2018), storie di femminismo / donne (2019). È importante considerare la qualità plurale del termine “storie”, che indica storie multiple, diverse e polifoniche, storie aperte, incostanti e incompiute, storie frammentate e stratificate, storie non totalizzanti e non definitive. In portoghese, la parola histórias può indicare storie di fantasia o storie di fatti, narrazioni che possono essere personali e politiche, private e pubbliche, micro e macro.

Questo approccio riflette la nuova missione del museo, fondata nel 2017: “MASP, un museo diversificato, inclusivo e plurale, ha la missione di stabilire, in modo critico e creativo, dialoghi tra passato e presente, culture e territori, attraverso le arti visive . A tal fine, dovrebbe ampliare, conservare, ricercare e diffondere la sua collezione, promuovendo al contempo l’incontro tra i suoi vari pubblici e l’arte attraverso esperienze trasformative e accoglienti. ”

Il calendario delle mostre è completato dai programmi pubblici sviluppati dal team di mediazione del museo e comprende seminari internazionali, conferenze tenute il primo sabato di ogni mese, il programma degli insegnanti MASP, workshop, corsi nella scuola MASP e un programma di film e video. Per ampliare e perpetuare la discussione su tutta questa programmazione, il museo produce una serie di pubblicazioni tra cui cataloghi di mostre e collezioni, antologie di seminari e conferenze, nonché materiali incentrati su progetti speciali come restauri di opere d’arte.