Biennale d’Art de São Paulo 2018

La biennale d’art de São Paulo a été fondée en 1951 et se tient depuis tous les deux ans. Il s’agit de la deuxième plus ancienne biennale d’art au monde après la Biennale de Venise (existant depuis 1895), qui lui sert de modèle.

Créée en 1962, la Fundação Bienal de São Paulo est située dans un pavillon conçu par Oscar Niemeyer, emblématique de l’architecture moderne brésilienne. Le pavillon a été créé pour le quatrième centenaire de São Paulo, célébré en 1954 avec la construction du parc d’Ibirapuera et de ses bâtiments.

L’institution a commencé à organiser les expositions de la Biennale de São Paulo à partir de sa septième édition, une activité conçue et dirigée par le Musée d’art moderne de São Paulo (MAMSP). Avec pour mission principale de présenter et de discuter de l’art contemporain à travers ses événements, la Fondation est devenue l’une des institutions internationales les plus influentes en matière de promotion de l’art contemporain et son impact sur les arts visuels au Brésil est pleinement reconnu. Depuis sa première édition, en 1951, la Biennale de São Paulo a présenté 67 000 œuvres de 14 000 artistes de 160 pays. Jusqu’à sa 31e édition, les biennales ont attiré environ 8 millions de visiteurs.

Programmée en 2018, Gabriel Pérez-Barreiro est conservateur général à la 33e Biennale. L’Espagnol est directeur et conservateur en chef de la collection Patricia Phelps de Cisneros, qui a des bureaux à New York et à Caracas. Il est titulaire d’un doctorat en histoire et théorie de l’art de l’Université d’Essex (Royaume-Uni) et d’une maîtrise en histoire de l’art et en études latino-américaines de l’Université d’Aberdeen, également située au Royaume-Uni.

Du 7 septembre au 9 décembre 2018, la 33e Biennale de São Paulo – Affinités affectives privilégiera l’expérience individuelle du spectateur dans l’appréciation des œuvres au détriment d’un thème qui favoriserait une compréhension préétablie. Le titre fait référence au roman de Johann Wolfgang von Goethe Affinities Elective (1809) et à la thèse « De la nature affective de la forme dans l’œuvre d’art » (1949) de Mário Pedrosa. Dans ce contexte, la 33e Biennale de São Paulo sera composée de sept expositions collectives conçues par les commissaires: Alejandro Cesarco (Montevideo, Uruguay, 1975); Antonio Ballester Moreno (Madrid, Espagne, 1977); Claudia Fontes (Buenos Aires, Argentine, 1964); Mamma Andersson (Luleå, Suède, 1962); Sofia Borges (Ribeirão Preto, Brésil, 1984); Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, Brésil, 1946) et Wura-Natasha Ogunji (St. Louis, États-Unis, 1970).

Outre les expositions collectives, la curatelle générale comprend des projets sur commande de huit artistes (Alejandro Corujeira, Bruno Moreschi, Denise Milan, Luiza Crosman, Maria Laet, Nelson Felix, Tamar Guimarães, Vânia Mignone), une série iconique de Siron Franco et des hommages à trois artistes décédés: le Guatémaltèque Aníbal López, le Paraguayen Feliciano Centurión et la Brésilienne Lucia Nogueira.

La 33e Biennale de São Paulo a proposé de modifier ce qu’il a appelé le système d’exploitation de la Biennale. Il en a résulté des expositions collectives au cours desquelles les œuvres de ces artistes-commissaires ont été présentées aux côtés des œuvres d’autres artistes avec lesquels ils ont des affinités ou qui les influencent. Pérez-Barreiro a également sélectionné douze autres artistes pour lesquels des expositions individuelles ont été organisées. Parmi eux, trois personnalités déjà décédées et inconnues du grand public: la brésilienne Lucia Nogueira, le paraguayen Feliciano Centurión et le guatémaltèque Aníbal López. Avec une expographie fluide et des espaces de répit, le spectacle s’est également concentré sur la question de l’économie de l’attention, devenue diffuse à l’ère des médias numériques et sociaux.

«Avec ce modèle, j’espère montrer comment les artistes construisent leurs propres lignées et systèmes pour comprendre leur propre pratique par rapport aux autres, tout en permettant aux thèmes et aux relations d’émerger de manière organique du processus de fabrication d’une exposition, au lieu de commencer par une ensemble de problèmes prédéterminés. Ce choix reflète également la volonté de réévaluer la tradition des artistes en tant que conservateurs, élément central de l’histoire de l’art moderne et contemporain, et particulièrement pertinente au Brésil, où les artistes organisent depuis longtemps leurs propres plates-formes discursives ».

«Peut-être n’est-il pas un domaine qui témoigne mieux des changements apportés par la proposition de conservateur de la 33e Biennale que celui du programme éducatif, qui articule toutes les équipes de la Fundação, de la curatelle et des bureaux de consultants spécialisés. Dans cette édition, des recherches ont été menées sur les théories et les pratiques d’attention, d’écoute, de ce qu’il y a de commun et d’affection au contact de l’art. La publication éducative Invitation to Attention s’est éloignée de l’objectif habituel de l’espace institutionnel de l’école et a proposé une série d’exercices invitant les gens à expérimenter et à partager des pratiques centrées sur l’auto-réflexivité, centrées sur les objets d’art dans différents contextes. Tout au long de 2018, un programme d’actions public a mis en avant différents formats pour faire l’expérience de cette proposition ».

« Pérez-Barreiro justifie son choix par une phrase attribuée au critique Mário Pedrosa: » En temps de crise, soutenez les artistes « . Ou fonctionne. Et surtout, donnez-leur une chance de révéler ce qui peut ne pas avoir encore de nom, qui ne vous a pas traversé la tête, ou qui ne correspond pas à ce que vous espériez ou au consensus et aux discours auxquels vous êtes habitué. Cela peut donner l’impression d’anachronisme, qui remonte à une époque antérieure à l’hégémonie des projets de conservation. En ce sens, le texte exemplaire de Waltercio Caldas à l’ouverture de l’espace qu’il a conçu avec ses œuvres et des artistes qui composent ses affinités électives (ou affectives, comme les frontières malléables recherchées par cette Bienal): «Il est toujours bon de rappeler que les véritables œuvres d’art sont inconscients de tout discours qui les déformerait et sont suffisamment éloquents pour autoriser de nouveau les interprétations opportunistes ».