Biennale d’art de Venise 2019, Lieux d’exposition autour de la ville, Italie
La 58e exposition d’art internationale, intitulée May You Live In Interesting Times, dirigée par Ralph Rugoff, a eu lieu du 11 mai au 24 novembre 2019. Le titre est une expression d’invention anglaise qui a longtemps été citée à tort comme une ancienne malédiction chinoise qui invoque périodes d’incertitude, de crise et de troubles; « époques intéressantes », exactement comme celles dans lesquelles nous vivons aujourd’hui.
L’exposition est, comme toujours, mise en scène dans les deux principaux sites historiques, les Giardini di Castello et l’Arsenale, mais implique également des lieux prestigieux à travers Venise, où les représentants de nombreuses nations sont hébergés et où des expositions et des événements collatéraux sont organisés. Tous les futurs du monde forment un parcours d’exposition large et unifié qui s’articule du Pavillon Central des Jardins à l’Arsenale, incluant la participation de 79 pays et régions.
Le titre de cette expression de l’Exposition « temps intéressants » évoque l’idée de temps difficiles voire « menaçants », mais il pourrait aussi être simplement une invitation à toujours voir et considérer le cours des événements humains dans leur complexité, une invitation, ainsi, à semble être particulièrement important à une époque où, trop souvent, la simplification excessive semble prévaloir, générée par le conformisme ou la peur.
May You Live in Interesting Times, comprend des œuvres d’art qui reflètent les aspects précaires de l’existence d’aujourd’hui, y compris les différentes menaces qui pèsent sur les traditions, les institutions et les relations clés de « l’ordre d’après-guerre ». Mais reconnaissons d’emblée que l’art n’exerce pas ses forces dans le domaine de la politique. L’art ne peut pas endiguer la montée des mouvements nationalistes et des gouvernements autoritaires dans différentes parties du monde, par exemple, ni atténuer le sort tragique des personnes déplacées à travers le monde.
La 58e exposition internationale d’art met en lumière une approche générale de la création artistique et une vision de la fonction sociale de l’art englobant à la fois le plaisir et la pensée critique. L’exposition se concentre sur le travail d’artistes qui remettent en question les habitudes de pensée existantes et ouvrent nos lectures d’objets et d’images, de gestes et de situations.
L’art de ce genre naît d’une pratique consistant à divertir de multiples perspectives : à garder à l’esprit des notions apparemment contradictoires et incompatibles, et à jongler avec diverses façons de donner un sens au monde. Les artistes qui pensent de cette manière proposent des alternatives au sens de soi-disant faits en suggérant d’autres manières de les relier et de les contextualiser. Animés d’une curiosité sans bornes et d’un esprit perçant, leur travail nous encourage à regarder de travers toutes les catégories, concepts et subjectivités incontestés.
Une exposition d’art mérite d’abord notre attention si elle entend nous présenter l’art et les artistes comme un défi décisif à toutes les attitudes simplificatrices. D’une manière indirecte, peut-être que l’art peut être une sorte de guide sur la façon de vivre et de penser dans des « moments intéressants ». Il nous invite à considérer des alternatives multiples et des points de vue inconnus, et à discerner les façons dont « l’ordre » est devenu la présence simultanée d’ordres divers.
Lieux d’exposition autour de la ville
L’Exposition se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale et comprend 79 participants du monde entier. Avec l’expansion progressive de l’échelle, la portée de la Biennale de Venise s’est élargie pour couvrir toute la ville. Outre les principaux lieux d’exposition, il comprend également de nombreux pavillons disséminés dans les rues des villes et même des îles périphériques.
Ca’ Giustinian est un palais historique parmi les plus représentatifs du style gothique tardif vénitien. Le palais, à l’origine appelé « dei Giustinian », a été construit vers 1471 et est le résultat de l’union de deux bâtiments différents : Giustinian et Badoer-Tiepolo. Il a fait l’objet d’importantes rénovations entre 2008 et 2009. Les intérieurs du palais sont accessibles sur demande et se caractérisent par des lignes essentielles et des couleurs neutres associées à des formes décoratives et des couleurs typiques du design contemporain. Les chambres ont été complétées par des œuvres d’art sélectionnées, placées de manière à améliorer la relation entre l’art et l’espace. La lumière est l’autre élément caractéristique du lieu.
Giardini est le site traditionnel des expositions d’art de la Biennale depuis la première édition en 1895. Les Giardini accueillent désormais 29 pavillons de pays étrangers, certains d’entre eux conçus par des architectes célèbres tels que le pavillon autrichien de Josef Hoffmann, le pavillon néerlandais de Gerrit Thomas Rietveld ou le pavillon finlandais , un préfabriqué avec un plan trapézoïdal conçu par Alvar Aalto.
L’Arsenale était le plus grand centre de production de Venise à l’époque préindustrielle, symbole de la puissance économique, politique et militaire de la ville. Depuis 1980, l’Arsenale est devenu un lieu d’exposition de La Biennale à l’occasion du 1er Salon International de l’Architecture. Plus tard, les mêmes espaces ont été utilisés lors des Expositions d’Art pour la section Ouverte.
Lieux d’exposition autour de Castello et Cannaregio
Squero Castello situé dans le quartier de Castello, à quelques pas du pont Ponte dei Pensieri qui mène au Giardino delle Vergini à l’intérieur de la zone de l’Arsenale. Studio Cannaregio situé près du Ghetto Nuovo. Rénové et ouvert au public en 2020, le lieu dispose d’une grande salle d’exposition multi-ambiance avec 3 salles communicantes, 3 salles de bain, une petite salle et un jardin privatif. Accès à l’eau d’un côté de la salle d’exposition face au canal San Pietro di Castello.
Pavillon Lituanie (Marina) : Soleil & Mer
Prix de la performance du Lion d’or
Commissaire : Rasa Antanavičıūte, Commissaire : Lucia Pietroiusti, Exposants : Lina Lapelyte, Vaiva Grainyte et Rugile Barzdziukaite.
Soleil & Mer (Marina). Opéra-performance pour 13 voix. Imaginez une plage – vous dans cette image, ou mieux : en regardant d’en haut – le soleil brûlant, la crème solaire et les maillots de bain lumineux et les paumes et les jambes moites. Des membres fatigués s’étalaient paresseusement sur une mosaïque de serviettes. Imaginez les cris occasionnels des enfants, les rires, le bruit d’un camion de crème glacée au loin.
Le rythme musical des vagues sur le surf, un son apaisant (sur cette plage en particulier, pas ailleurs). Le froissement des sacs en plastique tourbillonnant dans l’air, leur flottement silencieux, semblable à une méduse, sous la ligne de flottaison. Le grondement d’un volcan, ou d’un avion, ou d’un hors-bord. Puis un chœur de chansons : des chansons de tous les jours, des chansons d’inquiétude et d’ennui, des chansons de presque rien. Et au-dessous d’eux : le lent craquement d’une Terre épuisée, un halètement.
Pavillon de la Nouvelle-Zélande (Palazzina Canonica) : Post hoc
Commissaire : Dame Jenny Gibbs, commissaires : Zara Stanhope, Chris Sharp, exposants : Dane Mitchell.
Post-hoc. Les myriades de disparitions sont au cœur du projet. Un vaste inventaire de phénomènes disparus ou invisibles, d’extinctions et d’événements passés est diffusé depuis la Palazzina Canonica sur la Riva dei Sette Martiri, le pavillon néo-zélandais. Des millions de choses disparues sont énoncées par une voix automatisée et diffusées électroniquement en continu à partir d’une chambre conique sans écho via des tours cellulaires d’arbres produites commercialement situées à travers Venise.
Ces ersatz d’arbres à peine camouflés sont des nœuds d’un réseau de communication qui signalent aux auditeurs des entités qui n’existent plus – presque comme les arbres que les tours cellulaires reproduisent. L’ampleur des pertes est visible dans la bibliothèque Palazzina vide où les listes sont imprimées en synchronisation avec les diffusions. L’expression latine post hoc signifie « après cela ». Post hoc de Dane Mitchell trouble les idées de vérité et d’agence, laissant des questions ouvertes sur la façon dont nous reconnaissons et considérons le passé dans le présent et sa signification pour l’avenir.
Lieux d’exposition autour de San Marco et Dorsoduro
Pavillon de l’Irak (Corte del Duca Sforza): Patrie
Commissaire : Fondation Ruya, Commissaires : Tamara Chalabi, Paolo Colombo, Exposant : Serwan Baran.
Patrie est une exposition personnelle de Serwan Baran. Il explore la relation entre l’homme et son pays natal à travers la position du soldat. L’artiste kurde irakien Serwan Baran est né à Bagdad en 1968. A ce jour, il a connu plus de quarante ans de guerre dans son pays. Pendant son temps en tant que soldat et artiste de guerre, Baran a été contraint d’enregistrer la «gloire» de l’armée irakienne et a peint les victimes du conflit à des fins de propagande gouvernementale.
Le choix de Patrie comme titre, par opposition à Patrie, est aussi un commentaire sur la dimension masculine et paternaliste de la culture politique de l’Irak comme de la région. Le pays est dominé par des hommes, qui ont infligé des idéologies oppressives et ont lancé des guerres. Ce peut être aussi un examen du rôle du père en tant que patriarche dans cette culture socio-politique, figure figée qui continue de dominer malgré les nombreuses tentatives de la remettre en cause.
Pavillon du Portugal (Palazzo Giustinian Lolin) : une couture, une surface, une charnière ou un nœud
Commissaire : Direction générale des Arts, Commissaire : João Ribas, Exposant : Leonor Antunes.
une couture, une surface, une charnière ou un nœud. Engageant les histoires de l’art, de l’architecture et du design, Leonor Antunes réfléchit sur les fonctions des objets du quotidien, contemplant leur potentiel à se matérialiser sous forme de sculptures abstraites. une couture, une surface, une charnière ou un nœud poursuit l’intérêt d’Antunes pour le travail de figures importantes du contexte vénitien, telles que Carlo Scarpa, Savina Masieri et Egle Trincanato.
Antunes s’intéresse à la façon dont les traditions artisanales de diverses cultures se recoupent au sein de cette histoire. Des éléments de l’exposition sont fabriqués avec Falegnameria Augusto Capovilla, l’une des menuiseries vénitiennes toujours actives qui a travaillé en étroite collaboration avec Scarpa. L’exposition aborde l’histoire de la commande par Masieri de Frank Lloyd Wright et Scarpa, et les conceptions de Trincanato, l’auteur d’une étude sur l’architecture vénitienne populaire.
Pavillon d’Antigua-et-Barbuda : Trouvez-vous : carnaval et résistance
Commissaire : Barbara Paca avec Nina Khrushcheva, exposants : Timothy Payne, Sir Gerald Price, Joseph Seton et Frank Walter et Marlon Jeffers ; Artisans du patrimoine culturel immatériel : Colin « Wanga » Martin, Sylvanie Abbott, Louraine Adams, Johnson Browne, Louise Edwards, Melissa Peters, Joycelyn Prince, Glenroy Richardson, Hazelyn Roberts, King Short Shirt, Barry Thomas; La jeunesse d’Antigua-et-Barbuda.
Find Yourself: Carnival and Resistance explore le carnaval d’Antigua-et-Barbuda et son défi, des traditions religieuses à l’opposition à l’esclavage aux célébrations d’aujourd’hui. Sur fond de photographies de belles personnes vaquant à leur vie quotidienne, la politique et la souveraineté d’une âme sont contrastées par des mannequins imposants vêtus d’une robe de carnaval moderne comme une personnification contemporaine de la force.
Un monde carnavalesque est flexible et s’adapte aux identités mouvantes, ce qui conduit à l’introspection. Tissé dans le remaniement contemporain de l’exposition du patrimoine culturel immatériel et sa position contre l’exploitation humaine est un message pour défier l’esclavage moderne et les inégalités environnementales. Partout dans le monde, Carnival se présente souvent comme un microcosme de vulnérabilités sociétales. Les visiteurs sont invités à contempler leurs sociétés respectives et à trouver un sens à leurs propres formes nationales d’expression culturelle.
Pavillon de l’Arménie (Palazzo Ca’ Zenobio degli Armeni) : L’hybridité : une machine à vivre ensemble
Commissaire : Tina Chakarian, Commissaire : Allen Sayegh (Vosguerichian), Exposants : INVIVIA et Storaket Architectural Studio
Dans le monde d’aujourd’hui caractérisé par des cultures à multiples facettes et des mouvements incessants, nous devons mieux comprendre comment les gens développent un sentiment d’identité et apprennent à interagir les uns avec les autres. Le pavillon encourage les visiteurs à explorer les principes fondamentaux de l’interaction humaine à travers une expression physique du processus de vie, à la fois en tant qu’individus et en tant que communauté, dans des espaces familiers comme insolites.
Hybridity: a machine for living together est une installation interactive qui fonctionne de la même manière que nous, en tant qu’humains, utilisons nos perceptions, nos sens et nos interactions sociales pour vivre les uns avec les autres. Fusionnant le numérique et le physique, et faisant parfois des erreurs en cours de route, cet engin architectural fantastique tente de générer de nouvelles formules, espaces et expériences pour vivre ensemble dans le processus sans fin d’apprentissage et de transformation.
Lieux d’exposition autour de Giudecca et San Giorgio Maggiore
Espace d’art Giudecca situé dans une salle à quatre côtés avec vue sur la Fondamenta Sant’Eufemia et une grande fenêtre. San Giorgio Maggiore situé sur l’île de San Giorgio Maggiore, sur le bassin de San Marco.
Pavillon de l’Islande (Spazio Punch) : Chromo Sapiens – Hrafnhildur Arnardóttir / Shoplifter
Commissaire : Karitas H. Gunnarsdóttir, Directeur du Département des Affaires Culturelles du Ministère, Conservateur : Birta Gudjónsdóttir, Exposant : Hrafnhildur Arnardóttir / Shoplifter.
Chromo Sapiens – Hrafnhildur Arnardóttir / Voleur à l’étalage. Dans l’installation multisensorielle à grande échelle de Hrafnhildur Arnardóttir, elle utilise ses techniques textiles développées personnellement, une manipulation de son médium signature, les cheveux synthétiques.
L’installation est un voyage labyrinthique à travers des chambres caverneuses, une abstraction floue de la nature dont la surface recouvre entièrement l’intérieur de l’espace dans un enchevêtrement coloré de cheveux synthétiques. La texture ressemble à une surcroissance végétale, à la peau inversée d’une bête, à un organisme embrassant le spectateur. En entrant dans la pièce en Homo Sapiens, vous êtes invité à explorer votre paysage intérieur à travers la stimulation des sens où Vous êtes la destination du voyage, transformé en Chromo Sapiens.
Événements collatéraux
3x3x6
Palazzo delle Prigioni, Château, 4209, Saint-Marc
Musée des beaux-arts de Taipei de Taïwan chinois
En piratant les technologies de surveillance numérique et les médias sociaux, Cheang utilise les salles du Palazzo delle Prigioni, une prison vénitienne du XVIe siècle en activité jusqu’en 1922 – pour créer une interface en temps réel que le visiteur est invité à rejoindre.
Il s’agit de rapports historiques basés sur dix cas de sujets incarcérés en raison du genre ou de la dissidence sexuelle (dont Casanova, Sade, Foucault, mais aussi des cas contemporains), des documents juridiques, des fake news, des mythes et des fantasmes, ainsi que les données récupérées de la surveillance 3D caméras et les images téléchargées par les visiteurs, l’exposition construit une histoire collective dissidente de la sexualité, où la fiction punk trans, les imaginations queer et anticoloniales fournissent des cadres visuels et critiques pour réfléchir aux histoires d’assujettissement et de résistance et activer une prolifération critique d’actions poétiques et politiques pour les temps numériques.
AFRICOBRA : L’heure de la nation
Ca’ Faccanon, San Marco, 5016 (Poste Centrali)
bardoLA
AFRICOBRA : Nation Time présente le travail d’un collectif d’artistes afro-américains fondé dans le South Side de Chicago en 1968. Il s’agit d’une exposition d’une importance historique pour le Black Arts Movement aux États-Unis et pour tout public international curieux de découvrir plus sur les façons dont l’esthétique des artistes afro-américains se rapporte à la politique, à la culture et à l’identité.
Capturant le sentiment de leur temps avec un langage visuel de couleurs vives, de rythme, d’arrangement de composition et de brillance, les artistes d’AFRICOBRA: Nation Time reflètent comment un groupe marginalisé a trouvé un moyen de s’autonomiser dans une société qui leur a constamment nié leur pouvoir.
Jument Nostrum
Les artistes doivent créer à la même échelle que la société a la capacité de détruire
Le train de Brooklyn
Cette exposition se veut une méditation sur la fragilité de notre environnement et l’urgence de l’impact du changement climatique sur la mer Méditerranée. Il présente des œuvres de Lauren Bon, Julian Charrière, Newton Harrison, Wolfgang Laib et Kiki Smith, entre autres, ainsi qu’une programmation publique. Le projet entreprend la pleine activation de l’« environnement social » radical du « Brooklyn Rail » (synthèse de la sculpture sociale de Joseph Beuys et de l’esthétique relationnelle de Nicolas Bourriaud).
Le bureau du « Rail » est déplacé temporairement sur place, produisant ses numéros mensuels ainsi que le River Rail, une émanation du « Brooklyn Rail » axé sur les questions environnementales. Semblable à la « sphère publique » proposée par Jürgen Habermas, ce forum partagé est destiné à favoriser des conversations génératives sur la façon dont les arts, la politique et la culture font partie intégrante de la communauté d’un grand public, ce qui peut conduire à des étapes nécessaires vers une action collective.
Baselitz – Académie
Galerie de l’Académie de Venise
grande exposition de peintures, dessins, estampes et sculptures, Georg Baselitz est le premier artiste vivant à exposer à la Gallerie dell’Accademia de Venise. Organisée par Kosme de Barañano, Baselitz – Academy examine le travail de Baselitz en relation avec la tradition artistique italienne et l’héritage de l’académie. Élevé à l’ombre de la Seconde Guerre mondiale et de la division de l’Europe, Baselitz est célébré comme l’un des artistes prééminents d’Allemagne, qui a continué à débattre du rôle de l’art tout au long de sa carrière de plus de soixante ans.
Beverly Pepper – Art en plein air
Fondazione Progetti Beverly Poivre
Quarante ans après leur création, les colonnes Todi sont aujourd’hui considérées comme les ambassadrices de l’art de Beverly Pepper dans le monde. Entrée symbolique au port de Venise, désormais installée au Spazio Thetis à l’Arsenale – les colonnes sont le pivot de cette exposition, narrée par les photographies de Gianfranco Gorgoni et par la vidéo Beverly Pepper’s Umbria, qui contextualise ses nombreuses œuvres présentes dans la région, ainsi que comme ses sculptures plus récentes.
La prochaine étape du voyage des colonnes est annoncée dans une maquette à grande échelle du Beverly Pepper Sculpture Park à Todi, où des répliques exactes sont installées avec vingt autres œuvres d’art originales, données par l’artiste à la ville ombrienne pour le plaisir du public.
La Catalogne à Venise_perdre la tête (idoles)… et les statues veulent mourir.
Cantieri Navali, Château
Institut Ramon Llull
La pierre, arrachée aux pierres, matière qui est ensuite taillée, moulée ou coulée, contrainte à une forme imposée, veut retrouver son règne minéral. Les statues sont des corps artificiels. Comme des êtres étranges qui enflamment les passions, les désirs et les peurs. Les statues nous dominent. Ils exposent ce que nous ne voulons pas toujours voir. On les supplie ou on les décapite. Désespéré devant leur dédain, ou reconnaissant de leur révélation inattendue, nous réagissons, en les remerciant, ou en leur servant leur dernier coup de grâce.
To Lose Your Head (idoles) documente la vie complexe des statues, que certains artistes recréent et réfléchissent aujourd’hui. Face à ces statues, nos idoles, la forme se perd – nous les déformons – pour qu’elles ne nous regardent plus, que nous ne puissions plus nous voir reflétés dans leurs yeux.
Förg à Venise
Palais Contarini Polignac
Musée d’art de Dallas
En faisant des œuvres utilisant des langages formels abstraits familiers des mouvements antérieurs parallèlement aux photographies architecturales de bâtiments modernistes, l’artiste allemand Günther Förg (1952-2013) s’engage avec l’héritage du modernisme esthétique. Cette exposition présente une sélection de ses peintures gestuelles et géométriques de différentes époques et sur divers supports matériels, ainsi que des exemples de ses sculptures en bronze.
Il montre comment le travail de Förg défie non seulement les conventions modernistes de ses médias en impliquant leurs contextes spatiaux, mais soulève également des questions conceptuelles plus larges sur la beauté et la relation de l’art au temps. En plaçant son travail dans un espace déjà si beau qu’il n’a réellement « besoin » d’aucun raffinement, l’exposition propose que bien au-delà du simple appel aux sens avec ses couleurs et ses matériaux séduisants, le travail de Förg remet en question de manière critique les systèmes de croyance sous-jacents à l’esthétique.
Prix d’art Venise Future Generation 2019
Università IUAV di Venezia
Centre d’art Pinchuk ; Fondation Victor Pinchuk
Le Future Generation Art Prize @ Venice présente la cinquième édition du premier prix d’art mondial avec vingt et un artistes de presque tous les continents et de dix-sept pays. L’exposition explore deux thèmes récurrents à travers une variété de médias.
Le premier envisage une « archéologie du futur », explorant le passé et le présent à travers les yeux de demain. Utilisant une technologie de pointe, les œuvres interrogent les possibilités d’interprétation des connaissances dans le monde d’aujourd’hui. Enquêtant sur les idées de soi, le deuxième thème de l’exposition s’inspire des valeurs et traditions socioculturelles individuelles, tout en explorant des considérations plus poétiques du voyage psychologique. Ici, les artistes réfléchissent de la même manière sur un décalage entre ces traditions et les réalités changeantes dans un monde globalisé.
FuturRoma
Dorsoduro
Institut européen des Roms pour les arts et la culture (ERIAC)
FutuRoma s’appuie sur des aspects de « l’afrofuturisme » pour explorer le rôle de l’art contemporain rom dans la définition, la réflexion et l’influence de la culture rom. FutuRoma propose des réinterprétations nouvelles et spontanées du passé, du présent et du futur des Roms via une fusion du traditionnel et du futuriste afin de critiquer la situation actuelle des Roms et de réexaminer les événements historiques. Imaginer les corps roms dans des futurs spéculatifs offre un contre-récit aux manières réductrices dont la culture rom a été comprise et construite, déplaçant ainsi notre expression culturelle au-delà des motifs restrictifs de l’oppression vers une vision radicale et progressiste des Roms à venir.
Heidi Lau : Apparition
Arsenale, Castello
Le musée d’art de Macao
Le travail en céramique de Heidi Lau ressemble souvent aux restes en ruine de reliques historiques et présente des imageries des mythologies taoïstes et folkloriques. Influencée par les souvenirs d’enfance de Macao, Lau centre la perspective vernaculaire dans son approche du sujet, sondant ainsi des histoires oubliées. Cette exposition personnelle du travail de Heidi Lau fait allusion à la résurrection de Macao, autrefois connue sous le nom de Cité du Nom de Dieu, dans le paysage mondial, politique et économique actuel. Alors que la capitale internationale érige des répliques surréalistes des voies navigables de Venise à Macao, Lau recrée à Venise une apparition de Macao qui reflète les croyances en voie de disparition dans une société du spectacle, pleurant la perte de la mémoire personnelle et collective.
Ichich – Ichihr – Ichwir / Nous devons tous mourir
Fondazione Querini Stampalia
Organisée par Francesco Bonami, il s’agit de la première grande exposition du travail de Jörg Immendorff dans une institution italienne. Bien que cette exposition ne soit pas une rétrospective, elle est la première à aborder de manière unique l’enquête d’Immendorff sur l’identité de l’artiste et sa participation à ses propres peintures.
Jörg Immendorff (1945-2007) a été l’un des artistes les plus importants à émerger de l’Allemagne d’après-guerre. Son travail est exposé internationalement depuis le milieu des années 1960. Plus récemment, la grande rétrospective Jörg Immendorff: For All Beloved in the World a ouvert ses portes à Haus der Kunst, Munich, et se rend au Museo Reina Sofía, Madrid, en 2019. Immendorff a vécu et travaillé à Düsseldorf et Hambourg jusqu’à sa mort en 2007.
Roches vivantes : un fragment de l’univers
Magazzino del Sale
Galerie d’art d’Australie-Méridionale
Posant la question : quelle était notre planète il y a trois milliards d’années ?, l’installation Living Rocks : A Fragment of the Universe est une collaboration sud-australienne entre les artistes James Darling et Lesley Forwood, Jumpgate, le compositeur Paul Stanhope et l’Australian String Quartet.
À Living Rocks, l’eau inonde les Magazzini del Sale, les entrepôts de sel en pierre historiques de Venise qui ont résisté à de nombreuses inondations. Émergeant d’un vaste bassin, des thrombolites ont été fabriquées, non pas par un temps inimaginable et la force de la nature, mais par les artistes eux-mêmes, qui utilisent les racines distinctives d’un eucalyptus des terres arides pour créer des roches vivantes. Living Rocks est organisé par Lisa Slade.
Philippe Parreno
Espace Louis Vuitton Venise
Fondation Louis Vuitton
Cette nouvelle installation a été conçue par Philippe Parreno spécifiquement pour l’Espace Louis Vuitton Venezia dans le cadre du programme « Hors-lesmurs » de la Fondation Louis Vuitton. Le temps – un élément central – définit le tempo de l’exposition grâce à l’utilisation d’un programme informatique complexe activant trois éléments interdépendants : un chapiteau, un volet à miroir mécanique et un papier peint phosphorescent.
Rythmée par le développement continu des micro-organismes collectés par l’artiste lors d’expositions passées, cette chorégraphie donne vie à l’espace et crée une interaction singulière entre le spectateur et le contexte. Elle annihile les repères familiers de la perception au profit d’un processus stimulant d’invention de nouveaux modes de compréhension, défiant les catégories rationnelles et l’ordre établi.
Pino Pascali. Dall’immagine alla forma
Palais Cavanis
Fondazione Pino Pascali
Cinquante ans après la mort de Pascali, cette exposition propose une nouvelle interprétation de ses œuvres. L’exposition – qui révèle l’importance des dessins, des images et des projets dans la pratique de Pascali – a été rendue possible grâce à la découverte récente d’une importante collection comprenant 160 photos prises et imprimées entre 1964 et 1965.
Ces supports inédits ont été acquis par la Fondation Pino Pascali avec le fonds dédié aux Vidéos Commerciales. Cette exposition peut être considérée comme une interprétation peu commune de la « méthode Pascali », qui relie des œuvres d’art à certains de ses travaux commerciaux et scénographies. De plus, le spectacle met en lumière des aspects inconnus de la vie et de l’art de Pascali.
Processional, une installation de Todd Williamson
Église de Santa Maria della Pietà
Centre d’art et d’architecture MAK
Todd Williamson explore les idées d’ordre et de tradition pour examiner la profonde incertitude et les mouvements politiques, sociaux et culturels incontrôlables de notre temps. Le travail et le concept générés pour cette installation ont été directement influencés par l’environnement dans lequel il est affiché.
Par ses longues proportions élégantes, l’église de Santa Maria della Pietà encourage un processus de réflexion méditatif et séquentiel. Puisant dans la richesse du site, l’artiste a développé une série d’œuvres qui invitent à la contemplation, remettent en cause l’ordre perçu de la tradition, et demandent : qui sont nos apôtres aujourd’hui ? L’influence des « influenceurs » perçus d’aujourd’hui est-elle vraiment inspirante ou dangereusement dogmatique ?
Salon Suisse : lent
Palais Trevisan degli Ulivi
Conseil suisse pour la culture Pro Helvetia
Le Salon Suisse propose une série de performances, de conférences et d’événements culturels qui complètent l’exposition au Pavillon de la Suisse. Sur le piano nobile du Palazzo Trevisan degli Ulivi où se déroule le Salon, slow interroge le rythme de la création et sa lenteur intrinsèque. Dans un monde de l’art régi par la dimension scopique, le ralentissement ferait place à la sensorialité et à la résistance au productivisme.
Cette année, le programme s’engage avec la lenteur et l’art en abordant des sujets tels que l’accélération, la literie, la paresse, l’hypnose, etc. Il rassemble un échantillon représentatif de participants d’horizons divers. A travers un programme participatif basé sur une approche interdisciplinaire, slow favorise la résonance, la proximité et la convivialité.
Ecosse + Venise présente Charlotte Prodger
Quais de l’Arsenale
Le partenariat Ecosse + Venise présente SaF05, une nouvelle vidéo monocanal de l’artiste lauréate du Turner Prize 2018, Charlotte Prodger. Ce nouveau travail poursuit la recherche de l’artiste sur la façon dont les vies sont vécues dans des zones peu peuplées, et ce qui arrive aux signifiants socialement contingents des corps queer dans ces espaces. Exposé à l’Arsenale Docks, dans l’atelier utilitaire d’un chantier naval, SaF05 côtoie des interventions sculpturales.
L’exposition est commandée par Scotland + Venice et organisée par Linsey Young avec Cove Park. Scotland + Venice est un partenariat entre Creative Scotland, les National Galleries of Scotland et le British Council Scotland. SaF05, une vidéo monocanal, est produite en partenariat avec If I Can’t Dance I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution.
Shirley Tse : parties prenantes, Hong Kong à Venise
Arsenale
M+, district culturel de West Kowloon ; Conseil de développement des arts de Hong Kong
Shirley Tse poursuit son enquête de deux décennies sur la plasticité comme moyen de comprendre le monde. Tse repense les matériaux et les procédés et met en lumière les interconnexions des subjectivités individuelles dans une société pluraliste. Negotiated Differences, un groupe tentaculaire ressemblant à un rhizome de formes abstraites et d’objets du quotidien en bois reliés par des joints en plastique et en cuivre, rassemble les technologies artisanales, mécaniques et numériques en un tout intégré.
Playcourt, un agencement de sculptures sur trépieds ressemblant à un terrain de badminton, met l’accent sur la négociation entre les personnes et l’espace qui est une composante fondamentale du jeu. Cette négociation est au cœur de Stakeholders – mettant au premier plan les idées d’affection, d’empathie et d’éthique, l’exposition propose un espace pour réfléchir à la façon dont nous pouvons coexister au milieu de nos différences et accepter les actions imprévues qui définissent nos relations les uns avec les autres. .
La mort de James Lee Byars
Église de Santa Maria della Visitazione
Collection d’art Vanhaerents
L’exposition permet au public de renouer avec l’installation éponyme que James Lee Byars a créée il y a exactement vingt-cinq ans et dans laquelle l’artiste réfléchit de manière obsédante sur sa propre mortalité. De plus, l’exposition explore l’héritage artistique de James Lee Byars et comment ses enquêtes sur la mort continuent d’impacter les artistes d’aujourd’hui, à travers une nouvelle installation immersive de l’artiste franco-libanais Zad Moultaka, spécialement commandée pour l’occasion.
The Spark Is You : Parasol à Venise
Conservatoire de musique Benedetto Marcello di Venezia
Parasol Unit Fondation pour l’Art Contemporain
Organisée par Ziba Ardalan, The Spark Is You présente les œuvres de neuf artistes iraniens contemporains qui travaillent en Iran ou à l’étranger. Inspirée du 200e anniversaire du Divan occidental-oriental de Goethe, un livre de poèmes lyriques écrits en hommage au poète persan du XIVe siècle Hafez, l’exposition révèle des aspects de la culture iranienne tels qu’ils sont reflétés dans des œuvres qui démontrent clairement la valeur de regarder au-delà du familier . Tout comme il y a deux siècles Goethe cherchait à rapprocher l’Orient et l’Occident, ces artistes iraniens de différentes générations mettent en avant le dialogue entre toutes les cultures comme une étincelle vitale pour la compréhension mutuelle.
Le Pays de Galles à Venise : Sean Edwards
Santa Maria Auxiliatrice
Cymru yn Fenis / Pays de Galles à Venise
L’exposition personnelle de l’artiste gallois Sean Edwards à Santa Maria Ausiliatrice est une enquête poétique sur le lieu, la politique et la classe, entrelacée d’histoires personnelles. C’est l’œuvre la plus ambitieuse et la plus émotionnelle de l’artiste à ce jour. Connu pour son approche sculpturale du quotidien, Edwards a créé des sculptures, des films, des estampes et des courtepointes galloises inspirées de son enfance dans un domaine municipal de Cardiff dans les années 1980. L’émission comprend également une nouvelle commande radio : un script lu quotidiennement par la mère de l’artiste depuis son domicile à Cardiff et transmis en direct sur place. Sa voix s’intègre dans la matière de l’œuvre, altérant l’atmosphère de l’exposition par sa présence et son absence.
Biennale de Venise 2019
La 58e Biennale de Venise était une exposition internationale d’art contemporain qui s’est tenue entre mai et novembre 2019. La Biennale de Venise a lieu tous les deux ans à Venise, en Italie. Le directeur artistique Ralph Rugoff a organisé son exposition centrale, May You Live in Interesting Times, et 90 pays ont fourni des pavillons nationaux.
La Biennale de Venise est une exposition biennale d’art internationale qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « les olympiades du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes à travers Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également régulièrement des festivals dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.
En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, appelés pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations propriétaires de leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.
La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.
Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.