Bilan de la Biennale d’architecture de Venise 2016, Italie

La 15ème Exposition Internationale d’Architecture de Venise, ouverte au public du 28 mai au 27 novembre 2016 aux Giardini et à l’Arsenale. Intitulé « REPORTING FROM THE FRONT », est réalisé par Alejandro Aravena et organisé par La Biennale di Venezia présidée par Paolo Baratta.

L’exposition comprend également 63 participations nationales dans les pavillons historiques des Giardini, à l’Arsenale et dans le centre-ville historique de Venise. Quatre pays participent pour la première fois : les Philippines, le Nigeria, les Seychelles et le Yémen. L’exposition Reporting From The Front est présentée dans une séquence d’exposition unitaire du pavillon central (Giardini) à l’Arsenale, et comprend 88 participants de 37 pays différents. 50 d’entre eux y participent pour la première fois et 33 architectes ont moins de 40 ans.

L’image thématique montre qu’une femme qui monte sur les plus hautes marches peut contempler un horizon beaucoup plus large et, ce faisant, conquiert un « œil élargi », d’une manière qui représente La Biennale dans son ensemble, avec des attitudes et des objectifs. Terre désolée comprenant d’immenses étendues d’habitations humaines dont aucun humain ne pourrait être fier ; de grandes déceptions représentant un nombre triste et infini d’occasions manquées pour la capacité de l’humanité à agir intelligemment. Tout cela est tragique, beaucoup est banal, et cela semble marquer la fin de l’architecture. Mais elle voit aussi des signes de créativité et d’espoir, et elle les voit dans l’ici et maintenant, pas dans un avenir idéologique ambitieux et incertain.

C’est aussi un contrepoint à l’« Angelus Novus », image choisie pour la Biennale Arte 2015. L’ange ailé regardant en arrière sous le choc, ne voyant que le passé et dans le passé, les débris et la tragédie, mais aussi des aperçus qui pourraient être utiles un jour, dans un futur vers lequel les forces cachées de la providence le poussent, comme un vent qui souffle dessus ses ailes.

Notre époque actuelle semble caractérisée par une déconnexion croissante entre l’architecture et la société civile. Les expositions précédentes ont abordé cette question de différentes manières. La 15e Exposition internationale d’architecture de Venise souhaite examiner plus explicitement s’il y a des tendances allant dans l’autre sens, vers le renouveau, et où ; nous recherchons des messages encourageants.

Curator souhaite dans la phénoménologie de la façon dont ces exemples positifs sont apparus, pour explorer ce qui motive la demande d’architecture; comment les besoins et les désirs sont-ils identifiés et exprimés ; quels processus logiques, institutionnels, juridiques, politiques et administratifs conduisent à la demande d’architecture et comment ils permettent à l’architecture de trouver des solutions qui dépassent le banal et l’automutilation.

L’architecture n’est pas une discipline immuable, en tant que manifestation d’un style formel, mais plutôt en tant qu’instrument d’autonomie, de civilisation humaniste, et en tant que démonstration de la capacité de l’homme à devenir maître de son destin. dans l’organisation humaine, en capacité de la maîtriser, d’être sauvé par elle et d’entrer en dialogue avec elle. Mettre en évidence comment des résultats positifs ont été obtenus grâce à l’évolution des chaînes de prise de décision qui relient besoin – sensibilisation – opportunité – choix – exécution d’une manière qui mène à un résultat où « l’architecture fait la différence.

La Biennale Architettura 2016 offre un nouveau point de vue. L’avancement de l’architecture n’est pas un but en soi mais un moyen d’améliorer la qualité de vie des gens. Étant donné que la vie va des besoins physiques les plus élémentaires aux dimensions les plus intangibles de la condition humaine, par conséquent, l’amélioration de la qualité de l’environnement bâti est une entreprise qui doit aborder de nombreux fronts : de la garantie de niveaux de vie très concrets et terre-à-terre à l’interprétation et à la réalisation des désirs humains, du respect de l’individu à la prise en charge du bien commun, de l’accueil efficace des activités quotidiennes à l’élargissement des frontières de la civilisation.

Compte tenu de la complexité et de la variété des défis auxquels l’architecture doit répondre, Reporting From The Front consistait à écouter ceux qui ont pu prendre du recul et, par conséquent, sont en mesure de partager des connaissances et des expériences avec ceux d’entre nous qui se trouvent sur le terrain. . La Biennale élargit ainsi l’éventail des problématiques auxquelles l’architecture est censée répondre, ajoutant explicitement aux dimensions culturelles et artistiques qui appartiennent déjà au scope, celles qui se situent à l’extrémité sociale, politique, économique et environnementale du spectre. Et souligner aussi le fait que l’architecture est appelée à répondre à plus d’une dimension à la fois, en intégrant une variété de domaines au lieu de choisir l’un ou l’autre.

Pavillons nationaux

Pavillon de l’Albanie : « Je vous ai laissé la montagne »
Le thème à l’intérieur de l’exposition initie une conversation sur l’urbanisme du déplacement, projetant le cas albanais sur une scène internationale, avec l’intention expresse de transmettre ce dialogue et sa spéculation en Albanie. Une série de tabourets et bancs beiges déformés s’organisent sous les haut-parleurs suspendus. Les bancs, tabourets et plinthes de forme irrégulière sont assemblés à partir de chutes de polystyrène expansé et pulvérisés dans une couche de caoutchouc polyuréthane rose pastel pour créer un exosquelette caoutchouté résistant. Incarnant le style reconnu de max lamb, les meubles en caoutchouc rappellent les plinthes et les ruines invitent les visiteurs à s’asseoir et à participer à l’exposition d’albanie.

L’exposition met en lumière le grand nombre de ressortissants albanais qui ont fui le pays, à la suite de changements politiques radicaux. En 2013, 45 % de tous les ressortissants albanais vivaient à l’étranger. La migration a de réelles conséquences émotionnelles et psychologiques. Dix textes écrits par des penseurs et écrivains contemporains ont été enregistrés sur un fond musical créé par les derniers groupes de chanteurs iso-polyphoniques albanais. un disque vinyle de 12 pouces est joué en continu dans le pavillon sous la forme d’une installation audio à huit canaux, remplissant le pavillon des voix de l’Albanie.

Pavillon Argentine : experimentAR – Poéticas desde la frontera
L’architecte Atilio Pentimalli a réinterprété le concept de « front » d’une manière poétique, à travers une installation accrocheuse. L’exposition, intitulée experimentAR – poéticas desde la frontera (expérimenter – poésie de la frontière), identifie l’idée de « front » avec celle de l’espace ouvert, sans limites, de la Pampa argentine. Le pavillon argentin vise à mettre en lumière les œuvres qui « ont pu gagner la bataille quotidienne contre les codes, le manque de ressources économiques, les conditions fluctuantes du pays, les temps et les exigences du marché grâce à l’intelligence, l’intuition, le travail et l’argentine. talent pour réaliser une architecture unique qui émerge des profondeurs de notre pensée et de notre terre pour améliorer la vie des gens et ouvrir de nouveaux horizons. »

L’exposition présente des structures autoportantes composées d’ardoises de bois entrelacées, créant un labyrinthe qui contient « tout notre univers d’explorations architectoniques ». Le conservateur a conçu une structure labyrinthique, faite de bois et équipée de chaises gonflables en caoutchouc noir, inspirée par l’idée poétique de Jorge Luis Borges de la complexité du labyrinthe comme métaphore d’un univers qui ne peut être compris que par la raison.

Pavillon de l’Arménie : paysage indépendant
Le Pavillon de la République d’Arménie se concentre sur l’étude et la réinterprétation des transformations spatiales et de ses variations de 1991 à 2016. Pendant toute la période de la 15e Exposition internationale d’architecture de La Biennale di Venezia, plusieurs équipes de recherche multidisciplinaires travaillant dans le domaine essaient couvrir différents aspects du paysage arménien. Ce pavillon vient montrer qu’aujourd’hui même et chaque jour les activités humaines modifient le paysage. Cette altération a un grand potentiel et l’ambition d’être à nouveau transformée et plus tard reconnue comme valeur culturelle, qui nécessite ensuite d’être sauvegardée par la société et l’État.En particulier, cela est devenu évident en 2000 avec la Convention européenne du paysage qui a repoussé les limites conceptuelles de l’environnement bâti et de ses conséquences en collaborant avec le patrimoine artificiel et naturel avec le discours environnemental actuel.

Le Pavillon de la République d’Arménie à la 15e Exposition internationale d’architecture-La Biennale di Venezia annonce le lancement d’un laboratoire de cartographie du paysage unique de l’Arménie indépendante, qui se concentre sur l’étude et la réinterprétation des transformations spatiales et de ses variations de 1991 à nos jours. les résultats en cours de la recherche thématique ont été téléchargés sur le site Web www.independentlandscape.am qui apparaissent immédiatement sur les écrans du pavillon, pour souligner l’importance du processus et des travaux en cours en tant que résultat lui-même.

Pavillon Australie : The Pool – Architecture, Culture et Identité en Australie
Une installation multisensorielle, « The Pool » utilise la lumière, l’odeur, le son, la réflexion et des illusions perceptives pour profiler un certain nombre de piscines naturelles et artificielles les plus remarquables d’Australie. Ce faisant, il espère explorer la typologie singulière de la piscine australienne, décrite par les directeurs de création comme un dispositif architectural clé, une mémoire et aussi un cadre… un espace démocratique et social typiquement australien, un grand niveleur de différence. En tant que dispositif architectural, la piscine représente un bord physique mais elle exprime également une frontière sociale et personnelle. Mystérieuse et familière, apprivoisée et sauvage, naturelle et artificielle, une piscine est l’endroit où se croisent le commun et le personnel. La piscine est une force vitale dans la vie australienne, non seulement en tant que cadre de souvenirs d’enfance formateurs,réunions de famille et événements communautaires, mais aussi comme scène d’exploits sportifs qui alimentent la fierté de la nation. Toile de fond des bons moments, la piscine est également un espace profondément contesté dans l’histoire australienne, un espace qui a mis en évidence la discrimination raciale et les désavantages sociaux.

Ceci est exploré à travers les récits diffusés dans l’espace d’exposition pour huit conteurs sélectionnés. Leurs entretiens révèlent des histoires d’épanouissement et d’accomplissement, de ségrégation et d’inclusion, d’apprentissage du passé et de réflexion pour l’avenir, le tout à travers le prisme de la piscine. The Pool dévoile un vaste commentaire sur l’Australie et ses valeurs en tant qu’Australiens, et explore comment cela se recoupe avec l’architecture. Peu d’espaces peuvent représenter aussi simplement et entièrement l’identité et les passions d’une nation et inspirer un récit aussi complexe. En célébrant l’importance culturelle des piscines en Australie, nous recherchons l’engagement critique des architectes dans un débat public plus large sur la valeur civique et sociale des espaces que nous créons.

Pavillon de l’Autriche : des lieux pour les personnes
Le titre de l’exposition, « Places for People », fait référence à deux architectes et designers autrichiens qui ont opéré aux États-Unis au cours du 20ème siècle : Bernard Rudofsky, qui dans son essai « Street for People » a plaidé en faveur d’une ville plus humaine planification, et Victor Papanek, qui a demandé un changement de perspective visant à faire évoluer la conception orientée physiquement vers une conception basée sur les relations entre les personnes. Si abriter, créer des lieux habitables et construire les bases d’une intégration sociale efficace ont toujours été les points clés d’une bonne architecture, il est alors facile de comprendre le sens du projet Places for People.

L’exposition dans le pavillon autrichien de la Biennale d’architecture de Venise 2016 présente un projet lié à l’un des problèmes les plus débattus et urgents d’aujourd’hui, à savoir celui de la migration de masse vers l’Europe. Lancé il y a quelques mois, le projet impliquait trois équipes d’architectes et de designers (Caramel architectes, EOOS et les prochains architectes ENTERprise) avec l’objectif de développer des approches créatives visant à améliorer les conditions de ceux qui cherchent refuge en Autriche ; spécifiquement en transformant trois lieux de Vienne, très différents les uns des autres, en espaces capables d’offrir à la fois intimité et socialisation. Les projets, déjà partiellement mis en œuvre en collaboration avec Caritas Autriche, offrent un modèle et une solution aux besoins les plus urgents,mais en même temps favoriser une réflexion plus générale sur le rôle de l’architecture et sur sa responsabilité sociale.

Pavillon Bahreïn :
Lieux de production – Aluminium, à travers une enquête sur les gestes dans les processus de production de l’aluminium, l’installation dans l’Arsenale, utilisant le film, la photographie et l’aluminium coulé au sable, est une tentative d’extraire un potentiel différent de l’utilisation du matériau. Aujourd’hui, le revêtement en aluminium des gratte-ciel et des tours, et de plus en plus le revêtement de façades plus anciennes, est l’une des expressions les plus visibles de l’architecture contemporaine à Bahreïn.

La première fonderie d’aluminium de la région du Golfe a été inaugurée en 1968 à Bahreïn et est aujourd’hui la quatrième plus grande fonderie à site unique au monde. Il poursuit une histoire du commerce des métaux qui trouve ses racines au troisième millénaire avant JC, lorsque les îles étaient au carrefour de la route commerciale régionale du cuivre et de l’étain. La fonderie a été lancée dans le but de diversifier l’économie de sa dépendance vis-à-vis du pétrole en élargissant l’infrastructure industrielle, bien qu’elle dépende incidemment fortement de l’industrie pétrolière et de ses sous-produits. La présence de la fonderie a également développé une économie locale de l’aluminium, à la fois formelle et informelle. Parallèlement à de grandes entreprises internationales basées localement et produisant des sous-produits typiques de l’aluminium, de plus petits ateliers se sont développés en mettant l’accent sur une production d’aluminium à plus petite échelle.

Pavillon des États baltes : (Estonie, Lettonie, Lituanie)
Le pavillon de la Baltique ne célèbre pas seulement ce beau fait d’unité, mais souligne également que nous vivons un moment de fragmentation. Le concept peut être habité et utilisé consciemment. Il a un principe étonnant, qui est de connecter tout le monde aux infrastructures et de faire circuler les ressources de manière à ce que les conflits soient impossibles, et devrait améliorer nos relations grâce à l’organisation spatiale. Les idées, ou l’espace mental, ont des projections directes dans l’espace matériel. Dans les pays baltes, l’idée abstraite d’unité est populaire. Longtemps après la Baltic Way, l’idéalisme d’alors s’est matérialisé. Par conséquent, le Pavillon Baltique a essayé de rassembler toutes les préoccupations et idées. Sans chercher à établir un texte fini, mais simplement montrer les relations entre les idées et les choses ;avoir des objets – des artefacts – réunis en un seul lieu et considérés comme des présences matérielles. En même temps, nous avons tous une idée, un objectif : distiller quelle sorte de pratique spatiale serait appropriée pour les pays baltes.

Le Palasport, l’emplacement du pavillon de la Baltique, est un pur exemple d’architecture brutaliste. Le bâtiment porte le nom de Giobatta Gianquinto, un Vénitien, membre du Parti communiste italien et maire de Venise de 1946 à 1951. Sa forme brutale de béton brut coulé sur place portait le programme éthique au moment de sa construction en 1977. L’architecture se préoccupait alors de communiquer le développement de la technologie du bâtiment à des fins sociales. Palasport illustre le genre de déclarations ou de dossiers architecturaux émis à cette époque : formuler et fournir des espaces pour la société qui étaient auparavant indisponibles. Dans le contexte de la ville historique, le « Palais des Sports » avait une nouvelle vocation qu’il porte toujours. Il est utilisé de manière intensive pour les activités sportives et les événements communautaires.Le processus d’utilisation de l’espace est complexe et lié non seulement à son calendrier, mais aussi à sa fonction générale de célébration des activités par des groupes de personnes. La signification de sa forme architecturale éthique valorise l’installation du Pavillon Baltique, lui permettant de continuer à s’adapter et à changer de forme à travers le temps.

Pavillon Belgique : Bravoure
Pavillon belge axé sur le thème de ‘L’artisanat avec Bravura’ et les espaces de la ville. Depuis la révolution industrielle du milieu du XVIIIe siècle en Europe, la machine a pris le relais de l’homme en tant que fabricant. La production de biens et de bâtiments a augmenté constamment avec un rythme de plus en plus rapide et avec une production plus standardisée. Le débat sur les réactions à cette perte de qualité et « âme » du produit offre un cadre à partir duquel peut habilement façonner notre environnement avec qualité. La libération se trouve dans le choix réfléchi des matériaux, des méthodes de construction, des techniques et en prenant le temps.

La ville se révèle comme une riche source de typologies bâties, de matériaux et de pratiques. Grâce à une collaboration renforcée entre les concepteurs, les fabricants et les utilisateurs, non seulement une base durable pour l’avenir est établie, mais aussi une impulsion pour la cohésion sociale dans les communautés urbaines. Le local et le spécifique offrent un levier contre le global et le générique où l’« artisanat » s’inscrit dans le projet collectif de construction et de fabrication ; le processus de construction de la ville ensemble. Le projet proposé doit montrer un concept communicable qui rend visible et tangible en un coup d’œil l’interprétation spécifique de « l’artisanat (femme) ». Dans le même temps, les équipes soumettant des candidatures doivent expliciter la manière dont elles encadrent cela dans le large spectre social et urbain et le dotent d’inscriptions poétiques et culturelles.L’idée qui se dégage est nuancée, mais aussi surprenante et révèle des aspects de la réalité qui étaient auparavant cachés.

Pavillon du Brésil :
Le pavillon brésilien met en lumière des histoires de personnes qui se sont battues pour obtenir des changements dans la passivité institutionnelle dans les grandes villes du Brésil. Ils ont créé une architecture au sein de processus lents, apportant des solutions stables dans un territoire politiquement tumultueux. L’exposition est une composition de ces parcours et partenariats, où l’activisme rencontre les architectes et l’architecture, devenant un aimant dans la préparation d’un nouvel espace.

Culture afro-brésilienne, centres historiques, accès à la culture par l’architecture et le design, telles sont les histoires du pavillon brésilien, à la recherche de ce que signifie être ensemble (juntos), souligne Fajardo. L’exposition rassemble les processus et leurs états actuels, qui peuvent être en phase de conception, en cours ou terminés. Ce sont des processus qui parlent d’architecture, d’urbanisme, de patrimoine culturel, de littérature, d’activisme social et de technologie ; en conséquence, des vidéos, photos, lettres, articles, poèmes, textes, faits, dessins et données font également partie du spectacle, composant un mémorial pour ces vies entrelacées dans l’amélioration de l’environnement bâti, dans leurs communautés, à la recherche d’un moyen d’être et de savoir.

Pavillon du Canada : « Extraction »
Le Pavillon canadien explore les systèmes, les espaces et les échelles du Canada en tant qu’empire mondial des ressources sous la bannière du thème Extraction. Le projet montre comment le Canada est devenu un empire mondial des ressources et comment le Canada est devenu le principal pays extracteur de la planète. Sa politique étrangère est aujourd’hui entièrement basée sur les formes coloniales d’extraction des ressources dans le monde entier. Le projet attire l’attention à la fois sur les territoires d’extraction sur lesquels reposent les villes et sur les histoires de colonisation de ces territoires. En d’autres termes, le projet porte entièrement sur la terre, le droit et le territoire. En miniaturisant cette longue histoire en une expérience personnelle, cette intervention territoriale inversée magnifie les réalités territoriales à l’échelle 1 :1 pour susciter un discours plus approfondi sur les écologies complexes et la vaste géopolitique de l’extraction des ressources. Démêler et reconfigurer les synergies entre la vie, le droit et la terre, un manifeste de l’urbanisme ressource réinvente la surface de l’État vers le 22e siècle.

Si l’extraction a défini le Canada au cours des 800 dernières années depuis la Magna Carta britannique, alors l’échange révolutionnera son avenir à partir du 22e siècle. Marquant #TheLastVictoriaDay le 25 mai 2016, l’instrument territorial par excellence d’exploration, d’excavation et d’extraction – le piquet d’arpentage – a été enfoncé au cœur des empires, sous les pins et les avions, à la jonction du Royaume-Uni, de la France et du Canada Pavillons dans les Giardini de la Biennale de Venise. Exposant les tensions, frictions et résistances entre carte et territoire, ce contre-monument forgé en or pur sera ensuite offert au Souverain dans un geste déclaratif de rétrocession et d’indépendance, #CrownNoMore à l’issue de la Biennale le 27 novembre 2016, le veille du 150e anniversaire de la Confédération du Canada. Rétroactivement,800 ans de construction d’empire se déroulent sous le niveau du sol dans un court métrage de 800 images de 800 contributeurs en 800 secondes.

Pavillon du Chili : à contre-courant
À contre-courant présente les efforts d’une génération de jeunes architectes qui ont conçu, conçu et construit des œuvres d’architecture, tout en organisant leurs aspects financiers et contractuels dans le cadre des exigences de leur diplôme professionnel en architecture. Tout ce qu’ils ont en commun, c’est qu’ils appartiennent à la Vallée centrale du Chili, où ils sont revenus après leur formation académique pour contribuer à leurs communautés, créant des projets architecturaux qui se connectent à un ensemble de lieux où les campesinos de la région et leurs familles peuvent vivre et travail.

Contre-courant parle d’une direction contraire que les choses peuvent prendre. Cette exposition va à contre-courant de ces batailles urbaines, peut-être plus globales, menées pour améliorer la qualité de notre environnement bâti. Elle met plutôt l’accent sur les coutumes et les paysages du monde rural, les champs et les forêts, contribuant par l’architecture à améliorer la qualité de vie quotidienne de ses habitants. Ces projets architecturaux ont été construits avec des ressources minimales, avec des résidus de processus agricoles et avec des matériaux locaux facilement disponibles, apportant de la valeur et insérant le territoire dans un contexte global à travers une approche régionale « mais pas costumbriste ». De ce paysage et environnement rural, en constante transformation du fait de l’activité agricole et du développement urbain,là émerge une série de pavillons, de haltes, de points de vue, de cantines, de places ou simplement de lieux d’ombre et de rencontres sociales, éphémères ou permanentes, explicites ou abstraites.

Pavillon de la Chine : Daily Design, Daily Tao-Back vers le front ignoré
Daily Design, Daily Tao-Back to the Ignored Front, vitrine de l’autre face de la modernisation urbaine et industrielle futuriste de la Chine au cours des dernières décennies : celle d’un design qui ré-élabore l’héritage culturel tricentenaire du pays en formes contemporaines. Dans la philosophie chinoise, le « Tao » pourrait être grossièrement défini comme le « principe » qui, dans la culture chinoise, maintient l’équilibre de l’Univers et auquel la relation entre l’homme et la Nature doit se conformer. En design, Tao contribue à créer une relation ordonnée et vertueuse entre les objets et les personnes, et à rendre les produits bien pensés accessibles au plus grand nombre. Daily Design suit Daily Tao. Il nous satisfait dans notre vie quotidienne non pas en introduisant un nouveau futur pour remplacer le passé,mais en polissant le passé et en l’intégrant dans notre quotidien. Il n’intervient pas, au contraire, il sert de médiateur aux communautés. Il rend le design accessible à la vie de la majorité. L’architecture a un bel avenir sur notre planète, si nous agissons avec sobriété et responsabilité dans le présent.

Par conséquent, l’exposition présente une série d’artefacts partageant tous un éventail de traits communs : s’inspirer du design et des techniques traditionnels, être capable de répondre aux besoins contemporains, être extrêmement ingénieux sans le paraître de manière flagrante, utiliser des matériaux naturels et durables. L’exposition est divisée en deux sections principales : une exposition d’objets logés à l’intérieur du pavillon et un prototype de bâtiment grandeur nature placé dans le jardin adjacent. À travers un dispositif d’exposition très sobre, la première section présente des robes, des meubles, des céramiques et des modèles architecturaux, exposés aux côtés d’outils traditionnels et d’objets du quotidien. Il ne fait aucun doute que l’inventivité du design chinois traditionnel et contemporain, et les intrigantes références croisées entre les deux,étonnerait beaucoup ceux qui considèrent encore les créateurs chinois comme des « imitateurs » des archétypes européens et américains.

Pavillon de la Croatie : « Nous en avons besoin – Nous le faisons »
Le projet se concentre sur la reconstruction du contenu de trois bâtiments, le POGON Jedinstvo à Zagreb, le bâtiment H du complexe Rikard Benči as en tant que futur musée d’art moderne et contemporain de Rijeka et le centre de la jeunesse de Split. Le projet traite de structures inachevées qui sont néanmoins continuellement utilisées pour les programmes artistiques, culturels et sociaux de différents acteurs, et leur mise en forme architecturale résulte d’une série d’interactions, d’interventions et d’opérations mineures par lesquelles les locaux sont constamment améliorés. Les trois bâtiments concernés ont par ailleurs été explorés en collaboration avec le collectif de performances BADco. qui participent à l’exposition avec la trilogie « Les institutions doivent être construites ».

Pavillon de Chypre : Fronts contestés : pratiques communes pour la transformation des conflits
« Contested Fronts » est une exploration du rôle de l’architecture pour la mise en commun des pratiques dans des espaces ethniquement et socialement contestés. Il se concentre sur les agences des technologies ad hoc de l’architecture qui contribuent à la transformation des conflits en préconisant des processus de réconciliation pour aller de pair avec les processus de reconstruction urbaine. « Contested Fronts » introduit trois niveaux d’investigation des frontières où l’architecture revendique un rôle actif : les frontières géopolitiques, disciplinaires et de la politique urbaine quotidienne. Il aborde deux défis majeurs émergeant du cas de Famagouste : d’une part, opérer dans des environnements hostiles réels où les institutions produisent des récits basés sur la division. En deuxième,confronter les tendances réelles des processus de reconstruction post-conflit basés soit sur des développements privés ségrégationnistes à grande échelle, soit sur des plans bureaucratiques inflexibles et non transparents, tous deux incapables d’encourager les pratiques communes ni de gérer les environnements urbains contestés en constante évolution.

Le premier processus est appelé « Contre-mapping » qui consiste à utiliser la pratique de la cartographie pour problématiser la société civile en ce qui concerne les géographies mentales dominantes qui divisent. Le second processus s’intitule « Créer des seuils » qui concerne des pratiques d’échanges par-delà les frontières, transformant les limites en seuils vivants, favorisant l’ouverture des enclaves urbaines aux communs de la ville. Le troisième processus s’intitule « Introducing Urban Controversies » qui concerne le déploiement de l’aspect positif du conflit dans la fabrication des projets architecturaux et urbains où les acteurs urbains sont en constante réalliance et dispute.

Pavillon tchèque et slovaque : Care for Architecture : Exemplum de la Galerie nationale slovaque ou Asking Arche of Architecture to Dance
Intitulée The Care for Architecture: Asking the Arché of Architecture to Dance, l’exposition de la Biennale se demande si des bâtiments comme l’extension de la Galerie nationale slovaque à Bratislava peuvent un jour être dissociés du régime politique. Un modèle rouge vif de la Galerie nationale slovaque constitue la pièce maîtresse du pavillon tchèque et slovaque, qui se demande si l’architecture de l’ère soviétique des pays doit être sauvée ou démolie. Conçu par l’architecte slovaque Vladimír Dedeček dans les années 1960 et construit dans les années 1970, le bâtiment de la galerie de pont est considéré par beaucoup comme un symbole de l’ère communiste du pays, de sorte que les plans de sa rénovation ont été controversés.

Conçu par l’architecte slovaque Vladimír Dedeček dans les années 1960 et construit dans les années 1970, le bâtiment de la galerie de pont est considéré par beaucoup comme un symbole de l’ère communiste du pays, de sorte que les plans de sa rénovation ont été controversés. La maquette tridimensionnelle est surélevée sur pilotis pour donner une nouvelle perspective sur le bâtiment, permettant aux visiteurs de se faire une idée de son agencement de galeries, d’amphithéâtres et de cour. Le large éventail d’opinions que le bâtiment reçoit de la part des ressortissants slovaques et des étrangers est représenté par une série de films, diffusés sur des écrans muraux. Différents écrans proposent des stratégies opposées pour la rénovation du bâtiment en décrépitude depuis une décennie. Un ensemble surnommé le « mur de combat »est dédié au matériau lié à la conception originale des architectes et à la lutte pour le préserver, tandis que l’autre est nommé le « mur de la danse » et contient des propositions pour son rajeunissement.

Pavillon du Danemark :
Intitulé « L’art du multiple et le droit à l’espace », met en évidence l’orientation humaniste du design danois, une sélection d’architectes et d’urbanistes danois pour présenter des prototypes démontrant des projets qui incarnent une approche humaniste. ces programmes cherchent à la fois à influencer positivement le comportement des gens et à promouvoir un sentiment de communauté. Il n’y a pas beaucoup d’accord sur comment, quand et par quels moyens l’architecture humaniste devrait être créée. En présentant un instantané dynamique de l’architecture et de l’urbanisme danois, pour explorer, disséquer et discuter de certains des paradoxes et des conflits qui accompagnent un nouvel humanisme dans l’architecture contemporaine.

L’exposition présente 130 modèles architecturaux, ou « prototypes », chacun représentatif d’un projet, répartis en 5 espaces thématiques intitulés « Beyond Luxury », « Designing Life », « Claiming Space », « Exit Utopia » et « Pro Community ». Les modèles sont exposés dans un espace qui ressemble à un entrepôt, placé de manière informelle sur des supports fabriqués avec des tubes d’échafaudage et des feuilles de contreplaqué. , 3XN, COBE, CF møller et Henning Larsen Architects – sont présentés côte à côte avec ceux des pratiques émergentes.

Pavillon Egypte :
L’exposition intitulée Reframing Back//Imperative Confrontations, cherche à révéler diverses histoires réussies d’architecture racontant les difficultés et les défis à l’intérieur de l’environnement bâti égyptien. Les œuvres à l’intérieur du pavillon révèlent comment l’architecture crée activement des changements dans les communautés. Nulle part ces confrontations ne sont plus évidentes que dans le contexte urbain, et nulle part plus que dans les villes égyptiennes. L’objectif de l’exposition est de recadrer et de positionner dans un forum mondial ce que nous pensons être des exemples de résolution réussie de conflits architecturaux et urbains où les architectes, à travers leur travail, ont été les médiateurs du changement, cette médiation a pris la forme de projets construits, ou même des propositions de recherche et des cartographies qui tentaient de mettre en évidence les problèmes existants.

Les travaux présentés peuvent être divisés en deux grandes catégories – les enquêtes cartographiques et (les projets construits et les propositions expérimentales). Les projets de cartographie tentent d’étudier les conditions existantes à l’aide de lentilles analytiques appliquées, évidentes dans leurs résultats de représentation. Comme pour les récents efforts de cartographie, la représentation est considérée comme un outil pour penser et présenter de nouvelles informations. Cela implique également les mêmes lacunes potentielles des exercices de cartographie lorsque les données sont mal étudiées et pourraient faire avancer une perspective faussée, ou complètement désinformer. L’exposition contient une enquête variée sur la condition urbaine égyptienne, y compris l’étalement, l’urbanisme informel, l’architecture vernaculaire du désert, les villes côtières,et les bâtiments patrimoniaux des XIXe et XXe siècles qui font tous partie de la dynamique parallèle de croissance dans le contexte égyptien depuis un demi-siècle.

Pavillon de la Finlande : De la frontière à la maison – Solutions de logement pour les demandeurs d’asile
« From Border to Home », un concours international d’architecture à la recherche de propositions contemporaines d’habitat notamment en période de crises humanitaires. Le défi de l’Europe consiste moins à construire de nouvelles villes qu’à transformer celles qui existent déjà pour créer une société plus équilibrée et inclusive. Dans ce contexte, l’architecture doit retrouver sa capacité à façonner non seulement la conception des bâtiments, mais aussi la conception de solutions sociales. En combinant ces deux capacités, l’architecture peut contribuer à cristalliser les principes d’un meilleur habitat.

« Enter the Void », une proposition d’une équipe allemande Duy Tran, Lukas Beer, Ksenija Zdesar et Otto Beer se concentre sur la réutilisation. Opportunités offertes par les bureaux vacants pour répondre aux différents besoins de logement des demandeurs d’asile dès les premiers stades de leur arrivée dans le pays. « Society Lab » de Cecilia Danieli, Omri Revesz et Mariana Riobom d’Italie propose un concept d’application mobile rentable pour faire correspondre l’offre et la demande de logements. La troisième proposition gagnante « We House Refugees » par A-Konsultit Architects, Milja Lindberg assistée de Christopher Erdman, cherche à réaliser des changements systémiques à grande échelle en repensant les codes du bâtiment d’aujourd’hui. La proposition vise à atténuer la pénurie de logements en augmentant la capacité du parc immobilier existant en fonction des fluctuations des niveaux de demande.L’exposition est complétée par un programme de conférences et un blog « From Border to Home », qui invite les architectes, les conservateurs et le grand public à réfléchir et à élargir le dialogue.

Pavillon France : Nouvelles du Front, Nouvelles Richesses
Nouvelles Richesses, une exposition clairement centrée sur le rôle de l’architecture dans notre société contemporaine. Il fut un temps où l’architecture était bien sûr une architecture pour tous, et était liée à l’économie et à l’évolution de la société. L’exposition présente un éventail de projets plus « ordinaires », développés ces dernières années par des architectes français, visant à fournir de bons logements, des développements urbains et des infrastructures sociales, à un prix raisonnable et avec une plus grande attention aux besoins réels des communautés locales. , dans diverses régions de France.

L’exposition est divisée en quatre sections, intitulées « Salle des territoires », « Salle du récit », « Salle du savoir-faire » et « Salle du sol fertile ». Dans la France d’aujourd’hui, les politiques publiques s’étiolent. L’urbanisme contemporain assemble des biens immobiliers, dont les façades « new look » tentent de masquer une standardisation étriquée, tandis qu’ici et là quelques centaines de millions de dollars permettent à deux ou trois architectes couture de concocter de somptueuses illusions. L’exposition pour être témoin du reste, moins visible, mais émergeant de partout, sur tous les territoires. et qui révèle une richesse insoupçonnée.

Pavillon de l’Allemagne : faire Heimat. Allemagne, pays d’arrivée
« Making Heimat. Germany, Arrival Country » examine une série de questions fondamentales : quels sont les défis auxquels les villes qui accueillent des réfugiés et des immigrés doivent faire face ? Quels sont les prérequis obligatoires pour transformer ceux qui viennent d’un autre pays en citoyens véritablement intégrés ? Quel doit être le rôle des architectes et des urbanistes dans ce processus délicat ? Le pavillon allemand est une maison ouverte qui ne ferme pas la nuit ; un espace qui symbolise l’Allemagne accueille plus d’immigrants que tout autre en Europe.

Une réponse au fait que plus d’un million de réfugiés sont arrivés en Allemagne en 2015. Le besoin de logement est urgent, mais tout aussi urgent est le besoin de nouvelles idées et d’approches fiables en matière d’intégration. L’exposition se compose donc de trois parties : la première partie examine les abris physiques de réfugiés – les solutions réelles qui ont été construites pour faire face au besoin aigu. La deuxième partie cherche à définir les conditions qui doivent être présentes dans une ville d’arrivée pour transformer les réfugiés en immigrés. La troisième partie de l’exposition est le concept de design spatial du pavillon allemand, qui fait une déclaration sur la situation politique contemporaine. Quelque chose de fantastique planifie et met en scène la présentation architecturale et la conception graphique.

Pavillon Grande-Bretagne : Économie domestique
Home Economics pose des questions sur la société britannique et la culture architecturale, une série de cinq propositions architecturales, conçues autour de quantités de temps incrémentielles : Heures, Jours, Mois, Années et Décennies. Heures – L’espace intérieur central présente un nouveau type d’environnement domestique partagé, restructurant les exigences actuelles en matière d’« agrément communautaire » dans le développement résidentiel. En recoupant les recherches sur la façon dont les Britanniques contemporains utilisent leurs maisons et les politiques dictant des normes minimales d’espace, la proposition réinvente le partage comme un luxe potentiel plutôt que comme un compromis. Days – La deuxième proposition de la séquence imagine un nouveau type d’espace personnel et portable, répondant au paysage domestique mondial créé par des services comme Airbnb. Reflétant notre engagement croissant avec les médias sociaux,divertissement et consommation virtuelle, la proposition – plus que l’habillement, mais moins que l’architecture – démontre une ambivalence envers son contexte physique à court terme.

Mois – La troisième proposition concerne les résidences de courte durée dans le cadre de contrats de travail temporaire, de visas d’études ou de semestres étudiants. Il imagine une nouvelle forme de loyer, où un paiement mensuel forfaitaire comprend non seulement l’utilisation de l’espace, mais tous les besoins domestiques, abordant les questions d’intimité et de travail domestique. Années – Le quatrième espace se rapporte à la période des années et résiste à l’hypothèse de la maison comme un atout plutôt qu’un lieu de vie. Dans cette circonstance, le coût d’achat d’une maison est minimisé et, grâce à un produit hypothécaire conçu sur mesure, la spéculation immobilière est combattue : les améliorations domiciliaires sont faites dans le but d’habiter plutôt que de profiter. Décennies – Occupations de très longue durée, suggérant une vie intergénérationnelle et des conditions changeantes de capacités technologiques et physiques,sont considérés dans le cinquième et dernier espace. La proposition est pour une maison qui est définie par des conditions spatiales plutôt que par des fonctions spécifiques, pour permettre une forme différente d’espace flexible.

Pavillon de la Grèce : #ThisIsACo-op
#ThisIsACo-op répond au défi du thème de la Biennale d’architecture de cette année en soulignant l’importance de la collaboration, de l’union des forces, en tant que proposition politique essentielle pour faire face à la crise multiforme actuelle. De plus, il enquête, traite et montre les multiples fronts de la crise – crise des réfugiés, crise urbaine, défaite du droit au logement, crise qui frappe la profession d’architecte – autant de manifestations interdépendantes de la stratégie de dépréciation de l’espace comme un bien commun.#ThisIsACo-op est une expérience collaborative, une proposition d’exposition innovante et fraîche, un atelier ouvert et ascendant.

ThisIsACo-op, qui souligne le rôle de la collaboration en architecture, vise à comprendre comment les architectes peuvent avoir besoin de s’unir sur différents « fronts » de crises mondiales, notamment la crise des réfugiés, la crise du logement et la crise de la profession d’architecte, entre autres. . Les événements organisés au pavillon grec sont organisés en une structure tripartite : Syneleusis (assemblée), Synergeia et Symbiosis. En dehors du pavillon, l’équipe curatoriale, composée de membres de l’Association des architectes grecs, organise une série d’événements à Venise et en Grèce, pendant toute la durée de la Biennale, qui ont été projetés sur les écrans du pavillon. Le site contient également une salle de lecture et des espaces où peuvent être visionnés des documentaires sur les multiples facettes de l’architecture des crises auxquelles est actuellement confrontée. Grâce à la recherche,réunions et discussions, #ThisIsACo-op vise à fédérer les architectes et à trouver des solutions grâce à la collaboration.

Pavillon Hongrie : ctivateurs. Architecture active localement
Eger dans le nord de la Hongrie est un exemple de la façon dont un groupe de jeunes architectes trouve leur chez-soi dans le monde d’aujourd’hui sans argent ni commission. Seulement s’ils se créent un environnement approprié, dont la communauté locale peut également profiter. Le gouvernement local à doter d’un immeuble, avec un bail accordé de 15 ans de l’immeuble délabré situé au milieu d’un vieux parc. A esquissé un modèle durable articulé sur les besoins locaux : les architectes s’étaient engagés à mettre en œuvre une reconstruction à valeur ajoutée et à remplir le bâtiment d’un contenu culturel.

Pavillon Iran :
« rewind, play, fast-forward », le projet présente une solution pour les circonstances sociales, politiques et économiques en iran qui ont conduit à une baisse du niveau de vie. les facteurs contributifs incluent une vaste immigration vers les grandes villes et leurs banlieues, et des plans urbains qui ne prennent pas en compte la participation humaine et sociale. L’objectif de l’équipe curatoriale était d’obtenir une compréhension précise des enjeux susmentionnés afin d’appréhender les problèmes. la méthode repose sur le contact immédiat avec les citoyens, l’échange avec les habitants et la recherche de solutions simples pour améliorer les espaces de vie dans les petits quartiers, les ruelles et les rues. ils croient en l’importance d’un contact étroit avec les groupes et associations locaux actifs afin de développer de meilleurs plans mis en œuvre par les citoyens eux-mêmes.

Le pavillon est conçu sur la base d’une représentation de schémas urbains de bâtiments dans un ordre inverse, tendus du plafond aux murs et aux parties du sol. la forme est choisie pour manifester le processus inverse de revitalisation de ces quartiers résidentiels. l’approche est basée sur le non-retour au passé, mais sur l’établissement de liens entre divers groupes sociaux et locaux afin de partager les principales problématiques et de coopérer entre eux en profitant de petits succès.

Pavillon de l’Irlande : Me perdre
Losing Myself, une exposition collaborative axée sur la maladie d’Alzheimer, l’exposition met en lumière le processus de « conception et de revisite de bâtiments pour les personnes atteintes de démence ». L’exposition contient deux éléments principaux : un site Web qui organise une série de dessins, d’histoires et de recherches sur la démence ; et une installation dans le pavillon, qui contient des dessins explorant un bâtiment conçu pour les personnes atteintes de démence. En consultant des personnes atteintes de démence pour obtenir des commentaires sur la conception du site Web. Nous avons planifié, testé et adapté notre technique de dessin avec nos collaborateurs de dessin. Le concepteur a dû accepter un certain niveau d’imprévisibilité et d’incertitude concernant le produit fini, peut-être en raison de sa tentative de représenter un état cognitif qui n’est que partiellement compris,en utilisant un médium que nous développons par itération et expérimentation.

L’installation permet aux visiteurs de découvrir le Centre de répit Alzheimer à Dublin, en Irlande, tel qu’il est vécu par les patients et leurs soignants. Étant donné que les patients n’ont pas la capacité de se situer et de naviguer eux-mêmes dans le bâtiment, ils n’ont pas la capacité de comprendre et de se souvenir des espaces architecturaux et des processions. L’installation utilise une projection basée sur le temps pour dessiner l’expérience de navigation de seize patients au cours d’une seule journée. L’effet de la démence sur le plan fixe d’un architecte « produit un monde fragmentaire ; et, parce qu’il y a encore recours à la mémoire profonde, un monde qui est rempli d’un cortège fantasmagorique et spontané d’autres espaces et temps.

Pavillon Israël : Lifeobject : Fusionner la biologie et l’architecture
LifeObject, le projet découvrir la relation entre l’architecture et la biologie, l’exposition présente un éventail d’œuvres qui, collectivement, forment un dialogue reliant l’architecture à la science, et en particulier aux domaines scientifiques liés à la biologie et aux biotechnologies. La pièce maîtresse de LifeObject est une installation qui combine des éléments naturels avec des matériaux artificiels composites et bio-ingénierie : une « forme vivante » qui réagit à l’environnement et, comme tous les systèmes biologiques, est basée sur le concept de résilience. Une telle relation ne se limite pas à l’influence que la nature a toujours eu historiquement sur les formes architecturales et/ou les matériaux. En effet, l’exposition israélienne se concentre principalement sur l’influence séminale que la biologie pourrait avoir sur la façon dont nous concevons et concevons les bâtiments,en créant un parallèle entre les créatures vivantes et les constructions et en jetant un aperçu spéculatif sur les futures formes potentielles d’architecture innovante.

LifeObject est une installation architecturale, qui transpose les propriétés résilientes d’un nid d’oiseau, à travers une analyse scientifique, dans une forme spatiale riche de nouvelles perspectives architecturales. Au cœur de l’installation se trouvent des surfaces aérées volumétriques de forme libre ondulant dans l’espace qui sont composées de plus de 1500 composants minces et légers, inspirés des brindilles; reposant uniquement sur la tension, ils forment une structure légère, poreuse et résiliente. Le LifeObject combine des matériaux intelligents, composites et biologiques dans la formation d’une « structure vivante » qui réagit à son environnement. La présence humaine autour d’elle déclenche l’ouverture d’un cabinet de curiosités, révélant aux visiteurs une variété d’éléments biologiques innovants. Le LifeObject matérialise une série d’idées abstraites,préoccupations et potentiels dans le domaine architectural présent et futur. Les concepts proposés par la structure esquissent des langages formels et structurels alternatifs informés par des disciplines externes. Il fait allusion aux applications futures et à l’intégration de matériaux d’inspiration biologique qui proviennent de divers paramètres, échelles et orientations.

Pavillon Italie : Prendre soin – Progettare per il bene comune
Axé sur l’architecture qui « prend soin des personnes, des lieux, des principes et des ressources » en présentant des projets basés sur des processus collaboratifs impliquant différents groupes de personnes partageant les mêmes objectifs. L’exposition a deux objectifs : présenter une vision de l’architecture comme service à la communauté ; démontrer, avec des preuves tangibles, comment l’architecture peut faire la différence en prenant soin des personnes et des lieux, des principes et des ressources. Nous pensons à une architecture au service du bien commun, capable d’accroître le capital humain, social et environnemental et de lutter contre la marginalisation et l’exclusion. Architecture participative, intelligente, créative et efficace, bienveillante et responsable,est certainement capable de bouleverser le statu quo qu’il rencontre tout en imaginant et en construisant un avenir meilleur. Et puisque les politiques deviennent des lieux dans l’architecture, l’exposition est un puissant rappel du potentiel de la politique dans la vie de chacun.

L’exposition est divisée en trois sections principales intitulées Penser, rencontrer et agir. La première partie, intitulée « Réfléchir. Une carte du bien commun », présente une réflexion sur le sens du « bien commun » développée par une équipe pluridisciplinaire qui comprenait des sociologues, des critiques d’architecture, des experts en économie et finance éthique, et des urbanistes. La deuxième section, intitulée « Rencontre. 20 exemples de vie en périphérie » est une sélection de 20 projets d’architecture communautaire, conçus par des architectes italiens, liés à dix thèmes : légalité, santé, vivre, culture, jeu, environnement, éducation, science , alimentation et travail. La troisième section de l’exposition,présente 5 projets développés en collaboration avec cinq associations italiennes impliquées dans la lutte contre la marginalité sociale dans les zones périurbaines. Il en a résulté cinq conteneurs mobiles, financés par des mécénats privés et du financement participatif, conçus « pour apporter la qualité, la beauté et les droits là où ils sont actuellement absents », et développés grâce à une collaboration entre des designers et des associations sélectionnées.

Pavillon du Japon : fr : l’art du lien
« fr: art of nexus », présente une série de projets, principalement résidentiels, qui illustrent collectivement les changements et les défis qui intéressent la société japonaise et sa relation avec l’architecture. L’exposition illustrait comment le pays aborde les problèmes urgents. Le point de départ, ce sont les contradictions souterraines qui caractérisent le Japon depuis le début des années 2000, et qui incluent un taux de chômage croissant, notamment chez les jeunes, des inégalités sociales croissantes, et comme une désillusion diffuse sur ces visions optimistes de l’avenir qui avaient caractérisé un pays qui a connu une croissance et une modernisation spectaculaires pendant au moins quatre décennies consécutives, après la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Une telle situation problématique favorise également une nouvelle approche de la relation entre les gens et entre les gens et l’architecture. Ainsi, le commissaire a choisi de présenter le travail d’une nouvelle génération de jeunes architectes japonais qui étudient comment l’architecture pourrait être un instrument pour recréer un réseau social, basé sur la solidarité, opposé aux diktats d’un néolibéralisme intransigeant. Un néolibéralisme que de nombreux Japonais identifient désormais à des événements dramatiques tels que la catastrophe nucléaire de Fukushima en 2011. Ainsi, toutes les architectures présentées mettent l’accent sur l’idée de partage des valeurs, des ressources et des modes de vie, opposée à l’approche égoïste de la vie et de la société encouragée par le principe de compétition sociale. Le titre de l’exposition, EN (縁), est en effet un mot japonais signifiant à la fois « relation »et « opportunité ».

Pavillon de la Corée : le jeu FAR : les contraintes stimulent la créativité
Le jeu FAR : les contraintes stimulent la créativité. Le FAR (Floor Area Ratio) fait référence au rapport entre la surface de plancher totale d’un bâtiment et la taille du terrain sur lequel il est construit. Le jeu FAR, organisé par Sung Hong Kim et présenté par Arts Council Korea, explore les défis et les réalisations de l’architecture coréenne contemporaine, sous ces contraintes réglementaires, et illustre la lutte des architectes de Séoul qui s’efforcent d’améliorer la qualité de vie des résidents en utiliser efficacement l’espace. Au cours des 50 dernières années, maximiser le FAR a été la force motrice de la croissance durable de l’architecture urbaine coréenne et reste la tâche la plus difficile pour la majorité des architectes aujourd’hui.

Le thème principal de l’exposition coréenne est le ratio de surface au sol, la quantité de surface au sol qu’un bâtiment peut offrir par rapport à la taille du terrain sur lequel il est construit. L’artiste d’installation coréenne Choi Jae-eun présente son projet « Dreaming of Earth » sur la zone démilitarisée en collaboration avec l’architecte japonais Ban Shigeru. Son travail est une miniature de sa conception conceptuelle d’un jardin de 6 mètres de haut et de 15 kilomètres de long et d’un trottoir piétonnier dans la DMZ, entièrement faits de bambou et d’autres ressources naturelles. De vrais fils tirés de la zone ont été exposés, ainsi que l’installation principale et une vidéo qui a été diffusée pour présenter le contexte historique de la zone fortement fortifiée. Les architectes coréens sont pris en sandwich entre un client souhaitant une maison plus grande et la loi actuelle qui contraint le FAR.

Pavillon Koweït : Entre Est et Ouest, Un Golfe
« Entre l’Est et l’Ouest : un golfe », regarde au-delà des côtes du pays et plaide en faveur d’un plan directeur pour un golfe uni. En présentant l’histoire méconnue de la région et en proposant un avenir alternatif, le pavillon présente l’hydrographie comme une entité singulière ni orientale ni occidentale, mais comme un archipel inexploité qui définit la région et offre la plus grande possibilité pour sa réconciliation. Le Golfe n’est pas un plan d’eau, mais un terrain d’expérimentation et de création d’identité, de culture et d’écologie depuis l’Antiquité. Ses îles étaient utilisées par leurs habitants, ainsi que par ceux qui les voyaient depuis les côtes à des fins de tourisme, de commerce, de chasse et d’extraction de ressources. Des sanctuaires ont été construits, des guerres ont été menées et des prisonniers ont été exilés sur leurs rives.Leur échelle et leur dépendance vis-à-vis de l’arrière-pays de l’Arabie/Perse, ou des côtes lointaines de l’Inde et de l’Afrique de l’Est, signifiaient que ces terres étaient continuellement sous le regard entrepreneurial des continents environnants.

Le golfe et ses îles font partie d’un paysage cohérent dans lequel la condition de bord et la notion de limite sont en mouvement. Le résultat est un paysage défini par le flux et le reflux de l’eau et des personnes, un domaine concevable dont l’utilité découle de la capacité d’imaginer un but pour les îles. Présentez un catalogue de plus de trois cents îles dans le golfe, élaborant sur leur histoire et leur caractère, ainsi que des propositions – de la part de pratiques d’architecture jeunes et établies dans la région – sur la façon dont un plan directeur pourrait être mis en œuvre dans ces eaux contestées. L’exposition présente des contributions d’AGi Architects, de Behemoth Press avec Matteo Mannini Architects, Design Earth, ESAS Architects, X-Architects, PAD10 et Fortuné Penniman en collaboration avec Studio Bound.

Pavillon Luxembourg : Tracer les transitions
« Tracing Transitions » documente la situation actuelle au Luxembourg à travers une installation spatiale. Il sert en quelque sorte d’écran pour présenter des sujets concernant la création de logements, les ramifications géographiques des problèmes et les pistes de solutions possibles. Tracing Transitions aborde les problèmes de logement actuels au Grand-Duché de Luxembourg ainsi que les aspects d’une éventuelle transformation de la situation dans le futur. L’habitat, l’offre de logements et le logement socialement durable sont des enjeux essentiels de notre époque. Au Luxembourg, les conditions préalables à la satisfaction de ce besoin sont devenues de plus en plus instables. Sa géographie et son développement économique, le marché immobilier compétitif et cher,la croissance démographique et l’évolution démographique ont fait du Luxembourg une zone de tension complexe et conflictuelle.

Tracing Transitions se penche sur les interventions qui visent à désamorcer progressivement la situation actuelle. Ces interventions présentent des alternatives : ce sont des options pour la réalisation de solutions de logement qui s’opposent aux modèles de propriété ou de construction locative ; ils offrent différentes configurations de vie comme réponses aux changements démographiques ; ils remettent en cause les types d’habitat traditionnels et connus ; et ils utilisent la plus grande ressource du Luxembourg pour l’implantation de logements, de vastes anciennes zones industrielles, vestiges du passé du Luxembourg en tant que nation du fer et du charbon. Tracing Transitions recherche des indicateurs qui signifient un changement possible dans la production et la durabilité sociale du logement. C’est principalement une histoire de processus, d’événements et de consolidation de réseaux et non de solutions de conception complètes et de bâtiments soignés.L’architecture devient plutôt une partie de l’activisme. Et Tracing Transitions s’inscrit dans la communication architecturale, pour communiquer les enjeux de la production des conditions de réalisation du « bon projet ».

Pavillon du Mexique : Dépliements et assemblages
« Déploiements et assemblages », présentent « des architectures assemblées à partir de fragments, de modules, de relations, d’histoires, de tactiques, de technologies et de stratégies de construction ». L’exposition se concentre sur le travail et les expériences qui peuvent changer, se propager et s’adapter, plutôt que sur des systèmes fermés ou des produits finaux. Le pavillon est construit autour d’un axe principal de manuels historiques. Les manuels, et les travaux qui y sont liés, détournent l’attention de la perception commune de l’architecture d’auteurs uniques et d’œuvres autonomes. Ces manuels fournissent les connaissances nécessaires à l’autodétermination, permettant aux communautés de créer leurs propres environnements et de demander quels instruments ou technologies modernes peuvent davantage amener le public à l’architecture.

Le pavillon d’exposition lui-même est construit selon les mêmes principes d’assemblage et de diffusion. Utilisant un système répétitif de grands modules structurels et une structure en nid d’abeille texturée – tous rendus stables par des panneaux de contreplaqué rigidement fléchis – le pavillon présente des notions d’adaptabilité et de résilience. Médite sur les bâtiments en tant qu’assemblages de matériaux et de relations sociales. Les arènes démontables du Yucatán sont des manifestations d’un ordre social existant. Le pavillon culturel démontable pour les migrants est une stratégie visant à rassembler des personnes différentes dans des circonstances similaires à celles d’une communauté. Chaque composant du pavillon peut être démonté, effondré ou plié pour un transport et un stockage faciles.

Pavillon du Monténégro : Projet Solana Ulcinj
Solana Ulcinj, rapportant ce projet crucial au Monténégro pris dans les luttes entre le local et le global, la nature et la culture, le tourisme et la durabilité, l’économie et le domaine social, proposant des stratégies spatiales qui peuvent guider de nouvelles synthèses pour ces conflits. Comme actuellement, le Solana Ulcinj est tiraillé entre la conservation et les intérêts économiques, ce qui crée une impasse. Il est donc crucial de développer de nouveaux plans pour l’avenir de la saline, qui soient à la fois écologiquement et économiquement durables. Le projet Solana Ulcinj relève le défi de proposer de nouvelles propositions pour préserver la position écologique importante et les qualités culturelles uniques du paysage, tout en permettant et en régulant les intérêts économiques de la région.

Pour générer un débat public au Monténégro, quatre pratiques sont sélectionnées. Tous les quatre représentent des positions très différentes dans le domaine de l’architecture du paysage et du développement durable. Cela donne un nouvel apport et permet ainsi d’ouvrir et d’accélérer les processus de prise de décision autour de la Solana Ulcinj. Il stimule également le débat sur l’architecture et l’architecture de paysage au Monténégro et établit un échange international.

Pavillon des Pays-Bas : BLEU : Architecture des missions de maintien de la paix
Malkit Shoshan s’est consacré à l’analyse de la manière particulièrement progressive dont les Pays-Bas contribuent aux activités de maintien de la paix de l’ONU. L’ONU est responsable de centaines de missions de maintien de la paix actives à travers le monde. généralement parlant, ce sont des bases militaires qui se présentent comme des communautés autonomes, complètement coupées de leur environnement direct. c’est la conception particulièrement extrême de ces complexes qui reflète les structures de pouvoir et les systèmes des forces de maintien de la paix ; des projets qui ne contribuent pas à améliorer la vie des habitants de ces régions. l’ONU parle de « lignes directrices pour l’approche intégrée », unissant la défense, la diplomatie et le développement.c’est à travers son travail que shoshan cherche de toute urgence de nouvelles solutions spatiales qui confèrent une signification sociale à ces communautés locales, en proposant l’ajout d’un quatrième « D » pour le design. l’espoir est que la base de l’ONU se réalise non pas comme un complexe fermé, mais comme un catalyseur pour le développement local.

Par conséquent, l’exposition se concentre sur le rôle que l’architecture pourrait jouer dans l’élaboration de stratégies et de solutions pour aider les populations vivant dans des zones de conflit. L’approche proposée par Malkit Shoshan suggère d’ajouter « Design » aux termes « Défense, Diplomatie et Développement » qui constituent traditionnellement la soi-disant « Approche intégrée » sur laquelle reposent les missions de maintien de la paix de l’ONU. En examinant l’étude de cas du camp Castor dirigé par les Pays-Bas à Gao, au Mali, ainsi qu’en présentant des conversations avec des ingénieurs militaires, des anthropologues, des économistes, des militants et des décideurs politiques, l’exposition examine la contribution que les architectes pourraient apporter à la conception de les complexes de maintien de la paix et le rôle de ces structures, généralement « scellées » des territoires environnants pour des raisons de sécurité,pourraient jouer pour établir des liens et améliorer les conditions de vie des communautés locales.

Pavillon Nouvelle-Zélande : « Future Islands »
Lyrique et évocateur, Future Islands vise à établir la Nouvelle-Zélande comme innovante, créative, avant-gardiste et audacieuse. C’est une histoire sur la Nouvelle-Zélande, mais un lien conceptuel avec Venise est en son cœur. La structure de l’exposition est dérivée de Invisible Cities d’Italo Calvino, un livre articulé autour d’une conversation sur les villes et la vie entre Marco Polo et l’empereur mongol Kublai Khan. En neuf chapitres, le célèbre explorateur vénitien raconte les histoires de 55 villes merveilleuses qu’il a vues, la vanité étant que toutes les histoires sont des descriptions fictives de Venise. En réponse aux 55 « villes » de Calvino, Future Islands propose 55 projets architecturaux, déployés sur neuf « îles », de multiples représentations de la Nouvelle-Zélande et de son évolution au sein des réseaux mondiaux. Île de mémoire,île du désir, île de la perspective et du refuge, île de l’hospitalité, île (non)naturelle, île de la fabrication et de la défaite, île émergente, île reconquise et la dernière île…

Les éléments de l’île offrent de multiples lectures – comme l’eau, le paysage, la forêt, les nuages, les champs volcaniques, les corps, les bâtiments, les artefacts, les textes, les meubles et témoignent d’une qualité flottante et onirique. Les îles ont toujours fourni des sites réels pour des modes de vie différents, et des sites imaginaires pour des modes de vie possibles. Ils ont inspiré des récits romantiques et utopiques, et ils ont toujours été, littéralement, des lieux de découverte. Dans cet esprit, l’exposition présente la pratique architecturale contemporaine en Nouvelle-Zélande et explore les orientations futures de l’architecture néo-zélandaise. L’exposition, qui comprend des œuvres construites ainsi que des projets visionnaires ou encore non réalisés, a été mise en scène dans un palais vénitien historique et a été accompagnée d’une série de colloques et d’événements culturels et d’un programme médiatique international.

Pavillon du Nigeria : « Capacité réduite »
« Diminished Capacity » entend analyser un moment historique de transaction avec l’ambition de réécrire l’histoire. A la condition de réécrire l’histoire devient une évolution nécessaire. La mauvaise lecture de l’Afrique transforme le continent lui-même en un pays en perpétuelle opposition à l’agitation ; quelle est son identité étant un ghetto aux formes et aux structures inadaptées.

Le conflit est l’un des thèmes récurrents dans l’œuvre d’Ola-Dele Kuku. L’architecte-artiste y voit l’un des mécanismes moteurs de notre monde et un outil pour mettre le changement en mouvement. Les conflits ont joué un rôle crucial depuis l’aube de la création, il suffit de penser aux histoires du Big Bang et du paradis d’Adam et Eve. Tout au long de sa pratique, Ola-Dele Kuku a constamment remodelé la représentation dans un défi opportun. Travaillant à la fois le dessin, l’installation et la sculpture, il a revisité les piliers des modes de représentation architecturale, plan, élévation, coupe, pour injecter des dérapages troublants dans leur formalisme rigoureux. Ce nouveau corpus de travaux embrasse pleinement un biais viscéral analytique socio-philosophique, confronté à des problèmes complexes tels que l’épuisement des ressources et leur manipulation, la migration,les changements micro et macro globaux, une vision alternative de l’Afrique de l’Ouest, l’appauvrissement croissant et la capacité diminuée d’un pays dans une utilisation démultipliée de stratégies de manipulation.

Pavillon Pays Nordiques (Finlande Norvège Suède) : En Thérapie – Face à Face Pays Nordiques
« In Therapy » aborde un défi commun auquel sont confrontés les Finlandais, les Norvégiens et les Suédois aujourd’hui : comment un bâtiment (ou une exposition, dans ce cas) peut-il exister dans un dialogue avec son environnement alors que celui-ci est si chargé ? Pour nous, cela rejoint une question plus large : comment l’architecture peut-elle occuper un héritage tout en progressant ? « In Therapy » traite le Pavillon comme une extension de l’espace public des Giardini. L’installation centrale de l’exposition – une pyramide à marches construite à l’aide de techniques de construction traditionnelles en pin suédois – reflète précisément les marches et les contremarches de l’escalier existant pour créer un profil-amphithéâtre propice au débat critique et à la réflexion. L’exposition aspire à détourner la monotonie de l’archétype du « stand-and-look »spectacle en créant une clairière au milieu de la congestion pour réfléchir sur le matériel qui a été rassemblé et les voix convoquées. L’installation centrale, la pyramide, n’est pas seulement un artefact urbain mais aussi un affichage ; une installation habitable à étudier et à explorer.

L’architecture, au moins dans la forme et la quantité qui ont été convoquées ici, pourrait mieux être vécue dans un état de distraction. Les nations nordiques ont été placées en thérapie. Bien qu’il puisse sembler que la Finlande, la Norvège et la Suède soient au sommet de la pyramide – ayant atteint un équilibre au niveau de l’État entre une société capitaliste et l’État-providence, vénéré dans le monde entier – elles sont également confrontées à des défis complexes. Des préoccupations liées aux demandes d’immigration et d’intégration sociale, au vieillissement de la population et au réalignement dans une économie post-industrielle nouvellement ou en voie de l’être, « In Therapy » a réuni des éléments inconscients et conscients (la pyramide des projets et une collection de réflexions, respectivement) afin de démêler les connexions et les conflits entre l’architecture et la société nordique dans son ensemble.C’est l’architecture, dans son rôle le plus large de pratique spatiale, sociale et culturelle, qui est au centre de ce discours.

Pavillon Pérou : « Notre ligne de front amazonienne »
Our Amazon Frontline, fait référence à un vaste projet culturel, social et environnemental visant à protéger la forêt amazonienne et à impliquer les communautés locales dans le processus. Un projet public lancé en 2015 et promu par le ministère de l’Éducation du Pérou, visait à construire des centaines d’écoles dans les zones rurales de la région amazonienne, éloignées et manquant souvent des infrastructures les plus élémentaires. Le projet est un dialogue attentif avec les communautés amazoniennes. Il propose un kit de pièces modulaires qui permet de s’adapter aux exigences pédagogiques particulières, aux conditions topographiques et à la taille des communautés. Le résultat est une architecture modulaire sensible au climat, respectueuse du mode de vie amazonien. Ce projet s’appuie sur l’architecture pour un programme éducatif massif,redonne sa dignité à une population historiquement reléguée et offre un espace de rencontre équilibrée entre deux mondes apparemment inconciliables.

Les visiteurs suivent un ruban imprimé des visages des enfants amazoniens par Musuk Nolte, et l’empreinte de la jungle, les « Amazogramas » créées par Roberto Huarcaya. Ce ruban est suspendu à un auvent en bois, en équilibre permanent. Également suspendu, un ensemble de tables et de chaises ramenées des écoles amazoniennes, révèlent les conditions précaires et dures dans lesquelles enseignants et élèves interagissent aujourd’hui. L’équilibre du ruban fragile et ondulant nous oblige, comme dans la forêt amazonienne, à être responsable de la préservation de son équilibre. Accompagnant cette action architecturale, l’exposition nous plonge dans l’Amazonie péruvienne à travers des actions visuelles qui montrent le mystère incommensurable de ses habitants et donnent une véritable « radiographie » de la luxuriance impénétrable de la jungle.

Pavillon des Philippines : Muhon : Traces d’une ville adolescente
Traces d’une ville adolescente, présent et futur probable de neuf marqueurs culturels dans le Grand Manille. En faisant une différence dans l’amélioration de la qualité de l’environnement bâti et de la vie des gens, aspire à être une plate-forme pour un acte collaboratif et collectif de réflexion sur l’environnement bâti au bord du précipice. En retraçant chaque Muhon à travers son histoire, sa modernité et ses conjectures, l’exposition vise à lutter contre la recherche d’identité à travers l’environnement bâti dans le contexte d’une mégapole en expansion agressive. Il propose de distiller et d’abstraire l’essence des marqueurs culturels de la ville pour en interpréter le sens et découvrir la présence ou l’absence relative de valeur.

Pavillon de la Pologne : « Fair Building »
Et si un bâtiment pouvait être certifié « commerce équitable » comme de nombreux autres produits commerciaux ? L’industrie du bâtiment, malgré toutes les améliorations technologiques, repose encore largement sur le travail manuel ; pourtant, outre la réglementation nationale pour la sécurité des chantiers de construction, le processus de construction est néanmoins caractérisé par des niveaux élevés d’incertitude et d’insécurité. Une grande partie du pavillon polonais est occupée par des échafaudages, qui supportent un ensemble de moniteurs présentant les recherches des conservateurs ; un deuxième espace a été conçu pour ressembler à une agence immobilière fictive. L’exposition se concentre sur la création d’un espace pour réfléchir sur la façon de rendre ce processus non seulement efficace mais aussi juste, plutôt que de rechercher les coupables responsables des abus qui se produisent aux différentes étapes du processus de construction.À cet effet, les visiteurs sont invités à regarder les films dans une grande structure d’échafaudage, qui remplit la salle d’exposition principale du pavillon polonais construit dans les années 1930. Des planches en bois brut offrent des sièges, encourageant les gens à passer plus de temps.

L’ouvrier du bâtiment est l’un des acteurs les plus sous-représentés de l’architecture, avec des conditions de travail et de respect souvent négligés au profit des délais et des budgets. Pour en montrer l’ampleur, ils ont réalisé une série de documentaires sur différents chantiers de construction en Pologne. Ces films montrent des images de conditions de travail, dont beaucoup provoquent un sentiment de vertige. Ils montrent des constructeurs se mettant dans des situations potentiellement mortelles, en utilisant de la machinerie lourde et au sommet de structures de grande hauteur. Les films incluent également des interviews où les constructeurs partagent leurs expériences personnelles, allant de la durée de la journée de travail à la formation et au paiement. En présentant les histoires de personnes directement impliquées dans le processus de construction, le projet demande si le commerce équitable est réalisable sur le terrain.

Pavillon du Portugal : Quartier : Où Alvaro rencontre Aldo
Le pavillon expose quatre œuvres notables de Siza, dans le domaine du logement social – Campo di Marte (Venise) ; Schilderswijk (La Haye) ; Schlesisches Tor (Berlin); et Bairro da Bouça (Porto) – exposant son expérience participative comme une compréhension particulière de la ville et de la citoyenneté européennes. Ces projets ont créé de véritables lieux de « voisinage », sujet important de l’agenda politique européen actuel, vers une société plus tolérante et multiculturelle. Siza a développé ces concepts en contact avec la culture architecturale italienne, en particulier avec l’héritage conceptuel d’Aldo Rossi, dont l’important essai L’architecture de la ville a été publié il y a exactement cinquante ans.

Siza a conçu un tissu urbain basé sur la structure allongée de l’ancienne division cadastrale, tracé du canal de la Giudecca à la lagune et reprenant certains archétypes architecturaux de l’île. Siza a appris à identifier les invariants typologiques du tissu résidentiel populaire de la Giudecca intérieure et d’où ont émergé les églises et les palais aux bords du canal et de la lagune. Siza a opté, dans son plan général, pour une composition urbaine cohérente, une uniformité de hauteur et des fenêtres disposées en un rythme constant le long des vastes façades. Ce « méta-projet » a ensuite été interprété par Aldo Rossi, Carlo Aymonino et Rafael Moneo, invités à concevoir différents bâtiments adjacents au quartier attribué à lvaro Siza, à Campo di Marte.

Pavillon de la Roumanie : Selfie Automate
L’exposition se compose de 7 automates mécaniques, avec 42 marionnettes construites, 37 humains et 5 créatures. Trois des automates ont été placés dans le pavillon roumain de Giardini, trois autres dans la nouvelle galerie de l’Institut roumain de la culture et de la recherche humaniste et un nomade qui erre dans les rues de Venise. Caricatures de personnages, animaux fantastiques, œufs d’or, boîtes à musique et reflets en miroir sont assemblés dans des parties de spectacle prédéfinies qui mettent le visiteur en scène, dans diverses positions, à la fois dynamo et marionnette. Les auteurs proposent ainsi un portrait générique des relations sociales, des stéréotypes et des souhaits, morcelés, à remonter par l’imaginaire de l’utilisateur, dans un autoportrait introspectif, voire un selfie.Il peut s’agir d’un simple divertissement ou d’un spectacle absurde. Il soulève quelques questions, mais il n’apporte certainement pas de réponses.

Pour définir le rôle qui était donné aux marionnettes dans l’exposition, les auteurs de « Selfie Automaton » ont abordé la marionnette, où il est courant que le manipulateur joue avec les significations et les possibilités de contrôle. « Selfie Automaton » réfléchit sur les personnages et les actions incarnées par les marionnettes qui ne sont que des parties dispersées de la nôtre et peuvent être combinées ou divisées, à la recherche d’un autoportrait, que ce soit d’un architecte ou de quelqu’un d’autre. Les poignées et les pédales permettent les différents spectacles, lorsqu’elles sont dotées d’une seule force humaine. Ce qui reste, encore, est la question des modèles prédéterminés. Qu’ils existent vraiment, que nous en fassions partie, leurs victimes ou leurs générateurs. L’exposition positionnant le visiteur dans diverses relations avec ses objets de divertissement et lui-même,de lui laisser le confort ou l’inconfort de l’observateur lointain, jusqu’à faire de lui une ballerine géante dans un micro banquet, une victime d’une commission à la Kafka, ou un mendiant de vœux.

Pavillon Russie : VDNH
Phénomène Urbain VDNH, examine l’importance mondiale du parc « étant donné que le monde entier est concerné par la question de savoir comment développer le potentiel intellectuel de la société et comment créer des mécanismes efficaces d’assimilation culturelle. mission éducative et culturelle.La cohérence de cet ensemble urbain, la diversité de ses espaces publics, et son collier de pavillons nationaux et thématiques créent un territoire capable d’accumuler et de multiplier l’énergie intellectuelle et culturelle de la société, et c’est ce qui dans la l’analyse finale nous aide à gagner la bataille pour la qualité de vie.L’exposition fait appel à l’art et aux technologies multimédias pour parler du passé, du présent et de l’avenir du VDNH.une section traitant de l’histoire de l’exposition présente des artefacts de l’époque soviétique tandis qu’il y aura également une installation vidéo plongeant les visiteurs dans l’atmosphère du VDNH

Aujourd’hui, le quartier VDNH se rénove activement, attirant le public à l’aide de moyens d’urbanisme, de techniques architecturales et pédagogiques. L’expérience a montré que cette méthode s’avère efficace : lorsque les plaisirs primitifs sont remplacés par des plaisirs intellectuels, le nombre de visiteurs augmente. L’étude de ce processus est devenue le thème principal du projet VDNH URBAN PHENOMENO : lorsque nous familiarisons les visiteurs avec l’atmosphère unique de l’exposition, sa riche histoire et ses artefacts uniques, nous explorons en même temps le mécanisme pour créer un espace de culture. et l’égalité des chances, qui répond aux besoins des personnes modernes. L’exposition du pavillon russe ne se concentre pas seulement sur les étapes de la formation complexe, mais il sert également de laboratoire où sont conçues des stratégies pour son développement futur.

Pavillon Serbie : Héroïque : Livraison gratuite
L’exposition comme un moment de passion totale et d’enthousiasme juvénile pour exposer nos propres insécurités face aux difficultés à trouver du travail dans le marché du travail actuel de l’architecture. Le projet met en lumière la profession d’architecte, en rendant compte de ses propres rangs de la position sociale contemporaine problématique de l’architecture et en constatant la nécessité de trouver de nouvelles possibilités d’action. L’intérieur en forme de coque du pavillon serbe, qui rappelle le récit biblique de l’arche de Noé : Le déluge se prépare. L’intérieur de l’arc, repaire de la rébellion, rayonne d’espoir. La tranchée de la révolution a été tracée, du pont inférieur nous ramons vers le trésor, baignant dans le Bleu, qui n’a pas de frontières et pas une seule goutte de mauvais sang.

L’arche est construite à partir de contreplaqué et de panneaux de copeaux orientés, et recouverte d’une couche de résine bleu outremer. Un itinéraire de navigation commun est présenté comme une sortie possible de l’avant du sentiment omniprésent de constriction systémique et d’anxiété. Une bande sonore de claviers cliquetants remplit l’espace, tandis que 28 prises de courant sont installées le long des bords incurvés de l’installation – toutes deux destinées à rendre hommage au travail acharné des architectes à travers le pays.

Pavillon des Seychelles : Entre deux eaux, en quête d’expression aux Seychelles
Entre deux eaux, à la recherche d’expression aux Seychelles, l’exposition fait face au Grand Canal et transporte les visiteurs dans l’archipel de 115 îles, la nation la moins peuplée d’Afrique, explorant l’identité de cette nation tout en étudiant l’architecture de la vie quotidienne dans les îles paradisiaques. L’exposition contient un abri partiellement construit qui incorpore des éléments d’architecture vernaculaire et des centaines de messages publiés par des résidents et des visiteurs seychellois, couvrant à la fois les frontières ethniques et générationnelles. Les images, qui représentent la culture de la nation, montrent comment l’architecture a changé au fil du temps, semblable au flux et au reflux de l’eau qui les entoure. Sept projets de typologies et de programmes variés sont également présentés,agissant comme des représentations de l’architecture qui a émergé alors que les Seychelles cherchent leur voix dans l’environnement bâti. Une vidéo décrivant la négociation en cours entre le fantasme et la réalité, représentée par deux eaux, la pluie et la mer sera également affichée.

Le pavillon ouvre une fenêtre sur les paradigmes conflictuels auxquels sont confrontés les architectes des îles paradisiaques, invitant les visiteurs à se confronter à une architecture de la vie quotidienne. Au-delà de l’économie extravagante des vacances et du catastrophisme environnemental qui dominent les perceptions populaires des îles, le cabinet seychellois de longue date donne une voix architecturale au contexte local. Une vidéo raconte une négociation en cours entre le fantasme et la réalité, représentée par deux eaux : la pluie et la mer. Un abri partiellement construit incorpore des éléments symboliques de l’architecture vernaculaire et présente des messages de centaines de résidents et de visiteurs seychellois, dépassant les frontières générationnelles et ethniques. Sous un toit ondulé,les visiteurs peuvent observer en images animées les contradictions polarisées des modes de vie qui trouvent aujourd’hui refuge aux Seychelles. Le résultat est un hybride de cultures et un charmant bricolage architectural.

Pavillon de Singapour : sur le « front intérieur »
« Space to Imagine, Room for Everyone » va derrière ses infrastructures, son paysage urbain moderne et au-delà des murs des demeures privées pour regarder comment la ville et ses habitants interagissent et utilisent les environnements. Le thème célèbre les personnes et leurs actions créatives en forgeant des liens sociaux, de nouvelles identités et des liens avec le lieu. Le pavillon de Singapour présente une sélection d’œuvres en trois segments : Les gens et leurs maisons, Les gens qui travaillent la terre et Les gens qui s’engagent dans la ville. Dans deux grands thèmes (terrains archétypaux), à toutes les échelles, à la frontière entre le privé et le public, des actions comme la participation, les contestations, les activations, les appropriations, les transgressions et les occupations sont mises en œuvre. Tout cela se passe dans le bâtiment et le tissu urbain, sur les terrains, dans les ponts vides,dans les résidences privées de leurs lotissements, et dans leurs espaces publics. Le but de cette « batterie d’actions » est de forger une nouvelle société bâtie sur les acquis de la génération précédente, plus austère.

Le pavillon de Singapour de 240 mètres carrés, situé dans le bâtiment Sale d’Armi dans la région de l’Arsenale, présente une pièce maîtresse de 81 lanternes personnalisées éclairant des photographies invitant les visiteurs à jeter un coup d’œil dans les maisons de chaque famille pour découvrir leur vie ordinaire et l’espace qu’ils appellent le leur. Des artefacts et des séquences d’interviews font également partie de l’exposition. Ils racontent les histoires de citoyens et de familles qui sortent et prennent des mesures pour adopter et s’approprier leur environnement, comme les briques de boue fabriquées par la communauté pour les murs de leur nouveau bâtiment. En tournant Singapour à l’envers, ils vont au-delà d’être productifs et technocratiques, pour être créatifs et égalitaires. Ainsi, ces « batailles » au front sont un témoignage visuel poignant de leur renforcement des capacités humaines,en regardant le passé avec des yeux nouveaux, et plus largement, dans leurs tentatives d’humaniser les environnements de Singapour.

Pavillon Slovénie : Home@Arsenale
Le pavillon slovène comprend une bibliothèque en treillis qui examine le rôle de la « maison » en 2016, abordant les sujets domestiques en tant que problèmes critiques, sociaux et environnementaux. Architectes, artistes, critiques et curateurs d’horizons divers y participent avec leur sélection d’ouvrages abordant les notions prescrites de « maison » et « d’habiter ». les participants, dont tatiana bilbao, pezo von ellrichshausen et konstantin grcic, sont invités à devenir des résidents temporaires de l’installation pendant une heure à une journée, en organisant des événements en direct qui questionnent ce qui définit une résidence contemporaine.

Depuis l’aube de la civilisation, les structures d’habitation ont construit la partie prédominante de notre environnement bâti et ont servi à répondre à nos besoins les plus élémentaires. Elles devraient viser au-delà de la simple survie pour fournir les conditions nécessaires à une vie significative. après la biennale, l’installation – et ses 300 livres – déménagent au musée d’architecture et de design de ljubljana, pour être continuellement disponibles pour un usage public. L’installation habite son emplacement d’arsenal avec une structure spatiale contenant une collection de livres et d’objets domestiques. le schéma à grande échelle, composé d’étagères en bois, fonctionne à la fois comme une bibliothèque surélevée et une habitation abstraite qui encourage les visiteurs à habiter sa structure en treillis.la bibliothèque défie les clivages privés/publics conventionnels avec un environnement public temporaire.

Pavillon Afrique du Sud : Cool Capital : la capitale de la citoyenneté du Guerilla Design
« The Capital of Uncurated Design Citizenship », présente une sélection de projets de Cool Capital, présente des résultats physiques réussis et des solutions pratiques aux défis urbains, une expérience urbaine et un travail d’amour pour Mathews et une petite équipe d’architectes, d’artistes et de designers dévoués. Le laboratoire urbain de Cool Capital est Pretoria, la capitale administrative de l’Afrique du Sud située à 60 km au nord de Johannesburg. Souvent négligée en tant que destination touristique internationale, Pretoria est une capitale enclavée typique : la perception existe que cette ville, peuplée de bâtiments gouvernementaux historiques, de monuments stoïques et de nombreux rappels d’un passé inconfortable, est suspendue dans une déformation du temps révolue et sans intérêt.Le pavillon sud-africain prouve qu’en court-circuitant les processus bureaucratiques habituels d’autorisations et d’approbations, une ville peut être efficacement démocratisée dans un sens créatif, conduisant à une autonomisation substantielle et durable, et surtout, un nouveau type de cohésion sociale pour l’Afrique du Sud .

L’appel créatif d’Aravena fait référence au pouvoir des citoyens de devenir des agents actifs dans la création, la mise en forme et la ré-imagination de leur propre environnement bâti, et c’est exactement dans cet esprit que Cool Capital a été lancé. Commençant avec relativement peu de participants, le projet s’est rapidement transformé en un mouvement à l’échelle de la ville avec plus de 1000 participants actifs et un nombre toujours croissant d’abonnés sur les réseaux sociaux. Considérée localement comme la première biennale de guérilla DIY non organisée au monde, l’intention de Cool Capital était simple : déloger la relation bureaucratique entre les citoyens et l’espace public et encourager une nouvelle appréciation de l’endroit où ils vivent.Le projet a encouragé les citoyens à redécouvrir des quartiers marginalisés ou oubliés de la ville et à collaborer et à devenir des agents actifs dans la refonte créative de Pretoria en tant que foyer, lieu, destination et capitale. Tous les projets de Cool Capital ont défié, célébré ou nivelé le statu quo.

Pavillon de l’Espagne : Inachevé
Lauréat du Lion d’or
Inachevé, se concentre sur le grand nombre de bâtiments inachevés et/ou abandonnés en Espagne, conséquence de l’expansion effrénée du secteur de la construction que connaissait le pays avant la crise financière de 2008. L’absence d’une stratégie de planification à long terme et d’une réflexion sur l’utilité réelle de ces projets, souvent conçus dans le seul but d’obtenir un profit à court terme, ont produit un nombre énorme de bâtiments abandonnés juste après le début de la crise, car il n’y avait plus de raison économique pour leur achèvement et/ou leur entretien . L’exposition présentant des projets qui ont pu créer de nouvelles opportunités à partir de ces ruines modernes, les transformant et les convertissant en quelque chose finalement capable de rencontrer les Espagnols’de vrais besoins au lieu de les fasciner avec une fausse « grandeur » architecturale.

L’exposition rassemble des exemples d’architectures produites au cours des dernières années, nées du renoncement et de l’économie, conçues pour évoluer et s’adapter aux nécessités futures et confiantes dans la beauté conférée par le passage du temps. Ces projets ont compris les leçons du passé récent et considèrent l’architecture comme quelque chose d’inachevé, en constante évolution et véritablement au service de l’humanité. Le moment actuel d’incertitude dans notre profession rend sa considération ici particulièrement pertinente. Les thèmes de la conception inachevée, proactive et de la transformation constante sont parfaitement exprimés par l’architecture de l’exposition, composée de profilés métalliques et de photographies encadrées de bois pâle pour former une série de « matrices incomplètes ». De plus, dans une pièce séparée, des entretiens vidéo avec des architectes,universitaires et critiques d’architecture sont projetés sur un tas de cartons.

Pavillon du Soudan : Nubie, le royaume déplacé
L’exposition interroge fondamentalement l’élégance du confinement et les raisons pour lesquelles une approche classique de l’architecture a du sens dans des situations éloignées. le nouveau musée est principalement conçu pour protéger les objets mis au jour des conditions difficiles causées par le soleil, les tempêtes de sable, la pluie et les pillages. l’exposition offre une impression globale à la fois du schéma et de son contexte. il comprend des maquettes, des entretiens avec des individus liés aux nagas, un film centré sur la fouille archéologique, ainsi qu’une petite gamme d’objets de la fouille elle-même.

Naqa est une ancienne ville du Soudan d’aujourd’hui. accessible uniquement par des pistes sablonneuses, elle se situe à une cinquantaine de kilomètres à l’est du nil et est l’un des plus grands sites historiques du pays avec les vestiges et ruines d’une cité antique qui fut autrefois l’un des cœurs du royaume de meroë. le paysage désertique est encadré par une montagne, et à part une petite maison de garde et un bâtiment d’archéologues temporaire, la région semble complètement intacte. Chipperfield propose un type d’architecture classique qui vise à transcender les tendances et à résister à l’épreuve du temps. il commence la description de son projet pour les ruines de naqa en déclarant qu’il n’y a rien de moins attrayant qu’un centre d’accueil. en conséquence, le schéma inculque une simplicité, une pertinence et une sensibilité qui se soucie du paysage ancien. une fois le musée terminé,il illustre un exemple de gestion d’un patrimoine de grande valeur dans des lieux aux ressources limitées.

Pavillon Suisse : « Espace accessoire »
« Espace accessoire », souligne comment la représentation de l’environnement bâti peut altérer la nature même de l’architecture, l’installation interactive vise à explorer les possibilités, à la fois en termes de faisabilité technique et les limites de notre propre imagination de la façon de penser, de construire et expérimenter l’architecture différemment. Ces dernières années, la latitude créative des architectes a été considérablement freinée par un fardeau énorme et croissant de règles et de réglementations. Le fait de l’autonomie de l’espace d’exposition, et sa distance du monde quotidien de l’architecture publique et privée, a un potentiel comme base pour penser et agir autonome qui est de plus en plus reconnu et utilisé. dans ce cas, l’autonomie n’est pas à comprendre comme l’art autoréférentiel pour l’art,mais comme une opportunité protégée de déviance, une condition préalable au succès de nouvelles formes de sociabilité dans un monde hautement technologique d’une telle complexité que personne ne peut plus avoir un seul aperçu.

« L’espace accessoire » est une expérience qui se déroule en un lieu précis, s’y justifiant, n’ayant de valeur que pour elle-même, en tant que revendication ou thèse ; ne pas servir d’illustration d’un autre espace au-delà de lui-même, ou de geste vers une tendance particulière de l’architecture. Le projet tente d’explorer les limites extérieures de ce qui peut être réalisé en architecture aujourd’hui, en posant des questions telles que : « comment pouvez-vous utiliser le médium de l’architecture pour contempler un espace architectural entièrement abstrait et aussi complexe que possible ? » et « comment ce genre d’espace imaginaire pourrait-il même être visualisé, et comment pourrait-il être produit ?’. En offrant un petit espace avec une complexité maximale possible et avec une extension intérieure infinie. un espace dont le caractère visuel ne peut être quelque chose de facilement décodé,s’assurant qu’il ne dépeint ou ne représente aucun autre espace, mais défie l’univocité et se soustrait à toute lisibilité univoque. « espace accessoire » ne correspond en aucune manière à ce que l’architecture a été considérée comme un espace architectural.

Pavillon Thaïlande : Classe de 6,3
Le Pavillon de la Thaïlande ressemble à un champ de foin ondulé par le vent. Des centaines de mâts minces, placés au milieu d’un espace sombre, oscillent lentement après que les visiteurs les frôlent inévitablement en passant. Pourtant, ce n’est pas une allusion à un paysage paisible, mais au sentiment d’incertitude et de précarité qui subsiste après un tremblement de terre.

En 2014, un séisme de magnitude 6,3 a frappé la province de Chiang Rai dans le nord de la Thaïlande, détruisant des bâtiments privés et publics. Après cet événement dramatique, l’association Design for Disasters a lancé un projet en demandant à neuf architectes thaïlandais de concevoir neuf bâtiments scolaires, en équipe avec des designers, des ingénieurs, des éducateurs et des directeurs d’école. L’exposition présente ces projets : neuf écoles primaires antisismiques, toutes construites avec la participation des communautés locales, qui à la fois recréent des espaces éducatifs appropriés pour les enfants et stimulent une réflexion sur la relation entre une bonne architecture et un processus éducatif.

Pavillon de la Turquie : Darzanà : deux arsenaux, un navire
Dans le pavillon de la Turquie, un navire, le Baştarda, a été construit à partir de matériaux abandonnés trouvés dans l’ancien chantier naval d’Istanbul et transporté à Venise pour suggérer une nouvelle connexion avec la Méditerranée. Mesurant 30 mètres de long et pesant quatre tonnes, le navire a été construit à partir de plus de 500 pièces, dont sept kilomètres de câble en acier et de matériaux abandonnés trouvés sur place, notamment des moules en bois, des meubles mis au rebut, des panneaux de signalisation et des bateaux.

Le titre du projet Darzanà signifie chantier naval et c’est un mot hybride, provenant de la langue commune qui s’est développée en Méditerranée du 11ème au 19ème siècle parmi des personnes telles que les marins, les voyageurs, les marchands et les guerriers. Connue sous le nom de Lingua Franca, c’était une langue partagée lorsque la Méditerranée était le principal navire reliant les cultures environnantes. Dans la même veine, il est possible de parler d’un langage architectural commun et de le définir comme Architectura Franca. Malgré leurs identités et leurs populations très différentes aujourd’hui, Venise et Istanbul comportaient autrefois des chantiers navals considérables de tailles et de production similaires. Le hangar à bateaux est la pierre angulaire d’un patrimoine architectural partagé ; ses proportions découlent des dimensions des bateaux et des technologies de construction courantes.Darzanà relie un hangar d’Istanbul à un hangar de Venise par un navire. Pour le projet Darzanà, un dernier navire, le Baştarda a été construit plus tôt cette année dans un hangar abandonné des chantiers navals Haliç à Istanbul.

Pavillon de l’Ukraine :
L’exposition entame un dialogue sur une question cruciale de notre temps : envisager l’avenir des villes dans des lieux de conflit permanent. L’architecture et le design jouent-ils un rôle dans l’état actuel des choses ? Pouvons-nous apporter des changements fondamentaux aux présupposés qui déterminent notre façon de vivre et de prospérer dans les environnements urbains de nos conflits régionaux ? Izolyatsie. Platform for Cultural Initiatives propose d’apporter une plus grande visibilité aux complexités de ces contextes assiégés. le conflit en Ukraine sert de catalyseur pour faire avancer une réflexion plus approfondie et indispensable sur l’environnement bâti contemporain dans la ceinture de rouille de la région du Donbass ? Architecture Ukraine – Beyond the Front développe ce matériau en appliquant les investigations développées pendant la résidence à la ville natale d’Izolyatsia, Donetsk.

L’exposition présente les résultats de la résidence internationale Architecture Ukraine, qui s’est tenue à Marioupol à l’été 2015, ainsi que du matériel et des entretiens liés aux opportunités architecturales et aux défis urbains de la vie à Donetsk, obtenus à partir de sources Web ouvertes. Le projet réfléchit à ce qui se passe « au-delà de la ligne de front » en juxtaposant les histoires de Marioupol et Donetsk, villes voisines de la région de Donetsk, désormais placées de part et d’autre des frontières fragiles. L’exposition se compose de visualisations de données, d’interviews, de modèles, de films et de documents imprimés pour faire découvrir aux visiteurs la diversité, l’histoire et la culture de la région du Donbass en Ukraine. De nouvelles méthodes de compréhension et de description des villes promeuvent et informent des approches radicales pour repenser nos environnements bâtis.L’exposition souhaite confronter l’histoire anthropologique, économique, sociale et culturelle tout en analysant les frontières sociales et géographiques qui limitent ou élargissent la dynamique des villes.

Pavillon des Emirats Arabes Unis : Transformations : La Maison nationale des Emirats
L’exposition explore l’aspect transformateur du modèle de logement des maisons nationales émiraties, connues sous le nom de maisons sha’abi (folkloriques). Il se concentre sur la façon dont un modèle de logement standard a été adapté par les résidents à des maisons individualisées, reflétant ainsi leur culture et leurs modes de vie. Ce type de logement a été introduit dans les années 1970 pour sédentariser une population de passage et urbaniser une nation nouvellement émergente. Sur le plan architectural, il reposait sur un schéma simple : une typologie d’habitations sur cour dérivée des précédents traditionnels. À mesure que les besoins des résidents évoluaient, une série de changements se sont produits. Celles-ci étaient fonctionnelles : ajout de pièces, agrandissement des espaces de vie et élévation des murs de clôture pour assurer l’intimité. D’autres modifications étaient pour des raisons esthétiques ou symboliques ; remplacement des portes d’entrée,repeindre les murs extérieurs et l’aménagement paysager élaboré. La maison reflétait les besoins, la culture et le mode de vie de ses habitants. Les modifications ont entraîné une diversité visuelle, s’éloignant d’une apparence monotone. En présentant ce cas, le pavillon espère d’abord déplacer le discours concernant l’environnement urbain dans les Émirats arabes unis vers un discours ancré dans la vie quotidienne de ses citoyens.

Deuxièmement, présenter un exemple dans lequel les architectes ont fourni aux résidents les outils nécessaires pour modifier leur propre environnement. L’histoire de la maison nationale est racontée à travers trois sections thématiques : une partie historique documentant les origines de ces maisons ; une échelle quartier/ville montrant la diversité et la prévalence de ce type de logement dans les Émirats arabes unis ; et enfin l’échelle maison/bâtiment permettant aux visiteurs de découvrir les qualités architecturales et urbaines de la Maison nationale des Emirats. L’exposition présente des documents historiques et techniques, notamment une analyse architecturale détaillée d’une maison nationale actuelle, des coupures de journaux d’archives documentant le démarrage initial du programme national de logement et des photographies des années 1970 du photographe néerlandais Gerard Klijn.De plus, l’exposition comprend une série de nouvelles images spécialement commandées par le photographe émirati Reem Falaknaz.

Pavillon des États-Unis d’Amérique : l’imagination architecturale
The Architectural Imagination est une exposition de nouveaux projets architecturaux spéculatifs conçus pour des sites spécifiques à Detroit mais avec des applications de grande envergure pour les villes du monde entier. L’exposition met l’accent sur l’importance et la valeur de l’imagination architecturale pour façonner les formes et les espaces en possibilités futures passionnantes pour tous les citoyens de Detroit. Detroit était autrefois un centre de l’imagination américaine, non seulement pour les produits qu’elle fabriquait, les voitures et la musique et bien plus encore, mais aussi pour son architecture moderne et son style de vie moderne, qui captivaient le public du monde entier. Aujourd’hui, comme de nombreuses villes postindustrielles, Détroit fait face à un changement de densité et d’image urbaine qui a suscité de nombreuses réflexions en matière d’urbanisme. Néanmoins, après avoir émergé de la faillite, il y a une nouvelle excitation à Detroit pour imaginer la ville ‘s avenirs possibles, tant au cœur du centre-ville que dans ses nombreux quartiers.

Croyant au potentiel de l’architecture pour catalyser le changement, les conservateurs ont sélectionné des pratiques architecturales américaines visionnaires pour aborder ces futurs. Les architectes ont travaillé avec les habitants de Detroit pour comprendre les aspirations du quartier avant de concevoir les programmes et les formes exposés ici. Les projets démontrent non seulement la valeur et la diversité de l’imagination architecturale, mais ont également le potentiel de susciter l’imagination collective, et ainsi de lancer de nouvelles conversations sur l’importance de l’architecture à Detroit et dans les villes du monde entier. L’exposition a sélectionné douze pratiques architecturales américaines visionnaires pour produire de nouvelles œuvres qui démontrent la créativité et l’ingéniosité de l’architecture pour répondre aux problèmes sociaux et urbains de Detroit au 21e siècle.

Pavillon de l’Uruguay : redémarrez les leçons d’architecture de la « guérilla Tupamara » et du crash de l’avion des Andes
Redémarrez, le cas de l’Uruguay ce devait envoyer un signal, en creusant un trou profond dans le hall d’exposition. L’arrière-plan de cette idée se trouve dans l’histoire du pays et fait référence au mouvement Tupamaros des années 1960, dont les militants utilisaient l’infrastructure invisible des villes comme cachettes souterraines. Un autre fait historique est la catastrophe du vol des Andes, où l’avion était à la fois le tombeau de nombreux passagers et le « foyer » des survivants. Deux exemples tirés de l’histoire qui démontrent aux visiteurs – en phase avec l’esprit provocateur de la Biennale – que l’architecture peut aussi être générée par d’autres que des architectes professionnels, grâce au to survivre, qui devient un tremplin pour la créativité des êtres humains.

Si ce fait souligne l’art et l’architecture partageant beaucoup dans la recherche de nouvelles réponses aux enjeux de notre temps (architecture de besoin), l’idée de « rebootATI » était d’inciter les visiteurs à « collecter des objets d’autres pavillons, afin de créer un rapport transnational communautaire à archiver, emballer puis expédier pour exposition à Montevideo », lors de la Biennale de Montevideo. Les visiteurs ont reçu des « capes d’invisibilité » et ont été invités à prendre tous les objets qui leur plaisaient dans d’autres pavillons – conformément à leur propre éthique personnelle – transformant ce qui est en réalité un vol en une « sorte d’action subversive », pour la collecte communautaire. Les visiteurs et les critiques ont été vraiment séduits par cette idée artistique et provocante, mais les organisateurs de la Biennale n’étaient past tout à fait tellement impressionné et a décidé de suspendre l’initiative. Pourtant, nous avons quelques photos pour que, dans la lignée de la philosophie de la webcréativité, elles puissent voyager à la surface du temps et rester comme un enregistrement dans l’éternel présent du temps du web.

Pavillon du Yémen : le beau Yémen
Beau Yémen, l’installation a été conçue pour vous permettre de vous familiariser avec l’architecture vernaculaire unique, sophistiquée et impressionnante de l’Arabie Felix. L’architecture vernaculaire yéménite est un exemple de tradition vivante capable d’engendrer la richesse sociale et économique et d’attirer des personnes de différentes professions comme il est montré.

Événements collatéraux

À travers les villes chinoises – China House Vision
Università IUAV di Venezia, Promoteur : Beijing Design Week (BJDW)
Across Chinese Cities est un programme international organisé et promu par la Beijing Design Week (BJDW) depuis son lancement lors de la 14e exposition internationale d’architecture – La Biennale di Venezia (2014). Dans le cadre de cette série en cours, l’exposition organisée par Beatrice Leanza (BJDW) et Michele Brunello (Dontstop Architettura), découle du projet House Vision, une plate-forme panasiatique de recherche et de développement multidisciplinaire lancée par le designer Kenya Hara pour le Japon en 2013. House Vision est une exploration de la « futurité appliquée » dans l’habitation domestique exercée par des équipes composées de cabinets d’architectes et d’entreprises leaders de l’industrie de divers secteurs.

Across Chinese Cities – House Vision présente pour la première fois l’ensemble des recherches réalisées jusqu’à présent avec une équipe d’architectes et d’experts basés en Chine. Il aborde l’évolution du rôle et de l’habitat de la pratique de l’architecture dans la Chine d’aujourd’hui en rendant manifestes les phénomènes contextuels et les trajectoires de recherche derrière 14 propositions architecturales. Regroupés en cinq groupes thématiques (L’unité hybride, Espace dématérialisé, Frontières rurales, Community Plus et Home Kitchen), ils sont présentés au moyen d’un système intégré d’archives matérielles, numériques et documentaires conçu pour guider la réalisation des visiteurs dans une série de scapes interactionnels .

Stratagèmes en architecture : Hong Kong à Venise
Arsenale, Castello, Promoteurs : The Hong Kong Institute of Architects Biennale Foundation ; Conseil de développement des arts de Hong Kong
Hong Kong est une ville connue pour sa polyvalence et sa résilience ; pourtant, ce que l’on constate souvent dans la vie quotidienne, c’est la rigidité et le manque d’alternatives. L’architecture, dans de telles circonstances, devient une agence réfléchissant sur les conditions humaines, sociales et même politiques, et en même temps façonnant les valeurs du public. D’une part, elle se conforme aux règles du capitalisme et de la demande privée ; de l’autre, il cherche à transcender la norme et à ouvrir l’imaginaire. Ce qui se trouve entre les deux pourrait être conflictuel et créer des champs de bataille sans fin et en constante évolution. De nouvelles idées sont mises à l’épreuve à la frontière ; ils peuvent échouer ou ils peuvent se transformer en un nouvel ensemble de valeurs.

L’essai chinois classique Trente-six stratagèmes est un recueil de tactiques militaires appliquées aux guerres dans la Chine ancienne, classées en chapitres illustrant différentes situations. La sagesse fournit des guides dans la politique, les affaires et l’interaction civile dans les temps modernes. En se référant au classique, les exposants examinent les défis auxquels ils sont confrontés et tentent d’apporter des solutions à la complexité de la réalité.

Coexistence
Arsenale, Promoteur : Instituto Cultural do Governo da RAE de Macau (ICM)
Macao, port lucratif d’importance stratégique dans le développement du commerce international sur le territoire chinois, est devenu une colonie portugaise au milieu du XVIe siècle et est revenu à la Chine en 1999. Le « Centre historique de Macao » est une collection d’une série de lieux dans le vieux centre-ville qui témoignent de l’assimilation et de la coexistence uniques des cultures chinoise et portugaise. Il a été inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO en 2005, et représente l’héritage architectural du patrimoine culturel de la ville.

Cette exposition offre l’opportunité interactive d’examiner comment nous pouvons apprendre des « anciens » bâtiments et du contexte urbain existant de Macao d’une manière « nouvelle ». L’exposition explore l’idée de reconditionner des espaces historiques à des fins domestiques. En présentant une série de projets récents de restauration et de régénération, ainsi qu’en exposant les techniques de construction traditionnelles (peut-être en train de disparaître) et les matériaux locaux qui sont redécouverts, réutilisés et appliqués au cours du processus de re-fabrication dans les jours passés et présents, on pourrait être capable de comprendre les relations est-ouest coexistantes entre les approches architecturales et le centre historique.

Architecture de tous les jours Re: Made in Chinese Taiwan
Palazzo delle Prigioni, Promoteur : Musée national des beaux-arts de Taïwan de Chine (NTMoFA)
En réponse au thème REPORTING FROM THE FRONT, l’exposition explore les aspirations et les possibilités démontrées par les créations communes de civils autour de leur architecture quotidienne. Face au défi environnemental global/local et aux enjeux sociaux, l’événement réinvestit le concept de construction civique et réinvente les matériaux à partir de déchets recyclés pour poser la prochaine étape vers « l’amélioration de la qualité de l’environnement bâti et, par conséquent, , la qualité de vie des gens », comme l’a déclaré le commissaire de la 15e Exposition internationale d’architecture – La Biennale di Venezia, Alejandro Aravena.

Aftermath_Catalonia à Venise. L’architecture au-delà des architectes
Cantieri Navali, Promoteur : Institut Ramon Llull
Aftermath se concentre sur l’architecture habitée lorsque les architectes ne sont plus présents et que les utilisateurs continuent quotidiennement l’expérience architecturale. Les œuvres sélectionnées ont été créées au cours des 10 dernières années par des architectes catalans. La représentation audiovisuelle des structures invite à évaluer leur qualité et à observer et écouter comment elles sont habitées et parcourues de manières multiples et changeantes. Toutes les œuvres sélectionnées partagent un caractère nettement public et la capacité d’intégrer les paysages naturels, urbains et humains, étendant la fonctionnalité architecturale à la création d’un bien commun.

Architecture pour le peuple par le peuple
Cannaregio, Promoteur : Musée d’art contemporain de Téhéran
A l’ère où l’architecture se présente toujours plus comme autoréférentielle, le TMOCA (Tehran Museum of Contemporary Art) propose différents points de vue avec cette exposition organisée par la Faiznia Family Foundation : la contribution de Faryar Javaherian « L’architecture au TMOCA : le musée et le permanent collection » montre l’architecture de la construction du musée et les œuvres architecturales qu’il présente, un lien étroit entre contenant et contenu. Les travaux de Parviz Kalantari sur les architectures de boue et de paille des villes du désert de Kashan sont très significatifs.

L’installation artistique de Felice Ardito « Nakojaabad » (Non-partout ou « les villes invisibles ») est le point de vue poétique de l’artiste sur la vie des villes, leur transformation dans le temps, et le résultat qu’elles ont sur leurs habitants, « parce que – comme Ardito dit- c’est la ville qui fait les gens! ». Le projet comprend la réalisation de deux « Arches de Paix », l’une en Iran et l’autre en Italie. Amir Anoushfar présente les bâtiments historiques rénovés de Kashan : l’architecture du passé qui convient au présent. Le patrimoine culturel de l’Azerbaïdjan oriental présente « Tabriz Bazar »: Architecture faite par des gens pour des gens. Des ateliers gratuits pour les enfants sur les thèmes de l’exposition sont organisés pendant la durée de l’exposition : « fff et Cenzino pour les enfants ».

Architecture Ukraine – Au-delà du front
Spazio Ridotto, Promoteur : Izolyatsia
Architecture Ukraine – Beyond the Front entame un dialogue sur une question cruciale de notre époque : comment envisager la reconstruction et la revitalisation des villes dans les lieux de conflit en cours. L’exposition présente des travaux du programme de résidence de recherche d’Izolyatsia, « Architecture Ukraine 2015 », qui a réuni des professionnels de divers domaines créatifs pour examiner les défis d’infrastructure marquant Marioupol, une ville frontalière assiégée de l’est de l’Ukraine.

Il explore en outre un examen parallèle de la ville natale de la fondation, Donetsk, actuellement en conflit, car les circonstances créent une divergence entre les villes sœurs du Donbass et les avant-postes de chaque côté d’une frontière de facto volatile. L’exposition cherche à dresser un miroir de l’au-delà, examinant l’histoire anthropologique, économique, sociale et culturelle, tout en analysant les frontières sociales et géographiques qui limitent ou élargissent la dynamique des villes.

Branding Islands Faire des nations
Università IUAV di Venezia, Promoteur: Vertical Geopolitics Lab
Branding Islands Making Nations est un concours d’études de cas destiné à ouvrir le discours sur la valeur ajoutée dans le design, élargissant l’appel aux armes de la 15e exposition internationale d’architecture en invitant un champ élargi de praticiens de l’espace à la Biennale Architettura 2016. Consultants et concepteurs de communication, marketing et les experts en publicité spéculeront sur le rôle de l’image de marque dans la fabrication d’un lieu.

Animé par le groupe de réflexion Vertical Geopolitics Lab, le cadre conceptuel est basé sur la compréhension que les politiques de représentation déterminent le succès d’une intervention dans l’environnement bâti. Dans le cas d’un gouvernement cherchant à déterminer la faisabilité d’une revendication territoriale, les entrants sont chargés de présenter un ensemble de marques entourant une masse continentale artificielle instrumentale pour légitimer la revendication territoriale d’une nation. Des équipes sélectionnées représentent le mélange de parties prenantes et de problèmes en jeu, élargissant les possibilités plutôt que de déplacer les responsabilités en exposant les problèmes, les failles et les zones grises des systèmes comme première étape vers la résolution des conflits.

Gangcity
Arsenale Nord, Promoteur : DIST – Dipartimento Interateneo di Scienze, Progetto e Politiche del Territorio, Torino
Gangcity documente le phénomène des clusters urbains dépourvus de tout contrôle juridique, afin de permettre des processus de réappropriation et de prise en charge des espaces privés et publics. Le projet vise à révéler l’influence réciproque entre la violence et la géographie des villes, en accordant une attention particulière aux gangs en tant que groupes primaires nés et répandus dans les ghettos urbains, principalement à travers l’implication d’adolescents.

Encourageant un mélange de disciplines et de méthodologies, Gangcity organisait un symposium international et une exposition de photographies en plus d’une variété d’événements et d’ateliers scientifiques. La tonalité narrative qui se dégage de l’analyse scientifique des gangs complète la narration des sociologues, architectes, urbanistes et artistes, qui, avec les habitants, sont également acteurs des nouveaux cycles de vie des clusters urbains. Cependant, ils ont finalement été libérés de la violence des gangs grâce à des pratiques socialement inclusives plutôt qu’à la répression.

Prospect Nord
Ludoteca Santa Maria Ausiliatrice, Promoteur : Gouvernement écossais
Prospect North explore l’Écosse et ses relations avec ses voisins du nord en mettant l’accent sur les personnes et les lieux. Cette approche macro à micro propose une série de stratégies de cartographie innovantes, de récits individuels, de portraits et d’images mettant en évidence la place et l’identité de l’Écosse au sein d’une région nordique en émergence économique. Prospect North explore la relation entre les personnes, la culture, les lieux, les industries et les économies et comment les communautés «périphériques» se renouvellent grâce à des actions locales et à des efforts locaux tout en reconnaissant que les horizons géographiques de l’Écosse s’étendent.

La revitalisation par la réconciliation
Fondazione Querini Stampalia, Promoteur : IBA Parkstad
La méthode IBA, qui donne aux villes et aux régions un élan économique, social et culturel, a été présentée pour la première fois à l’Exposition internationale d’architecture de La Biennale di Venezia. Des tables rondes et des conférences contribuent à ce discours en se concentrant sur les expériences pertinentes d’IBA Parkstad et d’autres, et leur impact régional transfrontalier. Ils explorent de nouvelles façons de répondre au besoin urgent de démocratie dans la conception spatiale, la transformation urbaine en Europe, la durabilité et le potentiel de la coopération transfrontalière. Des experts, des politiciens, des parties prenantes et des étudiants en architecture de toute l’Europe contribuent au débat.

«Salon Suisse»: « Réveillez-vous! Un chemin vers une meilleure architecture »
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promoteur: Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia
Organisé par Leïla el-Wakil, le double objectif du Salon Suisse 2016 est d’échanger et de réévaluer les idées fondamentales résultant d’une conception équilibrée de la modernité, et de participer à leur définition en tant que lignes directrices adaptées pour l’architecture du 21e siècle. Actuellement, grâce à la diffusion mondiale des idées, une multitude de solutions architecturales innovantes, gratuites et significatives, souvent basées sur les leçons du passé, prolifèrent dans le monde entier. On peut observer une responsabilisation de l’architecture par les utilisateurs eux-mêmes.

Le Salon Suisse offre un espace de réflexion sur des thèmes tels que la tradition comme la modernité, le réemploi et le recyclage, l’auto-construction, la priorité de l’être humain et des besoins humains, « Small is beautiful », Existenzminimum for all, et les méthodes bio-climatiques. Architectes, ingénieurs, chercheurs, artisans, cinéastes et artistes suisses et étrangers sont invités à partager leurs connaissances et expériences autour du thème « une meilleure architecture pour demain ».

Sarajevo Now : Musée du Peuple
Arsenale Nord, Promoteur : Matica de Bosnie-Herzégovine
Pendant des siècles, Sarajevo a servi de carrefour et de frontière urbaine. Comme d’autres villes transformées par une croissance exponentielle ou un rétrécissement imprévu, Sarajevo post-conflit est confrontée à ses propres modes de pratique informelle. Ces conditions exposent les pratiques émergentes et les enseignements d’une ville rompant les divisions et dynamisée en tant que lieu de production de la citoyenneté.

Ces dynamiques font écho à des forces similaires qui traversent les projets de recherche et de conception d’Urban-Think Tank, qui ont inspiré une collaboration entre l’ETH Zurich, la ville de Sarajevo et le musée historique dans le cadre de l’initiative « Reactivate Sarajevo ». L’un des points forts de ce partenariat est l’événement collatéral de la 15e exposition internationale d’architecture – La Biennale di Venezia, présentant des leçons et des pratiques émergentes.

Façonner les villes européennes. Affrontement urbain, démocratie et identité
Cérémonie de remise du Prix Jeune Talent Architecture
Teatro Piccolo Arsenale, Promoteurs : Fundació Mies van der Rohe et Commission européenne (programme Europe créative)
La Commission européenne et la Fundació Mies van der Rohe à Barcelone organisent le débat Façonner les villes européennes. Confrontation urbaine, démocratie et identité et décerne le Young Talent Architecture Award (YTAA).

Les deux événements, financés par le programme Europe créative, mettent en évidence la conviction que les solutions architecturales de haute qualité favorisent la croissance, l’inclusion sociale, la participation démocratique et – en fin de compte – le bien-être individuel et sociétal des citadins. Le nouveau prix Young Talent Architecture Award (YTAA) du Prix de l’Union européenne pour l’architecture contemporaine – Mies van der Rohe Award met en lumière la formation des architectes et leurs premiers pas dans la vie professionnelle. La discussion était ouverte aux personnes impliquées dans la construction de nos territoires, des citoyens aux parties prenantes, des décideurs aux experts en architecture et des critiques aux étudiants.

Partage & Régénération
Palazzo Zen, Promoteur : Fondazione EMGdotART
L’exposition prend comme point de départ les demandes et les désirs des êtres humains concernant leurs moyens de subsistance. Il vise en particulier les souhaits simples des résidents concernant leur espace perdu : des appels et des rêves profondément enfouis dans leur esprit et qui n’ont jamais été réveillés auparavant. L’exposition se compose de trois parties : la régénération des zones urbaines centrales, la régénération des campagnes et de nouvelles zones d’expérimentation. Elle peut être schématiquement représentée par une série de cercles concentriques, allant des espaces intérieurs de la ville vers l’extérieur et vice versa, représentant l’idée de partage : partage de connaissances, de compétences, d’émotions, de réflexion, de souhaits, de soucis et de respect de notre passé commun. regardant vers l’avenir.

Ces projets représentent le processus qui va de la reconstruction des relations communautaires au remodelage des images de la ville et de la campagne, dans lequel les architectes jouent un rôle important. La transition d’un processus de planification/conception dirigé par un plan vers un processus de planification/conception axé sur l’action, axé sur la communication et basé sur la culture peut apporter une contribution importante au renouvellement des modes de développement social.

Les forêts de Venise
Serra dei Giardini, Promoteur : Institut suédois
Initiée par Kjellander Sjöberg Architects et organisée par Jan Åman, l’exposition présente une installation spatiale sensuelle et stimulante dans la Serra dei Giardini, une serre de 1894. Elle suggère le bois comme matériau de construction régénératif, élucidant une vision de l’architecture et de l’urbanité co- existant avec la nature d’une manière réparatrice et adaptative. Les villes du monde entier sont menacées par l’élévation du niveau de la mer, Venise, une ville construite sur dix millions d’arbres, peut servir d’exemple sur la façon de gérer ce problème mondial.

L’exposition cherche à savoir si dix millions de nouveaux arbres pourraient devenir une solution, créant de nouveaux paysages urbains écologiques et adaptatifs. Sept architectes suédois ont été invités à transformer un élément du palais vénitien en une stratégie architecturale pour notre temps. Le point de départ est le fait que Venise est le résultat d’un processus dynamique entre l’environnement naturel et la civilisation.

La métropole horizontale, un projet radical
Isola della Certosa, Promoteur : Archizoom EPFL
« Métropole horizontale » est un oxymore pour conjuguer l’idée traditionnelle de Métropole (le centre d’un vaste territoire, hiérarchiquement organisé, dense, vertical, produit par polarisation) avec l’horizontalité (l’idée d’une condition urbaine plus diffuse, isotrope, où centre et flou périphérique). A l’opposé des grandes tendances qui voient les chiffres de la dispersion urbaine principalement comme un phénomène à contraster, le concept de Métropole Horizontale les considère au-delà du thème du « périurbain » et comme un atout, et non une limite, pour la construction d’un territoire durable et projet territorial innovant.

Ici l’horizontalité des infrastructures, l’urbanité et les relations, la mixité des usages et l’accessibilité diffuse peuvent générer des espaces spécifiques habitables et écologiquement performants. Dans ce cadre de réflexion, la Métropole Horizontale fonctionne comme capital naturel et spatial, comme support et lieu de potentialité. L’exposition explore la Métropole Horizontale, son espace, ses traditions et les modes de vie de ses habitants, sa pertinence aujourd’hui en tant qu’enjeu de design énergétique, écologique et social, elle explore des scénarios et des stratégies de conception pour le recyclage et la revalorisation des villes-territoires dans un projet radical.

Thérapie du vivant / Terapia del vivere
Magazzino 11, Promoteur : Fondation Biobridge
5000 ans de respect de l’Environnement Naturel, vêtus de jades du Ciel comme recherche de qualité de vie, traduits dans les créations d’aujourd’hui
Vivre – ou sa donnée intrinsèquement architecturale – comme la recherche d’une meilleure qualité de vie. Aujourd’hui, elle ne peut qu’être influencée par des facteurs sociaux, culturels, géopolitiques, historiques, environnementaux, scientifiques. Le projet THERAPY OF LIVING s’articule autour de l’homme et de l’évolution par rapport à l’environnement architectural primaire, c’est-à-dire un espace de vie (le corps) et un espace à vivre (l’environnement).

Notre réflexion part de l’histoire, l’histoire de l’Extrême-Orient en particulier, et l’écrit au travers d’une collection capsule, précieuse collection d’objets en jade – symbole de protection de l’individu contre la malédiction et le hasard. D’où une leçon et des principes à comprendre, traduits dans les langues contemporaines de l’art et de la recherche scientifique (trois artistes et cent étudiants de l’école d’art locale « Marco Polo » de Venise).

Espace-temps Existence
Centre Culturel Européen, Promoteur : Global Art Affairs Foundation
L’exposition Time Space Existence présente des architectes de 6 continents réunis dans une extraordinaire combinaison. Il montre les développements et les réflexions actuels de l’architecture internationale, présentant des architectes d’origines culturelles différentes et à différentes étapes de leur carrière, ce qu’ils ont en commun est leur dévouement à l’architecture au sens le plus large de leur profession, présentant l’architecture en mettant l’accent sur les concepts Le temps, l’espace et l’existence.

Les architectes doivent être très conscients de l’impact de leurs activités sur les êtres vivants et sur notre environnement. Cette exposition vise à élargir notre conscience humaine de notre propre existence personnelle en tant qu’êtres humains dans un espace et un temps spécifiques.

Sans Terre / Senza Terra
Isola di San Servolo, Promoteur : AIAP (Associazione Internazionale Arti Plastiche)
En un point convenu et fixe, un aérostat aux traits d’une mappemonde en terre est dressé. Il montre l’écriture sans terre qui tourne sans cesse sur elle-même. C’était un signe pour tous ceux qui n’ont pas de terre à eux, un endroit où s’arrêter, un endroit où se rencontrer, converser et discuter, se mettre en relation avec les autres.

Au fond du ballon aérostatique, une plaque a été placée avec l’inscription de tous les noms des artistes participant au projet Sans Terre. Les noms étaient par ordre alphabétique mais sans mention de fonctions et d’activités en tant que sculpteur, peintre, photographe, musicien, lettré ou autre. Il n’y avait que des noms et des noms de famille d’êtres humains qui ont mis à zéro leurs fonctions sociales.

Projets spéciaux
La 15e Exposition internationale d’architecture présente trois projets spéciaux, le premier promu par La Biennale, les deux autres le résultat d’accords stipulés avec d’autres institutions, organisés et réalisés par La Biennale elle-même.

L’exposition organisée par l’architecte Stefano Recalcati, intitulée Reporting from Marghera and Other Waterfronts, qui sera présentée dans les lieux d’exposition de Forte Marghera (Mestre, Venise), examine des projets importants pour la régénération urbaine des ports industriels, contribuant à alimenter le débat sur la reconversion de la production à Porto Marghera.

L’accord de collaboration avec le Victoria and Albert Museum de Londres fait son premier pas dans le Pavillon des Arts Appliqués de la Sale d’Armi de l’Arsenale, avec l’exposition intitulée A World of Fragile Parts, organisée par Brendan Cormier.

Enfin, dans la perspective de la conférence mondiale Nations Unies – Habitat III, qui se tiendra à Quito, Equateur, au mois d’octobre 2016, et dans le cadre du programme Urban Age, organisé conjointement par la London School of Economics et l’Alfred Herrhausen Society, La Biennale présente, également dans la Sale d’Armi, un pavillon dédié aux thèmes de l’urbanisation – Report from Cities: Conflicts of an Urban Age – avec une attention particulière à la relation entre espaces publics et espaces privés, organisée par Ricky Burdett .

Conversations
La Biennale Architettura 2016 s’accompagne tout au long de sa durée d’un vaste programme de rencontres pour discuter des thèmes et des phénomènes présentés dans l’exposition. Les Rencontres d’Architecture reviennent cette année avec les architectes et protagonistes de l’Exposition Internationale d’Architecture organisée par Aravena, programmée chaque dernier week-end du mois. Les « Projets spéciaux » s’enrichiront également d’une série de conversations et de colloques pour explorer les enjeux qu’ils soulèvent.

Les 16 et 17 juillet, à Venise, les lieux d’exposition accueillent la conférence annuelle Urban Age organisée par la London School of Economics Cities, conjointement avec la Deutsche Bank’s Alfred Herrhausen Society. Le programme complet des événements a été annoncé sous peu.

Projets
Le projet Biennale Sessions est reconduit pour la septième année consécutive, suite au succès de ses précédentes éditions. Cette initiative est dédiée par La Biennale di Venezia aux institutions qui développent la recherche et la formation en architecture, les arts et les domaines connexes, ainsi qu’aux Universités et Académies des Beaux-Arts. L’objectif est d’offrir des conditions favorables aux étudiants et aux enseignants pour organiser des visites collectives de trois jours à partir d’une cinquantaine de personnes, offrant des repas à prix réduit, la possibilité d’organiser des séminaires gratuitement sur les lieux du Salon, et une aide à l’organisation de leur voyage et séjour. . A ce jour, 53 institutions internationales de 13 pays et de tous les continents ont signé un protocole d’accord.

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