Rassegna della Biennale di Architettura di Venezia 2016, Italia

La 15. Mostra Internazionale di Architettura di Venezia, aperta al pubblico dal 28 maggio al 27 novembre 2016 ai Giardini e all’Arsenale. Dal titolo “REPORTING FROM THE FRONT”, è diretto da Alejandro Aravena e organizzato dalla Biennale di Venezia presieduta da Paolo Baratta.

La Mostra comprende anche 63 Partecipazioni Nazionali negli storici Padiglioni ai Giardini, all’Arsenale e nel centro storico di Venezia. Quattro paesi partecipano per la prima volta: Filippine, Nigeria, Seychelles e Yemen. La mostra Reporting From The Front si articola in una sequenza espositiva unitaria dal Padiglione Centrale (Giardini) all’Arsenale, e comprende 88 partecipanti provenienti da 37 paesi diversi. 50 di loro partecipano per la prima volta e 33 architetti hanno meno di 40 anni.

L’immagine a tema mostra, una signora che sale sui gradini più alti può guardare su un orizzonte molto più ampio, e così facendo conquista un “occhio allargato”, in un modo che rappresenta la Biennale nel suo insieme, con atteggiamenti e obiettivi. Terra desolata che comprende immense distese di abitazioni umane di cui nessun essere umano potrebbe essere orgoglioso; grandi delusioni che rappresentano un triste, infinito numero di opportunità mancate per la capacità dell’umanità di agire con intelligenza. Molto di questo è tragico, molto è banale e sembra segnare la fine dell’architettura. Ma vede anche segni di creatività e speranza, e li vede nel qui e ora, non in un incerto futuro aspirazionale e ideologico.

Fa anche da contrappunto all'”Angelus Novus”, immagine scelta per la Biennale Arte 2015. L’angelo alato che guarda indietro sconvolto, vede solo il passato e nel passato, macerie e tragedie, ma anche intuizioni che potrebbero tornare utili un giorno, in un futuro verso il quale le forze nascoste della provvidenza lo stanno spingendo, come un vento che soffia su le sue ali.

Il nostro tempo presente sembra essere caratterizzato da una crescente disconnessione tra architettura e società civile. Le mostre precedenti hanno affrontato questo problema in modi diversi. La 15. Mostra Internazionale di Architettura di Venezia vuole indagare più esplicitamente se e dove ci sono tendenze che vanno nella direzione opposta, verso il rinnovamento; cerchiamo messaggi incoraggianti.

Il curatore desidera approfondire la fenomenologia di come sono nati questi esempi positivi, per esplorare ciò che guida la domanda di architettura; come vengono identificati ed espressi bisogni e desideri; quali processi logici, istituzionali, giuridici, politici e amministrativi portano alla domanda di architettura e come consentono all’architettura di trovare soluzioni che vadano oltre il banale e l’autolesionismo.

L’architettura non è una disciplina immutabile, come manifestazione di uno stile formale, ma piuttosto come strumento di autogoverno, di civiltà umanistica, e come dimostrazione della capacità dell’uomo di diventare padrone del proprio destino. nell’organizzazione umana, nella capacità di imbrigliarla, esserne salvati ed entrare in dialogo con essa. Evidenziare come risultati positivi siano stati raggiunti attraverso l’evoluzione delle catene decisionali che legano bisogno – consapevolezza – opportunità – scelta – esecuzione in un modo che porti ad un risultato dove “l’architettura fa la differenza.

La Biennale Architettura 2016 offre un nuovo punto di vista. Il progresso dell’architettura non è un obiettivo in sé, ma un modo per migliorare la qualità della vita delle persone. Dato che la vita spazia dai bisogni fisici più elementari alle dimensioni più intangibili della condizione umana, di conseguenza, il miglioramento della qualità dell’ambiente costruito è uno sforzo che deve affrontare molti fronti: dal garantire standard di vita molto concreti e con i piedi per terra all’interpretazione e realizzazione dei desideri umani, dal rispetto del singolo individuo alla cura del bene comune, dall’accoglienza efficiente delle attività quotidiane all’allargamento delle frontiere della civiltà.

Data la complessità e la varietà delle sfide a cui l’architettura deve rispondere, Reporting From The Front ha inteso ascoltare coloro che sono stati in grado di acquisire una certa prospettiva e, di conseguenza, sono in grado di condividere alcune conoscenze ed esperienze con quelli di noi che si trovano sul campo . La Biennale amplia il ventaglio delle questioni alle quali l’architettura dovrebbe rispondere, aggiungendo esplicitamente alle dimensioni culturali e artistiche che già appartengono al campo di applicazione, quelle che si collocano all’estremità dello spettro sociale, politico, economico e ambientale. E sottolineare anche il fatto che l’architettura è chiamata a rispondere a più di una dimensione alla volta, integrando una varietà di campi invece di sceglierne uno o l’altro.

Padiglioni Nazionali

Padiglione Albania: “Ti ho lasciato la montagna”
Il tema all’interno della mostra avvia una conversazione sull’urbanistica dello spostamento, proiettando il caso albanese su un palcoscenico internazionale, con l’espresso intento di riportare quel dialogo e la sua speculazione in Albania. Una serie di sgabelli e panche beige distorti può essere vista organizzata sotto gli altoparlanti sospesi. Le panche, gli sgabelli e gli zoccoli dalla forma irregolare sono assemblati da scarti di polistirene espanso e spruzzati in un rivestimento in gomma poliuretanica rosa pastello per creare un esoscheletro resistente e gommato. Incarnando lo stile riconosciuto di max lamb, i mobili in gomma ricordano plinti e rovine invitano i visitatori a sedersi e ad interagire con la mostra dell’Albania.

La mostra mette in evidenza il grande volume di cittadini albanesi che sono fuggiti dal paese, a seguito di cambiamenti politici radicali. Nel 2013, il 45 per cento di tutti i cittadini albanesi viveva all’estero. La migrazione ha reali conseguenze emotive e psicologiche. Dieci testi scritti da pensatori e scrittori contemporanei sono stati registrati con un sottofondo musicale creato dagli ultimi gruppi rimasti di cantanti isopolifonici albanesi. un disco in vinile da 12 pollici viene riprodotto continuamente nel padiglione come un’installazione audio a otto canali, riempiendo il padiglione con le voci dell’Albania.

Padiglione Argentina: ExperimentAR – Poéticas desde la frontera
L’architetto Atilio Pentimalli, ha reinterpretato il concetto di “fronte” in modo poetico, attraverso un’installazione accattivante. La mostra, intitolata ExperimentAR – poéticas desde la frontera (sperimentare – poesia dal confine), identifica l’idea di “fronte” con quella dello spazio aperto, sconfinato, della Pampa argentina. Il padiglione argentino si propone di mettere in luce le opere che “hanno saputo vincere la battaglia quotidiana contro i codici, la mancanza di risorse economiche, le condizioni fluttuanti del Paese, i tempi e le esigenze del mercato attraverso l’intelligenza, l’intuizione, il lavoro e talento per realizzare un’architettura unica che emerga dal profondo del nostro pensiero e della nostra terra per migliorare la vita delle persone e aprire nuovi orizzonti.”

La mostra presenta strutture autoportanti costituite da listelli di legno intrecciati, creando un labirinto che contiene “il nostro intero universo di esplorazioni architettoniche”. Il curatore ha ideato una struttura labirintica, realizzata in legno e dotata di sedie gonfiabili in gomma nera, ispirata all’idea poetica di Jorge Luis Borges della complessità del labirinto come metafora di un universo che non può essere compreso solo dalla ragione.

Padiglione Armenia: paesaggio indipendente
Il Padiglione della Repubblica di Armenia si concentra sullo studio e la reinterpretazione delle trasformazioni spaziali e delle sue variazioni dal 1991 al 2016. Durante l’intero periodo della 15. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia, diversi gruppi di ricerca multidisciplinari che lavorano nel campo provano per coprire diversi aspetti del paesaggio armeno. Questo padiglione viene a mostrare che proprio oggi e ogni giorno le attività umane alterano il paesaggio. Questa alterazione ha un grande potenziale e l’ambizione di essere nuovamente trasformata e successivamente essere riconosciuta come valore culturale, che richiede poi di essere salvaguardato dalla società e dallo Stato.In particolare questo è diventato evidente nel 2000 con la Convenzione Europea del Paesaggio che ha spinto i limiti concettuali dell’ambiente costruito e le sue conseguenze collaborando con il patrimonio naturale e artificiale con l’attuale discorso ambientale.

Il Padiglione della Repubblica d’Armenia alla 15a Mostra Internazionale di Architettura-La Biennale di Venezia annuncia il lancio di un laboratorio di mappatura paesaggistica unico dell’Armenia indipendente, che si concentra sullo studio e la reinterpretazione delle trasformazioni spaziali e delle sue variazioni dal 1991 ad oggi. i risultati in corso della ricerca tematica sono stati caricati sul sito www.independentlandscape.am che appaiono immediatamente sugli schermi del padiglione, per evidenziare l’importanza del processo e del lavoro in corso come risultato stesso.

Padiglione Australia: The Pool – Architettura, cultura e identità in Australia
Un’installazione multisensoriale, “The Pool” utilizza luci, profumi, suoni, riflessi e illusioni percettive per delineare una serie di piscine naturali e artificiali più straordinarie d’Australia. Nel farlo, spera di esplorare la tipologia unica della piscina australiana, descritta dai direttori creativi come un dispositivo architettonico chiave, una memoria e anche un’ambientazione… uno spazio democratico e sociale tipicamente australiano, un grande livellatore di differenza. Come dispositivo architettonico la piscina rappresenta un bordo fisico ma esprime anche una frontiera sociale e personale. Misteriosa e familiare, addomesticata e selvaggia, naturale e artificiale, una piscina è il punto in cui il comune e il personale si intersecano. La piscina è una forza vitale nella vita australiana, non solo come cornice di ricordi d’infanzia formativi,riunioni di famiglia ed eventi comunitari, ma anche come palcoscenico per imprese sportive che alimentano l’orgoglio della nazione. Sfondo dei bei tempi, la piscina è anche uno spazio profondamente conteso nella storia australiana, uno spazio che ha evidenziato la discriminazione razziale e lo svantaggio sociale.

Questo viene esplorato attraverso le narrazioni trasmesse nello spazio espositivo per otto narratori selezionati. Le loro interviste rivelano storie di realizzazione e realizzazione, di segregazione e inclusione, di apprendimento dal passato e di riflessione per il futuro, il tutto attraverso la lente della piscina. The Pool scopre un vasto commento sull’Australia e sui valori come australiani ed esplora come questo si interseca con l’architettura. Pochi spazi possono rappresentare in modo così semplice e completo l’identità e le passioni di una nazione e ispirare una narrazione così complessa. Celebrando il significato culturale delle piscine in Australia, cerchiamo l’impegno critico degli architetti in un dibattito pubblico più ampio sul valore civico e sociale degli spazi che creiamo.

Padiglione Austria: Luoghi per le persone
Il titolo della mostra, “Places for People”, fa riferimento a due architetti e designer austriaci che hanno operato negli Stati Uniti nel corso del XX secolo: Bernard Rudofsky, che nel suo saggio “Street for People” si è espresso a favore di un’urbanistica più umana pianificazione, e Victor Papanek, che ha chiesto un cambio di prospettiva volto a far evolvere il design a orientamento fisico in uno basato sulle relazioni tra le persone. Se dare rifugio, creare luoghi vivibili e costruire le basi di un’efficace integrazione sociale sono sempre stati i punti cardine della buona architettura, allora è facile comprendere il senso del progetto Places for People.

La mostra nel padiglione austriaco alla Biennale di Architettura di Venezia 2016 presenta un progetto legato a uno dei temi più dibattuti e urgenti di oggi, ovvero quello delle migrazioni di massa verso l’Europa. Avviato da pochi mesi, il progetto ha coinvolto tre team di architetti e designer (Caramel architects, EOOS, e i next ENTERprise architects) con l’obiettivo di sviluppare approcci creativi volti a migliorare le condizioni di chi cerca rifugio in Austria; nello specifico trasformando tre luoghi di Vienna, molto diversi tra loro, in spazi capaci di offrire insieme privacy e socializzazione. I progetti, già in parte realizzati in collaborazione con Caritas Austria, forniscono un modello e una soluzione per i bisogni più urgenti,ma allo stesso tempo favorire una riflessione più generale sul ruolo dell’architettura e sulla sua responsabilità sociale.

Padiglione del Bahrein:
Places of Production – Aluminium, attraverso un’indagine sui gesti nei processi di produzione dell’alluminio, l’installazione in Arsenale, utilizzando film, fotografia e alluminio pressofuso, è un tentativo di estrarre un potenziale diverso dall’uso del materiale. Oggi, il rivestimento in alluminio di grattacieli e torri, e sempre di più nel rivestimento di vecchie facciate, è una delle espressioni più visibili dell’architettura contemporanea in Bahrain.

La prima fonderia di alluminio nella regione del Golfo è stata inaugurata nel 1968 in Bahrain ed è oggi la quarta più grande fonderia a sito singolo al mondo. Continua una storia di commercio dei metalli che trova le sue radici nel terzo millennio aC quando le Isole erano al crocevia della rotta commerciale regionale del rame e dello stagno. La fonderia è stata avviata come uno sforzo per diversificare l’economia lontano dalla sua dipendenza dal petrolio ampliando l’infrastruttura industriale, sebbene tra l’altro facesse molto affidamento sull’industria petrolifera e sui suoi sottoprodotti. La presenza della fonderia, inoltre, ha sviluppato un’economia locale dell’alluminio, sia formale che informale. Accanto a grandi aziende internazionali locali che producono sottoprodotti tipici dell’alluminio, si sono sviluppate officine più piccole con un focus su una produzione su scala ridotta di alluminio.

Padiglione degli Stati baltici: (Estonia, Lettonia, Lituania)
Il Padiglione Baltico non solo celebra questo bel fatto di unità, ma sottolinea anche che stiamo vivendo un momento di frammentazione. Il concetto può essere abitato e utilizzato consapevolmente. Ha un principio sorprendente, che è quello di connettere tutti con le infrastrutture e far circolare le risorse in modo tale che i conflitti siano impossibili e dovrebbe migliorare le nostre relazioni attraverso l’organizzazione spaziale. Le idee, o lo spazio mentale, hanno proiezioni dirette nello spazio materiale. Nei paesi baltici è popolare l’idea astratta di unità. Molto tempo dopo la Via Baltica, l’idealismo di quel tempo si è materializzato. Pertanto, il Padiglione Baltico ha cercato di riunire tutte le preoccupazioni e le idee. Senza cercare di stabilire un testo finito, ma solo mostrare le relazioni tra idee e cose;avere oggetti – artefatti – riuniti in un unico luogo e visti come presenze materiali. Allo stesso tempo, abbiamo tutti un’idea, un obiettivo: distillare quale tipo di pratica spaziale sarebbe appropriata per i paesi baltici.

Il Palasport, sede del Padiglione Baltico, è un puro esempio di architettura brutalista. L’edificio prende il nome da Giobatta Gianquinto, veneziano, membro del Partito Comunista Italiano e sindaco di Venezia dal 1946 al 1951. La sua forma brutalista, gettata in opera in cemento nudo, ha portato avanti il ​​programma etico al momento della sua costruzione nel 1977. L’architettura, poi, si occupava di comunicare lo sviluppo della tecnologia edilizia con finalità sociali. Palasport esemplifica il tipo di dichiarazioni o brief architettonico emessi in quel momento: formulare e fornire spazi per la società che prima non erano disponibili. Nel contesto della città storica, il “Palazzo dello Sport” aveva un nuovo scopo che tuttora porta. Viene utilizzato intensamente per attività sportive ed eventi comunali.Il processo di utilizzo dello spazio è complesso e intrecciato non solo con il suo calendario, ma anche con la sua funzione generale di celebrare le attività di gruppi di persone. Il significato della sua forma architettonica etica migliora l’installazione del Padiglione Baltico consentendole di continuare ad adattarsi e cambiare forma nel tempo.

Padiglione Belgio: Bravoure
Padiglione belga incentrato sul tema ‘Artigianato con Bravura’ e gli spazi della città. Dalla rivoluzione industriale della metà del XVIII secolo in Europa, la macchina ha preso il posto degli esseri umani come produttori. La produzione di beni ed edifici è cresciuta costantemente con un ritmo sempre più veloce e con una produzione più standardizzata. Le reazioni di dibattito a questa perdita di qualità e ‘anima’ del prodotto offre un quadro da cui può abilmente plasmare il nostro ambiente con qualità. La liberazione si trova nella scelta ben ponderata dei materiali, dei metodi di costruzione, delle tecniche e nel prendere tempo.

La città si rivela una ricca fonte di tipologie, materiali e pratiche edilizie. Attraverso una maggiore collaborazione tra designer, produttori e utenti, viene stabilita non solo una base sostenibile per il futuro, ma anche un impulso per la coesione sociale nelle comunità urbane. Le offerte locali e specifiche fanno leva sul globale e sul generico in cui il ‘artigianato(lavoro)’ è incorporato nel progetto collettivo di costruzione e produzione; il processo di fare insieme la città. Il progetto proposto deve mostrare un concetto comunicabile che renda visibile e tangibile a colpo d’occhio la specifica interpretazione di ‘artigianato (wo)manship’. Allo stesso tempo, le squadre partecipanti dovrebbero rendere esplicito come inquadrare questo all’interno dell’ampio spettro sociale e urbano e potenziarlo con registrazioni poetiche e culturali.L’idea che ne emerge è sfumata, ma anche sorprendente e svela aspetti della realtà che prima erano nascosti.

Padiglione Brasile:
Il padiglione brasiliano mette in luce le storie di persone che hanno combattuto per ottenere cambiamenti nella passività istituzionale nelle grandi città brasiliane. Hanno creato architettura all’interno di processi lenti, portando soluzioni stabili in un territorio politicamente tumultuoso. La mostra è una composizione di questi percorsi e collaborazioni, dove l’attivismo incontra architetti e architettura, diventando una calamita nell’allestimento di un nuovo spazio.

Cultura afro-brasiliana, centri storici, accesso alla cultura attraverso l’architettura e il design: queste le storie del padiglione brasiliano, alla ricerca di cosa significhi stare insieme (juntos), sottolinea Fajardo. La mostra riunisce il processo e il suo stato attuale, che può essere in fase di progettazione, ancora da fare o finito. Sono processi che parlano di architettura, urbanistica, beni culturali, letteratura, attivismo sociale e tecnologia; di conseguenza fanno parte della mostra anche video, foto, lettere, articoli, poesie, testi, fatti, disegni e dati, componendo un memoriale per queste vite intrecciate nel miglioramento dell’ambiente costruito, nelle loro comunità, alla ricerca di un dell’essere e del sapere.

Padiglione Canada: “Estrazione”
Il Padiglione canadese esplora i sistemi, gli spazi e le scale del Canada come impero di risorse globali all’insegna del tema Estrazione. Il progetto mostra come il Canada sia diventato un impero delle risorse globali e come il Canada sia diventato la nazione estrattiva preminente del pianeta. La sua politica estera odierna è interamente basata su forme coloniali di estrazione di risorse in tutto il mondo. Il progetto richiama l’attenzione sia sui territori di estrazione su cui fanno affidamento le città sia sulle storie di colonizzazione in questi territori. In altre parole, il progetto riguarda interamente la terra, il diritto e il territorio. Miniaturizzando questa lunga storia in un’esperienza personale, questo intervento territoriale invertito ingrandisce le realtà territoriali a una scala di 1:1 per suscitare un discorso più approfondito sulle complesse ecologie e sulla vasta geopolitica dell’estrazione delle risorse. Districando e riconfigurando le sinergie tra vita, legge e terra, un manifesto dell’urbanistica delle risorse reinventa la superficie dello stato verso il 22° secolo.

Se l’estrazione ha definito il Canada negli ultimi 800 anni dalla Magna Carta britannica, allora lo scambio rivoluzionerà il suo futuro dal 22° secolo in poi. In occasione del #TheLastVictoriaDay il 25 maggio 2016, lo strumento territoriale per antonomasia di esplorazione, scavo ed estrazione – la posta in gioco – è stato portato nel cuore degli imperi, sotto i pini e gli aerei, all’incrocio tra Regno Unito, Francia e Canada Padiglioni ai Giardini della Biennale di Venezia. Esponendo le tensioni, gli attriti e le resistenze tra mappa e territorio, questo contromonumento forgiato in oro zecchino sarà poi donato al Sovrano in un gesto dichiarativo di retrocessione e indipendenza, #CrownNoMore alla chiusura della Biennale il 27 novembre 2016, il vigilia del 150° anniversario della Confederazione canadese. retroattivamente,800 anni di costruzione dell’impero si svolgono sotto i livelli in un cortometraggio di 800 immagini di 800 collaboratori in 800 secondi.

Padiglione del Cile: contro la marea
Contro la marea presenta gli sforzi di una generazione di giovani architetti che hanno ideato, progettato e costruito opere architettoniche, sistemandone anche gli aspetti finanziari e contrattuali come parte dei requisiti per la loro laurea professionale in architettura. Tutto ciò che hanno in comune è l’appartenenza alla Valle Centrale del Cile, dove sono tornati dopo la loro formazione accademica per contribuire alle loro comunità, creando progetti architettonici che si collegano a un insieme di luoghi in cui i contadini della regione e le loro famiglie possono vivere e lavoro.

Controcorrente parla di una direzione contraria che le cose possono prendere. Questa mostra si muove controcorrente rispetto a quelle battaglie urbane, forse di portata più globale, intraprese per migliorare la qualità del nostro ambiente costruito. Mette l’accento piuttosto sui costumi e sui paesaggi del mondo rurale, dei campi e delle foreste, aiutando attraverso l’architettura a migliorare la qualità della vita quotidiana della sua gente. Questi progetti architettonici sono stati realizzati con risorse minime, con i residui dei processi agricoli e con materiali locali facilmente reperibili, contribuendo a valorizzare e inserendo il territorio in un contesto globale attraverso un approccio regionale ―ma non costumbrista. Fuori da questo paesaggio e ambiente rurale, in uno stato di continua trasformazione dovuta all’attività agricola e allo sviluppo urbano,emerge una serie di padiglioni, punti di ristoro, punti panoramici, rifugi per il pranzo, piazze, o semplicemente luoghi di ombra e incontro sociale, effimeri o permanenti, espliciti o astratti.

Padiglione Cina: Daily Design, Daily Tao-Back to the Ignored Front
Daily Design, Daily Tao-Back to the Ignored Front, mostra l’altra faccia della modernizzazione avveniristica urbana e industriale della Cina degli ultimi decenni: quella di un design che rielabora il patrimonio culturale di tremila anni del Paese in forme contemporanee. Nella filosofia cinese, il “Tao” potrebbe essere approssimativamente definito come il “principio” che nella cultura cinese mantiene l’Universo in equilibrio e al quale dovrebbe conformarsi il rapporto tra l’uomo e la Natura. Nel design, Tao aiuta a creare un rapporto ordinato e virtuoso tra oggetti e persone, ea rendere accessibili a più persone possibili prodotti ben concepiti. Daily Design segue Daily Tao. Ci soddisfa nella nostra quotidianità non introducendo un nuovo futuro per sostituire il passato,ma lucidando il passato e integrandolo nella nostra vita quotidiana. Non interviene, invece, media comunità. Rende il design accessibile alla vita della maggioranza. L’architettura ha un brillante futuro sul nostro pianeta, se agiamo in modo astemio e responsabile nel presente.

Pertanto, la mostra presenta una serie di manufatti che condividono una serie di tratti comuni: ispirarsi al design e alle tecniche tradizionali, essere in grado di soddisfare le esigenze contemporanee, essere estremamente ingegnosi senza apparire sfacciatamente, utilizzare materiali naturali e sostenibili. La mostra è divisa in due sezioni principali: un’esposizione di oggetti ospitati all’interno del padiglione, e un prototipo di edificio in scala reale collocato nel giardino adiacente. Attraverso un layout espositivo molto sobrio, la prima sezione mette in mostra abiti, mobili, ceramiche e modelli architettonici, affiancati da strumenti tradizionali e oggetti di uso quotidiano. Non c’è dubbio che l’inventiva del design cinese tradizionale e contemporaneo, e gli intriganti rimandi tra i due,sorprenderebbe molto coloro che considerano ancora i designer cinesi “imitatori” di archetipi europei e americani.

Padiglione Croazia: “Ne abbiamo bisogno – Lo facciamo”
Il progetto si concentra sulla ricostruzione dei contenuti di tre edifici, POGON Jedinstvo a Zagabria, edificio H del complesso Rikard Benčić come futuro Museo di arte moderna e contemporanea a Fiume e il Centro giovanile a Spalato. Il progetto tratta di strutture incompiute ma continuamente utilizzate per programmi artistici, culturali e sociali di diversi attori, e la loro conformazione architettonica nasce attraverso una serie di interazioni, interventi e operazioni minori attraverso le quali i locali vengono costantemente migliorati. I tre edifici interessati sono stati inoltre esplorati in collaborazione con il collettivo di performance BADco. che partecipano alla mostra con la trilogia “Le istituzioni hanno bisogno di essere costruite”.

Padiglione di Cipro: fronti contestati: pratiche comuni per la trasformazione del conflitto
“Contested Fronts” è un’esplorazione del ruolo dell’architettura per le pratiche comuni in spazi etnicamente e socialmente contesi. Si concentra sulle agenzie di tecnologie ad hoc dell’architettura che contribuiscono alla trasformazione del conflitto sostenendo processi di riconciliazione che vadano di pari passo con i processi di ricostruzione urbana. “Contested Fronts” introduce tre livelli di indagine delle frontiere in cui l’architettura rivendica un ruolo attivo: frontiere geopolitiche, disciplinari e della politica urbana quotidiana. Affronta due grandi sfide che emergono dal caso di Famagosta: in primo luogo operare in ambienti reali ostili in cui le istituzioni producono narrazioni basate sulla divisione. In secondo luogo,confrontarsi con le tendenze attuali dei processi di ricostruzione post-conflitto basati sia su sviluppi privati ​​segreganti su larga scala sia su piani prodotti burocratici inflessibili e non trasparenti, entrambi incapaci di incoraggiare pratiche comuni né di gestire gli ambienti urbani contestati in continua evoluzione.

Il primo processo è chiamato “Counter-mapping” che ha a che fare con l’utilizzo della pratica della mappatura per problematizzare la società civile rispetto alle geografie mentali divisive dominanti. Il secondo processo è intitolato “Creating Thresholds” che riguarda pratiche di scambio attraverso i bordi, trasformando i limiti in soglie vive, favorendo l’apertura di enclave urbane ai beni comuni della città. Il terzo processo è chiamato “Introducing Urban Controversies” che ha a che fare con il dispiegarsi dell’aspetto positivo del conflitto all’interno della realizzazione dei progetti architettonici e urbani in cui gli attori urbani sono in costante ri-alleanza e disputa.

Padiglione Ceco e Slovacco: Cura per l’Architettura: Exemplum della Galleria Nazionale Slovacca o Chiedere ad Arche di Architettura di ballare
Intitolata The Care for Architecture: Asking the Arché of Architecture to Dance, la mostra della Biennale si chiede se edifici come l’estensione della Galleria Nazionale Slovacca a Bratislava possano mai essere dissociati dal regime politico. Un modello rosso brillante della Galleria nazionale slovacca costituisce il fulcro del padiglione ceco e slovacco, che si chiede se l’architettura dell’era sovietica dei paesi debba essere salvata o demolita. Progettato dall’architetto slovacco Vladimír Dedeček negli anni ’60 e costruito negli anni ’70, l’edificio della galleria ponte è visto da molti come un simbolo dell’era comunista del paese, quindi i piani per la sua ristrutturazione sono stati controversi.

Progettato dall’architetto slovacco Vladimír Dedeček negli anni ’60 e costruito negli anni ’70, l’edificio della galleria ponte è visto da molti come un simbolo dell’era comunista del paese, quindi i piani per la sua ristrutturazione sono stati controversi. Il modello tridimensionale è sollevato su palafitte per dare una nuova prospettiva sull’edificio, permettendo ai visitatori di avere un’idea della sua disposizione di gallerie, anfiteatri e cortile. L’ampio spettro di opinioni che l’edificio riceve sia da cittadini slovacchi che da stranieri è rappresentato da una serie di film, proiettati su schermi montati a parete. Schermi diversi propongono strategie contrapposte per la ristrutturazione dell’edificio, in stato di abbandono da un decennio. Un set soprannominato il “muro di combattimento”è dedicato al materiale legato al design originale degli architetti e alla lotta per preservarlo, mentre l’altro è chiamato “muro della danza” e contiene proposte per il suo ringiovanimento.

Padiglione Danimarca:
Intitolato “L’arte di molti e il diritto allo spazio”, evidenzia il focus umanistico del design danese, una selezione di architetti e urbanisti danesi per presentare prototipi che dimostrano progetti che incarnano un approccio umanistico. questi schemi cercano sia di influenzare positivamente il comportamento delle persone sia di promuovere un senso di comunità. Non c’è molto accordo su come, quando e con quali mezzi dovrebbe essere creata l’architettura umanistica. Presentando un’istantanea dinamica dell’architettura e dell’urbanistica danesi, per esplorare, analizzare e discutere alcuni dei paradossi e dei conflitti che accompagnano un nuovo umanesimo nell’architettura contemporanea.’

La mostra presenta 130 modelli architettonici, o “prototipi”, ciascuno rappresentante di un progetto, suddivisi in 5 aree tematiche intitolate “Beyond Luxury”, “Designing Life”, “Claiming Space”, “Exit Utopia” e “Pro Community”. I modelli sono esposti in uno spazio che ricorda un magazzino, informalmente collocato su scaffalature realizzate con tubi da ponteggio e fogli di compensato. L’effetto visivo è quello di una wunderkammer architettonica in cui i progetti di aziende danesi di fama internazionale – come BIG-Bjarke Ingels Group , 3XN, COBE, CF møller e Henning Larsen Architects – sono esposti fianco a fianco con quelli di pratiche emergenti.

Padiglione Egitto:
La mostra intitolata Reframing Back//Imperative Confrontations, cerca di rivelare varie storie di successo di architettura che raccontano le difficoltà e le sfide all’interno dell’ambiente costruito egiziano. Le opere all’interno del padiglione rivelano come l’architettura stia attivamente creando cambiamento nelle comunità. In nessun luogo questi scontri sono più evidenti che nel contesto urbano, e in nessun luogo più che nelle città egiziane. L’obiettivo della mostra è re-inquadrare e posizionare in un forum globale quelli che pensiamo siano esempi di una riuscita risoluzione dei conflitti architettonici e urbani in cui gli architetti, attraverso il loro lavoro, sono stati i mediatori del cambiamento, questa mediazione ha preso la forma di progetti costruiti, o anche proposte di ricerca e mappature che hanno tentato di evidenziare i problemi esistenti.

I lavori presentati possono essere suddivisi in due grandi categorie – indagini cartografiche e (progetti costruiti e proposte sperimentali). I progetti di mappatura tentano di rilevare le condizioni esistenti con lenti analitiche applicate, evidenti nei loro risultati rappresentativi. Come per i recenti sforzi di mappatura, la rappresentazione è vista come uno strumento per pensare e presentare nuove informazioni. Comporta anche le stesse potenziali carenze degli esercizi di mappatura quando i dati sono scarsamente ricercati e potrebbero far avanzare una prospettiva distorta o disinformare completamente. La mostra contiene una vasta indagine sulla condizione urbana egiziana tra cui sprawl, urbanistica informale, architettura vernacolare del deserto, città costiere,e gli edifici storici del XIX e XX secolo che sono stati tutti parte delle dinamiche parallele di crescita nel contesto egiziano nell’ultimo mezzo secolo.

Padiglione Finlandia: dal confine alla casa – Soluzioni abitative per richiedenti asilo
“From Border to Home”, concorso internazionale di architettura alla ricerca di proposte contemporanee per l’edilizia abitativa soprattutto in tempi di crisi umanitarie. La sfida dell’Europa non riguarda tanto la costruzione di nuove città quanto la trasformazione di quelle esistenti per creare una società più equilibrata e inclusiva. In questo contesto, l’architettura deve ritrovare la sua capacità di plasmare non solo il design degli edifici, ma anche il design delle soluzioni sociali. Combinando queste due capacità, l’architettura può aiutare a cristallizzare i principi di una migliore abitazione.

“Enter the Void”, una proposta del team tedesco Duy Tran, Lukas Beer, Ksenija Zdesar e Otto Beer, si concentra sul riuso. Opportunità offerte da uffici sfitti per soddisfare le diverse esigenze abitative dei richiedenti asilo nelle prime fasi dopo il loro arrivo nel paese. “Society Lab” di Cecilia Danieli, Omri Revesz, Mariana Riobom dall’Italia propone un concetto di app mobile conveniente per abbinare l’offerta con la domanda di alloggi. La terza proposta vincente ‘We House Refugees’ di A-Konsulit Architects, Milja Lindberg assistita da Christopher Erdman, cerca di ottenere cambiamenti sistemici su larga scala ripensando ai codici edilizi odierni. La proposta mira ad alleviare la carenza di alloggi aumentando la capacità del patrimonio edilizio esistente in linea con i livelli fluttuanti della domanda.La mostra è completata da un programma di conferenze e dal blog “From Border to Home”, che invita architetti, curatori e il pubblico in generale a riflettere e ampliare il dialogo.

Padiglione Francia: Nouvelles du Front, Nouvelles Richesses
Nouvelle Richesses (New Riches), una mostra chiaramente incentrata sul ruolo dell’architettura nella nostra società contemporanea. C’è stato un tempo in cui l’architettura era ovviamente architettura per tutti, ed era legata all’economia e all’evoluzione della società. La mostra presenta una serie di progetti più “ordinari”, sviluppati negli ultimi anni da architetti francesi, volti a fornire buone abitazioni, sviluppi urbani e infrastrutture sociali, a un prezzo ragionevole e con una maggiore attenzione alle reali esigenze delle comunità locali , in varie zone della Francia.

La mostra è suddivisa in quattro sezioni, intitolate “Sala dei territori”, “Sala del racconto”, “Sala del sapere”, e “Sala del terreno fertile”. Nella Francia di oggi le politiche pubbliche stanno scomparendo. L’urbanistica contemporanea assembla proprietà immobiliari, le cui facciate “new look” tentano di mascherare una striminzita standardizzazione, mentre qua e là poche centinaia di milioni di dollari consentono a due o tre architetti couture di creare illusioni sontuose. La mostra per essere testimone del resto, meno visibile, eppure emergente da ogni dove, su tutti i territori. e che rivela una ricchezza insospettata.

Padiglione Germania: Making Heimat. Germania, Paese di arrivo
“Making Heimat. Germany, Arrival Country” indaga una serie di questioni fondamentali: quali sono le sfide che devono affrontare le città che accolgono rifugiati e immigrati? Quali sono i presupposti obbligatori per trasformare chi proviene da un altro Paese in cittadini veramente integrati? Quale dovrebbe essere il ruolo di architetti e urbanisti in questo delicato processo? Il padiglione tedesco è una casa aperta che non chiude di notte; uno spazio simbolo della Germania ospita più immigrati di qualsiasi altro in Europa.

Una risposta al fatto che oltre un milione di rifugiati sono arrivati ​​in Germania nel corso del 2015. Il bisogno di un alloggio è urgente, ma altrettanto urgente è il bisogno di nuove idee e approcci affidabili all’integrazione. La mostra si compone quindi di tre parti: la prima parte esamina i rifugi fisici per i rifugiati – le soluzioni reali che sono state costruite per far fronte all’acuto bisogno. La seconda parte cerca di definire le condizioni che devono essere presenti in una Arrival City per trasformare i rifugiati in immigrati. La terza parte della mostra è il concetto di design spaziale del Padiglione tedesco, che fa una dichiarazione sulla situazione politica contemporanea. Qualcosa di fantastico pianifica e allestisci la presentazione architettonica e la progettazione grafica.

Padiglione Gran Bretagna: Economia domestica
Home Economics pone domande sulla società britannica e sulla cultura architettonica, una serie di cinque proposte architettoniche, progettate attorno a quantità incrementali di tempo: ore, giorni, mesi, anni e decenni. Orario – Lo spazio interno centrale presenta un nuovo tipo di ambiente domestico condiviso, ristrutturando le attuali esigenze di ‘comunità di servizio’ nello sviluppo residenziale. Incrociando la ricerca su come i britannici contemporanei usano le loro case e le politiche che dettano standard minimi di spazio, la proposta reinventa la condivisione come un potenziale lusso, piuttosto che come un compromesso. Days – La seconda proposta della sequenza immagina un nuovo tipo di spazio personale e portatile, che risponde al panorama domestico globale creato da servizi come Airbnb. Riflettendo il nostro crescente coinvolgimento con i social media,intrattenimento e consumo virtuale, la proposta – più che abbigliamento, ma meno che architettura – mostra ambivalenza nei confronti del suo contesto fisico a breve termine.

Mesi – La terza proposta riguarda le residenze di breve durata nell’ambito di contratti di lavoro temporanei, visti di studio o semestri studenteschi. Immagina una nuova forma di affitto, dove un canone mensile fisso include non solo l’uso dello spazio, ma tutte le esigenze domestiche, affrontando questioni di privacy e lavoro domestico. Anni – Il quarto spazio si riferisce al periodo degli anni e resiste all’assunzione della casa come un bene piuttosto che un luogo in cui vivere. In questa circostanza si minimizza il costo dell’acquisto di una casa e, grazie a un prodotto ipotecario studiato ad hoc, si contrasta la speculazione edilizia: le migliorie domestiche sono fatte per abitare piuttosto che per lucro. Decenni – Occupazioni a lunghissimo termine, che suggeriscono la vita intergenerazionale e le mutevoli condizioni delle capacità tecnologiche e fisiche,sono considerati nel quinto e ultimo spazio. La proposta è per una casa definita da condizioni spaziali piuttosto che da funzioni specifiche, per consentire una diversa forma di spazio flessibile.

Padiglione Grecia: #ThisIsACo-op
#ThisIsACo-op risponde alla sfida del tema della Biennale di Architettura di quest’anno sottolineando l’importanza della collaborazione, dell’unione delle forze, come proposta politica essenziale per affrontare la multiforme crisi attuale. Inoltre, indaga, elabora e mostra i molteplici fronti della crisi – la crisi dei rifugiati, la crisi urbana, la sconfitta del diritto alla casa, la crisi che colpisce la professione di architetto – tutte manifestazioni interdipendenti della strategia per il deprezzamento dello spazio come un bene comune.#ThisIsACo-op è un esperimento collaborativo, una proposta espositiva innovativa e fresca, un laboratorio aperto e dal basso verso l’alto.

ThisIsACo-op, che sottolinea il ruolo della collaborazione in architettura, mira a capire come gli architetti possano aver bisogno di unirsi su diversi “fronti” delle crisi mondiali, tra cui la crisi dei rifugiati, la crisi abitativa e la crisi della professione di architetto, tra le altre . Gli eventi ospitati al Padiglione Greco sono organizzati in una struttura tripartita: Syneleusis (assemblea), Synergeia e Symbiosis. All’esterno del padiglione, il team curatoriale, composto dai membri dell’Associazione degli architetti greci, ospita una serie di eventi sia a Venezia che in Grecia, per tutta la durata della Biennale, che è stata mostrata sugli schermi nel padiglione. Il sito contiene anche una sala di lettura, e si possono vedere aree dove si possono vedere documentari sulla multiforme crisi che l’architettura sta affrontando. Attraverso la ricerca,incontri e discussioni, #ThisIsACo-op mira a unire gli architetti e trovare soluzioni attraverso la collaborazione.

Padiglione Ungheria: Attivatori. Architettura attiva localmente
Eger in nord ungherese è un esempio di come un gruppo di giovani architetti trovi la propria casa nel mondo di oggi senza soldi e commissioni. Solo se creano un ambiente adatto a se stessi, di cui anche la comunità locale può trarre profitto. Il Comune di dotarsi di un fabbricato, concedendo in locazione per 15 anni l’edificio fatiscente situato nel mezzo di un vecchio parco. Ha delineato un modello sostenibile imperniato sulle esigenze locali: gli architetti si erano impegnati a realizzare una ricostruzione a valore aggiunto ea riempire l’edificio di contenuti culturali.

Padiglione Iran:
“rewind, play, fast-forward”, il progetto mostra una soluzione per le circostanze sociali, politiche ed economiche in Iran che hanno portato a una riduzione del tenore di vita. fattori che contribuiscono includono una vasta immigrazione verso le grandi città e le loro periferie e piani urbanistici che non tengono conto della partecipazione umana e sociale. L’obiettivo del team curatoriale era quello di ottenere una comprensione precisa delle questioni summenzionate al fine di comprendere i problemi. il metodo si basa sul contatto immediato con i cittadini, sul dialogo con i residenti e sulla ricerca di soluzioni semplici per migliorare gli spazi abitativi nei piccoli quartieri, vicoli e strade. credono nell’importanza di uno stretto contatto con gruppi e associazioni locali attive al fine di sviluppare progetti migliori attuati dai cittadini stessi.

Il padiglione è progettato sulla base di una rappresentazione di schemi urbani di edifici in ordine inverso, allungati dal soffitto alle pareti e parti del pavimento. la forma è scelta per manifestare il processo inverso di rilancio di questi quartieri residenziali. l’approccio si basa sul non tornare al passato, ma sul creare connessioni tra i vari gruppi sociali e locali per condividere le principali problematiche e cooperare tra loro beneficiando di piccoli successi.

Padiglione Irlanda: Perdermi
Losing Myself, una mostra collaborativa incentrata sul morbo di Alzheimer, la mostra mette in evidenza il processo di “progettazione e rivisitazione di edifici per le persone che soffrono di demenza”. La mostra contiene due componenti principali: un sito web che organizza una serie di disegni, storie e ricerche sulla demenza; e un’installazione nel padiglione, che contiene disegni che esplorano un edificio progettato per persone con demenza. Da persone consultate con demenza per un feedback sul design del sito web. Abbiamo pianificato, testato e adattato la nostra tecnica di disegno con i nostri collaboratori di disegno. Il progettista ha dovuto accettare un certo livello di imprevedibilità e incertezza riguardo al prodotto finito, forse come conseguenza del tentativo di rappresentare uno stato cognitivo solo parzialmente compreso,utilizzando un mezzo che stiamo sviluppando attraverso l’iterazione e l’esperimento.

L’installazione consente ai visitatori di vivere l’esperienza dell’Alzheimer’s Respite Centre a Dublino, in Irlanda, così come è vissuta dai pazienti e dai loro caregiver. Dal momento che i pazienti non hanno la capacità di situarsi e navigare da soli in tutto l’edificio, non hanno la capacità di comprendere e ricordare gli spazi e le processioni architettoniche. L’installazione utilizza la proiezione basata sul tempo per disegnare l’esperienza di navigazione di sedici pazienti durante un solo giorno. L’effetto della demenza sul piano fisso di un architetto “produce un mondo frammentario; e, poiché si ricorre ancora alla memoria profonda, un mondo che si riempie di una fantasmagorica e spontanea processione di altri spazi e tempi.

Padiglione Israele: Lifeobject: Merging Biology & Architecture
LifeObject, il progetto scopre il rapporto tra Architettura e Biologia, la mostra presenta una serie di opere che, collettivamente, dialogano tra architettura e scienza, e in particolare a quei campi scientifici legati alla biologia e alle biotecnologie. Il fulcro di LifeObject è un’installazione che combina elementi naturali con materiali compositi e artificiali bio-ingegnerizzati: una “forma vivente” che reagisce all’ambiente e, come tutti i sistemi biologici, si basa sul concetto di resilienza. Tale rapporto non si limita all’influenza che la natura storicamente ha sempre avuto sulle forme e/o sui materiali architettonici. In effetti, la mostra israeliana si concentra principalmente sull’influenza seminale che la biologia potrebbe avere sul modo in cui concepiamo e progettiamo gli edifici,creando un parallelo tra creature viventi e costruzioni e gettando uno sguardo speculativo su future, potenziali forme di architettura innovativa.

LifeObject è un’installazione architettonica, che traspone le proprietà resilienti di un nido d’uccello, attraverso l’analisi scientifica, in una forma spaziale ricca di nuove prospettive architettoniche. Al centro dell’installazione ci sono superfici aeree volumetriche a forma libera che ondeggiano nello spazio, composte da oltre 1500 elementi sottili e leggeri, ispirati ai ramoscelli; basandosi solo sulla tensione, formano una struttura leggera, porosa e resiliente. Il LifeObject combina materiali intelligenti, compositi e biologici nella formazione di una “struttura vivente” che risponde al suo ambiente. La presenza umana intorno ad esso innesca l’apertura del ‘cabinet de curiosités’, rivelando ai visitatori una varietà di elementi biologici innovativi. Il LifeObject materializza una serie di idee astratte,preoccupazioni e potenzialità nel campo architettonico presente e futuro. I concetti proposti dalla struttura delineano linguaggi formali e strutturali alternativi informati da discipline esterne. Allude alle applicazioni future e all’integrazione di materiali di ispirazione biologica che provengono da varie impostazioni, scale e orientamenti.

Padiglione Italia: Taking Care – Progettare per il bene comune
Incentrato sull’architettura che “si prende cura di persone, luoghi, principi e risorse” presentando progetti basati su processi collaborativi che coinvolgono diversi gruppi di persone che condividono gli stessi obiettivi. La mostra ha due scopi: presentare una visione dell’architettura come servizio alla comunità; dimostrare, con prove tangibili, come l’architettura può fare la differenza prendendosi cura di persone e luoghi, principi e risorse. Pensiamo all’architettura al servizio del bene comune, capace di aumentare il capitale umano, sociale e ambientale e di arginare l’emarginazione e l’esclusione. Architettura partecipativa, intelligente, creativa ed efficace, attenta e responsabile,è certamente in grado di sconvolgere lo status quo che incontra immaginando e costruendo un futuro migliore. E poiché le politiche diventano luoghi nell’architettura, la mostra è un potente richiamo al potenziale della politica nella vita di tutti.

La mostra è suddivisa in tre sezioni principali intitolate Thinking, Meeting e Acting. La prima parte, intitolata “Pensare. Una mappa del bene comune”, presenta una riflessione sul significato di “bene comune” sviluppata da un team multidisciplinare che comprendeva sociologi, critici di architettura, esperti di economia e finanza etica, urbanisti. La seconda sezione, intitolata “Incontro. 20 esempi di vita fuori città” è una selezione di 20 progetti di architettura comunitaria, ideati da architetti italiani, relativi a dieci temi: legalità, salute, abitare, cultura, gioco, ambiente, educazione, scienza , alimentazione e lavoro. La terza sezione della mostra,presenta 5 progetti sviluppati in collaborazione con cinque associazioni italiane impegnate nella lotta alla marginalità sociale nelle aree suburbane. Il risultato sono stati cinque contenitori mobili, finanziati attraverso sponsorizzazioni private e crowdfunding, pensati “per portare qualità, bellezza e diritti dove attualmente sono assenti”, e sviluppati attraverso una collaborazione tra designer e associazioni selezionate.

Padiglione del Giappone:en : art of nexus
“en: art of nexus”, presenta una serie di progetti, per lo più residenziali, che illustrano collettivamente i cambiamenti e le sfide che interessano la società giapponese e il suo rapporto con l’architettura. La mostra, ha illustrato come il Paese sta affrontando questioni urgenti. Il punto di partenza sono le contraddizioni sotterranee che caratterizzano il Giappone dai primi anni 2000, e che includono un tasso di disoccupazione crescente, soprattutto giovanile, una crescente disuguaglianza sociale, e come una diffusa disillusione su quella visione ottimistica del futuro che aveva caratterizzato un paese che ha conosciuto una spettacolare crescita e modernizzazione per almeno quattro decenni consecutivi, dopo la fine della seconda guerra mondiale.

Tale situazione problematica sta anche favorendo un nuovo approccio al rapporto tra le persone e tra le persone e l’architettura. Il curatore ha quindi scelto di presentare il lavoro di una nuova generazione di giovani architetti giapponesi che indaga su come l’architettura possa essere uno strumento per ricreare una rete sociale, basata sulla solidarietà, contraria ai diktat di un intransigente neoliberismo. Un neoliberismo che molti giapponesi ora identificano con eventi drammatici come il disastro nucleare di Fukushima del 2011. Pertanto, tutte le architetture presentate si concentrano sull’idea di condivisione di valori, risorse e stili di vita, contrapposta all’approccio egoistico alla vita e alla società incoraggiato dal principio della competizione sociale. Il titolo della mostra, EN (縁), è infatti una parola giapponese che significa sia “relazione”e “opportunità”.

Padiglione Corea: The FAR Game: Constraints Sparking Creativity
Il gioco FAR: i vincoli che stimolano la creatività. FAR (Floor Area Ratio) si riferisce al rapporto tra la superficie totale di un edificio e la dimensione del terreno su cui è costruito. Il FAR Game, curato da Sung Hong Kim e presentato dall’Arts Council Korea, esplora le sfide e i risultati dell’architettura coreana contemporanea, sotto questi vincoli normativi, e illustra la lotta degli architetti di Seoul che si sforzano di migliorare la qualità della vita dei residenti utilizzando lo spazio in modo efficace. Negli ultimi 50 anni, massimizzare il FAR è stata la forza trainante della crescita sostenibile dell’architettura urbana coreana e rimane il compito più impegnativo per la maggior parte degli architetti di oggi.

Il tema principale della mostra coreana è il rapporto tra superficie e pavimento, la quantità di superficie che un edificio può offrire in relazione alle dimensioni del terreno su cui è costruito. L’artista coreana Choi Jae-eun mostra il suo progetto “Dreaming of Earth” sulla zona demilitarizzata in collaborazione con l’architetto giapponese Ban Shigeru. Il suo lavoro è una miniatura del suo progetto concettuale di un giardino alto 6 metri e lungo 15 chilometri e di un marciapiede pedonale nella zona demilitarizzata, realizzati interamente con bambù e altre risorse naturali. Sono stati esposti cavi reali presi dalla zona, insieme all’installazione principale e a un video che è stato riprodotto per presentare il contesto storico dell’area fortemente fortificata. Gli architetti coreani sono stretti tra un cliente che desidera una casa più grande e l’attuale legge che vincola il FAR.

Padiglione del Kuwait: tra Oriente e Occidente, un Golfo
‘Between East and West: A Gulf’, guarda oltre le coste del Paese e sostiene un masterplan per un Golfo unito. Presentando la storia non raccontata della regione e proponendo un futuro alternativo, il padiglione proietta l’idrografia come un’entità singolare né orientale né occidentale, ma come un arcipelago non sfruttato che ha definito la regione e offre le maggiori possibilità per la sua riconciliazione. Il Golfo non è uno specchio d’acqua, ma un campo di sperimentazione e creazione di identità, cultura ed ecologia fin dall’antichità. Le sue isole erano utilizzate dai loro abitanti, così come da coloro che le osservavano dalle coste per scopi di turismo, commercio, caccia ed estrazione di risorse. Furono costruiti santuari, furono combattute guerre e prigionieri furono esiliati all’interno delle loro coste.La loro dimensione e la dipendenza dall’entroterra dell’Arabia/Persia, o dalle lontane coste dell’India e dell’Africa orientale, facevano sì che questi terreni fossero continuamente sotto lo sguardo imprenditoriale dei continenti circostanti.

Il Golfo e le sue isole fanno parte di un paesaggio coerente in cui la condizione del bordo e la nozione di limite sono in continuo mutamento. Il risultato è un paesaggio definito dal flusso e riflusso dell’acqua e delle persone, un regno immaginabile la cui utilità derivava dalla capacità di immaginare uno scopo per le isole. Presenta un catalogo di oltre trecento isole nel Golfo, elaborando la loro storia e il loro carattere, insieme a proposte, provenienti da studi di architettura sia giovani che affermati nella regione, su come un masterplan potrebbe essere implementato in queste acque contese. La mostra presenta i contributi di AGi Architects, Behemoth Press con Matteo Mannini Architects, Design Earth, ESAS Architects, X-Architects, PAD10 e Fortuné Penniman in collaborazione con Studio Bound.

Padiglione del Lussemburgo: Tracciare le transizioni
“Tracing Transitions” documenta la situazione attuale in Lussemburgo attraverso un’installazione spaziale. Serve come una sorta di schermo per presentare argomenti riguardanti la creazione di alloggi, le ramificazioni geografiche dei problemi e possibili approcci alle soluzioni. Tracing Transitions affronta gli attuali problemi abitativi nel Granducato di Lussemburgo, nonché gli aspetti per una possibile trasformazione della situazione in futuro. L’abitazione, la fornitura di immobili residenziali e l’edilizia abitativa socialmente sostenibile sono questioni essenziali del nostro tempo. In Lussemburgo i presupposti per soddisfare questa esigenza sono diventati sempre più instabili. La sua geografia e sviluppo economico, il mercato immobiliare competitivo e ad alto prezzo,la crescita demografica e il cambiamento demografico hanno trasformato il Lussemburgo in un’area di tensione complessa e conflittuale.

Tracing Transitions prende in esame gli interventi che mirano a diffondere gradualmente la situazione attuale. Questi interventi presentano delle alternative: sono opzioni per la realizzazione di soluzioni abitative in contrasto con modelli di proprietà o fitto-affitto; offrono diverse configurazioni abitative come risposte ai cambiamenti demografici; mettono in discussione tipologie abitative tradizionali e conosciute; e fanno uso della più grande risorsa del Lussemburgo per la realizzazione di alloggi, vaste ex aree industriali, resti del passato del Lussemburgo come nazione del ferro e del carbone. Tracing Transitions ricerca indicatori che segnalino un possibile cambiamento nella produzione e sostenibilità sociale delle abitazioni. È principalmente una storia su processi, eventi e consolidamento delle reti e non su soluzioni progettuali in piena regola ed edifici ordinati.L’architettura diventa invece parte dell’attivismo. E Tracing Transitions fa parte della comunicazione architettonica, per comunicare le sfide nella produzione delle condizioni per realizzare il ‘buon progetto’.

Padiglione del Messico: dispiegamenti e assemblaggi
“Unfoldings and Assemblages” presenta “architetture assemblate da frammenti, moduli, relazioni, storie, tattiche, tecnologie e strategie di costruzione”. La mostra si concentra su lavori ed esperienze che possono cambiare, propagarsi e adattarsi, piuttosto che su sistemi chiusi o prodotti finali. Il padiglione è costruito attorno a un asse principale di manuali storici. I manuali, e il lavoro ad essi collegato, spostano l’attenzione dalla comune percezione dell’architettura di autori unici e opere a sé stanti. Questi manuali forniscono le conoscenze per l’autodeterminazione, consentendo alle comunità di costruire i propri ambienti e chiedendo quali strumenti o tecnologie moderne possono ulteriormente portare il pubblico nell’architettura.

Il padiglione espositivo stesso è costruito utilizzando gli stessi principi di assemblaggio e diffusione. Utilizzando un sistema ripetuto di grandi moduli strutturali e una struttura a nido d’ape testurizzata – tutti resi stabili con pannelli di compensato rigidamente flessi – il padiglione mostra nozioni di adattabilità e resilienza. Medita sugli edifici come assemblaggi di materiali e relazioni sociali. Le arene smontabili dello Yucatán sono manifestazioni di un ordine sociale esistente. Il Padiglione Culturale smontabile per i migranti è una strategia per riunire persone dissimili in circostanze simili come comunità. Ogni componente del padiglione può essere smontato, ripiegato o ripiegato per un facile trasporto e stoccaggio.

Padiglione del Montenegro: Progetto Solana Ulcinj
Solana Ulcinj, raccontando questo progetto cruciale in Montenegro coinvolto nelle lotte tra locale e globale, natura e cultura, turismo e sostenibilità, economia e ambito sociale, offrendo strategie spaziali che possono guidare nuove sintesi per questi conflitti. Come attualmente il Solana Ulcinj è diviso tra conservazione e interessi economici, il che crea un’impasse. È quindi fondamentale sviluppare nuovi piani per il futuro della salina, che siano sia ecologicamente che economicamente sostenibili. Il progetto Solana Ulcinj raccoglie la sfida di presentare nuove proposte per salvare l’importante posizione ecologica e le qualità culturali uniche del paesaggio, consentendo e regolando allo stesso tempo gli interessi economici nell’area.

Per generare un dibattito pubblico in Montenegro, vengono selezionate quattro pratiche. Tutti e quattro rappresentano posizioni molto diverse nel campo dell’architettura del paesaggio e dello sviluppo sostenibile. Ciò fornisce nuovi input e quindi consente di aprire e accelerare i processi decisionali intorno a Solana Ulcinj. Stimola inoltre il dibattito sull’architettura e l’architettura del paesaggio in Montenegro e stabilisce uno scambio internazionale.

Padiglione dei Paesi Bassi: BLU: Architettura delle missioni di mantenimento della pace
Malkit Shoshan si è dedicato all’analisi del modo particolarmente progressista in cui i Paesi Bassi contribuiscono alle attività di mantenimento della pace delle Nazioni Unite. L’ONU è responsabile di centinaia di missioni di mantenimento della pace attive in tutto il mondo. in genere si tratta di basi militari che si ergono come comunità autosufficienti, completamente isolate dall’ambiente circostante. è il design particolarmente estremo di questi complessi che rispecchia le strutture di potere ei sistemi delle forze di pace; regimi che non contribuiscono a migliorare la vita degli abitanti di queste regioni. l’ONU parla di “linee guida per l’approccio integrato”, unendo difesa, diplomazia e sviluppo.è attraverso il suo lavoro che shoshan sta cercando urgentemente nuove soluzioni spaziali che diano un significato sociale a queste comunità locali, proponendo l’aggiunta di una quarta ‘D’ per il design. la speranza è che la base dell’ONU si realizzi non come un complesso chiuso, ma come un catalizzatore per lo sviluppo locale.

Pertanto, la mostra si concentra sul ruolo che l’architettura potrebbe svolgere nello sviluppo di strategie e soluzioni per aiutare le popolazioni che vivono in aree di conflitto. L’approccio proposto da Malkit Shoshan suggerisce di aggiungere “Design” ai termini “Difesa, Diplomazia e Sviluppo” che tradizionalmente costituiscono il cosiddetto “Approccio Integrato” su cui si basano le missioni di pace delle Nazioni Unite. Esaminando il caso di studio del Camp Castor guidato dai Paesi Bassi a Gao, in Mali, e presentando conversazioni con ingegneri militari, antropologi, economisti, attivisti e politici, la mostra indaga sul contributo che gli architetti potrebbero fornire alla progettazione composti per il mantenimento della pace, e il ruolo di quelle strutture, solitamente “sigillate” dai territori circostanti per motivi di sicurezza,potrebbe giocare per stabilire connessioni e migliorare le condizioni di vita delle comunità locali.

Padiglione Nuova Zelanda: “Isole del futuro”
Lirico ed evocativo, Future Islands si propone di affermare la Nuova Zelanda come innovativa, creativa, lungimirante e audace. È una storia sulla Nuova Zelanda, ma al centro c’è una connessione concettuale con Venezia. La struttura della mostra è derivata da Le città invisibili di Italo Calvino, un libro inquadrato attorno a una conversazione sulle città e sulla vita tra Marco Polo e l’imperatore mongolo Kublai Khan. In nove capitoli, il famoso esploratore veneziano racconta storie di 55 meravigliose città che ha visto, con la presunzione che tutte le storie siano descrizioni fittizie di Venezia. In risposta alle 55 “città” di Calvino, Future Islands presenta 55 progetti architettonici, distribuiti su nove “isole”, molteplici rappresentazioni della Nuova Zelanda e della sua evoluzione all’interno di reti globali. Isola della memoria,isola del desiderio, isola della prospettiva e del rifugio, isola dell’ospitalità, isola (in)naturale, isola del fare e disfare, isola emergente, isola re/reclamata e l’ultima isola…

Gli elementi dell’isola offrono molteplici letture: acqua, paesaggio, foresta, nuvole, campi vulcanici, corpi, edifici, manufatti, testi, mobili e mostrano una qualità fluttuante e onirica. Le isole hanno sempre fornito luoghi reali per diversi modi di vivere e siti immaginari per possibili modi di vivere diversi. Hanno ispirato narrazioni romantiche e utopiche e sono sempre stati, letteralmente, luoghi di scoperta. In questo spirito, la mostra presenta la pratica architettonica contemporanea in Nuova Zelanda ed esplora le direzioni future dell’architettura neozelandese. La mostra, che comprende sia opere costruite che progetti visionari o non ancora realizzati, è stata allestita in uno storico palazzo veneziano ed è stata accompagnata da una serie di simposi ed eventi culturali e da un programma mediatico internazionale.

Padiglione della Nigeria: “Capacità ridotta”
“Diminished Capacity” intende analizzare un momento storico di transazione con l’ambizione di riscrivere la storia. Nella condizione riscrivere la storia diventa un’evoluzione necessaria. L’errata lettura dell’Africa trasforma il continente stesso in un Paese in perenne opposizione all’inquietudine; qual è la sua identità essendo un ghetto in forme e strutture inadatte.

Il conflitto è uno dei temi ricorrenti nell’opera di Ola-Dele Kuku. L’architetto-artista lo vede come uno dei meccanismi trainanti del nostro mondo e come uno strumento per mettere in moto il cambiamento. Il conflitto ha giocato un ruolo cruciale fin dagli albori della creazione, basti pensare alle storie del Big Bang e del paradiso di Adamo ed Eva. Nel corso della sua pratica, Ola-Dele Kuku ha costantemente rimodellato la rappresentazione in una sfida tempestiva. Lavorando sia con il disegno, l’installazione e la scultura, ha rivisitato i pilastri dei metodi di rappresentazione architettonica, pianta, prospetto, sezione, per iniettare scivolamenti inquietanti nel loro rigoroso formalismo. Questo nuovo corpo di lavoro abbraccia pienamente un taglio viscerale socio-filosofico analitico, affronta questioni complesse come l’esaurimento delle risorse e la loro manipolazione, migrazione,micro e macro cambiamenti globali, una visione alternativa dell’Africa occidentale, il crescente impoverimento e la diminuita capacità di un Paese di moltiplicare l’uso di strategie di manipolazione.

Padiglione Paesi nordici (Finlandia Norvegia Svezia): In Theraphy – Paesi nordici faccia a faccia
“In Therapy” affronta una sfida comune a finlandesi, norvegesi e svedesi oggi: come può un edificio (o una mostra, in questo caso) dialogare con il suo ambiente quando quell’ambiente è così carico? Per noi, questo si collega a una domanda più ampia: come può l’architettura occupare un’eredità pur continuando a progredire? “In Therapy” tratta il Padiglione come un’estensione dello spazio pubblico dei Giardini. L’installazione centrale della mostra, una piramide a gradoni costruita utilizzando tecniche di costruzione tradizionali in pino svedese, rispecchia esattamente i gradini e le alzate della scala esistente per creare un anfiteatro di profili per il dibattito critico e la riflessione. La mostra aspira a deviare la monotonia dell’archetipo dello ‘stand-and-look’spettacolo creando uno spiazzo in mezzo alla congestione per riflettere sul materiale raccolto e sulle voci riunite. L’installazione centrale, la piramide, non è solo un manufatto urbano, ma anche un’esposizione; un’installazione abitabile da indagare ed esplorare.

L’architettura, almeno nella forma e nella quantità qui convocata, potrebbe essere vissuta al meglio in uno stato di distrazione. Le nazioni nordiche sono state messe in terapia. Sebbene possa sembrare che Finlandia, Norvegia e Svezia siano all’apice della piramide, avendo raggiunto un equilibrio a livello statale tra una società capitalista e lo stato sociale, venerato in tutto il mondo, devono anche affrontare sfide complesse. Dalle preoccupazioni relative alle esigenze di immigrazione e di integrazione sociale, all’invecchiamento della popolazione e al riallineamento in una nuova, o prossima, economia post-industriale, “In Therapy” ha riunito elementi inconsci e coscienti (la piramide dei progetti e una raccolta di riflessioni, rispettivamente) al fine di far emergere le connessioni ei conflitti tra l’architettura e la società nordica in generale.È l’architettura, nel suo ruolo più ampio di pratica spaziale, sociale e culturale, che si trova al centro di questo discorso.

Padiglione Perù: “La nostra prima linea per l’Amazzonia”
Il nostro Amazon Frontline fa riferimento a un vasto progetto culturale, sociale e ambientale volto a proteggere la foresta pluviale amazzonica e a coinvolgere le comunità locali nel processo. Un progetto pubblico iniziato nel 2015 e promosso dal Ministero dell’Istruzione del Perù, mirava a costruire centinaia di scuole nelle aree rurali della regione amazzonica, remote e spesso prive anche delle infrastrutture più elementari. Il progetto è un dialogo attento con le comunità amazzoniche. Propone un kit di parti modulari che consente di adattarsi a particolari esigenze pedagogiche, condizioni topografiche e dimensioni delle comunità. Il risultato è un’architettura modulare sensibile al clima, rispettosa dello stile di vita amazzonico. Questo progetto si basa sull’architettura per un massiccio programma educativo,restituisce dignità a un popolo storicamente relegato e offre uno spazio per l’incontro equilibrato tra due mondi apparentemente inconciliabili.

I visitatori seguono un nastro stampato con i volti dei bambini amazzonici di Musuk Nolte, e l’impronta della giungla, le “Amazogramas” create da Roberto Huarcaya. Questo nastro è sospeso da un baldacchino di legno, in equilibrio permanente. Sospesi anche un gruppo di tavoli e sedie portati dalle scuole amazzoniche, rivelano le condizioni precarie e dure in cui interagiscono oggi docenti e studenti. L’equilibrio del nastro fragile e ondulato ci costringe, come nella foresta pluviale amazzonica, ad essere responsabili della preservazione del suo equilibrio. Accompagnando questa azione architettonica, la mostra ci immerge nell’Amazzonia peruviana attraverso azioni visive che mostrano l’incommensurabile mistero dei suoi abitanti e danno una vera “radiografia” dell’impenetrabile rigoglio della giungla.

Padiglione delle Filippine: Muhon: Tracce di una città adolescenziale
Tracce di una città adolescenziale, presente e futuro probabile di nove marcatori culturali a Metro Manila. Facendo la differenza nel migliorare la qualità sia dell’ambiente costruito che della vita delle persone, aspira ad essere una piattaforma per un atto collaborativo e collettivo di riflessione sull’ambiente costruito sull’orlo del precipizio. Nel tracciare ogni Muhon attraverso la sua Storia, Modernità e Congettura, la mostra mira a confrontarsi con la ricerca dell’identità attraverso l’ambiente costruito nel contesto di una megalopoli in espansione aggressiva. Si propone di distillare e astrarre l’essenza degli indicatori culturali della città per interpretarne il significato e scoprirne la presenza o la relativa assenza di valore.

Padiglione Polonia: “Edificio Fiera”
E se un edificio potesse essere certificato “commercio equo” come molti altri prodotti commerciali? L’edilizia, nonostante tutti i miglioramenti tecnologici, si basa ancora in gran parte sul lavoro manuale; tuttavia, oltre alla normativa nazionale per la sicurezza dei cantieri, il processo edilizio è comunque caratterizzato da elevati livelli di incertezza e precarietà. Gran parte del padiglione polacco è occupata da impalcature, che sorreggono una serie di monitor che presentano la ricerca dei curatori; un secondo spazio è stato progettato per assomigliare a un’agenzia immobiliare fittizia. L’obiettivo della mostra è creare uno spazio per riflettere su come rendere questo processo non solo efficace ma anche equo, piuttosto che cercare i colpevoli degli abusi che si verificano nelle varie fasi del processo di costruzione.Pertanto i visitatori sono invitati a guardare i film all’interno di una grande struttura di impalcatura, che riempie la sala espositiva principale del Padiglione polacco costruito negli anni ’30. Tavole di legno grezzo forniscono posti a sedere, incoraggiando le persone a trascorrere più tempo.

L’operaio edile è uno dei soggetti più sottorappresentati in architettura, con condizioni di lavoro e rispetto spesso trascurati a favore di scadenze e budget. Per mostrare la portata di questo, hanno prodotto una serie di documentari su diversi cantieri in Polonia. Questi filmati mostrano filmati delle condizioni di lavoro, molti dei quali inducono un senso di vertigine. Mostrano costruttori che si mettono in situazioni potenzialmente pericolose per la vita, nell’uso di macchinari pesanti e in cima a grattacieli. I film includono anche interviste in cui i costruttori condividono le loro esperienze personali, che vanno dalla durata della giornata lavorativa alla formazione e al pagamento. Presentando le storie di persone direttamente coinvolte nel processo edilizio, il progetto si chiede se il commercio equo sia realizzabile sul campo.

Padiglione Portogallo: Quartiere: dove Alvaro incontra Aldo
Il padiglione espone quattro notevoli opere di Siza, nell’ambito dell’Edilizia Sociale – Campo di Marte (Venezia); Schilderswijk (L’Aia); Schlesisches Tor (Berlino); e Bairro da Bouça (Porto) – esponendo la sua esperienza partecipativa come una comprensione peculiare della città e della cittadinanza europea. Questi progetti hanno creato veri e propri luoghi di “vicinato”, tema importante dell’attuale agenda politica europea, verso una società più tollerante e multiculturale. Siza ha sviluppato quei concetti a contatto con la cultura architettonica italiana, in particolare con l’eredità concettuale di Aldo Rossi, il cui importante saggio L’architettura della città è stato pubblicato esattamente cinquant’anni fa.

Siza progettò un tessuto urbano basato sulla struttura allungata dell’antica divisione catastale, tracciata dal Canale della Giudecca alla Laguna e riprendendo alcuni archetipi architettonici dell’isola. Siza apprese a individuare le invarianti tipologiche del tessuto abitativo popolare della Giudecca interna e da cui emergevano le chiese ei palazzi ai margini del canale e della laguna. Siza ha optato, nel suo piano generale, per una composizione urbana coesa, uniformità di altezza e finestre disposte a ritmo costante lungo le ampie facciate. Questo “meta-progetto” fu poi interpretato da Aldo Rossi, Carlo Aymonino e Rafael Moneo, invitati a progettare diversi edifici adiacenti al quartiere assegnato ad Álvaro Siza, in Campo di Marte.

Padiglione Romania: Selfie Automaton
La mostra è composta da 7 automi meccanici, con 42 costruiti in marionette, 37 umani e 5 creature. Tre degli automi sono stati collocati nel Padiglione Romeno ai Giardini, altri tre nella Nuova Galleria dell’Istituto Romeno di Cultura e Ricerca Umanistica, e un nomade che si aggira per le strade di Venezia. Caricature di personaggi, animali fantastici, uova d’oro, carillon e riflessi specchiati sono assemblate in parti di spettacolo predefinite che mettono il visitatore sul palco, in varie posizioni, come dinamo e burattino allo stesso tempo. Gli autori propongono così un ritratto generico di relazioni sociali, stereotipi e desideri, scomposti, da ricomporre dall’immaginazione dell’utente, in un autoritratto introspettivo, o magari in un selfie.Potrebbe essere solo intrattenimento o può essere visto come uno spettacolo assurdo. Pone alcune domande, ma di certo non dà risposte.

Per definire il ruolo che è stato dato alle marionette nella mostra, gli autori di “Selfie Automaton” si sono avvicinati al teatro di figura, dove è comune che il manipolatore giochi con i significati e le possibilità di controllo. “Selfie Automaton” riflette sui personaggi e le azioni incarnate dai burattini che non sono altro che parti disperse del nostro e possono essere combinate o divise, alla ricerca di un autoritratto, sia esso di un architetto o di chiunque altro. Maniglie e pedali rendono possibili i vari spettacoli, se dotati di una sola forza umana. Ciò che rimane, ancora, è la questione dei modelli predeterminati. Che esistano davvero, che ne siamo parte, le loro vittime oi loro generatori. La mostra pone il visitatore in varie relazioni con i suoi oggetti di intrattenimento e se stesso,dal lasciargli il conforto o il disagio dell’osservatore lontano, fino a farne una ballerina gigante in un micro banchetto, una vittima di una commissione kafkana, o un mendicante di desideri.

Padiglione Russia: VDNH
VDNH Urban Phenomenon, esamina il significato globale del parco “dato che il mondo intero è interessato alla questione di come sviluppare il potenziale intellettuale della società e come creare meccanismi efficaci per l’assimilazione culturale. Il VDNH non si limita a fornire ai cittadini il tempo libero, ma ha un missione educativa e culturale.La coerenza di questo insieme urbano, la diversità dei suoi spazi pubblici e la sua collana di padiglioni nazionali e tematici creano un territorio capace di accumulare e moltiplicare l’energia intellettuale e culturale della società, ed è questo che nella ultima analisi ci sta aiutando a vincere la battaglia per la qualità della vita La mostra coinvolge arte e tecnologie multimediali per parlare del passato, presente e futuro del VDNH Inoltre,una sezione dedicata alla storia della mostra presenta manufatti di epoca sovietica mentre c’è anche una video installazione che immerge i visitatori nell’atmosfera del VDNH

Oggi, l’area VDNH è attivamente rinnovata, attirando il pubblico con l’ausilio di mezzi urbanistici, architettoniche e tecniche educative. L’esperienza ha dimostrato che questo metodo si rivela vincente: quando i piaceri primitivi vengono sostituiti con quelli intellettuali, il numero dei visitatori aumenta. Lo studio di questo processo è diventato il tema principale del progetto VDNH URBAN PHENOMENON: quando facciamo conoscere ai visitatori l’atmosfera unica della mostra, la sua ricca storia e manufatti unici, allo stesso tempo, esploriamo il meccanismo per creare uno spazio di cultura e pari opportunità, che soddisfa le esigenze delle persone moderne. L’esposizione del Padiglione Russo non si concentra solo sulle fasi della complessa formazione, ma funge anche da laboratorio in cui si elaborano strategie per il suo sviluppo futuro.

Padiglione della Serbia: Heroic: spedizione gratuita
La mostra come momento di totale passione ed entusiasmo giovanile per esporre le proprie insicurezze sulle difficoltà di trovare lavoro nell’attuale mercato del lavoro dell’architettura. Il progetto mette a fuoco la professione dell’architetto, riportando dalle proprie fila la problematica posizione sociale contemporanea dell’architettura e rilevando la necessità di trovare nuove possibilità di azione. L’interno a scafo del padiglione serbo, che ricorda il racconto biblico dell’arca di Noè: Il diluvio è in corso. L’interno dell’arco, nascondiglio della ribellione, irradia speranza. È stata disegnata la trincea della rivoluzione, dal ponte inferiore remiamo verso il tesoro, bagnandoci nel Blu, che non ha confini e non una sola goccia di cattivo sangue.

L’arca è costruita in compensato e pannelli di filamenti orientati e rivestita con uno strato di resina blu oltremare. Una rotta di navigazione congiunta si presenta come una possibile uscita dal fronte del sentimento onnipresente di costrizione e ansia sistemiche. Una colonna sonora di tastiere sferraglianti riempie lo spazio, mentre 28 prese di corrente sono installate lungo i bordi curvi dell’installazione, entrambe destinate a rendere omaggio al duro lavoro degli architetti in tutto il paese.

Padiglione delle Seychelles: tra due acque, alla ricerca di espressione alle Seychelles
Between Two Waters, Searching for Expression in the Seychelles, la mostra si affaccia sul Canal Grande e trasporta i visitatori nell’arcipelago di 115 isole, la nazione meno popolata dell’Africa, esplorando l’identità di questa nazione e indagando anche l’architettura della vita quotidiana in le isole paradisiache. La mostra contiene un rifugio parzialmente costruito che incorpora elementi di architettura vernacolare e centinaia di messaggi pubblicati da residenti e visitatori delle Seychelles, che attraversano i confini etnici e generazionali. Le immagini, che rappresentano la cultura della nazione, mostrano come l’architettura è cambiata nel tempo, simile al flusso e riflusso dell’acqua intorno a loro. Sono inoltre presenti sette progetti di diversa tipologia e programma,agendo come rappresentazioni dell’architettura che è emersa mentre le Seychelles cercano la sua voce nell’ambiente costruito. Verrà mostrato anche un video che descrive la negoziazione in corso tra fantasia e realtà, rappresentata da due acque, la pioggia e il mare.

Il padiglione apre una finestra sui paradigmi contrastanti affrontati dagli architetti nelle isole paradisiache, invitando i visitatori a confrontarsi con un’architettura della vita quotidiana. Guardando oltre la stravagante economia delle vacanze e il catastrofismo ambientale che dominano la percezione popolare delle isole, l’azienda di lunga data delle Seychelles dà voce architettonica al contesto locale. Un video racconta una negoziazione in corso tra fantasia e realtà, rappresentata da due acque: la pioggia e il mare. Un rifugio parzialmente costruito incorpora elementi simbolici dell’architettura vernacolare e presenta messaggi di centinaia di residenti e visitatori delle Seychelles, che attraversano i confini generazionali ed etnici. Da sotto un tetto ondulato,i visitatori possono osservare in immagini in movimento le contraddizioni polarizzate degli stili di vita che trovano oggi rifugio alle Seychelles. Il risultato è un ibrido di culture e un affascinante bricolage architettonico.

Padiglione di Singapore: al “fronte interno”
“Space to Imagine, Room for Everyone” va oltre le sue infrastrutture, il paesaggio urbano moderno e oltre le mura delle dimore private per osservare come la città e le sue persone interagiscono e utilizzano gli ambienti. Il tema celebra le persone e le loro azioni creative nel forgiare legami sociali, nuove identità e connessioni da posizionare. Il Padiglione di Singapore presenta una selezione di opere in tre segmenti: Persone e le loro case, Persone che lavorano la terra e Persone che coinvolgono la città. In due grandi temi (terreni archetipici), ad ogni scala, al confine tra sfera privata e sfera pubblica, si mettono in atto azioni come partecipazione, contestazioni, attivazioni, appropriazioni, trasgressioni e occupazioni. Tutto questo avviene nel tessuto edilizio e urbano, nei terreni, nei ponti vuoti,nelle dimore private dei loro complessi residenziali e nei loro spazi pubblici. Lo scopo di questa “batteria di azioni” è quello di forgiare una nuova società costruita sui guadagni della precedente generazione più austera.

Il Padiglione di Singapore di 240 metri quadrati, situato presso l’edificio Sale d’Armi nella regione dell’Arsenale, presenta un’esposizione centrale di 81 lanterne personalizzate che illuminano fotografie che invitano i visitatori a dare un’occhiata nelle case di ogni famiglia per scoprire la loro vita ordinaria e lo spazio che chiamano proprio. Anche manufatti e filmati di interviste fanno parte della mostra. Raccontano le storie di cittadini e famiglie che escono e intraprendono azioni per adottare e possedere i loro ambienti, come i mattoni di fango realizzati dalla comunità per le pareti del loro nuovo edificio. Nel capovolgere Singapore, si spostano oltre l’essere produttivi e tecnocratici, per essere creativi ed egualitari. Quindi, queste “battaglie” al fronte sono un toccante resoconto visivo della loro capacità umananel guardare al passato con occhi nuovi e, in generale, nei loro tentativi di umanizzare gli ambienti di Singapore.

Padiglione Slovenia: Home@Arsenale
Il padiglione sloveno presenta una biblioteca a graticcio che esamina il ruolo della “casa” nell’anno 2016, affrontando temi domestici come questioni critiche, sociali e ambientali. Architetti, artisti, critici e curatori di varia provenienza partecipano con la loro selezione di libri che affrontano le nozioni prescritte di ‘casa’ e ‘dimora’. i partecipanti, tra cui tatiana bilbao, pezo von ellrichshausen e konstantin grcic, sono invitati a diventare residenti temporanei dell’installazione per un’ora o un giorno, ospitando eventi dal vivo che mettono in discussione ciò che definisce una residenza contemporanea.

Fin dagli albori della civiltà, le strutture abitative hanno costruito la parte predominante del nostro ambiente edificato e sono servite a soddisfare i nostri bisogni più elementari. Dovrebbero mirare oltre la semplice sopravvivenza per fornire le condizioni necessarie per una vita significativa.’ dopo la Biennale, l’installazione — ei suoi 300 libri — si trasferiscono al museo di architettura e design di Lubiana, per essere continuamente disponibile per l’uso pubblico. L’installazione abita la sua posizione arsenale con una struttura spaziale contenente una collezione di libri e oggetti domestici. lo schema a grandezza naturale, composto da scaffali in legno, funge sia da biblioteca elevata che da dimora astratta che incoraggia i visitatori ad abitare la sua struttura a traliccio.la biblioteca sfida le divisioni private/pubbliche convenzionali con un ambiente pubblico temporaneo.

Padiglione del Sud Africa: Cool Capital: la capitale della cittadinanza del design guerriglia
“The Capital of Uncurated Design Citizenship”, mette in mostra una selezione di progetti di Cool Capital, presenta risultati fisici di successo e soluzioni pratiche alle sfide urbane, un esperimento urbano e un lavoro d’amore per Mathews e un piccolo team di architetti, artisti e designer dedicati. Il laboratorio urbano di Cool Capital è Pretoria, la capitale amministrativa del Sudafrica situata 60 km a nord di Johannesburg. Spesso trascurata come destinazione turistica internazionale, Pretoria è una tipica capitale senza sbocco sul mare: esiste la percezione che questa città, popolata da edifici governativi storici, monumenti stoici e molti ricordi di un passato scomodo, sia sospesa in una distorsione temporale passata e poco interessante.Il padiglione sudafricano dimostra che, cortocircuitando i consueti processi burocratici di autorizzazioni e approvazioni, una città può essere efficacemente democratizzata in senso creativo, portando a un sostanziale e sostenibile empowerment e, soprattutto, a un nuovo tipo di coesione sociale per il Sudafrica .

La chiamata creativa di Aravena si riferisce al potere dei cittadini di diventare agenti attivi nel creare, plasmare e re-immaginare il proprio ambiente costruito, ed è esattamente con questo spirito che è stato lanciato Cool Capital. Partendo con un numero relativamente basso di partecipanti, il progetto si è rapidamente trasformato in un movimento cittadino con oltre 1000 partecipanti attivi e un seguito sempre crescente sui social media. Localmente indicata come la prima biennale di guerriglia fai-da-te non curata al mondo, l’intento di Cool Capital era semplice: rimuovere il rapporto burocratico tra i cittadini e lo spazio pubblico e incoraggiare un nuovo apprezzamento di dove vivono.Il progetto ha incoraggiato i cittadini a riscoprire parti emarginate o dimenticate della città ea collaborare e diventare agenti attivi nel ripensamento creativo di Pretoria come casa, luogo, destinazione e capitale. Tutti i progetti di Cool Capital hanno sfidato, celebrato o livellato lo status quo.

Padiglione Spagna: incompiuto
Vincitore del Premio Leone d’Oro
Unfinished, si concentra sul gran numero di edifici incompiuti e/o abbandonati in Spagna, conseguenza della frenetica espansione del settore edile che il paese stava vivendo prima della crisi finanziaria del 2008. La mancanza di una strategia di pianificazione a lungo termine e di una riflessione sulla reale utilità di quei progetti, spesso concepiti con il solo scopo di ottenere un profitto a breve termine, hanno prodotto un numero enorme di edifici abbandonati subito dopo l’inizio della crisi, perché non esisteva più una ragione economica per il loro completamento e/o manutenzione . La mostra presenta progetti che sono stati in grado di creare nuove opportunità da queste rovine moderne, trasformandole e convertendole in qualcosa eventualmente in grado di incontrare gli spagnoli’s reali esigenze invece di affascinarli con una finta “grandeur” architettonica.

La mostra raccoglie esempi di architetture prodotte negli ultimi anni, nate dalla rinuncia e dall’economia, progettate per evolversi e adattarsi alle necessità future e confidando nella bellezza conferita dal passare del tempo. Questi progetti hanno recepito le lezioni del recente passato e considerano l’architettura come qualcosa di incompiuto, in costante evoluzione e veramente al servizio dell’umanità. L’attuale momento di incertezza nella nostra professione rende qui particolarmente rilevante la sua considerazione. I temi dell’incompiuto, del design propositivo e della continua trasformazione sono perfettamente espressi dall’architettura espositiva, composta da profili metallici e fotografie incorniciate in legno chiaro a formare una serie di “matrici incomplete”. Inoltre, in una stanza separata, videointerviste ad architetti,accademici e critici di architettura sono proiettati su una pila di scatole di cartone.

Padiglione del Sudan: Nubia, il Regno sfollato
La mostra interroga fondamentalmente l’eleganza del contenimento e le ragioni per cui un approccio classico in architettura ha senso in situazioni remote. il nuovo museo è progettato principalmente per proteggere gli oggetti scavati dalle dure condizioni causate da sole, tempeste di sabbia, pioggia e saccheggi. la mostra offre un’impressione generale sia dello schema che del suo contesto. include modelli, interviste a persone legate ai naga, un film incentrato sullo scavo archeologico e una piccola gamma di oggetti provenienti dallo scavo stesso.

Naqa è un’antica città del Sudan moderno. accessibile solo tramite piste di sabbia, si trova a una cinquantina di chilometri a est del Nilo ed è uno dei più grandi siti storici del paese con resti e rovine di un’antica città che un tempo era uno dei cuori del regno di meroë. il paesaggio desertico è incorniciato da una montagna e, a parte una piccola casa di guardia e un edificio temporaneo degli archeologi, l’area appare completamente incontaminata. Chipperfield offre un tipo di architettura classico che mira a trascendere le tendenze e resistere alla prova del tempo. inizia la descrizione del suo progetto per le rovine di naqa affermando che non c’è niente di meno attraente di un centro visitatori. di conseguenza, lo schema infonde una semplicità, pertinenza e una sensibilità che si prende cura del paesaggio antico. una volta completato il museo,illustra un esempio di come affrontare un patrimonio di forte valore in luoghi con risorse limitate.

Padiglione Svizzera: “Spazio incidentale”
“Spazio incidentale”, sottolinea come la rappresentazione dell’ambiente costruito possa alterare la natura stessa dell’architettura, l’installazione interattiva è finalizzata ad indagare le possibilità, sia in termini di fattibilità tecnica che di limiti della nostra stessa immaginazione, di come pensare, costruire e vivere l’architettura in modo diverso. Negli ultimi anni, la libertà creativa degli architetti è stata fortemente frenata da un enorme – e crescente – fardello di regole e regolamenti. Il fatto dell’autonomia dello spazio espositivo, e della sua distanza dal mondo quotidiano dell’architettura pubblica e privata, ha un potenziale come base per un pensiero e un agire autonomi che vengono sempre più riconosciuti e utilizzati. in questo caso, l’autonomia non è da intendersi come l’art pour l’art autoreferenziale,ma come opportunità protetta di devianza, presupposto per il successo di nuove forme di socialità in un mondo altamente tecnologico e di tale complessità che nessuno può più avere una visione univoca.

“Spazio incidentale” è un’esperienza che si svolge in un luogo specifico, giustificandosi lì, stando solo per se stesso, come un’affermazione o una tesi; non per servire da illustrazione di qualche altro spazio al di là di se stesso, o per indicare una particolare tendenza in architettura. Il progetto tenta di esplorare i limiti esterni di ciò che può essere raggiunto oggi nell’architettura, ponendosi domande come: “come puoi usare il mezzo dell’architettura per contemplare uno spazio architettonico che sia interamente astratto e il più complesso possibile?”, e ” come potrebbe essere visualizzato questo tipo di spazio immaginario e come potrebbe essere prodotto?’. Offrendo un piccolo spazio con la massima complessità possibile e con infinita estensione interna. uno spazio il cui carattere visivo non può essere qualcosa di facilmente decodificabile,facendo in modo che non raffiguri o rappresenti nessun altro spazio, ma sfidi l’univocità e si sottragga a qualsiasi leggibilità univoca. “spazio incidentale” non corrisponde in alcun modo a ciò che l’architettura è stata considerata spazio architettonico.

Padiglione Thailandia: Classe 6.3
Il Padiglione della Thailandia assomiglia a un campo di fieno increspato dal vento. Centinaia di pali sottili, posti al centro di uno spazio oscurato, oscillano lentamente dopo che i visitatori inevitabilmente li sfiorano mentre li attraversano. Tuttavia, non è un’allusione a un paesaggio pacifico, ma al senso di incertezza e precarietà che rimane dopo un terremoto.

Nel 2014, un terremoto di magnitudo 6,3 ha colpito la provincia di Chiang Rai nel nord della Thailandia, distruggendo edifici pubblici e privati. Dopo quel drammatico evento, l’associazione Design for Disasters ha avviato un progetto chiedendo a nove architetti thailandesi di progettare nove edifici scolastici, in team con designer, ingegneri, educatori e dirigenti scolastici. La mostra presenta questi progetti: nove scuole elementari antisismiche, tutte realizzate con il coinvolgimento delle comunità locali, che ricreano spazi educativi adeguati per i bambini e stimolano una riflessione sul rapporto tra buona architettura e processo educativo.

Padiglione Turchia: Darzanà: due arsenali, una nave
Nel Padiglione della Turchia, una nave, Baştarda, è stata costruita con materiali dismessi trovati nel vecchio cantiere navale di Istanbul e trasportata a Venezia per suggerire un nuovo collegamento nel Mediterraneo. Lunga 30 metri e pesante quattro tonnellate, la nave è stata costruita con più di 500 pezzi tra cui sette chilometri di cavo d’acciaio e materiali abbandonati trovati sul posto tra cui stampi in legno, mobili scartati, insegne e barche.

Il titolo del progetto Darzanà significa cantiere navale ed è una parola ibrida, originata dal linguaggio comune sviluppatosi nel Mediterraneo dall’XI al XIX secolo tra popoli come marinai, viaggiatori, mercanti e guerrieri. Conosciuta come Lingua Franca, questa era una lingua condivisa quando il Mediterraneo era il principale vascello che collegava le culture circostanti. Allo stesso modo è possibile parlare di un linguaggio architettonico comune e definirlo come Architectura Franca. Nonostante le loro identità e popolazioni odierne molto diverse, Venezia e Istanbul un tempo presentavano entrambi notevoli cantieri navali di dimensioni e produzione simili. Il capannone è l’elemento costitutivo di un patrimonio architettonico condiviso; le sue proporzioni derivano dalle dimensioni delle barche e dalle comuni tecnologie costruttive.Darzanà collega un capannone di Istanbul con un capannone di Venezia da una nave. Per il progetto Darzanà, un’ultima nave, Baştarda è stata costruita all’inizio di quest’anno in un capannone abbandonato nei cantieri navali di Haliç a Istanbul.

Padiglione Ucraina:
La mostra apre un dialogo su un tema cruciale del nostro tempo: immaginare il futuro delle città in luoghi di conflitto in corso. Architettura e design giocano un ruolo nello stato di cose esistente? Possiamo apportare cambiamenti fondamentali ai presupposti che determinano il modo in cui viviamo e prosperiamo negli ambienti urbani dei nostri conflitti regionali? Izoliatsia. Platform for Cultural Initiatives si propone di dare maggiore visibilità alla complessità di questi contesti conflittuali. il conflitto in Ucraina serve da catalizzatore per promuovere una considerazione tanto necessaria e più profonda dell’ambiente costruito contemporaneo all’interno della Rust Belt della regione del Donbas? Architecture Ukraine – Beyond the Front espande questo materiale applicando le indagini sviluppate durante la residenza alla città natale di Izolyatsia, Donetsk.

La mostra presenta i risultati della residenza internazionale Architecture Ukraine, tenutasi a Mariupol nell’estate 2015, nonché materiali e interviste relativi alle opportunità architettoniche e alle sfide urbane della vita a Donetsk, ottenuti da fonti web aperte. Il progetto riflette su ciò che sta accadendo “oltre la linea del fronte” giustapponendo le storie di Mariupol e Donetsk, città vicine della regione di Donetsk, ora poste ai lati opposti dei fragili confini. La mostra consiste in visualizzazioni di dati, interviste, modelli, film e materiale stampato per coinvolgere i visitatori con la diversità, la storia e la cultura della regione del Donbas in Ucraina. Nuovi metodi di comprensione e descrizione delle città promuovono e informano approcci radicali per ripensare i nostri ambienti costruiti.La mostra intende confrontarsi con la storia antropologica, economica, sociale e culturale analizzando i confini sociali e geografici che limitano o espandono le dinamiche delle città.

Padiglione degli Emirati Arabi Uniti: Trasformazioni: La Casa Nazionale degli Emirati
La mostra esplora l’aspetto trasformativo del modello abitativo delle Case Nazionali degli Emirati, note come case sha’abi (folk). Si concentra su come un modello abitativo standard è stato adattato dai residenti a case individualizzate, riflettendo così la loro cultura e i loro stili di vita. Questo tipo di alloggio è stato introdotto negli anni ’70 per sistemare una popolazione transitoria e urbanizzare una nazione emergente. Architettonicamente si basava su un semplice schema: una tipologia abitativa a corte derivata da precedenti tradizionali. Con l’evolversi delle esigenze dei residenti, si sono verificati una serie di cambiamenti. Questi erano funzionali: aggiunta di stanze, ampliamento degli spazi abitativi e innalzamento dei muri di recinzione per garantire la privacy. Altre modifiche erano per ragioni estetiche o simboliche; sostituzione portoni d’ingresso,ridipingere le pareti esterne ed elaborare il paesaggio. La casa rifletteva le esigenze, la cultura e lo stile di vita dei suoi abitanti. Le modifiche hanno portato alla diversità visiva, allontanandosi da un aspetto monotono. Presentando questo caso, il padiglione spera in primo luogo di spostare il discorso sull’ambiente urbano negli Emirati Arabi Uniti a uno che sia radicato nella vita quotidiana dei suoi cittadini.

In secondo luogo, presentare un esempio in cui gli architetti hanno fornito ai residenti gli strumenti necessari per modificare il proprio ambiente. La storia della casa nazionale è raccontata attraverso tre sezioni tematiche: una parte storica che documenta le origini di queste case; una scala di quartiere/città che mostra la diversità e la prevalenza di questo tipo di alloggio negli Emirati Arabi Uniti; e infine la scala casa/edificio che consente ai visitatori di sperimentare le qualità architettoniche e urbane della Casa Nazionale degli Emirati. La mostra presenta materiali storici e tecnici tra cui un’analisi architettonica dettagliata di un’attuale casa nazionale, ritagli di giornale d’archivio che documentano l’inizio del programma National Housing e fotografie degli anni ’70 del fotografo olandese Gerard Klijn.Inoltre, la mostra include una serie di nuove immagini appositamente commissionate dal fotografo degli Emirati Reem Falaknaz.

Padiglione degli Stati Uniti d’America: L’immaginazione architettonica
The Architectural Imagination è una mostra di nuovi progetti architettonici speculativi progettati per siti specifici a Detroit ma con applicazioni di vasta portata per le città di tutto il mondo. La mostra sottolinea l’importanza e il valore dell’immaginazione architettonica nel plasmare forme e spazi in eccitanti possibilità future per tutti i cittadini di Detroit. Detroit era un tempo un centro dell’immaginazione americana, non solo per i prodotti che produceva, le automobili, la musica e molto altro, ma anche per la sua architettura moderna e il suo stile di vita moderno, che ha affascinato il pubblico di tutto il mondo. Ora, come molte città postindustriali, Detroit sta affrontando una densità e un’immagine urbane cambiate che hanno generato molto pensiero nella pianificazione urbana. Tuttavia, usciti dalla bancarotta, c’è nuova eccitazione a Detroit per immaginare la città’s possibili futuri, sia nel centro della città che nei suoi numerosi quartieri.

Credendo nel potenziale dell’architettura di catalizzare il cambiamento, i curatori hanno selezionato pratiche architettoniche americane visionarie per affrontare questi futuri. Gli architetti hanno lavorato con i residenti di Detroit per comprendere le aspirazioni del quartiere prima di ideare i programmi e le forme qui esposte. I progetti non solo dimostrano il valore e la diversità dell’immaginazione architettonica, ma hanno anche il potenziale per stimolare l’immaginario collettivo e quindi avviare nuove conversazioni sull’importanza dell’architettura a Detroit e nelle città di tutto il mondo. La mostra ha selezionato dodici pratiche architettoniche visionarie americane per produrre nuovi lavori che dimostrino la creatività e l’intraprendenza dell’architettura per affrontare le questioni sociali e urbane di Detroit nel 21° secolo.

Padiglione Uruguay: Reboot Architecture lezioni dalla “guerriglia Tupamara” e dall’incidente aereo delle Ande
Reboot, il caso dell’Uruguay era quello di inviare un segnale, scavando una buca profonda nella sala espositiva. Lo sfondo di questa idea risiede nella storia del paese e si riferisce al movimento Tupamaros degli anni ’60, i cui attivisti usavano le infrastrutture invisibili delle città come nascondigli sotterranei. Un altro fatto storico è il disastro aereo delle Ande, dove l’aereo era sia la tomba di molti passeggeri che la “casa” dei sopravvissuti. Due esempi della storia che dimostrano ai visitatori – in linea con lo spirito provocatorio della Biennale – che l’architettura può essere generata anche da persone diverse dagli architetti professionisti, grazie al sopravvivere, che diventa trampolino di lancio per la creatività degli esseri umani.

Se questo fatto sottolinea che arte e architettura condividono molto nella ricerca di nuove risposte ai problemi del nostro tempo (architettura del bisogno), l’idea di “rebootATI” è stata quella di incoraggiare i visitatori a “raccogliere oggetti da altri padiglioni, al fine di creare un relazione transnazionale comune da archiviare, confezionare e successivamente spedire per la mostra a Montevideo”, durante la Biennale di Montevideo. I visitatori sono stati dotati di ‘mantelli dell’invisibilità’ e invitati a prendere qualsiasi oggetto gli piacesse da altri padiglioni – in linea con la propria etica personale – trasformando quello che in realtà è un furto in una “specie di azione sovversiva”, per la raccolta comunitaria. Visitatori e critici furono davvero presi da questa idea artistica e provocatoria, ma gli organizzatori della Biennale non furonot abbastanza impressionato e ha deciso di sospendere l’iniziativa. Tuttavia, abbiamo alcune foto in modo che, sulla falsariga della filosofia della webcreativity, possano viaggiare lungo la superficie del tempo e rimanere come una testimonianza nell’eterno presente del tempo del web.

Padiglione dello Yemen: il bellissimo Yemen
Bellissimo Yemen, l’installazione è stata concepita per farti conoscere l’architettura vernacolare unica, sofisticata e impressionante dell’Arabia Felix. L’architettura vernacolare yemenita è un esempio di una tradizione viva in grado di generare ricchezza sociale ed economica e di attrarre persone di diverse professioni, come viene mostrato.

Eventi collaterali

Attraverso le città cinesi – China House Vision
Università IUAV di Venezia, Promotore: Beijing Design Week (BJDW)
Across Chinese Cities è un programma internazionale organizzato e promosso dalla Beijing Design Week (BJDW) sin dal suo lancio alla 14. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia (2014). Nell’ambito di questa serie in corso, la mostra curata da Beatrice Leanza (BJDW) e Michele Brunello (Dontstop Architettura), nasce dal progetto House Vision, una piattaforma panasiatica di ricerca e sviluppo multidisciplinare avviata dal designer Kenya Hara per il Giappone nel 2013. House Vision è un’esplorazione del ‘futuro applicato’ nell’abitazione domestica esercitata da team combinati di studi di architettura e aziende leader del settore di vari settori.

Across Chinese Cities – House Vision presenta per la prima volta il corpo di ricerca finora prodotto con un team di architetti ed esperti con sede in Cina. Affronta il ruolo e l’habitat in evoluzione della pratica architettonica nella Cina di oggi, rendendo manifesti i fenomeni contestuali e le traiettorie di ricerca dietro 14 proposte architettoniche. Raggruppati in cinque cluster tematici (The Hybrid Unit, Dematerialized Space, Rural Frontiers, Community Plus e Home Kitchen) sono presentati attraverso un sistema integrato di archivi materici, digitali e documentali ideati per guidare la fruizione dei visitatori in una serie di scenari interazionali .

Stratagemmi in Architettura: Hong Kong a Venezia
Arsenale, Castello, Promotori: The Hong Kong Institute of Architects Biennale Foundation; Consiglio per lo sviluppo artistico di Hong Kong Kong
Hong Kong è una città nota per la sua versatilità e resilienza; eppure ciò che spesso si riscontra nella vita quotidiana è rigidità e mancanza di alternative. L’architettura, in tale circostanza, diventa un’agenzia che riflette sulle condizioni umane, sociali e persino politiche, e allo stesso tempo plasma i valori del pubblico. Da un lato si conforma alle regole del capitalismo e della domanda privata; dall’altro, cerca di trascendere la norma e di aprire l’immaginazione. Ciò che sta nel mezzo potrebbe essere conflittuale e creare campi di battaglia infiniti e in continua evoluzione. Le nuove idee vengono messe alla prova al limite; possono fallire o possono trasformarsi in un nuovo insieme di valori.

Il saggio cinese classico Trentasei Stratagemmi è una raccolta di tattiche militari applicate alle guerre nell’antica Cina suddivise in capitoli che illustrano situazioni diverse. La saggezza fornisce guide nella politica, negli affari e nell’interazione civile nei tempi moderni. Prendendo spunto dal classico, gli espositori esaminano le sfide che devono affrontare e cercano di fornire soluzioni alla complessità della realtà.

Coesistenza
Arsenale, Promotore: Instituto Cultural do Governo da RAE de Macau (ICM)
Macao, un porto redditizio di importanza strategica per lo sviluppo del commercio internazionale in territorio cinese, divenne un insediamento portoghese a metà del XVI secolo e tornò in Cina nel 1999. Il “Centro storico di Macao” è un insieme di una serie di luoghi nel centro storico della città che testimoniano l’assimilazione e la convivenza unica delle culture cinese e portoghese. È stato iscritto nella lista del patrimonio mondiale dell’UNESCO nel 2005 e rappresenta l’eredità architettonica del patrimonio culturale della città.

Questa mostra offre l’opportunità interattiva di rivedere come possiamo imparare dai “vecchi” edifici e dal contesto urbano esistente di Macao in un modo “nuovo”. La mostra esplora l’idea di ricondizionare gli spazi storici per l’uso domestico. Presentando una serie di recenti progetti di restauro e rigenerazione, oltre a mostrare le tecniche costruttive tradizionali (forse scomparendo) e i materiali locali che vengono riscoperti, riutilizzati e applicati durante il processo di rifacimento nel passato e nel presente, si potrebbe essere in grado di comprendere le coesistenti relazioni est-ovest tra gli approcci architettonici e il Centro Storico.

Architettura quotidiana Re: Made in Chinese Taiwan
Palazzo delle Prigioni, Promotore: China National Taiwan Museum of Fine Arts (NTMoFA)
Rispondendo al tema di REPORTING FROM THE FRONT, la mostra esplora le aspirazioni e le possibilità dimostrate attraverso le comuni creazioni dei civili intorno alla loro architettura quotidiana. Di fronte alla sfida ambientale globale/locale e alle questioni sociali, l’evento rilegge il concetto di edilizia civica e reinventa i materiali provenienti dai rifiuti riciclati per impostare il passo successivo verso “migliorare la qualità dell’ambiente costruito e, di conseguenza, , la qualità della vita delle persone”, come afferma il curatore della 15. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia, Alejandro Aravena.

Aftermath_Catalogna a Venezia. Architettura oltre gli architetti
Cantieri Navali, Promotore: Institut Ramon Llull
Aftermath si concentra sull’architettura vissuta quando gli architetti non sono più presenti e gli utenti continuano quotidianamente l’esperienza architettonica. Le opere selezionate sono state realizzate negli ultimi 10 anni da architetti catalani. La rappresentazione audiovisiva delle strutture invita a valutarne la qualità e ad osservare e ascoltare come vengono abitate e percorse in modi molteplici e mutevoli. Tutte le opere selezionate condividono un carattere spiccatamente pubblico e la capacità di integrare i paesaggi naturali, urbani e umani, estendendo la funzionalità architettonica alla creazione del bene comune.

Architettura per il popolo dal popolo
Cannaregio, Promotore: Museo di Arte Contemporanea di Teheran
Nell’era in cui l’architettura si presenta sempre più come autoreferenziale, il TMOCA (Tehran Museum of Contemporary Art) offre diversi punti di vista con questa mostra organizzata dalla Faiznia Family Foundation: il contributo di Faryar Javaherian “Architecture at TMOCA: the museum and the permanente collection” mostra l’architettura della costruzione del museo e le opere di architettura che presenta, uno stretto legame tra contenitore e contenuto. Le opere di Parviz Kalantari sulle architetture di fango e paglia delle città del deserto di Kashan sono molto significative.

L’installazione artistica di Felice Ardito “Nakojaabad” (Nowhereland-popolato o “le città invisibili”) è il punto di vista poetico dell’artista sulla vita delle città, la loro trasformazione nel tempo, e il risultato che hanno sui loro abitanti, “perché – come Ardito dice: è la città che fa le persone!”. Il progetto prevede la realizzazione di due “Archi della Pace”, uno in Iran e l’altro in Italia. Amir Anoushfar presenta gli edifici storici ristrutturati di Kashan: l’architettura del passato che si adatta al presente. Il patrimonio culturale dell’Azerbaigian orientale presenta “Tabriz Bazar”: architettura fatta da persone per le persone. Durante il periodo di svolgimento della mostra vengono organizzati laboratori gratuiti per bambini sui temi della mostra: “fff e Cenzino for Kids”.

Architettura Ucraina – Oltre il fronte
Spazio Ridotto, Promotore: Izolyatsia
Architecture Ukraine – Beyond the Front inizia un dialogo su una questione cruciale del nostro tempo: come immaginare di ricostruire e rivitalizzare le città in luoghi di conflitto in corso. La mostra presenta il lavoro del programma di residenza di ricerca di Izolyatsia, “Architecture Ukraine 2015”, che ha riunito professionisti di diversi campi creativi per esaminare le sfide infrastrutturali che segnano Mariupol, una città di confine merlata nell’Ucraina orientale.

Esplora ulteriormente un esame parallelo della città natale della fondazione di Donetsk, attualmente in conflitto, poiché le circostanze creano una divergenza tra le città gemelle del Donbas e gli avamposti su entrambi i lati di un confine de facto instabile. La mostra cerca di sorreggere uno specchio al di là del fronte, esaminando la storia antropologica, economica, sociale e culturale, analizzando i confini sociali e geografici che limitano o espandono le dinamiche delle città.

Branding Islands Making Nations
Università IUAV di Venezia, Promotore: Vertical Geopolitics Lab
Branding Islands Making Nations è un caso di studio concorso destinato ad aprire il discorso sul valore aggiunto nel design, ampliando la chiamata alle armi della 15. Mostra Internazionale di Architettura invitando un ampio campo di operatori spaziali alla Biennale Architettura 2016. Consulenti e designer della comunicazione, marketing e gli esperti di pubblicità speculano sul ruolo del marchio nella creazione di un luogo.

Facilitato dal think-tank Vertical Geopolitics Lab, il quadro concettuale si basa sulla comprensione che le politiche di rappresentazione determinano il successo di un intervento nell’ambiente costruito. Nel caso di un governo che cerca di determinare la fattibilità di una rivendicazione territoriale, i partecipanti hanno il compito di presentare un pacchetto di branding che circonda una massa terrestre artificiale strumentale a legittimare la rivendicazione territoriale di una nazione. I team selezionati rappresentano il mix di parti interessate e problemi in gioco, ampliando le possibilità piuttosto che spostando le responsabilità esponendo i difetti, le scappatoie e le aree grigie nei sistemi come primo passo verso la risoluzione dei conflitti.

Gangcity
Arsenale Nord, Promotore: DIST – Dipartimento Interateneo di Scienze, Progetto e Politiche del Territorio, Torino
Gangcity documenta il fenomeno degli agglomerati urbani privi di ogni tipo di controllo legale, al fine di attivare processi di riappropriazione e cura degli spazi privati ​​e pubblici. Il progetto mira a svelare l’influenza reciproca tra la violenza e la geografia delle città, prestando particolare attenzione alle gang come gruppi primari nati e diffusi nei ghetti urbani, prevalentemente attraverso il coinvolgimento degli adolescenti.

Incoraggiando un mix di discipline e metodologie, Gangcity ha organizzato un simposio internazionale e una mostra fotografica oltre a una varietà di eventi e workshop scientifici. Il tono narrativo che emerge dall’analisi scientifica delle bande integra la narrazione di scienziati sociali, architetti, urbanisti e artisti, che, insieme agli abitanti, sono anche attori dei nuovi cicli di vita dei cluster urbani. Tuttavia, sono stati finalmente liberati dalla violenza delle bande attraverso pratiche socialmente inclusive piuttosto che repressive.

Prospettiva nord
Ludoteca Santa Maria Ausiliatrice, Promotore: Governo Scozzese
Prospect North esplora la Scozia e le sue relazioni con i suoi vicini settentrionali con particolare attenzione alle persone e al luogo. Questo approccio da macro a micro offre una serie di strategie di mappatura innovative, narrazioni individuali, ritratti e immagini che mettono in evidenza il luogo e l’identità della Scozia all’interno di una regione settentrionale economicamente emergente. Prospect North esplora la relazione tra persone, cultura, luoghi, industrie ed economie e come le comunità “periferiche” si stanno rienergizzando attraverso azioni di base e sforzi locali, riconoscendo allo stesso tempo che gli orizzonti geografici della Scozia si stanno espandendo.

Rivitalizzazione per riconciliazione
Fondazione Querini Stampalia, Promotore: IBA Parkstad
Il metodo IBA, che dà a città e regioni una spinta economica, sociale e culturale, è stato presentato per la prima volta alla Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia. Tavole rotonde e conferenze contribuiscono a questo discorso concentrandosi sulle esperienze rilevanti di IBA Parkstad e altri, e sul loro impatto regionale transfrontaliero. Esplorano nuovi modi per affrontare l’urgente bisogno di democrazia nella progettazione spaziale, nella trasformazione urbana in Europa, nella sostenibilità e nel potenziale della cooperazione transfrontaliera. Al dibattito contribuiscono esperti, politici, stakeholders e studenti di architettura di tutta Europa.

«Salon Suisse»: “Svegliati! Un percorso verso una migliore architettura”
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promotore: Consiglio Svizzero delle Arti Pro Helvetia
Curato da Leïla el-Wakil, il duplice obiettivo del Salon Suisse 2016 è discutere e rivalutare le idee fondamentali risultanti da una concezione equilibrata della modernità e partecipare alla definizione di queste linee guida adattate per l’architettura del 21° secolo. Attualmente, grazie alla diffusione globale delle idee, proliferano in tutto il mondo una moltitudine di soluzioni architettoniche innovative, gratuite e significative, spesso basate su lezioni del passato. Si può osservare un potenziamento dell’architettura da parte degli utenti stessi.

Il Salon Suisse offre uno spazio di riflessione su temi come la tradizione come la modernità, il riuso e il riciclaggio, l’autocostruzione, la priorità dell’essere umano e dei suoi bisogni, “Piccolo è bello”, Existenzminimum per tutti e metodi bioclimatici. Architetti, ingegneri, ricercatori, artigiani, registi e artisti svizzeri e stranieri sono invitati a condividere le loro conoscenze ed esperienze attorno al tema di “un’architettura migliore per il domani”.

Sarajevo Now: Museo del Popolo
Arsenale Nord, Promotore: Matica di Bosnia ed Erzegovina
Sarajevo è stata per secoli crocevia e frontiera urbana. Come altre città trasformate da una crescita esponenziale o da una contrazione imprevista, Sarajevo postbellica si confronta con le proprie modalità di pratica informale. Queste condizioni espongono pratiche e lezioni emergenti da una città che abbatte le divisioni e si anima come luogo per la produzione di cittadinanza.

Queste dinamiche riecheggiano forze simili che attraversano i progetti di ricerca e design di Urban-Think Tank, che hanno ispirato una collaborazione tra l’ETH di Zurigo, la città di Sarajevo e il Museo storico attraverso l’iniziativa “Reactivate Sarajevo”. Uno dei momenti salienti di questa partnership è l’evento collaterale alla 15. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia, che presenta lezioni e pratiche emergenti.

Plasmare le città europee. Confronto urbano, democrazia e identità
Cerimonia di assegnazione del Young Talent Architecture Award
Teatro Piccolo Arsenale, Promotori: Fundació Mies van der Rohe e Commissione Europea (Programma Europa Creativa)
La Commissione Europea e la Fundació Mies van der Rohe di Barcellona organizzano il dibattito Shaping European Cities. Confronto urbano, democrazia e identità e assegna il Young Talent Architecture Award (YTAA).

Entrambi gli eventi, finanziati dal programma Europa Creativa, evidenziano la convinzione che soluzioni architettoniche di alta qualità favoriscano la crescita, l’inclusione sociale, la partecipazione democratica e, in definitiva, il benessere individuale e sociale per i residenti delle città. Il nuovo Young Talent Architecture Award (YTAA) del Premio dell’Unione Europea per l’Architettura Contemporanea – Premio Mies van der Rohe mette sotto i riflettori la formazione degli architetti e i loro primi passi nella vita professionale. La discussione è stata aperta alle persone coinvolte nella costruzione dei nostri territori, dai cittadini agli stakeholders, dai policy maker agli esperti di architettura e dai critici agli studenti.

Condivisione e rigenerazione
Palazzo Zen, Promotore: Fondazione EMGdotART
La mostra prende come punto di partenza le richieste e i desideri degli esseri umani riguardo ai loro mezzi di sussistenza. Mira in particolare ai desideri semplici dei residenti riguardo al loro spazio perduto: appelli e sogni che sono sepolti profondamente nelle loro menti e mai prima d’ora sono stati risvegliati. La mostra si compone di tre parti: la rigenerazione delle aree centrali urbane, la rigenerazione della campagna e le nuove aree sperimentali. Può essere schematicamente rappresentato da una serie di cerchi concentrici, che vanno dalle aree interne alla città verso l’esterno e viceversa, rappresentando l’idea di condivisione: condivisione di conoscenze, abilità, emozioni, pensieri, desideri, cure e rispetto del nostro comune passato guardando verso il futuro.

Questi progetti rappresentano il processo che va dalla ricostruzione delle relazioni comunitarie al rimodellamento delle immagini della città e della campagna, in cui gli architetti giocano un ruolo importante. Il passaggio da un processo di progettazione/progettazione guidato da un modello a un processo di progettazione/progettazione guidato dall’azione, orientato alla comunicazione e basato sulla cultura può dare un contributo importante al rinnovamento delle modalità di sviluppo sociale.

Le Foreste di Venezia
Serra dei Giardini, Promotore: Istituto Svedese
Iniziata da Kjellander Sjöberg Architects e curata da Jan Åman, la mostra presenta un’installazione spaziale sensuale e stimolante nella Serra dei Giardini, una serra del 1894. Suggerisce il legno come materiale da costruzione rigenerativo, chiarendo una visione di architettura e urbanità co- esistere con la natura in modo riparativo e adattivo. Le città di tutto il mondo sono minacciate dall’innalzamento del livello del mare, Venezia, una città costruita su dieci milioni di alberi, può servire come esempio di come gestire questo problema globale.

La mostra indaga se dieci milioni di nuovi alberi potrebbero diventare una soluzione, creando nuovi paesaggi urbani ecologici e adattivi. Sette architetti svedesi sono stati invitati a trasformare un elemento del palazzo veneziano in una strategia architettonica per il nostro tempo. Il punto di partenza è il fatto che Venezia è il risultato di un processo dinamico tra ambiente naturale e civiltà.

La metropoli orizzontale, un progetto radicale
Isola della Certosa, Promotore: Archizoom EPFL
“Horizontal Metropolis” è un ossimoro per coniugare l’idea tradizionale di Metropolis (il centro di un vasto territorio, organizzato gerarchicamente, denso, verticale, prodotto dalla polarizzazione) con l’orizzontalità (l’idea di una condizione urbana più diffusa, isotropa, dove centro e sfocatura della periferia). In contrasto con le principali tendenze che vedono le figure della dispersione urbana principalmente come un fenomeno da contrastare, il concetto di Metropoli Orizzontale le considera al di là del tema del “periurbano” e come un bene, non un limite, per la costruzione di un ambiente sostenibile e progetto territoriale innovativo.

Qui l’orizzontalità delle infrastrutture, l’urbanità e le relazioni, l’uso misto e l’accessibilità diffusa possono generare specifici spazi abitabili ed ecologicamente efficienti. In questa cornice di pensiero, la Metropoli Orizzontale funziona come capitale naturale e spaziale, come supporto e luogo di potenzialità. La mostra indaga la Metropoli Orizzontale, il suo spazio, le sue tradizioni e gli stili di vita dei suoi abitanti, la sua attualità come tema progettuale energetico, ecologico e sociale, esplora scenari e strategie progettuali per il riciclo e la riqualificazione delle città-territorio in un progetto radicale.

Terapia del vivere / Terapia del vivere
Magazzino 11, Promotore: Fondazione Biobridge
5.000 anni di rispetto dell’Ambiente Naturale, indossando giade del Cielo come ricerca della qualità della vita, tradotti nelle creazioni di oggi
L’abitare – o il suo dato intrinsecamente architettonico – come ricerca di una migliore qualità della vita. Oggi non può che essere influenzata da fattori sociali, culturali, geopolitici, storici, ambientali, scientifici. Il progetto TERAPIA DELL’ABITARE ruota intorno all’uomo e all’evoluzione rispetto all’ambiente architettonico primario, cioè spazio vitale (il corpo) e spazio in cui vivere (l’ambiente).

La nostra riflessione parte dalla storia, quella dell’Estremo Oriente in particolare, e la scrive attraverso una capsule collection, una preziosa collezione di manufatti in giada – simbolo di protezione dell’individuo da maledizione e pericolo. Una lezione e principi da comprendere, dunque, tradotti nei linguaggi contemporanei dell’arte e della ricerca scientifica (tre artisti e cento studenti del locale Liceo Artistico “Marco Polo” di Venezia).

Tempo Spazio Esistenza
Centro Culturale Europeo, Promotore: Global Art Affairs Foundation
La mostra Time Space Existence presenta architetti provenienti da 6 continenti riuniti in una straordinaria combinazione. Mostra gli sviluppi e i pensieri attuali dell’architettura internazionale, presentando architetti con diversi background culturali e in diverse fasi della loro carriera, ciò che hanno in comune è la loro dedizione all’architettura nel senso più ampio della loro professione, presentando l’architettura attraverso un focus sui concetti Tempo, spazio ed esistenza.

Gli architetti dovrebbero essere molto consapevoli dell’impatto che le loro attività hanno sugli esseri viventi e sul nostro ambiente. Questa mostra mira ad ampliare la nostra consapevolezza umana della nostra esistenza personale come esseri umani all’interno di uno spazio e un tempo specifici.

Senza Terra / Senza Terra
Isola di San Servolo, Promotore: AIAP (Associazione Internazionale Arti Plastiche)
In un punto concordato e fisso viene innalzato un aerostato con le fattezze di un planisfero terraqueo. Mostra la scritta Senza Terra che continua a ruotare su se stessa. Era un segno per tutti coloro che non hanno una terra propria, un luogo dove sostare, un luogo dove incontrarsi, conversare e discutere, per relazionarsi con gli altri.

Sul fondo del pallone aerostatico è stata posta una targa con la scritta di tutti i nomi degli artisti partecipanti al progetto Senza Terra. I nomi erano in ordine alfabetico ma senza la menzione di funzioni e attività come scultore, pittore, fotografo, musicista, letterato o quant’altro. C’erano solo nomi e cognomi di esseri umani che hanno azzerato le loro funzioni sociali.

Progetti Spcail
La 15. Mostra Internazionale di Architettura presenta tre Progetti Speciali, il primo promosso dalla Biennale, gli altri due frutto di accordi stipulati con altre istituzioni, organizzati e realizzati dalla Biennale stessa.

La mostra a cura dell’architetto Stefano Recalcati, intitolata Reporting from Marghera and Other Waterfronts, allestita negli spazi espositivi di Forte Marghera (Mestre, Venezia), prende in esame progetti significativi per la rigenerazione urbana dei porti industriali, contribuendo ad alimentare il dibattito riconversione della produzione a Porto Marghera.

L’accordo di collaborazione con il Victoria and Albert Museum di Londra muove il primo passo nel Padiglione delle Arti Applicate alle Sale d’Armi dell’Arsenale, con la mostra A World of Fragile Parts, a cura di Brendan Cormier.

Infine, in vista della conferenza mondiale Nazioni Unite – Habitat III, che si terrà a Quito, Ecuador, nel mese di ottobre 2016, e nell’ambito del programma Urban Age, organizzato congiuntamente dalla London School of Economics e dalla Alfred Herrhausen Società, La Biennale presenta, sempre nelle Sale d’Armi, un padiglione dedicato ai temi dell’urbanizzazione – Report from Cities: Conflicts of an Urban Age – con particolare attenzione al rapporto tra spazi pubblici e spazi privati, a cura di Ricky Burdett .

Conversazioni
La Biennale Architettura 2016 è accompagnata per tutta la sua durata da un ampio programma di incontri per approfondire i temi ei fenomeni presentati in Mostra. Tornano quest’anno gli Incontri sull’Architettura con gli architetti ei protagonisti della Mostra Internazionale di Architettura curata da Aravena, in programma ogni ultimo fine settimana del mese. I “Progetti Speciali” si arricchiscono anche di una serie di conversazioni e simposi per approfondire le tematiche che sollevano.

Il 16 e 17 luglio, a Venezia, le sedi espositive ospitano l’annuale conferenza Urban Age organizzata dalla London School of Economics Cities, in collaborazione con la Alfred Herrhausen Society della Deutsche Bank. A breve è stato reso noto il programma completo degli eventi.

Progetti
Il progetto Biennale Sessions si ripropone per il settimo anno consecutivo, dopo il successo delle precedenti edizioni. Questa iniziativa è dedicata dalla Biennale di Venezia alle istituzioni che sviluppano la ricerca e la formazione in architettura, le arti e campi affini, e alle Università e Accademie di Belle Arti. L’obiettivo è quello di offrire condizioni favorevoli a studenti e docenti per organizzare visite di gruppo di tre giorni a partire da cinquanta persone, offrendo pasti a prezzo ridotto, possibilità di organizzare seminari gratuiti presso le sedi della Mostra, assistenza nell’organizzazione del viaggio e del soggiorno . Ad oggi, 53 istituzioni internazionali di 13 paesi e di ogni continente hanno firmato un protocollo d’intesa.

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