Examen de la Biennale d’art de Venise 2015, lieux d’exposition autour de la ville, Italie

La 56e exposition internationale d’art, intitulée All the World’s Futures, est ouverte au public du 9 mai au 22 novembre 2015 aux Giardini della Biennale et à l’Arsenale. Célébrant le 120e anniversaire, l’exposition forme un itinéraire unitaire qui commence au pavillon central (Giardini) et se poursuit à l’Arsenale. La Biennale s’appuie sur sa propre histoire, et avance d’année en année, qui est faite de nombreux souvenirs mais surtout d’une longue succession de perspectives différentes pour observer le phénomène de la création artistique contemporaine.

Sous le commissariat d’Okwui Enwezor et organisé par la Biennale di Venezia présidée par Paolo Baratta, art Participations exposait dans les pavillons historiques des Giardini, de l’Arsenale et de la ville de Venise. Avec plus de 136 artistes de 53 pays. Parmi les œuvres exposées, 159 sont expressément réalisées pour cette édition. Les pays participant pour la première fois à l’Exposition sont la Grenade, Maurice, la Mongolie, la République du Mozambique et la République des Seychelles. D’autres pays participent cette année après des années d’absence : l’Équateur, les Philippines et le Guatemala.

44 événements collatéraux, approuvés par le commissaire de l’exposition internationale et promus par des institutions nationales et internationales à but non lucratif, présentent leurs expositions et initiatives dans divers endroits de la ville de Venise.

Tous les futurs du monde
La Biennale observe la relation entre l’art et le développement du monde humain, social et politique, alors que les forces et les phénomènes externes pèsent sur lui. All the World’s Futures explore comment les tensions du monde extérieur agissent sur les sensibilités et les énergies vitales et expressives des artistes, sur leurs désirs et leur chant intérieur. Le monde qui nous occupe aujourd’hui présente des divisions et des blessures profondes, des inégalités prononcées et des incertitudes quant à l’avenir. Malgré les grands progrès réalisés dans les connaissances et la technologie, nous négocions actuellement un « âge de l’anxiété ».

La question principale posée par l’exposition est la suivante : comment les artistes, à travers des images, des objets, des mots, des mouvements, des actions, des textes et des sons, peuvent-ils rassembler des publics dans l’acte d’écouter, de réagir, de s’impliquer et de parler, dans le but de faire sens des bouleversements de cette époque ? Plus brièvement : comment l’art réagit-il à l’état actuel des choses ?

Cette biennale part donc de l’urgence de faire le point sur « l’état des lieux ». Reconnaissant la complexité actuelle, un thème global et propose une exposition qui rassemble une multiplicité de contenus, à la fois d’un point de vue temporel – avec des œuvres du passé et du présent, dont beaucoup ont été commandées à cette occasion – et du langage . Le cœur de cette vision est l’espace des Arènes, dans le Pavillon Central, qui a été le théâtre de lectures, performances, concerts et pièces de théâtre, qui proposent des visions synchroniques et diachroniques de la société contemporaine.

Tout est exposé dans le contexte des 120 ans d’histoire de la Biennale. Des fragments du passé de toutes sortes peuvent être trouvés dans chaque coin, étant donné également que la Biennale est active dans l’art, l’architecture, la danse, le théâtre, la musique et le cinéma. C’est la réalité multiforme et complexe qui permet à l’exposition d’éviter de tels périls. La grande montagne des fragments de notre histoire grandit d’année en année. En face se dresse la montagne encore plus grande de tout ce qui n’a pas été montré dans les Biennales précédentes.

Pavillons Nationaux

Pavillon de l’Albanie : trilogie albanaise : une série de stratagèmes sournois
La « Trilogie albanaise : une série de stratagèmes sournois » d’Armando Lulaj, basée à Tirana, vous renvoie en arrière pour regarder vers l’avenir. Lulaj – qui n’est pas étranger à la Biennale de Venise, ayant déjà exposé dans l’édition 2007 – utilise son expérience diversifiée en tant que dramaturge, auteur et réalisateur vidéo pour examiner les régions en conflit et les territoires en danger. Selon lui, la mémoire collective et les traditions culturelles de l’Albanie risquent de se perdre. Une réflexion sur l’histoire sociale albanaise, un corpus narratif unique articulé sur trois moments distincts : Alban Trilogy est une sorte de capsule temporelle du passé, avec d’étranges souvenirs et trophées qui présente, à la fois, fiction et matériel documentaire. Mêlant évocation et documentation,le projet se concentre sur une phase historico-politique qui était extrêmement importante pour la construction d’une identité qui n’était pas seulement albanaise mais internationale.

Pour la Biennale, les expressions visuelles de Lulaj de la période de la guerre froide dans son pays d’origine prennent le pouls d’un passé troublé et retravaillent un récit intégré pour ramener l’histoire albanaise dans le moment présent. La série en trois parties commence par It Wears as It Grows (2011), suivi du populaire NEVER (2012), et se termine par Recapitulation (2015), créé spécifiquement pour la Biennale. Sont exposés trois vidéos et des documents d’archives, ainsi qu’un énorme squelette de baleine, qui est à la fois protagoniste et témoin silencieux, une incarnation du géant-Léviathan, le principe hobbesien de souveraineté. Pour Armando Lulaj, la trilogie albanaise représente la conclusion de nombreuses années de recherche sur la période de la guerre froide en Albanie et, en particulier, sur les thèmes relatifs de la mémoire collective et de l’expérience historique,réunis dans une trilogie cinématographique dans laquelle trois fétiches mythiques symbolisent la mer, l’air et la terre.

Pavillon Andorre : Paysages Intérieurs. Affrontements
Face à la tyrannie d’une gigantesque mémoire numérique imposée par le soft power vertical des grandes firmes internet, ou là où l’amnésie est totalement impossible car toutes les données sont stockées, le périmètre de confidentialité d’un milliard d’individus a disparu. L’installation du peintre Joan Xandri, une vingtaine de tableaux présentés comme la longue proue d’un navire, posé debout sur le sol et en désordre, souvent dos à fonte, masquant également des parties d’œuvres adjacentes, invite à réfléchir et à comprendre les limites qui nous devons tous assumer désormais de protéger notre vie privée, voire nos âmes. Ce faisant, il nous conduit aussi dans un espace insolite où l’observateur est entraîné par son imaginaire dans une seconde visualisation, où le flux s’inspire d’une œuvre qui brouille volontairement les codes traditionnels de la peinture.

L’œuvre du sculpteur Agustí Roqué doit être envisagée comme un beau paysage, tendant vers l’horizontale, sans véritable foyer ni centre de symétrie, base des natures mortes post-modernes, destiné à rendre ses spectateurs réceptifs à une rencontre avec le inconnu à travers une confrontation avec eux-mêmes, et un espace avec lequel ils peuvent jouer à des jeux mentaux. Agustí Roqué évolue avec aisance dans un postmodernisme dans lequel il a érigé une œuvre en totale autonomie, qui tout en s’identifiant pleinement aux diverses potentialités d’un système de production précis, parvient à préserver sa liberté. Trois œuvres regroupées sous le label évocateur Inside-Inside, qui éclaire, s’il en était besoin, le merveilleux travail sur l’espace auquel il a longtemps consacré toute son énergie créatrice,donnant à la sculpture l’objet supplémentaire d’un événement spatio-temporel.

Pavillon de l’Angola : sur les manières de voyager
« Sur les manières de voyager ». Coïncidant avec 40 ans d’indépendance depuis le portugais en 1975, cette exposition collective s’engage dans un voyage à travers l’histoire nationale pour ouvrir des voies viables pour les années à venir. Hébergé dans le Palazzo Pisani construit aux XVe et XVIIe siècles, une époque au cours de laquelle d’énormes puissances maritimes étendaient leurs empires d’outre-mer, l’époque où le Portugal s’est installé en Angola pendant un demi-millénaire. Comme l’implique « Sur les manières de voyager », les répercussions de l’occupation sont encore vives dans l’Angola contemporain, en particulier lorsqu’il s’agit de résoudre des problèmes tels que la manière de concilier tradition et modernité. séquelles d’un passé traumatisant, des vents d’espoir soufflent.La sélection d’œuvres rassemble des artistes émergents autour d’Antonio Ole, ce dialogue générationnel offre un regard rafraîchissant sur les évolutions sociales et culturelles d’un nouvel Angola.

Il y a une forte pression pour que la jeune génération prenne en charge les efforts pour façonner un avenir meilleur. Symbole de la résistance angolaise, la machette est le support d’une remarquable représentation picturale ; Délio Jasse présente une étude, sous forme photographique, de la mémoire, de sa sédimentation et de la raison de l’oubli ; Nelo Teixeira suit avec une œuvre dans laquelle le bois forme la structure de base et où l’incorporation de l’objet trouvé accentue les récits parallèles ; et enfin Binelde Hyrcan, artiste très éclectique dans ses choix esthétiques, présente vidéo et installation de ses recherches les plus récentes. La pièce centrale d’Ole est constituée de deux murs en tôle, un matériau utilisé dans les effondrements à la périphérie des centres urbains africains. La résistance et la survie humaines est un thème central de son œuvre. Sol,des bouteilles en verre vides et des morceaux de tissus déchirés importés d’Angola sont empilés dans des vitrines incorporées, suggérant la présence d’habitants de ces bâtiments de fortune. A proximité, deux sculptures monumentales constituées de seaux en plastique empilés défient les lois de la gravité.

Pavillon de l’Argentine : le soulèvement de la forme
L’exposition intitulée « La rébellion de la forme », rappelant les artistes primés dans différentes biennales -Julio Le Park, Antonio Berni et León Ferrari. Le spectacle réfléchit sur la condition humaine, où le/les corps/corps sont un territoire d’expérience privilégié, des figures qui s’échappent ou qu’elles s’enfoncent dans des tensions et des chutes en modifiant leur rapport à l’espace et à la matière. Toutes les autres pièces, sur les 23 exposées, sont en couleur et avec cette résine spéciale et enveloppante qui semble encapsuler ses œuvres. La mort a une horloge et par dessus, des gravures, des notices de l’item 59, celles qui offrent des services sexuels : c’est la merveille de l’art grec transplanté dans un travesti du XXIe siècle. A l’entrée du Pavillon, les sculptures à la même distance de l’œil humain car elles manquent de socles,qui génère un dialogue très fort avec les gens. Les œuvres de Juan Carlos Distéfano pour transcender le niveau local. s’élever dans le panorama de l’art universel, qui ignore les frontières physiques et temporelles.

‘Mischievous Emma’ est un hommage à Spilimbergo de la série d’une prostituée qui porte ce nom, une grande mais terrible sculpture, il s’agit de la figure d’un travesti qui a une pantoufle à mort qui suce son cou blanc et noir, et en dessous, il y a un sol qui est aussi un damier dans ces deux couleurs. « Los enluminados », qui fait fortement allusion à la violence, où les différents niveaux de pouvoir regardent de côté, les mains jointes sur les genoux, dans une posture de prière et la tête renversée, montrant l’indifférence absolue de tout un secteur du pouvoir par rapport à ce qui se passait pendant la dictature militaire. La sculpture de Distéfamo montre un ouvrier qui voit un cerf-volant emmêlé et se monte sur un lampadaire, utilisant une pince pour couper le câble.Il veut que le cerf-volant vole à nouveau au risque d’être électrocuté dans une métaphore de l’homme qui s’immole pour le bien d’autrui.

Pavillon de l’Arménie
Gagnant du Lion d’Or
Le pavillon arménien commémore les 100 ans du génocide de plus d’un million d’Arméniens par les Turcs ottomans pendant la Première Guerre mondiale. L’exposition repense la notion d’« Arménienité », et élargit cette réflexion aux concepts d’identité et de mémoire, de justice et de réconciliation, au nom desquels de nombreuses luttes contemporaines se déroulent encore. la diaspora de divers pays d’Europe, des Amériques et du Moyen-Orient. L’installation elle-même a lieu dans le monastère arménien Mekhitariste, sur une petite île au sud-est de Venise qui est accessible en vaporetto. De nombreuses œuvres importantes de la littérature européenne et des textes religieux ont d’abord été traduit en arménien sur cette île pittoresque.Au cours de ses trois cents ans d’histoire, le monastère de San Lazzaro avec ses jardins, son ancienne imprimerie, ses cloîtres, son musée et sa bibliothèque, a contribué à préserver le patrimoine culturel unique de l’Arménie.

« Armenity », une identité personnelle complexe et irrégulièrement construite de la diaspora déplacée des survivants du génocide et de leurs ancêtres. Des contributions exemplaires au pavillon comprennent celles de Nina Katchadourian et Aram Jibilian. Dans Accent Elimination (2005), Katchadourian sonde la psychologie derrière l’assimilation élective en achetant les services de coachs d’accent (qui font beaucoup de publicité dans les communautés diasporiques), puis en formant ses parents à parler anglais « naturel ». Jibilian, photographe et travailleur social à New York, présente une série d’œuvres de 2008 à 2015 enquêtant sur l’héritage multivalent du célèbre peintre arménien Arshile Gorky : dans des images méticuleusement disposées, Jibilian et sa famille habitent des espaces symboliquement riches tout en portant des masques peints pour regarder comme Gorki,exposer l’effacement de soi et le déguisement requis des survivants du génocide et remettre en question l’héritage des tragédies passées sur les œuvres d’art des générations futures.

Pavillon Australie : Fiona Hall : Wrong Way Time
« Wrong Way Time » se concentre sur la « folie, la méchanceté et la tristesse » de trois domaines principaux : les différends mondiaux, la finance et l’environnement. « Wrong Way Time » est entré dans un espace sombre où des objets illuminés ont émergé de l’ombre, des horloges peintes ont fait tic tac et coucou hors du temps; les armoires carbonisées étaient remplies de collections de billets de banque, de journaux et d’atlas ; des sculptures complexes en étain martelé se sont glissées dans des boîtes de sardines ; et les nids d’oiseaux sculptés étaient faits de billets de banque déchiquetés. L’exposition rassemble des milliers d’éléments dans une exploration des thèmes de « la folie, le mal et la tristesse ». Fiona Hall explique son exposition comme « une tentative personnelle de concilier un état de tristesse et de chaos avec une curiosité et une affection pour l’endroit où nous vivons tous ».

Le nouveau pavillon australien a rouvert ses portes lors de la 56e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise. Ce nouveau bâtiment élégant représente un chapitre ambitieux pour l’art australien à l’échelle internationale, respectant l’importance du patrimoine de Venise et présentant le meilleur de l’art et de l’architecture australiens pour les générations futures sur la scène internationale. L’exposition collatérale, Country, a présenté le travail de 30 artistes aborigènes et insulaires du détroit de Torres provenant de plusieurs régions de l’arrière-pays australien. L’exposition est le résultat du séjour d’un an et demi de l’artiste italienne Giorgia Severi en Australie avec des escales dans des espaces d’art à travers le continent. Country a traité du « creuset de différentes cultures à travers les communautés australiennes », en examinant les liens entre la mémoire et la tradition.

Pavillon Autriche : Heimo Zobernig
Zobernig a exploré ces thèmes à travers la peinture, la vidéo et l’installation. En plus de montrer des œuvres autonomes, Zobernig a modifié le pavillon lui-même, dans un geste vers le défi particulier de créer de l’art dans un espace intrinsèquement nationaliste et compétitif. Le point de départ des délibérations de Heimo Zobernig : comment peut-on contribuer de manière adéquate à un environnement basé sur la représentativité de l’État-nation où les voix individuelles rivalisent constamment pour une attention maximale ? Quels phénomènes sont significatifs dans un tel contexte ? Et précisément à ces fins, le pavillon autrichien, avec son langage formel classique et moderne, offre un espace d’exposition idéal.

Le pavillon autrichien conçu par Josef Hoffmann et Robert Kramreiter et construit en 1934, avec ses arcs arrondis classiques et ses axes visuels majestueux, d’une part, et ses formes rationnelles claires et ses matériaux modernes, d’autre part, la structure oscille entre historicité et modernisme . Zobernig fait disparaître de la vue les éléments architecturaux historicisants du bâtiment au moyen d’un monolithe noir qui semble planer sous le plafond projetant son ombre sur toute la surface au sol du pavillon, et d’une construction de sol noir qui élimine les différents niveaux du pavillon. L’intervention complexe de Zobernig relativise les limites entre l’espace architectural et la nature, à l’intérieur comme à l’extérieur. Son intervention architecturale, dont les plans isométriques rappellent la Nationalgalerie de Mies van der Rohe à Berlin,avec le jardin et le mur arrière de la cour, constitue un site clos où l’on peut s’attarder et réfléchir sur les modes de présentation de l’art et sur la présence humaine dans l’espace.

Pavillon de l’Azerbaïdjan : au-delà de la ligne
Vita Vitale et Beyond the Line, rassemble des artistes contemporains internationaux dont le travail exprime des préoccupations sur le destin de notre planète. L’exposition présente pour la première fois l’art original de l’avant-garde azerbaïdjanaise du siècle dernier à un large public de professionnels de l’art. L’isolement des artistes officiellement non acceptés en Azerbaïdjan à l’époque de l’Union soviétique était total. Les artistes ont dû puiser au plus profond d’eux-mêmes pour trouver l’inspiration, mais l’ont également trouvé dans la tradition azérie séculaire pour les arts et l’artisanat et la fabrication de tapis. Tofik Javadov, Javad Mirjavadov, Ashraf Murad, Rasim Babayev et Fazil Najafov sont tous des maîtres de talents uniques, chacun ayant sa propre pratique artistique. Ils sont liés par des images qui expriment leurs profondes influences culturelles,un langage visuel symbolique et l’utilisation de styles nationaux et folkloriques du Moyen-Orient d’une sophistication remarquable.

Les deux expositions révèlent un pays contemplant son passé et son avenir, ainsi que l’impact des transformations sociales et industrielles du XXe siècle sur son propre sol et celui du monde. Beyond the Line revisite un moment crucial de l’histoire de l’Azerbaïdjan et renvoie leurs voix aux artistes du milieu du siècle de la nation, qui ont été réduits au silence ou ignorés sous le régime soviétique. Avec Vita Vitale, l’Azerbaïdjan regarde vers l’avenir, et au-delà de ses frontières géographiques, en offrant une plate-forme aux artistes et scientifiques internationaux qui sont aux prises avec les défis écologiques auxquels nous sommes confrontés aujourd’hui et demain dans le monde en raison de nos avancées technologiques et de l’augmentation conséquente du consumérisme. Les deux expositions montrent la gravité de la voix de l’artiste sur les questions sociales et environnementales qui définissent non seulement le passé, le présent,et l’avenir de l’Azerbaïdjan, mais de la planète.

Pavillon Biélorussie : Archives des témoins de guerre
War Witness Archive est un inventaire artistique de la mémoire sur les guerres mondiales. Le projet se concentre sur une personne-témoin de la guerre, du conflit, de la douleur d’un autre être humain, de la souffrance, de la peur de l’avenir. « L’espace de communication » est créé à l’aide des archives photographiques des tournants du XXe siècle, des Première et Seconde Guerres mondiales. Le projet a commencé comme la recherche d’archives photographiques liées à l’histoire de la Première Guerre mondiale et se développe maintenant en contraste avec les archives photographiques de la Seconde Guerre mondiale. L’Archive forme son corps recueillant des témoignages sur des événements passés stockés dans la mémoire des contemporains. L’exposition au Musée d’Art Contemporain en 2014 est devenue la première incarnation de la WWA. Le projet poursuit son cycle de vie où une archive photographique traditionnelle obtient un nouvel état,un état de métaarchive.

Pavillon Belgique :
« Personne et les autres » présentait des expositions en solo ou en duo d’artistes belges. Il remet en cause la notion de représentation nationale en s’éloignant du format traditionnel d’une exposition personnelle et en s’ouvrant à de multiples positions et points de vue. L’exposition explore les conséquences des interactions politiques, historiques, culturelles et artistiques entre l’Europe et l’Afrique à l’époque de la modernité coloniale et à ses lendemains. Il explore des micro-histoires inconnues ou négligées, met en lumière des versions alternatives de la modernité qui ont émergé à la suite de rencontres coloniales et raconte des histoires qui se sont déroulées en dehors et en réaction aux hiérarchies coloniales acceptées. Le projet vise à donner un aperçu des diverses formes, qu’elles soient artistiques, culturelles ou intellectuelles, qui ont été produites pendant cette période.

Dans « Personne et les autres », l’artiste belge Vincent Meessen, et un groupe d’artistes internationaux qu’il a sélectionnés comme collaborateurs, se penche sur le lourd passé colonial de la Belgique et sur l’avenir qu’elle a façonné. L’exposition, nommée d’après un scénario de théâtre perdu d’André Frankin, critique d’art belge et membre précoce de l’Internationale situationniste (un groupe radical d’artistes et de philosophes qui auraient influencé la révolution congolaise) suggère la nécessité d’une nouvelle compréhension de les effets du colonialisme sur l’art et le travail. Il questionne l’idée eurocentrique de la modernité en examinant un héritage d’avant-garde partagé, marqué par un métissage artistique et intellectuel entre l’Europe et l’Afrique, qui a généré des soi-disant « contre-modernités » pluralistes.

Pavillon du Brésil : Tellement que ça ne rentre pas ici
« Tant que ça ne rentre pas ici », recontextualise l’activisme du pays des années 60 et 70 dans la réalité sociale fragmentée du Brésil contemporain. Dans les années 1970, les interventions d’Antonio Manuel entrecoupaient des titres surréalistes et des images falsifiées avec des articles authentiques sélectionnés pour leur sensationnalisme. Manuel représente une génération d’artistes brésiliens poussés par l’autoritarisme à aborder les thèmes de la violence, de l’instabilité et du corps. André Komatsu et Berna Reale réalisent tous deux des œuvres qui rappellent les motifs choisis par Manuel. Komatsu fabrique des sculptures toutes faites à partir des détritus du capitalisme tardif : briques cassées et parpaings ; peinture renversée et murs abandonnés; outils électriques gelés dans l’acte de démolition. Contrairement aux citadins Manuel et Komatsu,Reale vient de l’État du Pará, plus éloigné du nord, où elle poursuit une carrière alternative en tant qu’experte criminelle. Son expérience professionnelle éclaire ses performances et ses installations, qui utilisent une présentation perturbatrice du corps pour aborder les problèmes de criminalité, de violence et d’hétérogénéité sociale endémiques de la société brésilienne contemporaine.

Pavillon du Canada : Canadassimo
L’immense installation immersive intitulée Canadassimo, propose un parcours étrange à travers le Pavillon du Canada, qui a été complètement transformé. Sous l’échafaudage qui masque en partie la façade du bâtiment, donnant l’impression que l’exposition est encore en construction, se trouve l’entrée d’un dépanneur, l’un des petits dépanneurs de quartier du Québec qui vendent des conserves et autres articles ménagers essentiels. Au-delà de cette boutique typiquement chaotique et minable se trouve un espace de vie aux allures de loft : bien que beaucoup plus organisé, cet espace est évidemment l’apanage d’un passionné de recyclage. Vient ensuite ce que BGL a surnommé « le studio », un lieu rempli d’innombrables objets de toutes sortes, y compris des piles de boîtes de conserve recouvertes de gouttes de peinture.Après avoir traversé cet étrange domaine de vie/travail, les spectateurs peuvent se détendre un moment sur une terrasse qui offre une vue magnifique sur les Giardini.

BGL, un collectif canadien reconnu pour l’installation immersive et l’intervention publique. Souvent décrite comme provocatrice et critique, la pratique de BGL utilise l’humour et l’extravagance pour explorer le monde des objets, tout en soulevant simultanément des questions sociales et politiques liées à la nature, aux modes de vie contemporains, à l’économie et au système artistique. Outre des sculptures et des performances, les œuvres du collectif comprennent d’immenses installations qui plongent les spectateurs dans des situations inattendues, les incitant à s’interroger sur leurs propres comportements et à revoir leur regard sur la réalité. BGL a été fasciné par une esthétique marginale et des gens marginaux qui vivent en dehors du courant dominant, le bricoleur, le collectionneur. Non seulement recycler, mais réutiliser et transformer l’objet du quotidien en quelque chose d’autre. Dans une société de consommation,le recyclage devient une manière de questionner la société.

Pavillon Chili :
« Poéticas de la Disidencia » (Poétique de la dissidence) rassemble les œuvres de deux artistes chiliens, la photographe Paz Errázuriz et la performeuse et vidéaste Lotty Rosenfeld. Inspirées par l’histoire politique récente du Chili, les trois femmes représentent une génération d’activistes chiliens qui s’est développée au cours des années 70 politiquement tumultueuses, une décennie qui a vu le général Augusto Pinochet renverser le gouvernement démocratique de Salvador Allende dans un coup d’État sanglant et imposer le sien près de 20- dictature militaire d’un an. « Poéticas de la Disidencia », cependant, se concentre sur le Chili actuel, explorant sa transition d’une dictature à un gouvernement démocratique.

Le photographe Paz Errázuriz a parcouru le Santiago des années 1980 pour capturer des vies en marge de la société stricte de Pinochet. Son essai photographique épique La manzana de Adán présentait des portraits et des biographies de travestis clandestins, de prostitués masculins, une communauté confrontée à la pression existentielle du mépris officiel et de la violence de l’État. La conservatrice du pavillon, Nelly Richard, est une éminente critique culturelle de la même génération ; la concentration commune de ces trois penseurs indique l’engagement du Chili à s’attaquer aux problèmes posés par son histoire récente. L’exposition indique un intérêt continu pour les questions soulevées par le régime autoritaire : celles du pouvoir, de la richesse, du genre et de la liberté.

Pavillon Chine : Autre avenir
« Avenir civil » a exprimé une compréhension, « l’autre avenir », tout est parmi les gens et pointe vers l’avenir. L’ordre du monde ne doit pas être déterminé par quelques-uns. Au fil du temps, le comportement des masses crée l’ordre, la direction et l’avenir dans un mouvement apparemment inconscient. Les développements de la technologie numérique et de la technologie des médias facilitent de plus en plus ce processus. L’impact que chaque individu peut avoir sur l’avenir du monde devient de plus en plus évident. Si certaines routes doivent apparaître sur un terrain vierge, elles sont moins probablement le résultat de la conception des urbanistes et de la construction des ouvriers ; au contraire, ils sont plus probablement formés dans le long processus de marche spontanée des masses d’une manière apparemment désordonnée.Les masses ne sont pas que des passants qui avancent à l’aveuglette. Ils sont sages, actifs et spontanés.

Xu Bing, Qiu Zhijie, Ji Dachun et Cao Fei présentent actuellement leur travail dans différents lieux de cette Biennale. Xu Bing est l’un des principaux artistes contemporains chinois du mouvement d’avant-garde de la fin des années 1980. Xu a créé deux impressionnantes et magnifiques sculptures géantes, le « Phoenix Project 2015 » à partir des débris de chantiers de construction à travers la Chine. Qiu Zhijie appartient à une jeune génération qui utilise la vidéo et la photographie comme nouveau médium. Son projet s’intitule « The Historical Circular » et parle de la façon dont l’histoire circule de temps en temps. L’affichage semble être très encombré, assez difficile à comprendre mais esthétiquement équilibré. Ji Dachun présente la relation à multiples facettes entre les faces Est et Ouest de la Chine dans ses huit peintures, tandis que Cao Fei,qui est la plus jeune artiste de cette exposition, présente son œuvre vidéo « La Town ». Cao est internationalement connue pour ses œuvres multimédias qui tentent de soulever ses questions sociales et politiques sur la Chine.

Pavillon de la Croatie : Études sur le frisson : le troisième degré
Le Pavillon de la Croatie développe la poétique des deux derniers films de Damir Očko, TK (2014) et The Third Degree (2015). Les deux films interrogent les contraintes sociales imposées au corps en tant qu’être physique et social, tout en interrogeant les normes sous-jacentes inhérentes à nos sociétés. Dans The Third Degree, on peut voir des images en gros plan de cicatrices cutanées résultant de brûlures au troisième degré, entourées d’un son microtonal d’une note cristalline. Filmée à travers une installation de miroirs brisés qui reflètent également l’équipe de tournage, la texture de la peau devient presque un élément abstrait. En incluant le contexte du décor du film, Le Troisième Degré révèle ce qui est habituellement caché à la vue et intègre ainsi le spectateur dans le développement artistique.

Dans cette salle sans titre est présenté un ensemble de 16 dessins réalisés par l’un des principaux protagonistes du film TK, un vieil homme atteint de la maladie de Parkinson. Chacun de ces dessins lit le début d’une phrase d’un poème écrit par Damir Očko commençant par les mots « In Tranquility… » Analysant et mettant en scène l’esquisse de la codépendance entre l’artiste, le public et l’exposition, Damir Očko implique les spectateurs afin qu’ils puissent prendre conscience de leur rôle dans le processus artistique. Car si le contexte informe, il transforme aussi en effectuant des glissements sémantiques et en montrant les structures internes de l’art afin de créer un nouveau type de rhétorique, un mécanisme qui renforce notre position de témoins et d’acteurs du monde complexe d’aujourd’hui.

Pavillon de Cuba : El artista entre la individualidad y el contexto
Le Pavillon de Cuba met en évidence la gamme imaginaire et réflexive de l’artiste, en équilibre précaire entre les pôles distinctifs de l’individualité et le contexte dans lequel ils travaillent. Le pavillon souligne la capacité des artistes à donner vie à une structure dialogique et narrative qui, partant du bagage eidétique et identificatoire de l’individu, débouche sur une expérience ouverte sur le monde et le vivant ainsi que sur le contexte social et culturel, la domaine politique et des sphères normalisées. L’exposition souligne la capacité de l’artiste à imaginer et à réfléchir parmi les différentes individualités et contextes dans lesquels il vit et travaille. El artista entre la individualidad y el contexto nous amène à réfléchir non seulement sur les microsystèmes et le contexte cubain, mais aussi sur l’espace global,le réseau numérique, les processus économiques mondiaux et la zone d’intérêt anthropologique et ontologique dans les zones géographiques.

Quatre artistes cubains Luis Gómez Armenteros, Susana Pilar Delahante Matienzo, Grethell Rasúa et Celia-Yunior ainsi que quatre artistes internationaux Lida Abdul, Olga Chernysheva, Lin Yilin et Giuseppe Stampone, représentent symboliquement un espace intermédiaire, une zone infiniment vulnérable où nous sommes encouragés à entreprendre un voyage. Ce voyage réside dans le changement substantiel de nos systèmes perceptifs, dans la contamination des processus créatifs avec le tissu urbain, le design et le renouvellement technologique, qui ne sont que des systèmes de réalité lointains à Cuba. Ce projet présente une sélection des pratiques artistiques d’une génération qui, d’une part, absorbe la force de ses propres archives, ses traces idéologiques révolutionnaires intrinsèques, son intimité et sa subjectivité comme une source infinie d’input, et, d’autre part,traverse la réalité sociale et chevauche la transformation éthique et esthétique.

Pavillon de Chypre : deux jours après l’éternité
« Two Days After Forever » prend comme point de départ l’invention de l’archéologie et son rôle instrumental dans la forge du récit maître de l’histoire. Réfléchir à ce que signifie chorégraphier une histoire, naviguer dans ses multiples pôles et exister dans un présent si lourd du poids des idéologies contestées. Les années 60 et 70 ont été une période de transition majeure pour la République de Chypre. Christodoulos Panayiotou enquête et s’approprie les documents d’archives de cette période de l’histoire de son pays, en se concentrant sur les constructions officielles et accidentelles de l’identité nationale, notamment à travers le prisme de la cérémonie et du spectacle culturels.

Utilisant une diversité de stratégies, Panayiotou s’interroge sur la façon dont la tradition est formée et la paternité et l’authenticité régies. Par une mise en scène méticuleuse, l’artiste critique le tissu hyperbolique et aspirationnel de la modernité et sa notion inconsistante de progrès. Les tesselles anciennes, empruntées au musée archéologique de Nicosie, sont recomposées en œuvres d’art éphémères, avant d’être restituées à leur domicile à Chypre où elles retrouvent leur ancien statut de ruines anonymes à la fin de l’exposition. Two Days After Forever adopte une multiplicité de modes, c’est une exposition qui dort, réveille et incarne différentes temporalités. À ce titre, il se manifeste comme une anthropologie du mouvement dans le pavillon et au-delà, engageant différents publics autour de la Méditerranée.Au centre de cette chorégraphie se trouve la variation de Panayiotou sur La mort de Nikiya de La Bayadère, qui met l’archéologie et la position ballet ultime de l’Arabesque en conversation directe à travers une performance continue qui fusionne la biographie avec les imaginaires historiques.

Pavillon tchèque et slovaque : Apothéose
« Apotheosis » basé sur la peinture monumentale de l’artiste sécessionniste tchèque Alphonse Mucha Apotheosis of the Slavs: Slavs for Humanity. David aborde la peinture de Mucha à partir de la position d’un artiste contemporain. Le geste d’appropriation et de réinterprétation de l’œuvre de Mucha, représenté par un remaniement en noir et blanc de l’image originale, constitue simultanément un acte de déconstruction renforcé par son intervention subtile dans les différentes parties de la composition. sous forme d’apocryphes. Le point central de l’installation avec des croisements intertextuels est le spectateur actif, avec toute une gamme d’expériences mentales, émotionnelles et visuelles intéressantes via la participation dans un espace vide et un espace exigu avec le point central d’un couloir,qui présente au spectateur le défi de s’immerger dans « l’archéologie des savoirs et des mémoires ». Le spectateur/participant rencontre l’Apothéose réinterprétée, reflétée dans un mur miroir de dimensions identiques, et en devient une partie éphémère.

Le miroir est une métaphore importante dans le contexte de cette œuvre, car il offre au spectateur la possibilité d’autoréflexion et d’introspection. L’installation basée sur la méditation et le jeu incite les destinataires à considérer les problèmes géopolitiques et socioculturels dans une chronologie de plus d’un siècle et leur pose des questions relatives à la réévaluation de concepts tels que la maison, le pays, la nation, l’état, l’histoire des Tchèques et de l’ethnie slave. De cette façon, Apotheosis devient également une installation temporelle qui stimule la réflexion critique sur un certain nombre de problèmes politiques, économiques, socioculturels, philosophiques et sociologiques sérieux qui font référence au passé et au présent du monde dans les relations plus larges. où se croisent les enjeux locaux et mondiaux.

Pavillon Équateur : Eau d’or : Miroirs noirs apocalyptiques
« Gold Water: Apocalyptic Black Mirrors », un véritable manifeste en faveur de la vie et de l’art. Maria Veronica crée un paysage multimédia avec ses nouvelles installations de polyptyques vidéo et audio, incorporant des dessins, de la vidéo, de la photographie, des objets et du son en tant que techniques visuelles interdépendantes, qui s’affichent, comme elle le dit, dans un « techno-théâtre » où l’élément eau, en tant que fontaine de vie proclame un nouvel état d’esprit. Ses vidéos se préoccupent de créer de nouvelles expériences à travers la relation entre le choc du spectateur et les projections insolites, et de la façon dont le message s’inscrit mystérieusement après l’expérience avec l’inattendu, créant des réalités qui transforment la nature de l’objet pour le placer dans un monde inconnu. contexte lui donnant une nouvelle identité. L’artiste déplore les excès, l’exagération,l’ivresse et les dérives de l’industrie, qui pénètrent au cœur même de la nature et altèrent « l’énergie vibratoire de l’eau » et la « signification symbolique, historique et culturelle de l’or ».

Le projet s’articule autour d’un symbole fort : la cheminée, en forme de cube comme une cuisine de pointe, mais avec une nouvelle identité. La pertinence de cette structure réaliste réside dans son universalité, permettant ainsi à l’artiste de créer une œuvre originale qui évoque métaphoriquement l’humanité en train de s’oublier. Un mur d’une série de micro-ondes encastré dans des rails montre les images d’un paradis perdu rappelant les murs de la grotte de Platon. Plusieurs vidéos montrent les images d’une usine d’embouteillage d’eau : des rythmes brouillés sur un fond métallique donnent naissance à des étoiles qui s’ouvrent et se transforment comme de nouvelles galaxies. Une autre vidéo montre de l’or virtuel et incandescent dans un combat éternel contre l’eau et évoque le chaos. L’or comme indice économique se transforme en promesse de beauté.

Pavillon de l’Égypte : voyez-vous ?
« Can You See ? », interpelle le spectateur : les artistes ont caché un message à la vue de tous. Le mot PAIX est épelé dans cinq structures tridimensionnelles et herbeuses qui dépassent l’échelle humaine de lisibilité. En naviguant dans cet espace textuel incertain, le spectateur est en outre confronté à une « réalité augmentée » superposée sur l’espace de la galerie à travers l’interface des tablettes attachées. Cette interaction virtuelle offre aux téléspectateurs la possibilité de choisir deux récits à embranchements, positifs ou négatifs, qui se déroulent dans l’espace, transformant le mot PAIX en scènes variables et parfois conflictuelles.

Un chemin étroit créé en MDF blanc et recouvert d’astroturf serpente autour de l’espace, créant des rampes, des dénivelés abrupts et des passages. Une poignée de tablettes Samsung ont été installées sur des stands dans tout l’espace d’une manière qui a les repères visuels d’un spectacle « art » parrainé par l’entreprise assez boiteux. Une bande originale qui pourrait prendre le titre « Meadow in Springtime » sur Muzak joue. Les tablettes ont leurs caméras pointées sur un logo collé sur la fausse herbe qui énonce « PAIX » à la fois en alphabet latin et en écriture arabe. Il s’avère que les rampes et les chemins créent également ce même insigne vus d’en haut.

Pavillon de l’Estonie : Ne convient pas au travail. L’histoire d’un président
« Ne convient pas au travail. A Chairman’s Tale », Dépeint comme un opéra fictif fragmenté, l’exposition est une installation multimédia avec des vidéos et des objets trouvés exposés à côté de documents d’archives. A Chairman’s Tale est un opéra fictif fragmenté, qui suit un président d’une ferme collective estonienne soviétique jugé pour actes d’homosexualité dans les années 1960. L’exposition rassemble des documents d’archives de l’Estonie soviétique et l’esthétique élégante de l’opéra.

Samma adopte une stratégie similaire, qui est mise en évidence par le titre Ne convient pas au travail tiré de l’argot Internet 3 et appliqué au récit du président afin de souligner la position professionnelle et sociale précaire de tous les individus soumis à la surveillance du pouvoir. De plus, la terminologie informatique fait référence à la nature omniprésente de la société médiatique, qui fait de nous des témoins passifs de l’histoire et de ses discriminations, discordes et contradictions. Le débat social sur les droits LGBTI intercepte la question plus large de la violation des droits humains fondamentaux, si courante dans le passé comme aujourd’hui. En ce sens, l’histoire du Président devient la pointe de l’iceberg pour une dénonciation plus large adressée à toutes sortes de discriminations : culturelles, sociales, politiques, religieuses, sexuelles et raciales. Par conséquent,encore une fois, afin de nous rappeler que l’art est toujours pour la coexistence des différences.

Pavillon de la Finlande : heures, années, éons
IC-98 transforme le Pavillon en une chambre qui guide les spectateurs dans les Giardini sur un autre plan de temporalité : le temps profond commence à résonner à travers des cycles de vie fugaces, et l’espace apparaît comme une matière noire infinie. Le jardin comme microcosme du savoir et du pouvoir colonial sur le monde de la diversité culturelle, ainsi que de la biodiversité, apparaît désormais comme un royaume régi par les transformations que seul un arbre peut vivre. Comme le suggère l’enchevêtrement de différentes échelles de temps et relations causales dans les travaux d’IC-98, la téléologie nous fait défaut ici et les horizons futurs vacillent. Les arbres peuvent bien hériter de la terre, mais quel genre de terre devons-nous demander.

Animations et installations créant des royaumes métaphoriquement chargés de coordonnées incertaines, ces paysages sont façonnés par les forces entrelacées de la nature et de la technologie, de la navigation et de l’exploitation, du climat et de la migration. Le spectateur est invité à entrer dans ce monde. La nouvelle installation multimédia d’IC-98 poursuit son cycle d’œuvres d’Abendland qui, selon les propres mots des artistes, vise à « montrer un monde sans êtres humains, le nouveau paysage muté construit sur les vestiges de la civilisation humaine. Ce n’est pas un Le paradis, pas une existence pastorale retrouvée. Hours, Years, Aeons résume les recherches critiques à long terme des artistes – des salles de réunion du pouvoir et des limites de l’espace public aux frontières écologiques – dans une nouvelle œuvre épique au sein de laquelle la matière et le mythe se confondent des changements sismiques d’aujourd’hui.C’est ce que signifie traiter les résultats finaux de l’Anthropocène.

Pavillon France : rêvolutions
« Rêvolutions », comme un écosystème expérimental qui révèle l’état de la nature en constante évolution à travers le son, la lumière et le mouvement. Céleste boursier-mougenot transforme le pavillon français d’un vaste espace voûté en une oasis forestière cinétique destinée à la réflexion et à la retraite. Grâce à l’interaction entre l’artifice et la forme organique, le pavillon se transforme en un écosystème surréaliste de poésie et d’expérience méditative. Le travail de Boursier-Mougenot utilise fréquemment l’intervention technologique pour créer des environnements multisensoriels, mettant le spectateur en contact direct avec un monde expérientiel que l’artiste décrit comme un phénomène, comme un organisme vivant, indissociable des conditions de son émergence et des circonstances du présent.

Les visiteurs sont guidés dans et à travers l’espace par trois arbres artificiels étranges et tremblants, qui forment de plus grands motifs de mouvement chorégraphié et génèrent leur propre son de bourdonnement. À première vue, vous ne vous rendez pas compte que l’arbre, qui se trouve au milieu du pavillon aéré de la France, bouge. Rien qu’en regardant attentivement, depuis les pièces latérales du pavillon, cet imposant pin sylvestre, on perçoit sa « danse ». En alliant nature et technologie, Céleste Boursier-Mougenot, artiste et musicienne, a conçu une installation (qui est aussi une chorégraphie) inspirée des « merveilles » des jardins maniéristes. L’arbre se déplace autour du pavillon en fonction de son métabolisme, de son flux de sève et de la variation de lumière et d’ombre dans l’environnement.Les éléments de conception et le mobilier du pavillon offrent des points de référence variables aux spectateurs, et la structure elle-même est partiellement recouverte d’une mousse artificielle, conçue pour une série précédente, qui s’écoule et se dilate en réponse aux sons de l’installation.

Pavillon Géorgie : frontière rampante
La « frontière rampante » est la réalité à laquelle la Géorgie et d’autres pays post-soviétiques sont confrontés et qui doit son existence à la position géopolitique du pays. plateformes les plus importantes pour l’art contemporain. Il sert de message politique et social apportant une sorte de dissonance dans le paysage politique actuel de l’Europe. Le concept principal est un récit d’événements structuré comme une analogie de chaîne d’ADN, qui existe dans son environnement habituel et reste souvent inaperçu avant d’être affecté par provoquant des facteurs externes. Crawling Border est principalement associé au tracé de frontières de manière furtive, et la tragédie personnelle de nombreuses personnes derrière elle échappe souvent à notre attention.

Le Pavillon de la Géorgie prend la forme d’une loggia kamikaze accueillant une exposition du Groupe Bouillon, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri avec Ei Arakawa et Sergei Tcherepnin, et Gio Sumbadze. L’exposition se penche sur la création d’une telle architecture informelle, manifestation du refus des structures dominantes, afin d’intégrer la liberté provisoire, l’autodétermination locale et l’appropriation contemporaine de l’héritage infrastructurel des plans directeurs soviétiques. L’exposition vise à présenter l’extraordinaire gamme d’informalité, de solutions ascendantes et le concept d’auto-organisation dans l’art et l’architecture géorgiens.

Pavillon Allemagne : Fabrik
Fabrik, fait allusion à une usine où, plutôt que des marchandises, des images sont produites. Ainsi, les six œuvres exposées au sein du pavillon, adoptent la métaphore de l’image pour exprimer les interconnexions et la circulation des personnes, des idées et des biens dans le monde contemporain, globalisé et numérique. « Fabrik » présente quatre réponses artistiques aux problèmes du travail, de la migration et de la révolte, chaque projet étant donné sa propre scène au sein du bâtiment volumineux, du sous-sol au toit. Le pavillon allemand agit comme une usine dynamique d’art et d’idées, poursuivant l’utilisation historique par le pays de l’espace d’exposition à haut plafond comme reflet de l’histoire, de la mémoire et de l’identité. Unissant ces diverses approches de la création artistique,le pavillon allemand vise à mettre en lumière la manière dont les médias visuels transforment la réalité en fiction afin de susciter le commentaire social nécessaire.

Olaf Nicolai occupe le toit pour un événement d’exposition de sept mois, où les acteurs ont été chorégraphiés dans une mystérieuse chaîne de production. Il active le toit comme une « hétérotopie » de liberté potentielle. L’installation vidéo Factory of the Sun (2015) de Hito Steyerl est construite quelque part entre l’imaginaire documentaire et l’imaginaire virtuel, comme c’est typique de son approche théorique engagée. De réels enjeux politiques sont canalisés à travers un prisme fictif pour réfléchir au devenir de la culture visuelle et de la circulation des images. Tobias Zielony poursuit son travail de documentaire intensif sur les personnes en marge de la société qui rassemble des photographies de réfugiés africains à Berlin et à Hambourg dans un récit sur la migration. Le film d’asmina Metwaly et Philip Rizk Out on the Street (2015) est un « jeu de chambre expérimental » se déroulant dans une communauté ouvrière en Égypte, où le couple documente les troubles depuis 2011. Ce cas de dynamique de pouvoir au sein d’une usine privatisée soulève des inquiétudes d’exploitation et de domination capitaliste dans le monde entier.

Pavillon Grande-Bretagne : Sarah Lucas
« I Scream Daddio », exposition solo de Sarah Lucas, reprend et réinvente les thèmes qui sont venus définir son art puissamment irrévérencieux, le genre, la mort, le sexe et les insinuations résidant dans les objets du quotidien. L’humour consiste à négocier les contradictions soulevées par la convention. Dans une certaine mesure, l’humour et le sérieux sont interchangeables. Sinon ce ne serait pas drôle. Ou dévastatrice. Tout au long de ce dernier groupe d’œuvres, le corps – sexuel, comique, majestueux – reste un point de retour crucial, tandis que le travail de Lucas continue d’affronter de grands thèmes avec un esprit distinctif. Ces muses paillardes et puissantes forment une ligne de choeur qui bouleverse l’objectivation traditionnelle de la forme féminine dans l’histoire de l’art masculin, tout en rappelant les moulages corporels incomplets que Lucas a créés tout au long de sa carrière,comme You Know What (1998) ou CNUT (2004).

Les œuvres de l’exposition comprennent Maradona, une figure grandiose au repos joyeux, mi-homme, mi-mât, mi-mante religieuse, qui se trouve en double au centre de l’exposition. Nommé d’après l’emblématique footballeur argentin, le personnage s’accroupit au sol. Le corps féminin apparaît plus littéralement dans une série de sculptures en plâtre de paires de jambes fragmentaires qui sont gracieusement animées par leur combinaison avec le mobilier domestique ordinaire qui a figuré depuis les premières installations de Lucas. D’autres œuvres ont une échelle et un sujet plus domestiques. Les sculptures Tit Cat de Lucas – encore une fois dérivées de modèles fabriqués à partir de collants rembourrés, combinent les formes raides des chats avec des orbes attachés et tombants. Se cambrant et caracolant, leurs queues tombant et se cabrant de diverses manières,ces étranges créatures métamorphiques incarnent la manière dont l’art de Lucas glisse entre les registres réel et surréaliste.

Pavillon de la Grèce : pourquoi regarder les animaux ? Agrimika.
L’installation intitulée « Pourquoi regarder les animaux ? » recréez une boutique de peaux d’animaux et de cuir de la ville grecque centrale de Volos à l’intérieur du bâtiment néoclassique. AGRIMIKÁ suggère que l’anthropocentrisme des humains, qui nous amène à nous définir comme « non sauvages et différents de tous les autres animaux », suscite une série de préoccupations allant de la politique et de l’histoire à l’économie et aux traditions. L’AGRIMIKÁ de Papadimitriou, ainsi que la boutique de Volos, sont ces animaux qui résistent avec ténacité à la domestication. Ils coexistent avec les humains dans une condition où les rôles de proie et de prédateur changent constamment, mais le chasseur humain l’emporte généralement avec la proie animale comme trophée. Néanmoins, ce sont les animaux qui figurent dans la plupart des cosmologies et mythologies fondamentales.

La petite boutique de Volos est un « objet trouvé » resitué à l’intérieur du pavillon grec. La réalité de la boutique est l’expression et la documentation de la personnalité unique de son propriétaire, qui a été témoin d’une grande partie de l’histoire de la Grèce moderne et a gardé une attitude critique envers elle. La boutique Agrimiká, qui apparaît inchangée dans le temps et dans le lieu, est analogue à l’espace environnant du pavillon néoclassique, également laissé inchangé. Le pavillon crée le contexte qui charge et révèle cet « objet trouvé » spatial. tente de galvaniser notre résistance instinctive à la décadence qui nous entoure.Cette présentation de la relation de l’homme à l’animal suscite une série de préoccupations allant de la politique et de l’histoire à l’économie et aux traditions, l’éthique et l’esthétique, la peur de l’étranger et de l’incompréhensible, et notre anthropocentrisme profond qui nous permet de nous définir comme non-sauvage, différent de tous les autres animaux.

Pavillon du Guatemala : la douce mort
« Sweet death » présente la décadence de la société contemporaine dans ses différentes expressions qui va droit au cœur. L’exposition est une expression remarquable de la société contemporaine. Les artistes ont non seulement capturé l’essence de la décadence affectant différents environnements de notre société, mais ont exprimé cette mort lente et inexorable avec ironie. « Le rêve des Italiens » représentant le cadavre de Berlusconi créé par Garullo&Ottocento avec une expression de bonheur dans un cercueil de verre clair, comme une sorte de Blanche-Neige prête à se réveiller à tout moment, crée un contraste entre la prétendue sainteté de ce l’homme et la vérité indéniable de la décadence politique italienne. La décadence de la mort en Italie affecte également l’industrie du cinéma,représenté par la sculpture dédiée à Luchino Visconti et sa Mort à Venise en souvenir d’une élégance ancienne et perdue de la production cinématographique italienne.

La section la plus dramatique de l’exposition est celle consacrée aux œuvres d’artistes guatémaltèques. Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (ie On ne peut être pape sans testicules) de Mariadolores Castellanos et montrant la figure emblématique et mythique de la papesse Jeanne, symbole d’hérésie et de faiblesse d’une croyance religieuse gouvernée pendant des siècles uniquement par les hommes. La décadence et la mort sont celles que montre la représentation d’une enfance déformée et perdue dans laquelle les personnages Disney, Barbie et les Poupées assument un sens négatif. De grand impact est le crâne géant et noir créé par Sabrina Bertolelli dominant la salle de Memento Mori et Vanitas, qui est suivi de la dernière exposition axée sur la mort culinaire. Les artistes du groupe « La Grande Bouffe » se moquent des nouvelles tendances culinaires,comme la cuisine moléculaire. L’une des œuvres principales est celle proposée par Luigi Citatella et montrant un enfant devant un plat maigre symbole d’un écart alimentaire impressionnant entre des pays comme le Guatemala et l’Italie.

Pavillon du Saint-Siège : In Principio… la parola si fece carne
« Au commencement… le Verbe s’est fait chair », structuré autour de deux pôles : Le Verbe transcendant, qui révèle la nature communicative du Dieu de Jésus-Christ ; et le Verbe fait chair, apportant la présence de Dieu dans l’humanité, surtout lorsqu’elle apparaît blessée et souffrante. Leur unité inséparable produit un dynamisme dialectique, irrégulier, elliptique, s’accélérant brusquement, ralentissant précipitamment, pour solliciter chez les artistes comme chez le public, une réflexion sur une combinaison qui se trouve à la racine même de l’humanité. A la lumière de la consonance de leur parcours de recherche actuel avec le thème choisi, pour la variété des techniques utilisées, et pour leur provenance géographique et culturelle, trois jeunes artistes choisis pour l’exposition apportent les influences de différents horizons, avec différentes expériences, vision ,éthique et esthétique.

Pavillon de la Hongrie : Identités durables
« Identités durables » réfléchit sur la façon dont les concepts clés de notre monde ont été réduits à des slogans accrocheurs. Le concept curatorial s’appuie sur l’espace du pavillon hongrois à Venise et les objets mobiles de Cseke. L’objectif de l’installation est l’espace cognitif créé par le mouvement et l’électronique. L’installation avec un réseau lumineux et cinétique de tubes de PVC qui se croisent suspendus au-dessus de la tête des spectateurs. Ces canaux translucides contiennent des boules blanches qui sont poussées dans les chemins par les ventilateurs. Parfois, les boules se rencontrent et s’entrechoquent, imitant les schémas migratoires humains et les conflits qu’ils suscitent parfois. Un grand coussin en aluminium, qui se gonfle et se dégonfle comme s’il respirait, fixe l’installation dans une étable,masse organique et sert de contrepoint d’équilibrage au système frénétique de mouvement ci-dessus. Une pièce sonore, réalisée en collaboration entre Cseke et Ábris Gryllus, complète l’installation.

Pavillon Indonésie : Voyage Trokomod
Intitulée « Trokomod », l’exposition comprend une œuvre sur le thème du voyage spécifique au site que Heri Dono a développée avec des architectes et artisans locaux de Bandung, de Java occidental et de Yogyakarta. La pièce maîtresse du spectacle, une fusion du cheval de Troie grec et d’un dragon indonésien de Komodo, est un grand bateau en forme de reptile indigène d’Indonésie, sa peau de métal ternie est un commentaire sur l’exploitation aurifère coloniale. Les téléspectateurs ont pu entrer dans le dragon pour regarder à travers des périscopes des artefacts occidentaux, comme une statue d’un homme portant une perruque en crin de cheval blanc et bouclé, déplaçant la direction traditionnelle du regard exotique vers l’est.

Pavillon de l’Iran : les points forts de l’Iran
Intitulé « Le Grand Jeu », le Pavillon de l’Iran est rempli d’œuvres d’artistes du Moyen-Orient et d’Asie du Sud-Est. L’exposition s’inspire des enchevêtrements historiques, politiques, économiques, religieux et sociaux de la région et présente un regroupement d’artistes désireux de répondre à leur réalité quotidienne. Iran, Inde, Pakistan, Afghanistan, Irak, Républiques d’Asie centrale, Région kurde, une considération que l’aire géographique de ces Pays est, en fait, un territoire historiquement unique, son destin indissolublement lié par sa situation historique et culturelle : autour de ces des lieux s’y sont déroulés, et se déroulent encore, ce que l’on appelle depuis le XIXe siècle « Le Grand Jeu » pour la suprématie en Asie. Un enchevêtrement de facteurs politiques, économiques, religieux,et les situations sociales trouvent également une expression et une interprétation dans l’art produit dans ces lieux.

L’exposition souhaite montrer à travers le travail d’une quarantaine d’artistes travaillant dans la région et particulièrement sensibles aux questions socio-politiques. L’exposition démontre la centralité de cette question et comment elle est perçue et rétablie par un public international à travers le langage de l’art contemporain ; elle s’est déjà exprimée dans les grands salons internationaux, mais elle est encore entravée par les véritables difficultés existentielles de ceux qui ont l’expérience directe d’un enchevêtrement de contradictions : un reflet précis de ce que pourrait être l’aboutissement linguistique de la mondialisation. Il ne s’agit donc pas d’un aperçu de l’art de ces pays – qui est désormais, au moins pour certains d’entre eux, bien connu – mais une véritable « poussée » conceptuelledans l’un des lieux qui est un protagoniste quotidien et superficiellement considéré des médias. Le thème choisi pour l’exposition implique évidemment que ces œuvres ont été choisies parmi celles qui abordent le plus significativement les problèmes analysés.

Pavillon Irak : Beauté Invisible
« Invisible Beauty » présente cinq artistes contemporains de tout l’Irak et de la diaspora. Les artistes travaillent dans une gamme de médias et le Pavillon comprend de nouvelles œuvres qui ont été produites spécifiquement pour l’exposition ainsi que des œuvres qui ont été redécouvertes après de longues périodes d’inattention. L’exposition était accompagnée d’une présentation de plus de 500 dessins réalisés par des réfugiés dans le nord de l’Irak. L’artiste de renommée mondiale Ai Weiwei a sélectionné un certain nombre de ces dessins pour une publication majeure qui sera lancée à la Biennale. « Invisible Beauty » est comme une membrane fragile qui enregistre les oscillations d’une pratique artistique imprégnée de l’état actuel du pays et de l’état des arts.

« Invisible Beauty » renvoie à la fois aux sujets insolites ou inattendus des œuvres exposées et à l’inévitable invisibilité des artistes irakiens sur la scène internationale. La relation entre l’art et la survie, l’archivage, la thérapie et la beauté sont parmi les nombreux thèmes abordés par l’exposition. Le titre interprétable à l’infini est destiné à révéler les nombreuses manières différentes d’aborder l’art générées par un pays qui a été soumis à la guerre, au génocide, aux violations des droits de l’homme et, l’année dernière, à la montée d’Isis. La démolition systématique du patrimoine culturel de l’Irak par Isis, observée récemment dans la destruction de sites historiques centenaires à Hatra, Nimrud et Ninive et les événements au musée de Mossoul, a rendu plus important que jamais de se concentrer sur les artistes continuant à travailler en Irak.

Pavillon de l’Irlande : Aventure : Capitale
Intitulé « Aventure : Capitale qui retrace un voyage du mythe au minimalisme autour de l’Irlande et de la Grande-Bretagne ». Combinant des éléments sculpturaux, vidéo et archivistiques, Adventure: Capital était le projet le plus ambitieux de Lynch à ce jour, réunissant les dieux fluviaux des billets de banque, l’art public dans les aéroports régionaux, les carrières abandonnées, un champ à Cork et un rond-point à Wexford, dans un voyage narratif qui explore les notions de valeur et les flux de capitaux à travers une lentille anthropologique.

La pratique multimédia de Sean Lynch le positionne quelque part entre l’artiste et le conteur. Semblable à un historien ou à un ethnographe, il révèle des histoires non écrites et des histoires oubliées, extrayant des lectures alternatives de lieux, d’événements et d’artefacts à travers ses œuvres. Les projections, photographies et installations sculpturales de Lynch font référence à une forme contemporaine de la tradition bardique irlandaise ; les récits perdus du patrimoine social et culturel irlandais sont ravivés et prennent une nouvelle forme à travers sa pratique artistique.

Pavillon Israël : Tsibi Geva | Archéologie du présent
Le pavillon israélien, une installation spécifique au site, comprend des murs couverts de volets et une œuvre à grande échelle composée d’objets ménagers trouvés, qui sont entassés dans un coin derrière des murs de verre. Tsibi Geva a enveloppé le bâtiment dans de vieux pneus de voiture et l’a rempli d’un mélange d’objets architecturaux et ménagers trouvés. L’extérieur du pavillon est recouvert d’une grille de plus de 1 000 pneus de voiture usagés importés d’Israël et attachés ensemble pour créer une couche protectrice qui recouvre les murs de la structure, y compris les fenêtres, ne laissant que l’entrée exposée.

En intervenant directement dans la structure de la galerie, Geva érode de la même manière les catégories confortables régissant l’expérience traditionnelle de l’art, « dedans » et « dehors », « œuvres d’art » et « mur de la galerie ». L’espace résultant, intitulé « Archéologie du présent », concentre les nombreuses ambiguïtés – politiques, formelles, existentielles, spatiales – présentes dans l’œuvre de Geva en un lieu singulier de stimulation visuelle. Peintures mettant en vedette des carreaux de sol en terrazzo, des maillons de chaîne, des fenêtres et des treillis, et une modification de la structure du pavillon à l’aide de matériaux de construction trouvés et réutilisés, comme des pneus et des blocs de ciment, qui s’étend des surfaces intérieures aux surfaces extérieures, troublant les qualités exclusives de la physique mur. Aux étages supérieurs,Geva a installé des peintures à grande échelle et d’autres sculptures d’objets trouvés, qui présentent une gamme d’artefacts contenus dans des cages métalliques au profil triangulaire. Chacun d’eux présente un motif différent dans le treillis métallique, certains imitant la maçonnerie et d’autres semblant plus abstraits.

Pavillon Italie : Codice Italia
Intitulé « Codice Italia », l’exposition est un voyage à travers l’art contemporain italien, mettant en évidence certaines constantes, qui partagent un « code génétique » commun. Les artistes de Codice Italia visent à réinventer les médias, tout en s’appuyant sur le matériel iconographique et culturel existant de manière problématique. Bien que le travail de ces artistes soit en phase avec les résultats les plus audacieux de la recherche artistique internationale, ils évitent la dictature du présent. L’exposition donne une autonomie au travail de chaque artiste et s’organise en « salles », chacune abritant une œuvre d’art et une archive de mémoire. Outre le travail des artistes invités, l’exposition présente quelques hommages de Peter Greenaway,William Kentridge et Jean-Marie Straub et une vidéo-installation de Davide Ferrario présentant un aperçu de ce qu’est la mémoire par Umberto Eco.

Pavillon du Japon : la clé dans la main
L’installation, intitulée « La clé dans la main », une installation de Chiharu Shiota, composée de deux bateaux, de fil rouge et d’un grand nombre de clés, provenant d’un réseau de fil rouge foncé, chaque fil étant attaché à une clé – de la plafond. L’immense accumulation de clés entrelacées, sollicitées auprès de donateurs internationaux sur le site Internet de l’artiste, imprègne l’espace d’une énergie psychique, concentrant les souvenirs individuels dans une sorte de mémoire globale partagée. Le riche symbolisme de la clé inspire davantage le spectateur à suivre le chemin conceptuel de Shiota, émergeant de tragédies collectives et de drames personnels vers un avenir inconnu et optimiste de nouvelles connexions et d’opportunités non spécifiées.

Les clés sont des choses familières et très précieuses qui protègent les personnes et les espaces importants de notre vie. Ils nous inspirent aussi à ouvrir la porte à des mondes inconnus. Chiharu Shiota utilise des clés fournies par le grand public qui sont imprégnées de divers souvenirs et souvenirs accumulés au cours d’une longue période d’utilisation quotidienne. Alors que je crée l’œuvre dans l’espace, les souvenirs de tous ceux qui fournissent leurs clés à Chiharu Shiota se chevauchent pour la première fois avec mes propres souvenirs. Ces souvenirs imbriqués se combinent à leur tour avec ceux des personnes du monde entier qui viennent voir la biennale, leur donnant l’occasion de communiquer d’une manière nouvelle et de mieux comprendre les sentiments de chacun.

Pavillon de la Corée : les façons de plier l’espace et de voler
« The Ways of Folding Space & Flying », explore le rôle de l’artiste dans une société qui change rapidement. Les artistes Moon Kyungwon et Jeon Joonho présentent cette nouvelle œuvre in situ, une pièce d’architecture complexe, mettant en vedette un mur de verre conçu par Kim Seok-chul et Franco Mancuso, en Corée, et ont filmé une vidéo sur un univers post-apocalyptique. L’œuvre fait référence aux concepts taoïstes de distance physique et à la capacité surnaturelle de se déplacer entre le temps et l’espace. Un travail sur le besoin des humains de dépasser les obstacles et la physiologie comme les artistes imaginent et défient les limitations physiques.

Le titre est dérivé des mots coréens chukjibeop et bihaengsul, dans la culture orientale, ces notions ont été recherchées non seulement comme médiums de pratique méditative, mais aussi comme moyen d’arriver à un état d’émancipation complète à la fois de l’esprit et du corps, de la physique limites et forces naturelles. L’exposition réfléchit sur le désir humain de dépasser les barrières et structures physiques et perçues qui nous lient, malgré l’absurdité de telles imaginations. alors que certaines théories et hypothèses scientifiques ont en fait soutenu la possibilité de réaliser ces notions apparemment farfelues, elles restent largement dans les domaines de la parabole et de la fantaisie, incarnant ainsi notre désir intrinsèque de transformer le monde qui nous entoure.

Pavillon du Kosovo : spéculer sur le bleu
« Speculating on the Blue », présentation en solo de Flaka Haliti, réfléchissant sur le sens des frontières, de la démocratie, de la liberté et de la mobilité ». Sa démarche est celle de recontextualiser la politique mondiale en la déconnectant de son régime d’apparition. emblème du possible et énigme de nos limites est tissé dans la trame de notre passé et de notre présent.En puisant dans le sens universel de cette métaphore, l’artiste soustrait l’économie d’image de l’horizon à tout contexte spatio-temporel spécifique et spécule sur sa validité. comme une vérité éternelle.Avec Speculating on the Blue, Flaka Haliti positionne l’observateur dans un espace intermédiaire qui oscille entre expansion et confinement, proximité et distance ;un espace qui ouvre simultanément de multiples dimensions temporelles et, par conséquent, est vécu comme un travail d’actualisation constante.

Les squelettes d’objets ressemblant à des barrières qui occupent l’espace d’exposition sont une référence à l’esthétique des murs de béton érigés entre les nations et les régions comme matérialisation du conflit. L’installation de Haliti vise à démilitariser et à décontextualiser ce régime esthétique spécifique en dépouillant les colonnes de leur essence matérielle et en les juxtaposant à des éléments par nature résistants au concept de frontières. Dans ce scénario, l’horizon et le fond pictural bleu créent une contre-image au concept de frontières et fonctionnent comme un outil pour ouvrir de nouvelles perspectives. L’interaction des éléments et des différentes images qu’ils génèrent est la méthode de l’artiste pour créer un espace intermédiaire qui permet l’expérience subjective des spectateurs s’engageant dans son travail.

Pavillon de la Lettonie : aisselle
Pavillon letton aux formes innovantes rencontrées dans la vie de tous les jours. Dans des garages ressemblant à des laboratoires domestiques et des ateliers installés dans des cours rurales, ces hommes prouvent que notre attitude envers les technologies et le monde des produits fabriqués industriellement ne doit pas être celle de la consommation passive. « ARMPIT », une installation artistique multimédia de Katrīna Neiburga et Andris Eglītis. Il s’agit d’un système sculpté de constructions de bâtiments entremêlé d’histoires vidéo sur un phénomène local particulier, les « elfes de garage », qui ont tendance à passer leur temps libre à bricoler divers mécanismes dans des ateliers aménagés pour ce passe-temps.

Andris Eglītis a créé une distribution improvisée du microcosme particulier des communautés de garage. Il s’agit d’un système kaléidoscopique de structures de construction sculptées, fait de matériaux de construction préfabriqués de l’architecture vernaculaire des bidonvilles. La structure du bâtiment est entrelacée avec les récits vidéo de Katrīna Neiburga. Ses portraits des membres des communautés de garages résident en tant qu’habitants imaginaires du logement nouvellement installé, qui rappelle un mélange entre un couvent et un atelier de misère. Katrīna Neiburga travaille généralement avec des médias temporels, les utilisant dans son art d’investigation socio-anthropologique, ses installations multimédias et sa scénographie. Andris Eglītis tend vers le traditionnel dans son choix de média ;son désir d’expérimenter avec la peinture et de nouvelles formes sculpturales l’a amené à se tourner vers des exercices architectoniques en tant que pratique corporelle expérimentée par rapport à l’art conceptuel.

Pavillon Lituanie : Musée
Intitulé « Musée », un projet déconstruit les mythes de l’histoire de l’art lituanien qui ont gagné du terrain pendant la période d’occupation soviétique. L’histoire « Musée » est un récit hypertextuel à la première personne de Dainius Liškevičius, s’enchaînant, par logique, conceptuelle et liens formels, formes de protestation politique de l’époque soviétique présentées à l’exposition, personnalités historiques représentant ces formes et artefacts culturels, avec des bribes de la carrière de l’artiste et de son art.

Pavillon luxembourgeois : Paradiso Lussemburgo. Philippe Markiewicz
Intitulée « Paradiso Lussemburgo », une œuvre prend la forme d’un vaste théâtre total qui occupe intégralement six salles du pavillon. Filip Markiewicz présente une image mentale du Luxembourg combinée à une réflexion sur l’identité contemporaine. Les différentes vagues d’immigration enregistrées depuis le début du XXe siècle au Luxembourg ont conduit à considérer le pays comme une sorte de havre d’intégration. Là encore, il y a une forte allusion à l’image du Luxembourg donnée par certains médias étrangers, le paradis fiscal, thème abordé ici de front mais aussi avec une certaine ironie.

A la fois musée, laboratoire de création, lieu de divertissement culturel alliant danse, performance, DJing, lecture, architecture et musique, le Paradiso Lussemburgo présente le Luxembourg, dans le contexte européen et mondial, comme un échantillon national dans lequel les différentes nationalités et cultures constituant le même identité, se conjuguent. C’est un voyage aux confins d’une identité plurielle et complexe, d’une manière à la fois critique, politique et fantastique.

Pavillon de la Macédoine : nous sommes tous seuls dans cette situation
Intitulé « Nous sommes tous seuls », Hristina Ivanoska et Yane Calovski abordent la notion de foi dans les conditions socio-politiques concurrentes et multiples d’aujourd’hui. Le projet fait référence à un certain nombre de sources complexes : une fresque de l’église Saint-Gjorgi de Kurbinovo, peinte par un auteur inconnu au XIIe siècle, ainsi que des écrits de Simone Weil, Luce Irigaray et des notes personnelles de Paul Thek datant à partir des années 1970. Tout en recherchant des valeurs politiques dans les représentations des sources esthétiques et littéraires formelles, l’œuvre porte une urgence spécifique à articuler des manières dont nous engageons et désengageons continuellement le passé du présent tout en remettant en question la notion de foi.

Tout en recherchant des valeurs politiques dans les représentations des sources esthétiques et littéraires formelles, l’œuvre porte une urgence spécifique à articuler des manières dont nous engageons et désengageons continuellement le passé du présent tout en remettant en question la notion de foi. Les dessins et collages de Yane Calovski font référence à des correspondances récemment découvertes de Paul Thek dans la collection Marzona à Berlin, abordant la difficulté de survivre tout en créant, produisant et entretenant son propre travail et en gardant foi dans l’idéalisme de la production collaborative. De plus, abordant la valeur de la poétique cachée dans les détails positionnés bien au-delà des clichés mondains de son propre besoin de produire du langage, Calovski peint littéralement des icônes invisibles, obtenues grâce à la disposition physique de l’image en tant que symbole religieux.

Pavillon Maurice : d’un citoyen, vous recueillez une idée
Le Pavillon Maurice, basé sur un dialogue entre artistes mauriciens et européens, n’est pas seulement une tranche de la scène artistique mauricienne, mais aussi un regard sur les conventions occidentales lorsqu’il s’agit d’évaluer « l’art maintenant ». , discutant de la théorie et de la pratique de l’art, de l’héritage colonial et des relations postcoloniales, de l’éducation et de la politisation de la culture. Avec cette approche indirecte de l’idée d’inclusion et de différence, réalisée par le travail de treize artistes éminents dans leurs pays respectifs, le Pavillon de Maurice vise pour « prendre la température » du monde de l’art global, et éventuellement apporter, en plus de nombreuses questions et quelques réponses.

Pavillon du Mexique : Posséder la nature
« Possessing Nature » étudie la relation entre l’architecture, l’infrastructure et le pouvoir mondial. « Posséder la nature » est parti de multiples points d’investigation, de parallélismes, d’intentions, d’urgences et d’actes de réflexion. Conçu comme un appareil d’ingénierie dont la fonction est d’évoquer, Possessing Nature se présente comme une sculpture monumentale, un système hydraulique, une chambre de résonance, un miroir et un canal. Morceau de (contre)infrastructure, il met l’accent sur deux moments de la modernité : la matérialité et le dynamisme, ainsi que son arrogance et les limites de son rêve. Elle est évocatrice car c’est la nature qui fluctue, qui coule, tombe, baigne et déborde.

En tant que sculpture monumentale, elle crée une tension dans l’espace d’exposition de telle sorte qu’elle en vient à l’opprimer. En tant que système hydraulique, il utilise la pression de l’eau puisée dans la lagune pour générer des turbulences à l’intérieur du monument, calmant ainsi l’eau à son embouchure. Ce miroir d’eau reçoit et réfracte alors les images qui sont projetées à sa surface. La « fluidité » produite entre miroir et projection génère à son tour un souci de la texture de l’image, qui finit par décharger violemment son propre caractère spectral. La sculpture fait partie du « système de drainage », en tant que monument, ruines et spectre, mais aussi du « drainage » en tant qu’action symbolique qui draine cycliquement et intemporellement tout flux naturel et vital dans une possession, c’est-à-dire dépossédée. Ainsi,Posséder la nature est une plaie, un conduit, un fossé : un système de drainage placé au cœur militaire d’une ville prosternée dans l’eau.

Pavillon Mongolie : Autre Maison
Le pavillon de la Mongolie présente Unen Enkh et Enkhbold Togmidshiirev, deux artistes qui travaillent avec des matériaux organiques issus de la vie nomade mongole et soulèvent des questions sur les problèmes mondiaux de l’altérité culturelle et de l’aliénation moderne de la nature. S’appuyant sur l’héritage historique de la relation de Venise avec les nomades et les Mongols, le pavillon de la Mongolie se compose de deux types de présentation d’art : un espace pavillon sédentaire au Palazzo Mora et un pavillon nomade. La nouvelle ère de la mondialisation est caractéristique de la haute technologie et de la mobilité entre les continents entraînant souvent des questions d’appartenance. Le pavillon de la Mongolie répond au problème mondial des déplacements à travers une notion multiforme du « chez soi »comme le site de partage des énergies entre les peuples et les cultures dans n’importe quelle partie du monde global.

Pavillon du Mozambique : coexistence de la tradition et de la modernité dans le Mozambique contemporain
Le pavillon du Mozambique, pays de culture hétéroclite. L’exposition de production d’art contemporain se concentrant sur des objets traditionnels et modernes pour expliquer les relations de l’art à la spiritualité. L’exposition incorpore des éléments de production culturelle tels que des appuis-tête, de la poterie, des masques, des broderies perlées, des sculptures, des statues, des paniers et des scarifications corporelles, qui sont utilisés pour exprimer l’identité culturelle, la beauté et le statut social des membres de la communauté ; et, surtout, les objets utilisés pour les rituels divinatoires. Il est suggéré que cette exposition vise à souligner l’importance et la pertinence continue de l’art traditionnel à l’époque contemporaine et à explorer son rôle dans les développements culturels actuels. Dans cette analyse des objets traditionnels, il est important de clarifier le rôle de la divination et sa place centrale dans la société.

La valeur spirituelle et le but d’un objet affectent sa valeur esthétique pour les Africains. Ces objets peuvent être importants pour les gens parce qu’ils sont des objets de famille, qui relient l’individu aux ancêtres, ou parce qu’ils ont une signification historique. Les objets sont également importants car en plus d’être porteurs de spiritualité, ils relient l’individu à un passé culturel. L’un des principaux défis est le fait que l’art traditionnel, en tant que composante importante de l’art moderne, ainsi que de la vie quotidienne, gagne sa place dans le concept dominant de l’art dans le monde, influencé par les mouvements artistiques, dont la jeunesse créative figure en bonne place, vers l’avenir de l’humanité.

Pavillon des Pays-Bas : herman de vries – être toutes les manières d’être
Le projet intitulé « être toutes les façons d’être », utilise des matériaux organiques et un pavillon néerlandais repensé, des pigments de terre, dans les Giardini et plus loin, à plusieurs endroits dans la lagune. Représentation de la nature conçue par Herman de Vries. Aux côtés d’œuvres récentes de l’artiste néerlandais, le pavillon abrite des œuvres spécialement créées pour la ville de Venise, qui a été analysée comme un habitat, un écosystème à explorer. Natura mater est situé sur Lazzaretto Vecchio. L’île aujourd’hui inhabitée abritait autrefois une zone de quarantaine pour ceux qui souffraient de la peste ou d’épidémies ultérieures de maladies infectieuses. Soyez décoré de boutons de rose, de plantes des marais.

Pavillon Nouvelle-Zélande : Pouvoir secret
Le projet de Simon Denny pour le pavillon néo-zélandais était divisé en deux espaces : les zones d’arrivée de l’aéroport Marco Polo et les salles monumentales de la Biblioteca Nazionale Marciana à Piazzetta San Marco. L’installation à l’aéroport est située dans la zone côté piste. Secret Power aborde l’intersection de la connaissance et de la géographie dans l’ère post-Snowden. Il étudie les langages actuels et obsolètes pour décrire l’espace géopolitique, en se concentrant sur les rôles joués par la technologie et le design. Les contextes et les histoires des deux lieux fournissent des cadres très productifs pour Secret Power, et ont été directement impliqués dans le travail.

Simon Denny est le premier artiste de la Biennale à utiliser le terminal de l’aéroport Marco Polo. L’installation de Denny opère entre les frontières nationales, mélangeant les langages de l’affichage commercial, du design intérieur contemporain des aéroports et des représentations historiques de la valeur du savoir. Denny a « fait glisser et déposé » deux reproductions photographiques en taille réelle de l’intérieur décoré de la bibliothèque sur le sol et les murs du salon des arrivées, traversant la frontière entre l’espace Schengen et l’espace non-Schengen. Dans la bibliothèque Marciana, a été en partie une vitrine inspirée par l’impact des fuites de diapositives PowerPoint du lanceur d’alerte de la NSA Edward Snowden décrivant les programmes de surveillance des télécommunications américains top secrets aux médias mondiaux, qui ont commencé en 2013. Ces diapositives ont mis en évidence le rôle de la Nouvelle-Zélande dans le travail de renseignement américain,en tant que membre de l’alliance Five Eyes dirigée par les États-Unis.

Pavillon Nordique Pavillon : Ravissement
« rapture », comme un ensemble de performances par des musiciens et des chanteurs à des moments précis ; et une publication en trois parties qui explore la relation entre le corps humain et le son, à travers le corps visuel, sonore et architectural. Le son, par sa nature , imprègne les frontières, même invisibles. Tout au long de l’histoire, la peur a été associée aux effets paradoxaux de la musique sur le corps et l’esprit, et son pouvoir de décentralisation du contrôle et de récompense. Camille Norment travaille avec l’armonica de verre qui crée musique éthérée du toucher des doigts sur le verre et l’eau – et un chœur de 12 voix féminines. En tissant ces éléments ensemble dans le pavillon lui-même, norment crée un espace immersif et multisensoriel, qui reflète l’histoire du son, les concepts contemporains de consonance et dissonance,et l’eau, le verre et la lumière de Venise.

Antoinette, l’armonica de verre était d’abord célèbre pour guérir les gens avec sa musique envoûtante, mais plus tard, il a été interdit car on pensait qu’il induisait des états d’extase et éveillait l’excitation sexuelle chez les femmes. Reconnue comme capable d’induire des états proches du sexe et de la drogue, la musique est encore perçue par beaucoup dans le monde comme une expérience qu’il convient de contrôler, notamment par rapport au corps féminin, et pourtant elle est aussi de plus en plus utilisée comme outil de contrôle, surtout sous les justifications de la guerre. Dans un contexte contemporain, Norment explore les tensions que cette musique soulève aujourd’hui en créant un espace multisensoriel, qui réfléchit sur l’histoire du son, les concepts contemporains de consonance et de dissonance, et l’eau, le verre et la lumière de Venise.L’artiste compose un chœur de voix qui correspondent aux notes non résolues du très censuré triton des « diables » et de l’armonica de verre, et ce chœur plonge le visiteur dans « Rapture ».

Pavillon du Pérou : Ruines égarées
Intitulé « Misplaced Ruins », par Gilda Mantilla et Raimond Chaves aborde les problèmes d’engagement de la différence culturelle, évoquant les négociations translationnelles et transnationales requises par la mobilité internationale et l' »appartenance » sociale, culturelle, idéologique et linguistique. Les allusions au Pérou abondent : architecture précolombienne, étalement urbain, journalisme à sensation, économie souterraine, événements de l’histoire récente, musique traditionnelle, autoroutes couvertes de panneaux d’affichage et même conditions météorologiques locales (le ciel généralement couvert de Lima). Pourtant, ces allusions, traduites par les artistes, deviennent des citations ambiguës : la référence culturellement spécifique est trahie par les angles morts de sa traduction : agendas politiques, intérêts acquis, équivoque.Mantilla et Chaves suggèrent que ce que différents groupes de personnes pourraient considérer comme « le leur » : la culture, l’histoire, les traditions, est toujours un site de lutte.

Pavillon des Philippines : nouez une ficelle autour du monde
Le pavillon philippin du Palazzo Mora présente le film de 1950 de Manuel Conde, Gengis Khan, à côté d’œuvres d’artistes contemporains tels que l’artiste médiatique Jose Tence Ruiz et le cinéaste Mariano Montelibano III. L’exposition promet d’engendrer un dialogue sur « l’histoire de la mer et sa relation avec le monde actuel, les revendications patrimoniales et la lutte des États-nations pour une nature vaste et intensément contestée ».

À la tangente de Gengis Khan, l’œuvre de Jose Tence Ruiz fait référence à la Sierra Madre dans l’œuvre Shoal. Ruiz évoque le navire spectral comme la silhouette ambivalente d’un banc à travers un assemblage de métal, de velours et de bois. Manny Montelibano présente la pièce vidéo multicanal A Dashed State on the West Philippine Sea. Il s’attarde sur le son des épopées et des radiofréquences qui sillonnent l’étendue et les vignettes de modes de vie apparemment sans incident dans les îles. Du belvédère de Palawan, porte d’entrée de Bornéo et de la mer de Chine méridionale, il filme les conditions de l’impossible : ce qui fait une mer commune et où se situent frontière et bord, mélancolie et migration.

Pavillon Pologne : Halka/Haïti. 18°48’05″N 72°23’01″O
Un engagement avec des sujets multiculturels, marqué par Joanna Malinowska et Christian Tomaszewski, a décidé de revisiter son projet fou d’amener l’opéra sous les tropiques. L’opéra qu’il a décidé de mettre en scène était Halka de Stanisław Moniuszko, une tragique histoire d’amour détruite par la différence de classe, considérée comme « l’opéra national » de la Pologne depuis sa création à Varsovie en 1858. Le contexte historique de cet opéra était, au début des années 1800, Napoléon a envoyé son troupes en Haïti colonial pour réprimer une insurrection d’esclaves. Une légion polonaise, cherchant à s’allier avec la France contre ses propres occupants, la Prusse et l’Autriche, rejoignit l’armée ; en réalisant que les Haïtiens se battaient pour leur liberté, les soldats polonais se sont retournés contre les Français et ont aidé à la révolution.

Dans une tentative de saper le romantisme colonial de Fitzcarraldo, ils décident de confronter un ensemble de réalités historiques et sociopolitiques particulières en mettant en scène « Halka », considéré comme « l’opéra national de Pologne », dans le lieu apparemment improbable de Cazale, Haïti, un village habité par les déscendants. Le 7 février 2015, une performance unique de « Halka » a été présentée à un public local enthousiaste sur un chemin de terre sinueux. Une collaboration entre des artistes polonais et haïtiens, l’événement a été filmé en une seule prise pour être présenté plus tard comme un panorama projeté à grande échelle dans le pavillon polonais de la Biennale de Venise.

Pavillon du Portugal : j’étais ton miroir / poèmes et problèmes
Le projet « I’ll Be Your Mirror » de João Louro emprunte le titre d’une chanson du Velvet Underground. Les œuvres créées spécifiquement pour le pavillon portugais et qui ont été extraordinairement bien adaptées à l’espace de chaque salle de la bibliothèque du Palazzo Loredan, mettent en évidence le souci que João Louro a toujours manifesté en générant de nouveaux aspects sémantiques et en soulevant des doutes sur les normes acceptées par notre culture, ainsi qu’à convertir le rôle du spectateur en celui d’un participant, en créant des lieux inventés et en imaginant des scènes et des mots habités qui nous permettent de cultiver nos désirs et aspirations les plus profonds. Dans ces créations, Louro met l’accent sur le langage visuel et ses modes d’expression, et considère l’interprétation comme une forme de communication entre l’œuvre d’art et le spectateur,tenter de constituer de nouvelles sphères de pensée pour ressentir, réfléchir et échanger.

Louro dresse un panorama de son parcours, de ses convictions artistiques et culturelles, de ses préoccupations et de ses choix esthétiques et sociologiques. À travers des éléments tirés du Minimalisme et de l’Art Conceptuel, Louro construit son propre univers selon les traces que ses lectures, la musique et le cinéma ont laissées sur son chemin ; en fusionnant ces traces, il construit une sorte d’autobiographie, un journal intime, dans lequel les textes ou les événements sont chargés de sens. Il réitère son questionnement sur le sens et l’efficacité symbolique de l’image et du langage, utilisant l’invisibilité ou l’effacement comme stratégies pour nous rappeler que l’accès nous est refusé et que le spectateur fait toujours partie de l’œuvre : l’œuvre se dresse comme un miroir, accordant au spectateur le rôle principal. João Louro’Le travail conceptuel est un questionnement sur les limites et la capacité expressive de l’image, reflétant en dehors de la marge étroite de l’œuvre d’art elle-même.

Pavillon rom : Adrian Ghenie : la chambre de Darwin
« Darwin’s Room », une exposition de peintures récentes d’Adrian Ghenie. Adrian Ghenie est connu pour ses peintures de mauvaise humeur, souvent des portraits ou des intérieurs, qu’il orne de taches d’abstraction brossée. Ghenie se penche sur le personnage de Charles Darwin et le développement et les perversions ultérieures du 20e siècle de son hypothèse suprême, l’évolution. L’exposition en trois parties couvre plusieurs années de la production récente de Ghenie, y compris une série d’autoportraits que l’artiste a créés sous le nom de Darwin. Dans ses peintures, l’artiste dépouille les grandes figures historiques de leur gravité et, à son tour, de la propre utilité de l’histoire en tant que récit définissant et guidant.

Le titre « Darwin’s Room » fait non seulement référence à une série de portraits (et d’autoportraits déguisés) du grand naturaliste britannique, mais aussi à l’exploration par Ghenie de l’histoire du XXe siècle en tant que « laboratoire d’évolution » élargi, avec idées séminales luttant pour la survie et la domination dans le cadre d’un entrelacement allégorique d’histoires passées et futures. La construction conceptuelle de l’ensemble de l’exposition repose sur la vision de l’artiste du monde contemporain, défini par la mémoire et le désir, le bouleversement et le spectacle.

Pavillon Russie : Le Pavillon Vert
Le Pavillon Russe présente Le Pavillon Vert d’Irina Nakhova.
La peintre et artiste d’installation Irina Nakhova a contribué au développement du conceptualisme moscovite (ou russe), un mouvement qui a tenté de saper l’idéologie et l’imagerie socialistes. L’extérieur du pavillon, peint en vert, fait référence au Pavillon rouge de Kabakov (1993), dont la façade vibrante et l’intérieur vide lors de la 45e Biennale de Venise ont souligné le signification de la couleur pour le postmodernisme russe ainsi que le concept de vide, « comme quelque chose qui flotte dans l’air », qui était au cœur des conceptualistes de Moscou.

La division par Shchusev du pavillon russe en cinq espaces discrets a incité Nakhova à revisiter sa série Rooms des années 1980, où le spectateur était activement impliqué dans une expérience artistique. Nakhova fait un usage résolu des couleurs « Supremastist », vert, rouge vif et noir; un usage inventif des vidéos, comme pour l’impressionnante « tête de pilote » dans la salle 1 ; et une manipulation surprenante de l’architecture du pavillon, une ouverture cadencée d’une lucarne pour établir une connexion rythmée entre les différents niveaux du pavillon et en même temps entre les visiteurs, par exemple, pour créer une véritable expérience immersive, presque physique, pour le Publique. Comme Kabakov pour la Biennale pour montrer l’art contemporain russe passant du localisme à la scène artistique internationale, « The Green Pavilion » regarde à nouveau vers l’extérieur la place mondiale des artistes russes dans l’ère post-soviétique.

Pavillon Saint-Marin :
Intitulé « Projet d’amitié : sculpture et architecture d’art », le pavillon de la République de Saint-Marin exposait 10 sculptures dans le hall de l’Ateneo Veneto. Les structures sont présentées dans des tissus blancs suspendus au sol, avec des veines gravées dans les dalles. Enrico Muscioni et Massimiliano Raggi ont collaboré avec les sculpteurs chinois Fan Haimin, Fu Yuxiang, Min Yiming, Nie Jingzhu, Wu Wei, Wang Yi, Shen Jingdong, Zhang Hongmei, Zhang Zhaohong et Zhu Shangxi, et un groupe d’étude de professeurs et d’étudiants de la Université de Saint-Marin.

Pavillon de la Serbie : Nations Unies mortes
Intitulée « United Dead Nations », l’installation vise à établir un dialogue sur ce que représente la notion de nation à notre époque post-globale en mettant l’accent sur les nations qui n’existent plus en tant que telles, mais dont les fantômes conditionnent encore la géo : Empire austro-hongrois, Empire ottoman, Union soviétique, République démocratique allemande, Yougoslavie, etc. Ce faisant, le spectre multiforme des désirs et des conflits, qu’incarne la notion de nation, est pris en compte et les questions de nature et de permanence de les nations d’aujourd’hui sont imposées. United Dead Nations recrée une politique absente et permet sa vie alternative dans le régime esthétique de l’art en ouvrant de nouvelles relations de représentation dans le champ du visuel – l’espace où la réalité sociale se traduit en formes et en images.

Ivan Grubanov met l’accent sur le processus de fabrication de l’image en impliquant les drapeaux morts comme modèles, moyens et matériaux lors de son rituel de peinture. L’intention de l’artiste réside dans la création d’un nouveau champ symbolique, qui interroge les cadres de valeurs de l’art, tout en permettant aux autorités rétablies des nations mortes de continuer à rivaliser dans le domaine du visible. La mémoire des cultures perdues dans les bouleversements sociaux et politiques du XXe siècle. Vraisemblablement inspiré par le changement de nom de son pays d’origine de Yougoslavie à « Serbie », Grubanov explore l’histoire récente d’une nation, de sa dissolution à sa création. Grubanov explore l’héritage des nations récemment dissoutes, dans une installation qui rassemble leurs drapeaux. Sale et froissé les uns sur les autres sur le sol du pavillon,la pile de symboles nationaux obsolètes explore le caractère éphémère de l’identité face aux troubles politiques.

Pavillon des Seychelles : un coucher de soleil mécanique
Le Pavillon des Seychelles dit à la communauté internationale qu’ils sont plus que la carte postale parfaite de plages de sable, de palmiers et d’eaux turquoise. Les Seychelles sont une culture riche et complexe dont les histoires sont racontées à travers leur artiste. George Camille utilise une multitude de câbles industriels épais. Chaque câble est dénudé et le câblage interne est ensuite extrait de son boîtier sombre et façonné en feuilles. Cette œuvre multimédia utilise des matériaux qui ont été mis hors service, récupérés et achetés localement aux Seychelles. Le travail de Léon Wilma Lois Radegonde se compose de toiles patinées, « objets trouvés », où il laisse ses traces de taches de pétrole, de blanchiment du soleil et de terre en décomposition, toutes inscrites, cousues et brûlées. Pour spéculer sur son avenir, il faut comprendre son histoire. .L’identité des Seychelles se redéfinit à grande vitesse. Les voix souvent étouffées de ses artistes jettent un nouvel éclairage sur la richesse et la complexité de sa culture.

Pavillon de Singapour : État de la mer
Sea State est un projet initié en 2005 par l’artiste et ancien marin olympique Charles Lim qui examine la relation de Singapour avec la mer à travers du matériel cinématographique, photographique et d’archives. Lorsque nous pensons à une nation comme à une chose physique, nous imaginons une masse terrestre. Pourtant, la vraie frontière de tout pays touchant la mer n’est pas le bord de la terre, mais dans l’eau. La frontière réelle et la frontière imaginaire sont assez différentes, surtout pour une île comme Singapour. Sea State rend cette frontière visible. Il met en évidence ce qui est ordinairement tenu au second plan, les vrais fonds marins et notre inconscient maritime inquiet.

La structure du projet s’inspire du code de l’Organisation météorologique mondiale pour la mesure des conditions de la mer, qui numérote les différents états allant du calme au modéré en passant par le phénoménal. Il cherche à remettre en question et à redéfinir la compréhension de Singapour de ses frontières terrestres et maritimes, et la volonté du pays de reprendre le contrôle de son environnement. La pratique de Charles Lim découle d’un engagement intime avec le monde naturel, médiatisé et informé par la recherche et l’expérimentation sur le terrain, la performance, le dessin, la photographie et la vidéo. Ses œuvres rendent visible une écologie côtière dynamique, montrant comment les infrastructures du capitalisme mondial ne remplacent pas l’environnement maritime, mais l’habitent et le transforment. À une époque d’échanges mondiaux rapides, le complexe,les espaces transnationaux de la mer accueillent une interaction dynamique entre la nature et la culture, encadrant bon nombre des principales angoisses de notre temps. Englobant une gamme de médias et de disciplines, le pavillon de Singapour nous emmène dans des endroits qui n’étaient jusqu’à récemment qu’une chose de la théorie onirique.

Pavillon Slovénie : UTTER / la nécessité violente de la présence incarnée de l’espoir
Le projet intitulé « UTTER / La nécessité violente de la présence incarnée de l’espoir », embrasse le cœur même de l’objectif de Jaša de créer une œuvre d’art à la fois comme position poétique et comme présence dynamique et politisée. L’œuvre est conçue comme une installation spatiale et une performance in situ qui lient l’artiste, ses collaborateurs et le public. Le projet consiste en une installation, un dessin architectural activé pour devenir un reflet de pensées, et une performance dans la durée qui exprime la nécessité de (ré)agir comme une forme incarnée. Ces éléments coexistent et s’entrelacent pour former l’expérience intégrale de l’œuvre d’art. Le projet s’articule autour de trois grands thèmes : la résistance, la collaboration et l’espoir. La position énergique de chaque thème a été résolue, en partie,via une coexistence à long terme d’un corps performatif au sein d’une enveloppe architecturale, la co-création d’actions performatives répétitives et la production de moments harmoniques. Une situation polyphonique de visuel, de son et de performance a été soumise à un scénario hebdomadaire rigoureux.

L’un des artistes contemporains slovènes les plus prolifiques et les plus reconnus par la critique, JAŠA est motivé par ses interprétations rhapsodiques de la situation, du récit, de la sculpture et de la performance. Par sa connexion alchimique avec la matière et le contenu, JAŠA transforme les espaces en expériences, les conduisant vers leurs potentiels poétiques et extatiques. Dans sa création, une installation in situ, une performance de durée basée sur l’idéologie du vivre ensemble complète son envie de réagir et de formuler une vision d’une expérience communautaire de l’art en tant que réalité. Considérant les exigences et les extases de la performance répétitive dans la durée, le projet est un acte structuré de discipline. C’est un appel à la sensibilité collective. Par des actions répétitives continues, des connaissances, des gestes et la transformation de ces gestes en rituels,le groupe d’interprètes convoque une force rebelle qui, par le pouvoir de la poésie, appelle à une réalisation pandémique de l’idée de communauté et d’unification.

Pavillon de l’Espagne : les sujets
Le Pavillon espagnol explore le Dalí d’entretiens et de mots, Dalí le sujet. Projet collectif où Dalí était présent en tant que sujet, bien que non représenté par son travail. Il révèle Dalí à travers d’autres voix, celles d’artistes conceptuellement liés à lui et les uns aux autres. Partant de la sensualité du personnage-sujet, l’exposition explore d’autres sujets qui se prêtent également à des interprétations extraordinaires. Hommage à « la persistance de la mémoire », ses propos et entretiens, plutôt que son œuvre, inspirent trois projets au sein du Pavillon espagnol. Dalí devient un concept sur lequel Salazar, Cabello/Carceller et Ruiz utilisent des films, des bandes dessinées et des objets pour réinventer les sphères privées et publiques d’une icône. Comme le suggère le titre du pavillon, les « sujets »reflètent non seulement la conceptualisation sociale de Dalí, mais réfractent également les moyens par lesquels la société crée l’identité.

Cabello/Carceller ont conçu une proposition artistique qui s’articule autour de l’idée d’identités multiples et de la possibilité de non-définition. Leur travail de performance, de film et d’installation, ancré dans les positions féministes et la théorie queer, offre un regard critique sur la définition de l’identité et le combat politique de l’individu. L’esprit de Dalí sera également présent dans le propre journal de l’artiste légendaire. Au Pavillon espagnol, Pepo Salazar présente une œuvre en accord avec son modus operandi particulier, une création atomisée qui mélange les moments et les types et crée un cadre dans lequel toutes les options sont possibles. Comme Dalí, Pepo Salazar élargit le champ de l’action artistique en bafouant les conventions et en cultivant une profonde connaissance de ce que signifie travailler dans le domaine de l’art. Salazar’Le projet de pavillon est lié à la Déclaration d’indépendance de l’imagination et des droits de l’homme à sa propre folie de Salvador Dalí.

Pavillon de l’Afrique du Sud : ce qui reste, c’est demain
Le Pavillon de l’Afrique du Sud, intitulé « Ce qui reste, c’est demain » présente un éventail d’œuvres d’artistes profondément investis dans les itérations locales du pouvoir, de la liberté et de la liberté civile. Le projet souhaite non seulement représenter des travaux récents et importants d’Afrique du Sud, mais aussi mettre en branle un débat complexe et dynamique sur la relation entre le moment contemporain et les récits du passé. Le projet ne voulait pas simplement présenter des œuvres qui tiennent un miroir de notre société, ou offrir une litanie de torts et d’injustices afin de donner à un public international une idée de l’air du temps local. Dans certains domaines, nous avons engagé le passé, individuellement et ensemble, par exemple, le secteur public, la conception et la conservation des musées, la pratique architecturale, qui nous ont parfois obligés à habiter le passé.

Pour explorer la voie du futur, vous devez avoir une compréhension claire et une réflexion profonde sur le passé. Le passé de l’Afrique du Sud était compliqué. Ils nous relient à un conglomérat de relations qui non seulement émergent du passé (de l’impérialisme et du colonialisme) mais se démarquent aussi quelque peu des grands récits de l’histoire qui donnent naissance aux notions de nation et d’État. Les artistes dont les œuvres sont présentées ici s’aventurent sur ce terrain. Ils contestent les hypothèses profondément ancrées sur qui est dedans et qui est dehors. Ils ont le sentiment qu’il y a un récit d’appartenance qui doit être interrogé. des violences « plus lentes » qui nous rongent de l’intérieur. Cela nous a fait nous méfier de la nostalgie, et des dangers d’une approche mythologisante et muséologique de l’histoire.nous n’avons pas abandonné l’idée que le passé est une référence importante, la clé pour savoir quoi faire, même si, en tant qu’humains, nous semblons incapables d’apprendre de nos erreurs.

Pavillon de la République arabe syrienne : Origini della civiltà
L’exposition « Origines de la civilisation » réitère son soutien au développement d’un dialogue entre des expressions esthétiques libres qui représentent l’apparence changeante et multiforme du contemporain. Afin de répondre à cette thématique, le Pavillon présente le travail d’artistes de Syrie Narine Ali, Ehsan Alar, Fouad Dahdouh et Nassouh Zaghlouleh, Italie Aldo Damioli, Mauro Reggio et Andrea Zucchi, Chine Liu Shuishi, Espagne Felipe Cardeña, Albanie Helidon Xhixha , et Ukrain Svitlana Grebenyuk, se concentrant sur une physionomie stylistique qui a mûri dans des circonstances environnementales et historiques très différentes mais capable de dépasser les frontières nationales.

Helidon Xhixha a également créé un iceberg entouré par les eaux de Venise, qui menacent d’être submergées par la marée. Fabriqué en acier inoxydable poli pour un éclat miroir, il reflète la ville et son environnement aquatique. L’iceberg de Xhixha (2015) oscille avec le mouvement des courants et du vent. Un tel mouvement, associé à la lumière et aux conditions météorologiques changeantes et au ruissellement de bateaux et de personnes, fait que la surface réfléchissante de l’iceberg se déplace aussi continuellement que le monde qu’il reflète. Mais si ces visions ravissent l’œil, cette œuvre sert aussi de rappel et d’avertissement. C’est la fonte des glaces, après tout, qui a formé les parcelles de terre dans l’eau sur lesquelles Venise a été fondée. Et maintenant, grâce à la hausse des températures provoquée par notre dégradation de l’environnement,c’est la fonte des glaciers (entre autres facteurs) qui menace d’effacer la ville et ses trésors artistiques et historiques de la carte.

Pavillon Suède : Lina Selander. Fouilles de l’Image : Empreinte, Ombre, Spectre, Pensée
Titre « Fouille de l’image : Empreinte, Spectre d’ombre, Pensée. » Les installations cinématographiques de Selander s’inspirent souvent d’événements historiques, et elle utilise à la fois des approches essayistes et archéologiques pour découvrir comment les images privées et publiques définissent la mémoire ou l’histoire. Selander présente ses œuvres séparées dans une sorte de méta-montage global, qui va bien avec la forme des œuvres individuelles, notamment parce qu’il y a des références, des thèmes, voire des images, qu’elles ont en commun.

Toutes les œuvres tournent d’une manière ou d’une autre autour du statut de l’image, en tant que représentation, mémoire, objet, empreinte ou surface, et nos relations avec elle. Ils examinent les représentations officielles des événements historiques ainsi que les langages visuels et les appareils qui les produisent, soulignant que l’histoire à bien des égards est l’histoire des dispositifs et des technologies d’enregistrement. Aussi, les œuvres partagent une relation avec les désirs et les échecs de la modernité, par exemple à travers les catastrophes de Tchernobyl et Hiroshima, qui sont juxtaposées à des images de la nature, croisant les effets visuels des processus photographiques, géologiques et nucléaires pour créer de nouvelles sédimentations. de sens.

Pavillon Suisse : Notre produit
L’installation immersive intitulée « Our Product », active les connaissances mobilisées dans le développement technologique, scientifique et conceptuel des produits, subvertissant les significations culturellement consolidées de l’art. Le projet est composé d’éléments immatériels tels que la lumière, la couleur, l’odeur, le son et des composants organiques tels que les hormones et même les bactéries. Les matériaux choisis par Pamela Rosenkranz, par exemple la bionine, l’evian, le nécrion, le néotène, le silicone… Les gens connaissent mieux les substances physiques qui les composent réellement. cependant, leurs qualités esthétiques apparemment pures et intemporelles qu’elles dégagent, ont une base biologique. Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom…. sont les ingrédients de Notre Produit, des produits chimiques et biotechnologiques imaginaires,créé par une industrie hyper-avancée pour transmettre des sensations, des fonctions vitales, voire un soulagement de nos douleurs. Leurs noms scientifiques et industriels sont sans cesse déclamés.

Rosenkranz isole les espaces intérieurs du pavillon suisse avec des plastiques, les remplissant d’une masse monochrome de liquide, la couleur est maintenant utilisée dans l’industrie publicitaire d’aujourd’hui comme moyen éprouvé d’améliorer physiquement l’attention. La couleur de peau eurocentrique, qui est dérivée d’une histoire naturelle plus large qui implique la migration, l’exposition au soleil et la nutrition, est contrastée par un revêtement vert qui recouvre le manteau du bâtiment. le patio extérieur est éclairé par une lumière verte artificielle qui fait la distinction entre l’intérieur et l’extérieur ; tandis qu’une peinture murale biologiquement attrayante dissout davantage cette séparation entre la culture et la nature. L’installation s’approprie des réflexes esthétiques immémoriaux sur lesquels s’appuient à la fois l’art et la culture commerciale, mais les rend aussi cognitivement dérangeants.

Pavillon de la Thaïlande : Terre, Air, Feu et Eau
Dans de nombreuses visions du monde classiques, quatre éléments de base sont censés constituer les composants essentiels dont tout se compose. Terre, Air, Feu et Eau. Le concept de Tassananchalee était que peu importe à quel point le monde a progressé et quels que soient les chemins que « tous les futurs du monde » peuvent emprunter, les éléments constitutifs de base de la vie sont éternels. Après avoir développé l’image de son concept à travers des peintures de techniques mixtes, Tassananchalee transforme ses symboles pour la Terre, l’Air, le Feu et l’Eau en une grande sculpture hydraulique et découpée au laser, en acier inoxydable, en aluminium et en néon. La lumière et l’ombre jouent un rôle central dans ces œuvres. Illuminées par des néons d’ambiance et teintés, façonnés, les compositions laser et hydro-cut de symboles élémentaires sont irradiées dans les plaques de métal projetées et coulées.Les grandes sculptures, présentées dans le pavillon national thaïlandais, sont des métaphores du temps et du monde. Les éléments classiques renvoient à des concepts philosophiques anciens qui sont aujourd’hui généralement comparés aux « états de la matière » contemporains. L’état solide, l’état gazeux, le plasma et l’état liquide.

Pavillon Turquie : Respiro
L’exposition, intitulée « Respiro » (qui signifie « souffle » en italien), remplit la Sale d’Armi de l’Arsenale d’œuvres multimédias qui utilisent le symbole universellement reconnu d’un arc-en-ciel pour explorer les concepts de transformation et d’expérience humaine partagée. Deux arcs-en-ciel au néon à grande échelle, spécifiques au site, fabriqués à partir de lignes de couleur fragiles et vacillantes, éclairent une série de 36 vitraux qui représentent des images liées à la nature, à la spiritualité et au sublime. « Respiro s’étend au-delà de la géopolitique, vers un contexte plus vaste d’un million d’années et plus, remontant à la création de l’univers et au début des temps, au tout premier arc-en-ciel, au tout premier point de rupture magique de la lumière. Un paysage sonore méditatif,arrangé par Jacopo Baboni-Schilingi et inspiré d’un dessin de Sarkis illustrant les couleurs de l’arc-en-ciel comme un « système de cloisons », joue sur l’installation, de jour comme de nuit.

Pavillon Tuvalu : Traverser la marée
Intitulé « Crossing the Tide », se penche sur le plaidoyer des petites nations insulaires confrontées aux effets du changement climatique mondial. Cela se manifeste par l’élévation du niveau de la mer et l’augmentation des tempêtes violentes provoquant des inondations, et menace finalement l’avenir de ces petites nations insulaires telles que Tuvalu, situées dans l’océan Pacifique. Le projet comprend un pavillon inondé. Il relie l’inondation des Tuvalu à l’inondation de Venise. Traversant la marée dans le pavillon Tuvalu sur des passerelles légèrement immergées, les visiteurs se retrouvent dans un espace imaginaire, un paysage de rêve, composé uniquement de ciel et d’eau.

Le pavillon Tuvalu représente un environnement naturel, mais essentiellement artificiel, et est l’œuvre de l’artiste chinois taïwanais Vincent JF Huang. Le projet révèle un monde composé uniquement de ciel et d’eau. Le premier chapitre de l’ancien livre chinois de Zhuangzi, « Free and Easy Wandering », décrit un tel monde dans l’histoire d’un poisson géant nommé Kun qui se transforme en un oiseau massif nommé Peng. Quand Peng bat des ailes, la mer bouillonne. Peng s’élève à une hauteur énorme. Le ciel est bleu, et quand l’oiseau regarde en bas, tout est bleu aussi. Le livre de Zhuangzi est l’un des textes fondateurs de la philosophie taoïste. Il examine les moyens pour l’humanité d’atteindre le bonheur et la liberté en vivant en harmonie avec le monde naturel, et de devenir « une errance libre et facile ».Mais la vérité est que nous ne vivons plus en accord avec la nature et que nous sommes plutôt confrontés à de nombreuses catastrophes environnementales.

Pavillon de l’Ukraine : Espoir !
Intitulé « Espoir ! », UkrainePavilion fait une déclaration optimiste sur l’avenir de ce pays instable en proie à une lutte politique interne. Cet optimisme, cependant, et la transparence dramatique de la structure du pavillon de verre, sont problématisés par la nuance morale présente dans les œuvres exposées à l’intérieur. En mettant en lumière le travail de jeunes artistes, révéler une attitude critique et non partisane face au conflit tout en étant marqué par un engagement personnel profond et une solidarité avec l’Ukraine. Plutôt que de laisser l’idéologie diriger le récit, le pavillon ukrainien mobilise l’art en tant que force critique, introduisant une réflexion radicale dans une nation consommée par la réaction.

Pavillon des Emirats Arabes Unis : 1980 – Aujourd’hui : Expositions aux Emirats Arabes Unis
Le pavillon des Émirats arabes unis présente 100 peintures, sculptures, photos et autres objets d’art créés au cours des quatre dernières décennies par 15 artistes émiratis. Hassan Sharif s’est approprié et a créé ses propres tropes, concepts et matériaux des mouvements Fluxus et du constructionnisme britannique. Les œuvres font largement usage de plastique commercial coloré et d’autres objets trouvés. Les sculptures d’Al Saadi en forme d’animaux, les sculptures ici sont fabriquées à partir de bois et d’os d’animaux qu’il a trouvés lors de ses voyages à travers les Émirats arabes unis. Ses colliers colorés dans une vitrine adjacente utilisent du bois, des os, des éclats de poterie et des plastiques commerciaux. Les sculptures de métal, de roche et de bois de Mohammed Abdullah Bulhiah, dont plusieurs rappellent l’élégante simplicité.Tous sont installés dans l’espace de 250 mètres carrés comme une collection bondée d’œuvres en conversation les unes avec les autres, plutôt que dans une chronologie didactique.

Pavillon des États-Unis d’Amérique : Joan Jonas : ils viennent à nous sans un mot
L’installation intitulée « They come to us without a word », de l’artiste pionnière de la vidéo et de la performance joan jonas, qui cherche à évoquer la fragilité de la nature dans une situation en évolution rapide à travers une installation vidéo qui comprend des dessins et des éléments sculpturaux. Partiellement influencée par les écrits de l’auteur islandais Halldór laxness et sa représentation poétique du monde naturel, chacune des galeries du pavillon américain traite d’un sujet spécifique lié à la nature, comme les abeilles ou les poissons, et sont liées via des fragments d’histoires de fantômes provenant de une tradition orale au cap-breton, en nouvelle-écosse, formant un récit non linéaire reliant une galerie à l’autre. Dans chaque salle, deux projections vidéo dialoguent entre elles, celle qui représente le motif principal de l’espace,et l’autre comme le récit fantôme, créant un fil visuel continu tout au long.

Des miroirs ondulés autoportants conçus par Jonas et fabriqués à la main à Murano spécifiquement pour cette exposition, sont placés dans chaque salle ; aux côtés des dessins et des cerfs-volants distinctifs de l’artiste, et une sélection d’objets qui ont été utilisés comme accessoires dans ses vidéos. cette organisation de différents éléments crée le sens d’une mise en scène. La rotonde du pavillon est également bordée de miroirs similaires, avec de vieilles perles de cristal de Venise suspendues à une structure en forme de lustre suspendue au milieu du plafond. L’atmosphère générale reflète le spectateur et l’extérieur du contexte du pavillon américain au sein des giardini pubblici, entrecoupés d’images en mouvement. Le projet implique la question de savoir comment le monde change si rapidement et radicalement, mais n’aborde pas le sujet directement ou de manière didactique,les idées sont impliquées poétiquement à travers le son, l’éclairage et la juxtaposition d’images d’enfants, d’animaux et de paysages.

Pavillon de l’Uruguay : Myopie mondiale II (Crayon et papier)
Intitulé « Global Myopia » (crayon et papier), une installation spécifique au site de papier, d’autocollants et de crayons. Les dessins, sculptures et installations de Marco Maggi encodent le monde. Composés de motifs linéaires qui suggèrent des circuits imprimés, des vues aériennes de villes impossibles, du génie génétique ou des systèmes nerveux, ses dessins sont un thésaurus de l’infinitésimal et de l’indéchiffrable. Le langage abstrait de Marco Maggi fait référence à la manière dont l’information est traitée à l’ère de la mondialisation, et son travail remet en question la notion de dessin lui-même. Les papiers diminutifs sont diffusés ou connectés suivant les règles de circulation spécifiques et la syntaxe dictée par toute accumulation de sédiments.

Une peau de papier sans lettres, ni écriture manuscrite, exempte de messages, s’étalait lentement, selon aucun plan préalable, sur les murs du pavillon uruguayen. Les colonies d’autocollants en papier sur les murs entrent en dialogue avec une piste d’éclairage personnalisée fournie par Erco. Des myriades d’ombres en haute définition et des projections incandescentes infinitésimales visent à ralentir le spectateur. Le projet divise l’acte de dessiner en deux étapes. Premièrement, en découpant un alphabet de 10 000 éléments au cours de l’année 2014 à New York, et deuxièmement en utilisant les éléments prédécoupés pour écrire sur les murs du pavillon au printemps 2015. De la même manière, le projet sépare les deux éléments clés de dessin, crayon et papier, dans deux espaces : des dessins sur papier dans l’espace principal et une installation de crayons dans la première salle.

Pavillon du Zimbabwe : Pixels of Ubuntu/Unhu : explorer toutes les différentes facettes des identités sociales, physiques et culturelles de nos sociétés contemporaines du passé, du présent et du futur
Intitulé « Pixels of Ubuntu/Unhu », Explorer les identités sociales et culturelles du 21ème siècle. Lorsque des œuvres ou des œuvres d’art sont créées, elles prennent de nouvelles significations qui font grandir le concept. Les œuvres de l’exposition sont unifiées par une touche légère et une sensation presque minimale, le blanc étant le fond dominant et le « graphique » étant le style dominant pour la plupart des œuvres. un petit « l » et la conscience de la vie avec un « L » majuscule, qui est tellement de la philosophie zimbabwéenne, soulignée par Ubuntu dans le titre du pavillon. Le pavillon du Zimbabwe trace une voie de stabilité et d’autodétermination, qui est un paradigme pour son avenir et une contribution réfléchie à « All The World’s Futures ».

La série de dix pièces de Msimba Hwati permet à tous les visiteurs d’apprécier qui nous sommes dans cette vie. Chacun une interprétation en noir et blanc d’une photographie, la seule couleur et la différence dans chaque pièce étant livrées par un patch de cercle de marque, une allusion ironique à la fois à l’histoire du portrait et à la perte de l’individualisme à l’ère de la marque, des médias sociaux et la technologie. « The Presence of the Past » de Chazunguza est une oscillation entre la vidéo dans une pièce et le travail imprimé dans l’autre, chacune nous fournissant des vignettes dramatisées de la vie zimbabwéenne. Les toiles de Nyandoro qui se sont brisées, les dessins qui deviennent des peintures et les peintures qui deviennent des installations L’œuvre est à la fois une réponse à un présent, qui défie toute mesure de normalité ou de convention et une quête pour inventer un avenir,qui peut offrir de l’espoir sans exiger le respect des conventions.

Événements collatéraux

001 Inverso Mundus. AES+F
Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, Organisation : VITRARIA Glass + A Museum
La gravure médiévale Inverso Mundus représente un cochon éviscérant le boucher, un enfant punissant son maître, un homme portant un âne sur son dos, des hommes et des femmes échangeant rôles et costumes, et un mendiant en haillons faisant majestueusement l’aumône à un homme riche. Dans cette gravure il y a des démons, des chimères, des poissons volant dans le ciel, et la mort elle-même, soit avec une faux, soit derrière le masque du docteur Peste.

Dans notre interprétation d’Inverso Mundus, des scènes absurdes du carnaval médiéval apparaissent comme des épisodes de la vie contemporaine. Les personnages jouent des scènes d’utopies sociales absurdes, changeant leurs propres masques. Les nettoyeurs métrosexuels inondent la ville de débris. Des femmes inquisitrices torturent des hommes avec des appareils de style IKEA. Les enfants et les personnes âgées sont enfermés dans un match de kickboxing. Inverso Mundus est un monde où les chimères sont des animaux de compagnie et le divertissement Apocalypse.

La Catalogne à Venise : Singularité
Cantieri Navali, Organisation : Institut Ramon Llull
Si aujourd’hui Raymond Williams décidait de plus d’entrées pour son célèbre texte Keywords, il inclurait sûrement « singularity ». Le terme fait référence au moment où les intelligences artificielles dépassent les capacités et le contrôle humains. En mathématiques, il décrit un point auquel un objet mathématique donné n’est pas défini ou « bien comporté », par exemple, infini ou non dérivable.

Le cinéaste Albert Serra Juanola prend cette notion comme point de départ de son nouveau film. Le cinéma de Serra affirme que la conscience du monde n’est pas simplement le résultat de l’existence de l’esprit, mais plutôt de l’esprit en action. Lier le cinéma à la condition de singularité, c’est faire croire à l’idée que la pensée, la volonté et l’imagination ne sont pas faites de la même substance que le monde, les objets et les choses, mais d’images, de sentiments et d’idées.

Conversion. Groupe de recyclage
Chiesa di Sant’Antonin, Organisation : Musée d’Art Moderne de Moscou
Cette installation in situ propose que la mondialisation des réseaux d’information et le culte des nouvelles technologies soient en quelque sorte comparables à la conversion historique au christianisme. Le Recycle Group se tourne fréquemment vers l’histoire pour illustrer des questions d’actualité et des aspects choquants du mode de vie contemporain.

Leurs sculptures et bas-reliefs en matériaux modernes prennent souvent l’apparence de monuments antiques qui témoignent des ravages du temps, comme des artefacts d’une civilisation perdue. Bien que les formes et les compositions de ce projet soient influencées par l’iconographie chrétienne traditionnelle, elles introduisent des motifs contemporains. Conversion propose un parallèle entre les Lumières chrétiennes et la révolution technologique numérique où le savoir sacré qui résidait autrefois dans les cieux se situe désormais dans l’espace immatériel de « Le Nuage.

Pays
Fondation Gervasuti Foundamentalis, Organisation : Fondation Gervasuti
Une exposition qui est le résultat du séjour d’un an et demi de l’artiste italienne Giorgia Severi dans les territoires australiens, en contact direct avec la communauté des artistes indigènes. Son parcours a impliqué diverses escales dans des espaces d’art à travers le continent. Le pays est un creuset de cultures différentes, ses œuvres sont une enquête sur la mémoire et la tradition.

Déployant une panoplie de supports allant de l’artisanat à l’art sonore, nous sommes invités à contempler l’équilibre volatile entre l’Homme et la Nature.

Dansaekhwa
Palazzo Contarini-Polignac, Organisation : La Fondation Boghossian
Dansaekhwa décrit une forme d’art et un mouvement coréens qui sont apparus au début des années 1970 et se sont poursuivis dans les années 80. Bien que Dansaekhwa puisse être compris comme partageant des similitudes avec l’art monochrome occidental et le minimalisme, il se distingue des deux en termes de contexte historique, de pratique esthétique et de critique sociale sous-jacente.

Dansaekhwa articule une souplesse et une affinité picturales en supprimant l’excès de couleur. Brosser, arracher, gratter la peinture et pousser des peintures à l’huile à travers le dos de la toile est un acte physique, apparaissant comme un élément et une performance importante du processus de production, et rendant la peinture imprévisible. L’arrière-plan de Dansaekhwa est constitué d’éléments séminaux tenant compte des valeurs esthétiques en constante évolution et de l’histoire continue de l’activisme et de la critique politique reflétant les phénomènes sociaux.

Dépossession
Palazzo Donà Brusa, Organisation: Capitale Européenne de la Culture Wroclaw 2016
Organisée par la ville de Wroclaw, Capitale européenne de la culture 2016, l’exposition prend comme point de départ l’histoire des déplacements de la ville d’après-guerre. Issu de ce contexte historique, il explore les dimensions contemporaines des déplacements, de la perte du foyer et de la recherche d’un refuge dans un nouveau lieu étranger, souvent hostile.

Les artistes polonais, ukrainiens et allemands sont guidés par la reconnaissance d’une dimension universelle et atemporelle de la dépossession et de ses manifestations psychologiques et matérielles. La dépossession, qui concerne à la fois la privation et l’exorcisme, fait allusion à une distinction entre « notre », « les siens » et un « autre » indésirable. C’est dans cette perte et ce désir d’appartenance que nous analysons une relation complexe entre espace et identité.

EM15 présente le Leisure Land Golf de Doug Fishbone
Quais de l’Arsenale, Organisation : EM15
Le principe de loisirs est le thème de la conservation qui anime la première présentation d’EM15 à la Biennale et se manifeste à travers deux nouvelles productions artistiques commandées : Leisure Land Golf de Doug Fishbone, un parcours de golf miniature entièrement jouable et conçu par des artistes auquel les visiteurs sont invités à jouer, et Sunscreen (www .sun-screen.uk), un projet en ligne qui explore l’espace flou qui existe entre le travail et les loisirs.

Le principe des loisirs considère le concept de tourisme et de commerce comme une métaphore pour explorer les complexités économiques mondiales actuelles à travers l’un des principes fondamentaux des loisirs, celui de la consommation et la manière dont cette consommation façonne notre identité. EM15 est un collectif des East Midlands, au Royaume-Uni, et comprend Beacon Art Project, One Thoresby Street, QUAD et New Art Exchange en association avec l’Université de Nottingham Trent.

Erdità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia, Organisation : Istituto Nazionale di BioArchitettura – Sezione di Padova
Cet événement se développe à travers la représentation d’un procédé décoratif créé par l’artiste anglais Joe Tilson impliquant une façade non décorée du bâtiment Art Nouveau du Grande Hotel Ausonia & Hungaria sur le Lido de Venise.

Il y a une vision diurne avec des instruments matériels et tridimensionnels et une vision nocturne avec des instruments multimédias vidéo. Vision nocturne : une représentation multimédia avec une projection de la décoration proposée pour une façade de l’hôtel. Vision du jour : deux expositions didactiques avec des pièces construites à l’échelle. A l’extérieur, dans le jardin, il y a une structure de 12 mètres carrés avec des carreaux de verre de Murano et un support structurel, le prototype du revêtement qui a été mis en place sur le mur. À côté du hall de l’hôtel, dans la salle de réunion historique, se trouve une exposition de documents historiques, de croquis, de peintures de l’artiste et de plans.

Les frontières repensées
Museo di Palazzo Grimani, Organisation : Tagore Foundation International
Le phénomène de mondialisation, où les cultures se heurtent et se mélangent comme jamais auparavant, offre des sources d’inspiration riches et complexes aux artistes. Frontiers Reimagined examine les résultats de ces enchevêtrements culturels à travers le travail de quarante-quatre peintres, sculpteurs, photographes et artistes d’installation qui explorent la notion de frontières culturelles.

Ces artistes émergents et établis, issus d’un vaste paysage géographique s’étendant de l’Occident à l’Asie en passant par l’Afrique, partagent une perspective véritablement mondiale, à la fois dans leur existence physique, vivant et travaillant entre les cultures, et dans leurs efforts artistiques. Chacun démontre la richesse intellectuelle et esthétique qui se dégage lorsque les artistes s’engagent dans le dialogue interculturel.

Verrerie Gotika
Fondazione Berengo, Organisation : Musée de l’Ermitage
L’exposition présente des œuvres d’art contemporain réalisées en verre, toutes avec un thème gothique, par plus de cinquante artistes invités de plus de vingt pays qui ont créé des œuvres avec les maîtres verriers de Murano. Ces œuvres sont juxtaposées à des objets en verre médiévaux choisis dans la collection permanente du musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, l’un des musées les plus anciens et les plus célèbres au monde.

Glasstress Gotika explore comment les idées médiévales se sont imperceptiblement glissées dans la conscience moderne malgré toutes les avancées technologiques de la société d’aujourd’hui et comment le concept gothique informe l’art contemporain.

Graham Fagen : Ecosse + Venise 2015
Palazzo Fontana, Organisation : Ecosse + Venise
L’ambition de l’œuvre de Fagen et la complexité de son vocabulaire le positionnent comme l’un des artistes les plus influents travaillant en Écosse aujourd’hui. Il s’appuie sur une fascination pour la poésie, les formes musicales spécifiques et les artifices théâtraux afin de se concentrer sur les idées du national, du social et du politique.

Travailler avec des écrivains, des metteurs en scène, des musiciens et des compositeurs lui permet de s’appuyer sur une expertise, des connaissances et des spécialisations en dehors de la sienne. Dans cette nouvelle œuvre, les contributions de la compositrice classique Sally Beamish, du chanteur et musicien de reggae Ghetto Priest et du producteur de musique Adrian Sherwood sont clairement intégrées, mais la paternité de Fagen n’est jamais distraite ou érodée. L’installation de Fagen entraîne le spectateur dans un voyage, un parcours chorégraphié.

Grisha Bruskin. Une collection d’archéologue
Ancienne Chiesa di Santa Caterina, Organisation : Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca’ Foscari Venezia
Un voyage vers le futur parmi les ruines de l’empire soviétique. Une grande installation de trente-trois sculptures qui émergent de fouilles archéologiques à l’intérieur d’une ancienne église. Ce sont les pseudo-artefacts d’une civilisation récente et disparue.

Pour ce projet, Bruskin utilise des personnages de son tableau Fundamental’nyi leksikon (1985-1986), une collection d’archétypes de l’URSS. Il reproduit les figures grandeur nature, puis détruit les sculptures, rassemble les fragments et les fonde en bronze. Il les enterre ensuite en Toscane pendant trois ans aux côtés des ruines déjà ensevelies de l’Empire romain. Il les déterre enfin, et maintenant les statues émergent des eaux troubles dans lesquelles se trouve Venise. Divers empires péris se rencontrent dans le présent.

Biennale de Venise
La Biennale d’art de Venise, une exposition d’art visuel contemporain, s’appelle ainsi car elle se tient tous les deux ans, les années impaires ; est la biennale originale sur laquelle d’autres ailleurs dans le monde sont modelées. La Fondation de la Biennale a une existence continue en soutenant les arts, ainsi qu’en organisant les événements distincts suivants :

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.

Ce modèle d’exposition a conduit à un pluralisme des expressions : pour les accueillir, les espaces d’exposition se sont agrandis pour des besoins stratégiques, dont une ambitieuse restauration de l’espace de l’Arsenale qui se poursuit toujours. La Biennale Arte a été reconnue comme le leader mondial des expositions d’art contemporain, et les pays participants sont passés de 59 (en 1999) à 89 en 2015. La Biennale Architettura a également été reconnue comme la meilleure au monde.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela répand la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.

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