Modernisme

Le modernisme est un mouvement philosophique qui, avec les tendances et les changements culturels, est né de transformations à grande échelle et de grande envergure dans la société occidentale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Le développement des sociétés industrielles modernes et la croissance rapide des villes furent suivis de réactions d’horreur à la Première Guerre mondiale. Le modernisme rejeta également la certitude de la pensée des Lumières, et de nombreux modernistes rejetèrent la croyance religieuse.

Terme appliqué à l’invention et la poursuite efficace de stratégies artistiques qui cherchent non seulement des liens étroits mais essentiels aux forces puissantes de la modernité sociale Les réponses des modernistes à la modernité vont de la célébration triomphale à la condamnation agonisée et diffèrent en mode de la représentation directe des impacts de la modernisation à des rénovations extrêmes d’hypothèses et de pratiques purement artistiques Ces stratégies – poursuivies par des artistes travaillant individuellement ou souvent en groupe, ainsi que par des critiques, des historiens et des théoriciens – se produisent dans tous les arts, bien que dans des formes différentes. Trajectoires historiques Ils ont été les plus forts dans la peinture, le design et le mouvement moderne en architecture, hautement significatifs dans la littérature et la musique, mais assez discrets dans l’artisanat Ils ont des échos dans les aspects de la culture commerciale et populaire. nature, ces stratégies ont été les plus efficaces en Europe et dans colonies du milieu du XIXe siècle et aux États-Unis depuis le début du XXe siècle, allant des marges au centre des cultures visuelles, de la radicalité réactive à la normalité institutionnalisée.

Le modernisme, en général, inclut les activités et les créations de ceux qui sentaient que les formes traditionnelles d’art, d’architecture, de littérature, de foi religieuse, de philosophie, d’organisation sociale, d’activités de la vie quotidienne et même de sciences étaient mal adaptées à leurs tâches. et dépassé dans le nouvel environnement économique, social et politique d’un monde émergent entièrement industrialisé. L’injonction de 1934 du poète Ezra Pound à “Make it new!” était la pierre de touche de l’approche du mouvement vers ce qu’il considérait comme la culture désormais obsolète du passé. Dans cet esprit, ses innovations, comme le roman du courant de conscience, la musique atonale (ou pantonale) et la musique à douze tons, la peinture divisionniste et l’art abstrait, avaient toutes des précurseurs au XIXe siècle.

Une caractéristique notable du modernisme est la conscience de soi et l’ironie concernant les traditions littéraires et sociales, qui conduisaient souvent à des expériences avec la forme, ainsi que l’utilisation de techniques qui attiraient l’attention sur les processus et matériaux utilisés pour créer une peinture, un poème, etc. Le modernisme rejette explicitement l’idéologie du réalisme et utilise les œuvres du passé par l’emploi de la reprise, de l’incorporation, de la réécriture, de la récapitulation, de la révision et de la parodie.

Certains commentateurs définissent le modernisme comme un mode de pensée – une ou plusieurs caractéristiques définies philosophiquement, comme la conscience de soi ou l’auto-référence, qui traversent toutes les nouveautés dans les arts et les disciplines. Plus commun, surtout en Occident, sont ceux qui y voient un courant de pensée socialement progressiste qui affirme le pouvoir des êtres humains de créer, d’améliorer et de remodeler leur environnement à l’aide d’expérimentations pratiques, de connaissances scientifiques ou de technologies. Dans cette perspective, le modernisme a encouragé le réexamen de tous les aspects de l’existence, du commerce à la philosophie, dans le but de trouver ce qui «freine» le progrès et de le remplacer par de nouveaux moyens d’atteindre le même but. D’autres se concentrent sur le modernisme en tant qu’introspection esthétique. Cela facilite la prise en compte des réactions spécifiques à l’utilisation de la technologie pendant la Première Guerre mondiale et des aspects anti-technologiques et nihilistes des œuvres de divers penseurs et artistes couvrant la période de Friedrich Nietzsche (1844-1900) à Samuel Beckett (1906-1989) ).

Alors que certains érudits voient le modernisme se poursuivre au XXIe siècle, d’autres le voient évoluer vers le modernisme tardif ou le modernisme élevé, qui est alors remplacé par le postmodernisme.

Histoire ancienne

Débuts: le 19ème siècle
Selon un critique, le modernisme est né de la révolte du romantisme contre les effets de la révolution industrielle et des valeurs bourgeoises: «Le motif fondamental du modernisme, affirme Graff, était la critique de l’ordre social bourgeois du XIXe siècle et de sa vision du monde. le flambeau du romantisme. ” Alors que JMW Turner (1775-1851), l’un des plus grands peintres paysagistes du 19ème siècle, était un membre du mouvement romantique, “pionnier dans l’étude de la lumière, de la couleur et de l’atmosphère”, il “anticipait les impressionnistes français”. “et par conséquent le modernisme” en brisant les formules conventionnelles de la représentation, [bien que] contrairement à eux, il a cru que ses travaux devraient toujours exprimer des thèmes narratifs historiques, mythologiques, littéraires ou autres significatifs. ”

Les tendances dominantes de l’Angleterre industrielle victorienne ont été opposées, vers 1850, par les poètes et les peintres anglais qui constituaient la Confrérie préraphaélite, en raison de leur «opposition à l’habileté technique sans inspiration». 815 Ils ont été influencés par les écrits de la le critique d’art John Ruskin (1819-1900), qui avait un fort sentiment sur le rôle de l’art dans l’amélioration des conditions de vie des classes ouvrières urbaines, dans les villes industrielles en pleine expansion de la Grande-Bretagne: 816 Le critique d’art Clement Greenberg décrit La confrérie raphaélite en tant que proto-modernistes: “Là, les proto-modernistes étaient, de tous les peuples, les préraphaélites (et avant eux, comme proto-proto-modernistes, les Nazaréens allemands.) Les Préraphaélites préfiguraient Manet (1832 -83), avec qui la peinture moderniste débute de façon définitive, agissant sur le mécontentement de la peinture pratiquée à leur époque, estimant que son réalisme n’était pas assez véridique. Le rationalisme a également eu des adversaires dans les philosophes Søren Kierkegaard (1813-1855) et plus tard Friedrich Nietzsche (1844-1900), qui ont tous deux eu une influence significative sur l’existentialisme.

Cependant, la révolution industrielle a continué. Les innovations influentes comprenaient l’industrialisation à vapeur, et en particulier le développement des chemins de fer, qui commença en Grande-Bretagne dans les années 1830, et les progrès subséquents en physique, en ingénierie et en architecture qui y étaient associés. Le Palais de Cristal, l’immense salle d’exposition en fonte et en tôle de verre construite pour la Grande Exposition de 1851 à Londres, fut un important ouvrage d’ingénierie du XIXe siècle. Le verre et le fer étaient utilisés dans un style monumental similaire dans la construction des principaux terminaux ferroviaires de Londres, tels que la gare de Paddington (1854) et la gare de King’s Cross (1852). Ces avancées technologiques ont conduit à la construction de structures plus récentes comme le pont de Brooklyn (1883) et la tour Eiffel (1889). Ce dernier a brisé toutes les limitations précédentes sur la taille des objets fabriqués par l’homme. Ces merveilles d’ingénierie ont radicalement modifié l’environnement urbain du XIXe siècle et la vie quotidienne des gens. L’expérience humaine du temps lui-même a été modifiée avec le développement du télégraphe électrique à partir de 1837 et l’adoption de l’heure normale par les compagnies ferroviaires britanniques à partir de 1845 et dans le reste du monde au cours des cinquante années suivantes.

Mais, malgré les progrès technologiques continus, à partir des années 1870, l’idée que l’histoire et la civilisation étaient fondamentalement progressistes et que le progrès était toujours bon a été attaquée de plus en plus. Des arguments ont surgi que les valeurs de l’artiste et celles de la société n’étaient pas simplement différentes, mais que la société était antithétique au progrès et ne pouvait pas avancer dans sa forme actuelle. Le philosophe Schopenhauer (1788-1860) (Le monde comme volonté et représentation, 1819) a remis en question l’optimisme précédent, et ses idées ont eu une influence importante sur les penseurs plus tard, y compris Nietzsche. Deux des penseurs les plus significatifs de l’époque furent le biologiste Charles Darwin (1809-1882), auteur de L’origine des espèces au moyen de la sélection naturelle (1859), et le politologue Karl Marx (1818-1883), auteur de Das Kapital. (1867). La théorie de l’évolution de Darwin par la sélection naturelle sapait la certitude religieuse et l’idée de l’unicité humaine. En particulier, la notion que les êtres humains étaient animés par les mêmes impulsions que les «animaux inférieurs» s’est avérée difficile à concilier avec l’idée d’une spiritualité ennoblissante. Karl Marx a soutenu qu’il y avait des contradictions fondamentales dans le système capitaliste, et que les travailleurs étaient tout sauf libres.

Les débuts du modernisme en France
Les historiens et les écrivains de différentes disciplines ont suggéré diverses dates comme points de départ pour le modernisme. L’historien William Everdell, par exemple, a fait valoir que le modernisme a commencé dans les années 1870, lorsque la continuité métaphorique (ou ontologique) a commencé à céder la place au discret avec le mathématicien Richard Dedekind (1831-1916) et Dedekind (1844-1906). thermodynamique. Everdell pense également que le modernisme dans la peinture a commencé en 1885-86 avec le divisionnisme de Seurat, les «points» utilisés pour peindre un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte. D’un autre côté, le critique d’art visuel Clément Greenberg a appelé Immanuel Kant (1724-1804) “le premier vrai moderniste”, bien qu’il ait également écrit, “Ce qui peut être appelé le modernisme a émergé au milieu du siècle dernier – et localement, en France, avec Baudelaire dans la littérature et Manet dans la peinture, et peut-être aussi avec Flaubert dans la fiction en prose (il a fallu un peu plus tard, et pas si localement, que le modernisme apparaisse dans la musique et l’architecture). Les Fleurs du mal du poète Baudelaire et le roman de Flaubert, Madame Bovary, ont été publiés en 1857.

Dans les arts et lettres, deux approches importantes développées séparément en France. Le premier était l’impressionnisme, une école de peinture qui se concentrait initialement sur le travail effectué, non pas dans les studios, mais à l’extérieur (en plein air). Les peintures impressionnistes ont démontré que les êtres humains ne voient pas d’objets, mais voient plutôt la lumière elle-même. L’école a rassemblé des adhérents malgré les divisions internes parmi ses principaux pratiquants, et est devenue de plus en plus influente. Initialement rejetés de la plus importante exposition commerciale de l’époque, le Salon de Paris parrainé par le gouvernement, les impressionnistes organisèrent des expositions collectives annuelles dans des lieux commerciaux pendant les années 1870 et 1880, les chronométrant pour coïncider avec le Salon officiel. Un événement important de 1863 fut le Salon des Refusés, créé par l’empereur Napoléon III pour exposer toutes les peintures rejetées par le Salon de Paris. Alors que la plupart étaient dans des styles standard, mais par des artistes inférieurs, le travail de Manet a attiré une attention considérable, et a ouvert des portes commerciales au mouvement. La deuxième école française était le symbolisme, que les historiens littéraires voient en commençant par Charles Baudelaire (1821-1867), y compris les derniers poètes, Arthur Rimbaud (1854-1891) Une Saison en Enfer, Paul Verlaine ( 1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) et Paul Valéry (1871-1945). Les symbolistes «insistaient sur la priorité de la suggestion et de l’évocation sur la description directe et l’analogie explicite», et s’intéressaient surtout aux «propriétés musicales du langage». On peut dire que le cabaret, qui a donné naissance à tant d’arts du modernisme, y compris les précurseurs immédiats du cinéma, a commencé en France en 1881 avec l’ouverture du Black Cat à Montmartre, le début du monologue ironique, et le fondation de la Society of Incoherent Arts.

Les théories de Sigmund Freud (1856-1939) ont influencé les débuts du modernisme. Le premier ouvrage important de Freud fut Studies on Hysteria (avec Josef Breuer, 1895). Au centre de la pensée de Freud se trouve l’idée «de la primauté de l’inconscient dans la vie mentale», de sorte que toute réalité subjective était basée sur le jeu des pulsions et des instincts fondamentaux à travers lesquels le monde extérieur était perçu. La description par Freud des états subjectifs impliquait un esprit inconscient plein d’impulsions primitives, et contrebalançait les restrictions auto-imposées dérivées des valeurs sociales.

Friedrich Nietzsche (1844-1900) était un autre précurseur majeur du modernisme, avec une philosophie dans laquelle les pulsions psychologiques, spécifiquement la «volonté de puissance» (Wille zur Macht), étaient d’une importance centrale: «Nietzsche identifiait souvent la vie avec le pouvoir », c’est-à-dire avec un instinct de croissance et de durabilité. Henri Bergson (1859-1941), d’autre part, soulignait la différence entre le temps scientifique, l’heure et l’expérience directe, subjective et humaine du temps131. Son travail sur le temps et la conscience «eut une grande influence sur les romanciers du XXe siècle. », en particulier les modernistes qui utilisaient la technique du courant de conscience, comme Dorothy Richardson, James Joyce et Virginia Woolf (1882-1941). L’idée de l’élan vital, la force de vie, qui «provoque l’évolution créatrice de tout» est également importante dans la philosophie de Bergson: 132 Sa philosophie accordait également une grande valeur à l’intuition, sans pour autant rejeter l’importance de l’intellect132.

Les précurseurs littéraires importants du modernisme étaient Fiodor Dostoïevski (1821-1881), qui a écrit les romans Crime et Châtiment (1866) et Les Frères Karamazov (1880); Walt Whitman (1819-1892), qui publia la collection de poèmes Leaves of Grass (1855-1891); et August Strindberg (1849-1912), en particulier ses pièces ultérieures, y compris la trilogie à Damas 1898-1901, A Dream Play (1902) et The Ghost Sonata (1907). Henry James a également été suggéré comme un précurseur significatif, dans une œuvre dès Le Portrait d’une Dame (1881).

Hors de la collision des idéaux dérivés du romantisme, et une tentative de trouver un moyen d’expliquer la connaissance qui était encore inconnue, est venu la première vague d’œuvres dans la première décennie du 20ème siècle, qui, alors que leurs auteurs les considéraient les extensions des tendances existantes dans l’art, a brisé le contrat implicite avec le grand public que les artistes étaient les interprètes et les représentants de la culture et des idées bourgeoises. Ces points de repère «modernistes» comprennent la fin atonale du Second Quatuor à cordes d’Arnold Schoenberg en 1908, les peintures expressionnistes de Wassily Kandinsky à partir de 1903, et sa première peinture abstraite et la fondation du groupe Blue Rider à Munich en 1911; montée du fauvisme et des inventions du cubisme dans les ateliers de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque et autres, entre 1900 et 1910.

Explosion, début du 20e siècle à 1930
Un aspect important du modernisme est la façon dont il se rapporte à la tradition en adoptant des techniques comme la reprise, l’incorporation, la réécriture, la récapitulation, la révision et la parodie sous de nouvelles formes.

Un exemple de la façon dont l’art moderniste peut être à la fois révolutionnaire et être lié à la tradition passée, est la musique du compositeur Arnold Schoenberg. D’une part, Schoenberg rejetait l’harmonie tonale traditionnelle, le système hiérarchique d’organisation des œuvres musicales qui avaient guidé la création musicale pendant au moins un siècle et demi. Il croyait avoir découvert une toute nouvelle façon d’organiser le son, basée sur l’utilisation de rangées de douze notes. Pourtant, bien que ce soit en fait entièrement nouveau, ses origines peuvent être retracées dans le travail de compositeurs plus tôt, tels que Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss et Max Reger. En outre, il convient de noter que Schoenberg a également écrit de la musique tonale tout au long de sa carrière.

Dans le monde de l’art, dans la première décennie du XXe siècle, de jeunes peintres tels que Pablo Picasso et Henri Matisse ont choqué en rejetant la perspective traditionnelle comme moyen de structurer les peintures, bien que l’impressionniste Monet ait déjà innové dans son utilisation de la perspective. En 1907, alors que Picasso peint Les Demoiselles d’Avignon, Oskar Kokoschka écrit Mörder, Hoffnung der Frauen (Meurtrier, Espoir des femmes), première pièce expressionniste (produite avec scandale en 1909) et Arnold Schoenberg compose son Quatuor à cordes. N ° 2 en fa dièse mineur (1908), sa première composition sans centre tonal.

L’expressionnisme est notoirement difficile à définir, en partie parce qu’il “se chevauchait avec d’autres ‘ismes’ majeurs de la période moderniste: avec le futurisme, le vorticisme, le cubisme, le surréalisme et Dada.” Richard Murphy commente également: «la recherche d’une définition globale est problématique dans la mesure où les expressionnistes les plus exigeants» comme le romancier Franz Kafka, le poète Gottfried Benn et le romancier Alfred Döblin sont simultanément les anti-expressionnistes les plus virulents. Ce que l’on peut cependant dire, c’est que c’est un mouvement qui s’est développé au début du XXe siècle principalement en Allemagne en réaction à l’effet déshumanisant de l’industrialisation et de la croissance des villes, et que “l’un des principaux moyens par lequel l’expressionnisme s’identifie comme un mouvement d’avant-garde, et par lequel il marque son éloignement des traditions et de l’institution culturelle dans son ensemble par son rapport au réalisme et aux conventions dominantes de la représentation. “: 43 Plus explicitement: que les expressionnistes rejettent l’idéologie de réalisme.:43-48

Il y avait un mouvement expressionniste concentré dans le théâtre allemand du début du 20ème siècle, dont Georg Kaiser et Ernst Toller étaient les dramaturges les plus célèbres. Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn et Arnolt Bronnen figurent parmi les autres dramaturges expressionnistes. Ils ont regardé le dramaturge suédois August Strindberg et l’acteur et dramaturge allemand Frank Wedekind comme des précurseurs de leurs expériences dramaturgiques. Le meurtrier d’Oskar Kokoschka, l’Espoir des femmes, est la première œuvre entièrement expressionniste du théâtre, inaugurée le 4 juillet 1909 à Vienne. L’extrême simplification des caractères aux types mythiques, aux effets choraux, au dialogue déclamatoire et à l’intensité accrue deviendra caractéristique des pièces expressionnistes ultérieures. La première pièce expressionniste complète fut The Son de Walter Hasenclever, qui fut publiée en 1914 et créée pour la première fois en 1916.

Le futurisme est encore un autre mouvement moderniste. En 1909, le journal parisien Le Figaro publie le premier manifeste de FT Marinetti. Peu de temps après, un groupe de peintres (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo et Gino Severini) a cosigné le Manifeste Futuriste. Modelés sur le fameux «Manifeste communiste» de Marx et Engels (1848), de tels manifestes mettent en avant des idées destinées à provoquer et à rassembler des adeptes. Cependant, les arguments en faveur de la peinture géométrique ou purement abstraite étaient, à cette époque, largement confinés à de «petites revues» qui n’avaient que de minuscules circulations. Le primitivisme moderniste et le pessimisme étaient controversés, et le courant dominant de la première décennie du XXe siècle était toujours enclin à croire au progrès et à l’optimisme libéral.

Les artistes abstraits, prenant comme exemple les impressionnistes, ainsi que Paul Cézanne (1839-1906) et Edvard Munch (1863-1944), partaient du principe que la couleur et la forme, et non la représentation du monde naturel, formaient les caractéristiques essentielles d’art. L’art occidental a été, de la Renaissance jusqu’au milieu du XIXe siècle, étayé par la logique de la perspective et une tentative de reproduire une illusion de réalité visible. Les arts des cultures autres que l’Europe étaient devenus accessibles et montraient des manières alternatives de décrire l’expérience visuelle à l’artiste. À la fin du XIXe siècle, de nombreux artistes ont ressenti le besoin de créer un art nouveau qui engloberait les changements fondamentaux en matière de technologie, de science et de philosophie. Les sources à partir desquelles les artistes ont tiré leurs arguments théoriques étaient diverses et reflétaient les préoccupations sociales et intellectuelles dans tous les domaines de la culture occidentale à cette époque. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian et Kazimir Malevich croyaient tous à la redéfinition de l’art comme l’arrangement de la couleur pure. L’utilisation de la photographie, qui avait rendu une grande partie de la fonction représentationnelle de l’art visuel obsolète, a fortement influencé cet aspect du modernisme.

Les architectes et designers modernistes, tels que Frank Lloyd Wright et Le Corbusier, pensaient que les nouvelles technologies rendaient obsolètes les anciens styles de construction. Le Corbusier pensait que les bâtiments devaient fonctionner comme des «machines à vivre», analogues aux voitures qu’il considérait comme des machines de voyage. Tout comme les voitures avaient remplacé le cheval, le design moderniste devait rejeter les anciens styles et structures hérités de la Grèce antique. ou du Moyen Age. Suivant cette esthétique de la machine, les designers modernistes ont généralement rejeté les motifs décoratifs dans le design, préférant souligner les matériaux utilisés et les formes géométriques pures. Le gratte-ciel est l’archétype du bâtiment moderniste, et le Wainwright Building, un immeuble de bureaux de dix étages construit en 1890-1891, à St. Louis, Missouri, aux États-Unis, est l’un des premiers gratte-ciel du monde. Le Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe à New York (1956-1958) est souvent considéré comme le summum de cette architecture moderniste de grande hauteur. De nombreux aspects du design moderniste persistent dans le courant dominant de l’architecture contemporaine, bien que le dogmatisme précédent ait cédé la place à une utilisation plus ludique de la décoration, de la citation historique et du drame spatial.

Le courant de conscience était une innovation littéraire moderniste importante, et il a été suggéré qu’Arthur Schnitzler (1862-1931) fut le premier à en faire un usage complet dans sa nouvelle “Leutnant Gustl” (“None but the Brave”) (1900 ). Dorothy Richardson fut le premier écrivain anglais à l’utiliser, dans les premiers volumes de son roman Pilgrimage (1915-1967). Les autres romanciers modernistes associés à l’utilisation de cette technique narrative incluent James Joyce dans Ulysse (1922) et Italo Svevo dans La coscienza di Zeno (1923).

Cependant, avec l’avènement de la Grande Guerre de 1914-1918 et de la Révolution russe de 1917, le monde a radicalement changé et le doute a jeté sur les croyances et les institutions du passé. L’échec du statu quo antérieur semblait aller de soi pour une génération qui avait vu mourir des millions de personnes se disputant des morceaux de terre: avant 1914, on avait prétendu que personne ne combattrait une telle guerre, car le coût était trop élevé. La naissance d’un âge de la machine qui avait profondément bouleversé les conditions de la vie quotidienne au XIXe siècle avait radicalement changé la nature de la guerre. La nature traumatisante de l’expérience récente a modifié les hypothèses de base, et la représentation réaliste de la vie dans les arts semblait inadéquate face à la nature incroyablement surréaliste de la guerre des tranchées. Le point de vue que l’humanité faisait des progrès moraux constants semblait maintenant ridicule face au massacre insensé, décrit dans des ouvrages tels que le roman d’Erich Maria Remarque Tout sur le front occidental (1929). Par conséquent, la vision du modernisme de la réalité, qui avait été un goût minoritaire avant la guerre, est devenue plus généralement acceptée dans les années 1920.

Dans la littérature et l’art visuel, certains modernistes ont cherché à défier les attentes principalement pour rendre leur art plus vivant, ou pour forcer le public à prendre la peine de remettre en question leurs propres idées préconçues. Cet aspect du modernisme a souvent semblé une réaction à la culture de consommation, qui s’est développée en Europe et en Amérique du Nord à la fin du 19ème siècle. Tandis que la plupart des fabricants essaient de fabriquer des produits qui seront commercialisables en faisant appel à des préférences et à des préjugés, les grands modernistes ont rejeté ces attitudes consuméristes afin de saper la pensée conventionnelle. Le critique d’art Clement Greenberg a exposé cette théorie du modernisme dans son essai Avant-Garde et Kitsch. Greenberg étiqueté les produits de la culture de consommation “kitsch”, parce que leur conception visait simplement à avoir un maximum d’attrait, avec toutes les caractéristiques difficiles enlevés. Pour Greenberg, le modernisme a donc formé une réaction contre le développement de tels exemples de culture de consommation moderne comme la musique populaire commerciale, Hollywood et la publicité. Greenberg a associé cela au rejet révolutionnaire du capitalisme.

Le surréalisme, qui a pris naissance au début des années 1920, a été considéré par le public comme la forme la plus extrême du modernisme, ou «l’avant-garde du modernisme». Le mot “surréaliste” a été inventé par Guillaume Apollinaire et est apparu dans la préface de sa pièce Les Mamelles de Tirésias, écrite en 1903 et créée en 1917. Les surréalistes majeurs incluent Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró et Marcel Duchamp.

En 1930, le modernisme avait gagné une place dans l’établissement, y compris l’établissement politique et artistique, bien que, à ce moment-là, le modernisme lui-même avait changé.

Le modernisme continue: 1930-1945
Le modernisme a continué d’évoluer durant les années 1930. Entre 1930 et 1932, le compositeur Arnold Schoenberg travailla sur Moses und Aron, l’un des premiers opéras à utiliser la technique des douze tons, Pablo Picasso peignit en 1937 Guernica, sa condamnation cubiste du fascisme, tandis qu’en 1939 James Joyce repoussa les limites de le roman moderne plus loin avec Finnegans Wake. En 1930, le modernisme commença à influencer la culture dominante, de sorte que, par exemple, le magazine New Yorker commença à publier des œuvres influencées par le modernisme par de jeunes écrivains et humoristes comme Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman et James Thurber, entre autres. Perelman est très réputé pour ses nouvelles humoristiques qu’il a publiées dans des magazines des années 1930 et 1940, le plus souvent dans The New Yorker, qui sont considérés comme les premiers exemples d’humour surréaliste en Amérique. Les idées modernes dans l’art ont également commencé à apparaître plus fréquemment dans les publicités et les logos, un exemple précoce dont, à partir de 1916, est le célèbre logo London Underground conçu par Edward Johnston.

L’un des changements les plus visibles de cette période a été l’adoption de nouvelles technologies dans la vie quotidienne des gens ordinaires en Europe occidentale et en Amérique du Nord. L’électricité, le téléphone, la radio, l’automobile – et le besoin de travailler avec eux, de les réparer et de vivre avec eux – ont créé un changement social. Le genre de moment perturbateur que seul un petit nombre connaissait dans les années 1880 est devenu un phénomène courant. Par exemple, la vitesse de communication réservée aux courtiers en bourse de 1890 fait partie de la vie de famille, au moins dans la classe moyenne nord-américaine. Associées à l’urbanisation et à l’évolution des mœurs sociales, des familles plus petites sont également apparues et ont modifié les relations entre les parents et leurs enfants.

D’importantes œuvres littéraires modernistes ont continué à être créées dans les années 1920 et 1930, y compris d’autres romans de Marcel Proust, de Virginia Woolf, de Robert Musil et de Dorothy Richardson. La carrière du dramaturge moderniste américain Eugene O’Neill a commencé en 1914, mais ses œuvres majeures sont apparues dans les années 1920, 1930 et au début des années 1940. Bertolt Brecht et Federico García Lorca sont deux autres dramaturges modernistes importants qui ont écrit dans les années 1920 et 1930. La Lady Chatterley’s Lover de DH Lawrence a été publiée en privé en 1928, tandis qu’un autre jalon important de l’histoire du roman moderne est venu avec la publication de William Faulkner The Sound and Fury en 1929. Dans les années 1930, en plus des œuvres majeures de Faulkner, Samuel Beckett a publié son premier ouvrage majeur, le roman Murphy (1938). Puis, en 1939, Finnegans Wake de James Joyce est apparu. Ceci est écrit dans un langage largement idiosyncrasique, composé d’un mélange d’éléments lexicaux anglais standard et de jeux de mots néologistes multilingues et de mots porte-manteaux, qui tente de recréer l’expérience du sommeil et des rêves. Dans la poésie, TS Eliot, EE Cummings et Wallace Stevens écrivaient des années 1920 jusqu’aux années 1950. Alors que la poésie moderniste en anglais est souvent considérée comme un phénomène américain, avec d’éminents interprètes comme Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD et Louis Zukofsky, d’importants poètes modernistes britanniques, dont David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting, et WH Auden. Parmi les poètes modernistes européens figurent Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantin Cavafy et Paul Valéry.

En peinture, durant les années 1920 et 1930 et la Grande Dépression, le modernisme est défini par le surréalisme, le cubisme tardif, le Bauhaus, le De Stijl, le Dada, l’expressionnisme allemand et les peintres de couleurs modernistes et magistraux comme Henri Matisse et Pierre Bonnard. d’artistes comme Piet Mondrian et Wassily Kandinsky qui ont caractérisé la scène artistique européenne. En Allemagne, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz et d’autres ont politisé leurs peintures, annonçant l’avènement de la Seconde Guerre mondiale, tandis qu’en Amérique, le modernisme est vu sous la forme de scènes américaines et de mouvements de réalisme social et de régionalisme. et le commentaire social dominait le monde de l’art. Des artistes comme Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh et d’autres devinrent célèbres. Le modernisme est défini en Amérique latine par les peintres uruguayens Joaquín Torres García et mexicain Rufino Tamayo, tandis que le mouvement muraliste avec Diego Rivera, José Simeiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martinez Delgado et les peintures symbolistes de Frida Kahlo une renaissance des arts pour la région, caractérisée par un usage plus libre de la couleur et une emphase sur les messages politiques.

Diego Rivera est peut-être mieux connu dans le monde public pour sa fresque de 1933, Man at the Crossroads, dans le hall du RCA Building au Rockefeller Center. Quand son patron Nelson Rockefeller a découvert que la peinture murale comprenait un portrait de Vladimir Lénine et d’autres images communistes, il a renvoyé Rivera, et l’œuvre inachevée a finalement été détruite par le personnel de Rockefeller. Les œuvres de Frida Kahlo (l’épouse de Rivera) sont souvent caractérisées par leur représentation brutale de la douleur. Kahlo a été profondément influencée par la culture indigène mexicaine, qui se manifeste dans les couleurs vives et le symbolisme dramatique de ses peintures. Les thèmes chrétiens et juifs sont souvent représentés dans son travail; elle a combiné des éléments de la tradition religieuse mexicaine classique, qui étaient souvent sanglants et violents. Les œuvres symbolistes de Frida Kahlo sont fortement liées au surréalisme et au mouvement du réalisme magique en littérature.

L’activisme politique était un élément important de la vie de David Siqueiros et l’a souvent inspiré à mettre de côté sa carrière artistique. Son art était profondément enraciné dans la révolution mexicaine. La période des années 1920 aux années 1950 est connue comme la Renaissance mexicaine, et Siqueiros a été actif dans la tentative de créer un art à la fois mexicain et universel. Le jeune Jackson Pollock a assisté à l’atelier et a aidé à construire des chars pour le défilé.

Au cours des années 1930, la politique de la gauche radicale a caractérisé de nombreux artistes liés au surréalisme, y compris Pablo Picasso. Le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole, la ville basque de Gernika fut bombardée par la Luftwaffe allemande nazie. Les Allemands attaquaient pour soutenir les efforts de Francisco Franco pour renverser le gouvernement basque et le gouvernement républicain espagnol. Pablo Picasso a peint sa Guernica murale pour commémorer les horreurs de l’attentat.

Pendant la Grande Dépression des années 1930 et pendant les années de la Seconde Guerre mondiale, l’art américain a été caractérisé par le réalisme social et la peinture de scène américaine, dans les travaux de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton et plusieurs autres. Nighthawks (1942) est un tableau d’Edward Hopper qui représente des gens assis dans un restaurant du centre-ville tard dans la nuit. Ce n’est pas seulement le tableau le plus célèbre de Hopper, mais l’un des plus reconnaissables de l’art américain. La scène a été inspirée par un dîner à Greenwich Village. Hopper a commencé à le peindre immédiatement après l’attaque de Pearl Harbor. Après cet événement, il y avait un grand sentiment de tristesse sur le pays, un sentiment qui est représenté dans la peinture. La rue urbaine est vide à l’extérieur du restaurant et, à l’intérieur, aucun des trois clients ne regarde ou ne parle apparemment aux autres mais se perd dans ses propres pensées. Cette représentation de la vie urbaine moderne comme vide ou solitaire est un thème commun dans l’œuvre de Hopper.

American Gothic est un tableau de Grant Wood datant de 1930. Représentant un fermier tenant une fourche et une jeune femme devant une maison de style gothique de Carpenter, c’est l’une des images les plus familières de l’art américain du XXe siècle. Les critiques d’art avaient des opinions favorables sur la peinture; comme Gertrude Stein et Christopher Morley, ils ont supposé que la peinture était censée être une satire de la vie rurale de petite ville. Il était donc considéré comme faisant partie de la tendance vers des représentations de plus en plus critiques de l’Amérique rurale, à l’instar de Sherwood Anderson 1919 Winesburg, Ohio, 1920 Main Street de Sinclair Lewis et The Tattooed Countess de Carl Van Vechten dans la littérature. Cependant, avec le début de la Grande Dépression, la peinture est apparue comme une représentation de l’esprit pionnier américain.

La situation des artistes en Europe au cours des années 1930 s’est rapidement détériorée à mesure que le pouvoir des nazis en Allemagne et en Europe de l’Est augmentait. L’art dégénéré était un terme adopté par le régime nazi en Allemagne pour pratiquement tout l’art moderne. Un tel art a été interdit au motif qu’il était de nature non-allemande ou bolchevique juive, et que ceux identifiés comme des artistes dégénérés étaient soumis à des sanctions. Ceux-ci inclus être expulsé de postes d’enseignement, étant interdit d’exposer ou de vendre leur art, et dans certains cas, il est interdit de produire de l’art entièrement. Degenerate Art était aussi le titre d’une exposition, montée par les nazis à Munich en 1937. Le climat est devenu si hostile pour les artistes et l’art associés au modernisme et à l’abstraction que beaucoup sont partis pour les Amériques. L’artiste allemand Max Beckmann et beaucoup d’autres ont fui l’Europe pour New York. À New York, une nouvelle génération de jeunes peintres modernistes animés par Arshile Gorky, Willem de Kooning et d’autres commençaient tout juste à grandir.

Le portrait d’Arshile Gorky de quelqu’un qui pourrait être Willem de Kooning est un exemple de l’évolution de l’expressionnisme abstrait dans le contexte de la peinture figurative, du cubisme et du surréalisme. Avec ses amis de Kooning et John D. Graham, Gorky a créé des compositions figuratives de forme biomorphique et abstraites qui, dans les années 1940, ont évolué vers des peintures totalement abstraites. Le travail de Gorky semble être une analyse attentive de la mémoire, de l’émotion et de la forme, utilisant la ligne et la couleur pour exprimer le sentiment et la nature.