Modernismo

El modernismo es un movimiento filosófico que, junto con las tendencias culturales y los cambios, surgió a partir de transformaciones de gran alcance y trascendentales en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Entre los factores que dieron forma al modernismo se encuentran el desarrollo de sociedades industriales modernas y el rápido crecimiento de las ciudades, seguido de reacciones de horror a la Primera Guerra Mundial. El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración y muchos modernistas rechazaron la creencia religiosa.

Término aplicado a la invención y la búsqueda efectiva de estrategias artísticas que buscan no solo conexiones cercanas pero esenciales con las poderosas fuerzas de la modernidad social Las respuestas de los modernistas a la modernidad van desde la celebración triunfal a la condena agonizante y difieren en modo de la representación directa de los impactos de la modernización a renovaciones extremas de suposiciones y prácticas puramente artísticas. Tales estrategias -buscadas por artistas que trabajan individualmente o, a menudo, en grupos, así como por críticos, historiadores y teóricos- ocurren en todas las artes, aunque en formas distintivas y variadas. Trayectorias históricas Han sido más fuertes en la pintura, el diseño y el movimiento moderno de la arquitectura, muy significativo en literatura y música, pero bastante silenciado en la artesanía. Tienen ecos en aspectos de la cultura comercial y popular. A pesar de ser intermitentes en su ocurrencia y no sistemáticos. naturaleza, estas estrategias han sido más eficaces en Europa y sus colonias de mediados del siglo XIX y en los EE. UU. desde principios del siglo XX, pasando de los márgenes al centro de las culturas visuales, de la radicalidad reactiva a la normalidad institucionalizada.

El modernismo, en general, incluye las actividades y creaciones de aquellos que sentían que las formas tradicionales de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, filosofía, organización social, actividades de la vida cotidiana, e incluso las ciencias, se estaban adaptando mal a sus tareas y obsoleto en el nuevo entorno económico, social y político de un mundo emergente plenamente industrializado. ¡El mandato de 1934 del poeta Ezra Pound para «¡Hazlo nuevo!» fue la piedra de toque del enfoque del movimiento hacia lo que veía como la cultura ahora obsoleta del pasado. En este espíritu, sus innovaciones, como la novela de la corriente de la conciencia, la música atonal (o pantonal) y la música de doce tonos, la pintura divisionista y el arte abstracto, tuvieron precursores en el siglo XIX.

Una característica notable del modernismo es la autoconciencia y la ironía sobre las tradiciones literarias y sociales, que a menudo conducen a experimentos con la forma, junto con el uso de técnicas que llaman la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de una pintura, poema, construcción, etc. El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo y hace uso de las obras del pasado mediante el empleo de repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia.

Algunos comentaristas definen el modernismo como un modo de pensar: una o más características definidas filosóficamente, como autoconciencia o autorreferencia, que se encuentran con todas las novedades en las artes y las disciplinas. Más comunes, especialmente en Occidente, son aquellos que lo ven como una tendencia de pensamiento socialmente progresiva que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o la tecnología. Desde esta perspectiva, el modernismo fomentó el reexamen de todos los aspectos de la existencia, desde el comercio hasta la filosofía, con el objetivo de encontrar aquello que estaba frenando el progreso y reemplazarlo con nuevas formas de alcanzar el mismo fin. Otros se enfocan en el modernismo como una introspección estética. Esto facilita la consideración de reacciones específicas al uso de la tecnología en la Primera Guerra Mundial, y los aspectos antitecnológicos y nihilistas de las obras de diversos pensadores y artistas que abarcan desde Friedrich Nietzsche (1844-1900) hasta Samuel Beckett (1906-1989). )

Mientras que algunos estudiosos ven que el modernismo continúa en el siglo XXI, otros lo ven evolucionando hacia el modernismo tardío o el alto modernismo, que luego es reemplazado por el posmodernismo.

Historia temprana

Principios: el siglo XIX
Según un crítico, el modernismo se desarrolló a partir de la rebelión del Romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores burgueses: «El motivo básico del modernismo, afirma Graff, fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo los modernistas, llevando la antorcha del romanticismo «. Mientras JMW Turner (1775-1851), uno de los pintores paisajistas más importantes del siglo XIX, era miembro del movimiento romántico, como «un pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera», «anticipó a los impresionistas franceses». «y, por lo tanto, el modernismo» al romper fórmulas convencionales de representación; [aunque] a diferencia de ellos, él creía que sus obras siempre deberían expresar importantes temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos «.

Las tendencias dominantes de la Inglaterra industrial victoriana fueron rechazadas, desde alrededor de 1850, por los poetas y pintores ingleses que constituían la Hermandad Prerrafaelita, debido a su «oposición a la habilidad técnica sin inspiración»: 815 Fueron influenciados por las escrituras del el crítico de arte John Ruskin (1819-1900), que tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar las vidas de las clases trabajadoras urbanas, en las ciudades industriales en rápida expansión de Gran Bretaña.:816 El crítico de arte Clement Greenberg describe el La Hermandad Rafaelita como proto-Modernistas: «Allí los proto-modernistas eran, de todas las personas, los prerrafaelistas (e incluso antes de ellos, como proto-proto-modernistas, los nazarenos alemanes). Los Prerrafaelistas de hecho presagiaban a Manet (1832). -83), con quien la pintura modernista definitivamente comienza. Actuaron con una insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su época, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente sincero «. El racionalismo también ha tenido opositores en los filósofos Søren Kierkegaard (1813-55) y más tarde Friedrich Nietzsche (1844-1900), quienes tuvieron una influencia significativa sobre el existencialismo.: 120

Sin embargo, la Revolución Industrial continuó. Las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por el vapor, y especialmente el desarrollo de los ferrocarriles, comenzando en Gran Bretaña en la década de 1830, y los posteriores avances en física, ingeniería y arquitectura asociados a esto. Un importante logro de ingeniería del siglo XIX fue The Crystal Palace, la gran sala de exposiciones de hierro fundido y vidrio plano construida para The Great Exhibition of 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de Londres, como la estación de Paddington (1854) y la estación de King’s Cross (1852). Estos avances tecnológicos llevaron a la construcción de estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889). Este último rompió todas las limitaciones previas sobre cuán altos podrían ser los objetos hechos por el hombre. Estas maravillas de la ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas. La experiencia humana del tiempo en sí fue alterada, con el desarrollo del telégrafo eléctrico desde 1837 y la adopción del tiempo estándar por las compañías ferroviarias británicas desde 1845, y en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años.

Pero a pesar de los continuos avances tecnológicos, desde la década de 1870 en adelante, la idea de que la historia y la civilización eran inherentemente progresivas, y que el progreso siempre fue bueno, fue objeto de un creciente ataque. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no eran meramente diferentes, sino que la Sociedad era antitética al Progreso y no podía avanzar en su forma actual. El filósofo Schopenhauer (1788-1860) (El mundo como voluntad y representación, 1819) puso en tela de juicio el optimismo anterior, y sus ideas tuvieron una influencia importante en los pensadores posteriores, incluido Nietzsche. Dos de los pensadores más importantes de la época fueron el biólogo Charles Darwin (1809-82), autor de Sobre el origen de las especies por medios naturales (1859) y el politólogo Karl Marx (1818-83), autor de Das Kapital (1867) La teoría de la evolución de Darwin por selección natural socavó la certeza religiosa y la idea de la singularidad humana. En particular, la noción de que los seres humanos fueron impulsados ​​por los mismos impulsos que los «animales inferiores» resultó ser difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora. Karl Marx argumentó que había contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista, y que los trabajadores eran todo menos libres.

Los comienzos del modernismo en Francia
Los historiadores y escritores en diferentes disciplinas han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell, por ejemplo, ha argumentado que el modernismo comenzó en la década de 1870, cuando la continuidad metafórica (u ontológica) comenzó a ceder a lo discreto con el matemático Richard Dedekind (1831-1916) corte de Dedekind y estadística de Ludwig Boltzmann (1844-1906) termodinámica. Everdell también piensa que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-86 con el divisionismo de Seurat, los «puntos» usados ​​para pintar un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte. Por otro lado, el crítico de arte visual Clement Greenberg llamó a Immanuel Kant (1724-1804) «el primer verdadero modernista», aunque también escribió: «Lo que se puede llamar con seguridad el modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y más bien a nivel local, en Francia, con Baudelaire en literatura y Manet en pintura, y quizás también con Flaubert, en prosa de ficción. (Fue más tarde, y no tan localmente, que el Modernismo apareció en la música y la arquitectura) «. Las Fleurs du mal (Las flores del mal), del poeta Baudelaire, y la novela de Flaubert, Madame Bovary, fueron publicadas en 1857.

En las artes y las letras, dos enfoques importantes se desarrollaron por separado en Francia. El primero fue el Impresionismo, una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre (en plein air). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven los objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió partidarios a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes, y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la muestra comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno, los impresionistas organizaron exposiciones grupales anuales en locales comerciales durante los años 1870 y 1880, sincronizándolos para coincidir con el Salón oficial. Un acontecimiento significativo de 1863 fue el Salon des Refusés, creado por el emperador Napoleón III para mostrar todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría eran de estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo enorme atención y abrió puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el simbolismo, que los historiadores literarios ven comenzando con Charles Baudelaire (1821-67), e incluyendo a los poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854-91) Une Saison en Enfer (Una estación en el infierno, 1873), Paul Verlaine ( 1844-96), Stéphane Mallarmé (1842-98) y Paul Valéry (1871-1945). Los simbolistas «enfatizaban la prioridad de la sugestión y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita», y estaban especialmente interesados ​​en «las propiedades musicales del lenguaje». Puede decirse que el cabaret, que dio origen a muchas de las artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con la apertura del Gato Negro en Montmartre, el comienzo del monólogo irónico y el Fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes.

Influyentes en los primeros días del modernismo fueron las teorías de Sigmund Freud (1856-1939). El primer gran trabajo de Freud fue Studies on Hysteria (con Josef Breuer, 1895). Un elemento central del pensamiento de Freud es la idea «de la primacía de la mente inconsciente en la vida mental», de modo que toda realidad subjetiva se basaba en el juego de impulsos e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción de Freud de los estados subjetivos implicaba una mente inconsciente llena de impulsos primarios y contrapeso de las restricciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales.:538

Friedrich Nietzsche (1844-1900) fue otro importante precursor del modernismo, con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la «voluntad de poder» (Wille zur Macht), eran de importancia central: «Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con ‘la voluntad de poder «, es decir, con un instinto de crecimiento y durabilidad». Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizaba la diferencia entre el tiempo científico, el reloj y la experiencia directa, subjetiva y humana del tiempo.131 Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia «tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX». , «especialmente aquellos modernistas que usaron la técnica de la corriente de la conciencia, como Dorothy Richardson, James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). También fue importante en la filosofía de Bergson la idea de élan vital, la fuerza vital, que «provoca la evolución creativa de todo». 132 Su filosofía también le dio un gran valor a la intuición, aunque sin rechazar la importancia del intelecto.:132

Importantes precursores literarios del modernismo fueron Fyodor Dostoyevsky (1821-1881), que escribió las novelas Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819-92), quien publicó la colección de poesía Leaves of Grass (1855-91); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus obras posteriores, incluyendo la trilogía To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) y The Ghost Sonata (1907). Henry James también ha sido sugerido como un precursor significativo, en una obra tan temprana como El retrato de una dama (1881).

Fuera de la colisión de ideales derivados del Romanticismo, y un intento de encontrar una manera de que el conocimiento explique lo que hasta ahora era desconocido, llegó la primera ola de obras en la primera década del siglo XX, que, mientras sus autores las consideraban extensiones de las tendencias existentes en el arte, rompieron el contrato implícito con el público en general de que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura e ideas burguesas. Estos hitos «modernistas» incluyen el final atonal del Second String Quartet de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky a partir de 1903 y que culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo Blue Rider en Munich en 1911, y ascenso del fauvismo y los inventos del cubismo desde los estudios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque y otros, en los años entre 1900 y 1910.

Explosión, principios del siglo XX a 1930
Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición mediante la adopción de técnicas como la repetición, la incorporación, la reescritura, la recapitulación, la revisión y la parodia en nuevas formas.

Un ejemplo de cómo el arte modernista puede ser tanto revolucionario como relacionado con la tradición del pasado es la música del compositor Arnold Schoenberg. Por un lado, Schoenberg rechazó la armonía tonal tradicional, el sistema jerárquico de organizar las obras de música que habían guiado la creación musical durante al menos un siglo y medio. Creía haber descubierto una forma completamente nueva de organizar el sonido, basada en el uso de filas de doce notas. Sin embargo, si bien esto fue totalmente nuevo, sus orígenes se remontan a la obra de compositores anteriores, como Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss y Max Reger. Además, debe tenerse en cuenta que Schoenberg también escribió música tonal a lo largo de su carrera.

En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse estaban causando conmoción por su rechazo de la perspectiva tradicional como medio de estructurar las pinturas, aunque el impresionista Monet ya había sido innovador. su uso de la perspectiva. En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d’Avignon, Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen (Asesinato, esperanza de las mujeres), la primera obra expresionista (producida con escándalo en 1909) y Arnold Schoenberg estaba componiendo su cuarteto de cuerdas. No.2 en F sharp minor (1908), su primera composición sin un centro tonal.

El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque «se superpone con otros ‘ismos’ principales del período modernista: con el futurismo, el vorticismo, el cubismo, el surrealismo y el Dada». Richard Murphy también comenta: «la búsqueda de una definición de todo incluido es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes» como el novelista Franz Kafka, el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin fueron a la vez los más expresivos anti-expresionistas .: 43 Lo que, sin embargo, se puede decir, es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania en reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que «uno de los medios centrales por los cuales el expresionismo se identifica como un movimiento de vanguardia, y por el que marca su distancia a las tradiciones y la institución cultural en su conjunto es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de la representación «: 43 Más explícitamente: que los expresionistas rechazaron la ideología de realismo.:43-48

Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables incluyeron a Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen. Miraron hacia atrás al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos. El asesino de Oskar Kokoschka, la esperanza de la mujer, fue la primera obra totalmente expresionista para el teatro, que se inauguró el 4 de julio de 1909 en Viena. La simplificación extrema de los personajes a los tipos míticos, los efectos corales, el diálogo declamatorio y la intensificación de la intensidad se convertirían en características de las representaciones expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue The Son by Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se presentó por primera vez en 1916.

El futurismo es otro movimiento modernista. En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de FT Marinetti. Poco después, un grupo de pintores (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini) firmaron conjuntamente el Manifiesto Futurista. Siguiendo el modelo del famoso «Manifiesto comunista» de Marx y Engels (1848), tales manifiestos presentaron ideas que debían provocar y reunir seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta fueron, en este momento, en gran parte confinados a «pequeñas revistas» que tenían solo circulaciones minúsculas. El primitivismo y el pesimismo modernistas fueron controvertidos, y la corriente principal en la primera década del siglo XX todavía estaba inclinada hacia una fe en el progreso y el optimismo liberal.

Los artistas abstractos, tomando como ejemplos a los impresionistas, así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), comenzaron con la suposición de que el color y la forma, no la representación del mundo natural, formaban las características esenciales de arte. El arte occidental había sido, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas de las europeas se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A fines del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que tienen lugar en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las cuales los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en la redefinición del arte como el arreglo del color puro. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta la mayor parte de la función representativa del arte visual, afectó fuertemente este aspecto del modernismo.

Los arquitectos y diseñadores modernistas, como Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, creían que la nueva tecnología hacía obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensó que los edificios deberían funcionar como «máquinas para vivir», análogamente a los automóviles, que él veía como máquinas para viajar. Así como los autos habían reemplazado al caballo, el diseño modernista debería rechazar los viejos estilos y estructuras heredados de la Antigua Grecia. o desde la Edad Media. Siguiendo esta estética de máquina, los diseñadores modernistas típicamente rechazaron los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales usados ​​y las formas geométricas puras. El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el edificio Wainwright, un edificio de oficinas de 10 pisos construido entre 1890 y 1891, en St. Louis, Missouri, Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. El Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) se considera a menudo como el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. Muchos aspectos del diseño modernista aún persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea, aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, la cita histórica y el drama espacial.

La corriente de la conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en hacer uso completo de ella en su cuento «Leutnant Gustl» («Nadie más que el valiente») (1900) ) Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarla, en los primeros volúmenes de su novela La peregrinación (1915-67). Los otros novelistas modernistas que están asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulysses (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923).

Sin embargo, con el advenimiento de la Gran Guerra de 1914-18 y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y la duda recayó en las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del statu quo anterior parecía evidente para una generación que había visto a millones morir luchando por restos de tierra: antes de 1914 se había argumentado que nadie pelearía tal guerra, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de la máquina que había hecho cambios importantes en las condiciones de la vida diaria en el siglo XIX ahora había cambiado radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró las suposiciones básicas, y la descripción realista de la vida en las artes parecía inadecuada cuando se enfrentaba a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras. La visión de que la humanidad estaba haciendo un progreso moral constante ahora parecía ridícula frente a la matanza sin sentido, descrita en obras como la novela All Quiet on the Western Front (1929) de Erich Maria Remarque. Por lo tanto, la visión de la realidad del modernismo, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, se aceptó de forma más general en los años veinte.

En la literatura y el arte visual, algunos modernistas trataron de desafiar las expectativas principalmente para hacer su arte más vivo, o para obligar a la audiencia a tomarse la molestia de cuestionar sus propias ideas preconcebidas. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura de consumo, que se desarrolló en Europa y América del Norte a fines del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan fabricar productos que sean comercializables apelando a preferencias y prejuicios, los altos modernistas rechazaron tales actitudes consumistas con el fin de socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch. Greenberg etiquetó los productos de la cultura del consumidor como «kitsch», ya que su diseño apuntaba simplemente a tener el máximo atractivo, eliminando cualquier característica difícil. Para Greenberg, el modernismo formó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de cultura de consumo moderna como la música popular comercial, Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.

El surrealismo, que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema de modernismo, o «la vanguardia del modernismo». La palabra «surrealista» fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias, escrita en 1903 y estrenada en 1917. Los principales surrealistas incluyen a Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró y Marcel Duchamp.

En 1930, el Modernismo había ganado un lugar en el establecimiento, incluido el establecimiento político y artístico, aunque en esta época el propio Modernismo había cambiado.

El modernismo continúa: 1930-1945
El modernismo continuó evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932 el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron, una de las primeras óperas en utilizar la técnica de doce tonos, Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica, su condena cubista del fascismo, mientras que en 1939 James Joyce superó los límites de la novela moderna más con Finnegans Wake. También en 1930 el Modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, por lo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar obras influenciadas por el Modernismo por jóvenes escritores y humoristas como Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman y James Thurber, Entre otros. Perelman es muy apreciado por sus historias cortas humorísticas que publicó en revistas en los años 1930 y 1940, la mayoría de las veces en The New Yorker, que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en comerciales y logos, un ejemplo temprano de que, desde 1916, es el famoso logotipo del London Underground diseñado por Edward Johnston.

Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida cotidiana de la gente común en Europa occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil, y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos, crearon un cambio social. El tipo de momento disruptivo que solo unos pocos conocieron en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada para los corredores de bolsa de 1890 se convirtió en parte de la vida familiar, al menos en la clase media de América del Norte. Asociados con la urbanización y las costumbres sociales cambiantes también surgieron familias más pequeñas y cambiaron las relaciones entre los padres y sus hijos.

Obras literarias modernistas significativas continuaron siendo creadas en los años 1920 y 1930, incluyendo nuevas novelas de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil y Dorothy Richardson. La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O’Neill comenzó en 1914, pero sus principales obras aparecieron en los años veinte, treinta y principios de los cuarenta. Otros dos dramaturgos modernistas importantes que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca. La amante de DH Lawrence, Lady Chatterley, fue publicada en privado en 1928, mientras que otro importante hito de la historia de la novela moderna llegó con la publicación de William Faulkner, The Sound and the Fury, en 1929. En la década de 1930, además de otros trabajos importantes de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce. Está escrito en un lenguaje en gran parte idiosincrásico, que consiste en una mezcla de elementos léxicos ingleses estándar y juegos de palabras neologistas y plurilingües, que trata de recrear la experiencia del sueño y los sueños. En poesía, TS Eliot, EE Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la década de 1950. Mientras que la poesía modernista en inglés se ve a menudo como un fenómeno estadounidense, con exponentes como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD y Louis Zukofsky, hubo importantes poetas modernistas británicos, como David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting y WH Auden. Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy y Paul Valéry.

En la pintura, durante los años 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el modernismo está definido por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán y los pintores de color modernistas y magistrales como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en América, el modernismo se ve en la forma de la pintura American Scene y el realismo social y los movimientos regionalistas que contenían y el comentario social dominó el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh y otros se hicieron famosos. El modernismo está definido en América Latina por los pintores Joaquín Torres García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado, y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo, comenzó un renacimiento de las artes para la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.

Diego Rivera es quizás mejor conocido en el mundo público por su mural de 1933, Man at the Crossroads, en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center. Cuando su patrón Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y el trabajo inconcluso fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo (la esposa de Rivera) a menudo se caracterizan por sus crueles representaciones de dolor. Kahlo estaba profundamente influenciado por la cultura indígena mexicana, que se manifiesta en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos a menudo se representan en su trabajo también; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos. Los trabajos simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura.

El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente enraizado en la Revolución Mexicana. El período comprendido entre los años 1920 y 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros estuvo activo en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.

Durante la década de 1930, la política radical de izquierda caracterizó a muchos de los artistas vinculados al surrealismo, incluido Pablo Picasso. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes estaban atacando para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica de tamaño mural para conmemorar los horrores del bombardeo.

Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el Realismo Social y la Pintura Americana de Escenas, en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton y muchos otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a las personas sentadas en un restaurante del centro de la ciudad a altas horas de la noche. No es solo la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles en el arte estadounidense. La escena fue inspirada por un comensal en Greenwich Village. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. Después de este evento hubo una gran sensación de tristeza en todo el país, un sentimiento que se refleja en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes parece estar mirando o hablando con los demás, sino que se pierde en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.

American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retratando a un agricultor que sostiene una horca y una mujer más joven frente a una casa de estilo gótico carpintero, es una de las imágenes más familiares en el arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; al igual que Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron que la pintura debía ser una sátira de la vida rural de una pequeña ciudad. Así fue visto como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de 1919 Winesburg, Ohio, de Sherwood Anderson, Sinclair Lewis’s 1920 Main Street, y The Vander Countess, de Carl Van Vechten en literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura se vio como una representación del espíritu pionero estadounidense firme.

La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que aumentaba el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este. El arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Tal arte fue prohibido con el argumento de que era de naturaleza bolchevique no alemana o judía, y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sujetos a sanciones. Estos incluyen ser despedidos de puestos docentes, se les prohíbe exponer o vender sus obras de arte y, en algunos casos, se les prohíbe producir arte por completo. Degenerate Art también fue el título de una exposición, montada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociados con el modernismo y la abstracción que muchos dejaron para las Américas. El artista alemán Max Beckmann y decenas de otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de pintores modernistas jóvenes y emocionantes liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning y otros recién comenzaban a alcanzar la mayoría de edad.

El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham, Gorky creó composiciones figurativas abstractas y de forma biomórfica que en la década de 1940 se convirtieron en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.