Modernismo

O modernismo é um movimento filosófico que, juntamente com as tendências e mudanças culturais, surgiu de transformações de grande escala e de longo alcance na sociedade ocidental durante o final do século XIX e início do século XX. Entre os fatores que moldaram o modernismo estavam o desenvolvimento das sociedades industriais modernas e o rápido crescimento das cidades, seguido por reações de horror à Primeira Guerra Mundial. O modernismo também rejeitou a certeza do pensamento iluminista e muitos modernistas rejeitaram a crença religiosa.

Termo aplicado à invenção e a efetiva busca de estratégias artísticas que busquem conexões não apenas próximas mas essenciais às forças poderosas da modernidade social As respostas dos modernistas à modernidade vão desde a celebração triunfal até a condenação agonizante e diferem no modo da representação direta dos impactos de modernização a renovações extremas de suposições e práticas puramente artísticas Tais estratégias – perseguidas por artistas que trabalham individualmente ou, freqüentemente, em grupos, assim como por críticos, historiadores e teóricos – ocorrem em todas as artes, embora em formas distintas e variando. trajetórias históricas Eles têm sido mais fortes em pintura, design e movimento moderno na arquitetura, altamente significativos na literatura e na música, mas bastante silenciado no artesanato Eles têm ecos em aspectos da cultura comercial e popular Apesar de serem intermitentes em sua ocorrência e não sistemáticos em natureza, estas estratégias têm sido mais eficazes na Europa e na sua colônias a partir de meados do século XIX e nos EUA a partir do início do século XX, passando das margens para o centro das culturas visuais, da radicalidade reativa para a normalidade institucionalizada.

O modernismo, em geral, inclui as atividades e criações daqueles que sentiram as formas tradicionais de arte, arquitetura, literatura, fé religiosa, filosofia, organização social, atividades da vida cotidiana e até mesmo as ciências, tornando-se mal adaptadas às suas tarefas. e desatualizado no novo ambiente econômico, social e político de um mundo totalmente industrializado emergente. A injunção do poeta Ezra Pound, de 1934, de “fazer nova!” era a pedra de toque da abordagem do movimento em direção ao que via como a cultura agora obsoleta do passado. Nesse espírito, suas inovações, como o romance do fluxo de consciência, a música atonal (ou pantonal) e de doze tons, a pintura divisionista e a arte abstrata, tiveram precursores no século XIX.

Uma característica notável do modernismo é a autoconsciência e a ironia em relação às tradições literárias e sociais, que muitas vezes levaram a experimentos com a forma, juntamente com o uso de técnicas que chamaram atenção para os processos e materiais usados ​​na criação de uma pintura, poema, construção etc. O modernismo rejeitou explicitamente a ideologia do realismo e fez uso das obras do passado pelo emprego de reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia.

Alguns comentaristas definem o modernismo como um modo de pensar – uma ou mais características filosoficamente definidas, como autoconsciência ou auto-referência, que perpassam todas as novidades nas artes e nas disciplinas. Mais comuns, especialmente no Ocidente, são aqueles que a veem como uma tendência de pensamento socialmente progressista que afirma o poder dos seres humanos de criar, melhorar e remodelar seu ambiente com a ajuda de experimentação prática, conhecimento científico ou tecnologia. Nessa perspectiva, o modernismo encorajou o reexame de todos os aspectos da existência, do comércio à filosofia, com o objetivo de encontrar o que estava “retendo” o progresso e substituindo-o por novas formas de atingir o mesmo objetivo. Outros se concentram no modernismo como uma introspecção estética. Isso facilita a consideração de reações específicas ao uso da tecnologia na Primeira Guerra Mundial e aspectos anti-tecnológicos e niilistas das obras de diversos pensadores e artistas, desde o período de Friedrich Nietzsche (1844-1900) até Samuel Beckett (1906-1989). ).

Enquanto alguns estudiosos vêem o modernismo continuando até o século XXI, outros o vêem evoluindo para o modernismo tardio ou o alto modernismo, que é então substituído pelo pós-modernismo.

História antiga

Começos: o século 19
Segundo um crítico, o modernismo se desenvolveu a partir da revolta do romantismo contra os efeitos da Revolução Industrial e dos valores burgueses: “O motivo fundamental do modernismo, afirma Graff, foi a crítica da ordem social burguesa do século XIX e sua visão de mundo dos modernistas”. a tocha do romantismo “. Enquanto JMW Turner (1775-1851), um dos maiores pintores de paisagens do século XIX, era um membro do movimento romântico, como “um pioneiro no estudo da luz, da cor e da atmosfera”, “antecipou os impressionistas franceses”. “e, portanto, o modernismo” ao quebrar as fórmulas convencionais de representação; [entretanto] ao contrário deles, ele acreditava que suas obras deveriam sempre expressar temas históricos, mitológicos, literários ou outros narrativos significativos “.

As tendências dominantes da Inglaterra industrial vitoriana opunham-se, por volta de 1850, aos poetas e pintores ingleses que constituíam a Fraternidade Pré-rafaelita, por causa de sua “oposição à habilidade técnica sem inspiração” .815 Eles foram influenciados pelos escritos da o crítico de arte John Ruskin (1819–1900), que tinha fortes sentimentos sobre o papel da arte em ajudar a melhorar as vidas das classes trabalhadoras urbanas, nas cidades industriais em rápida expansão da Grã-Bretanha: 816 O crítico de arte Clement Greenberg descreve o Pre- Irmandade Raphaelita como proto-modernistas: “Lá os proto-modernistas eram, de todas as pessoas, os pré-rafaelitas (e até mesmo antes deles, como proto-proto-modernistas, os nazarenos alemães). Os pré-rafaelitas na verdade prenunciavam Manet (1832) -83), com quem a pintura modernista começa definitivamente. Eles agiram em uma insatisfação com a pintura como praticada em seu tempo, sustentando que seu realismo não era verdadeiro o suficiente. ” O racionalismo também teve opositores nos filósofos Søren Kierkegaard (1813-1855) e, mais tarde, Friedrich Nietzsche (1844-1900), ambos os quais tiveram influência significativa no existencialismo.121

No entanto, a Revolução Industrial continuou. Inovações influentes incluíram a industrialização movida a vapor e, especialmente, o desenvolvimento de ferrovias, começando na Grã-Bretanha na década de 1830, e os avanços subseqüentes em física, engenharia e arquitetura associados a isso. Uma grande conquista da engenharia do século XIX foi o The Crystal Palace, o enorme salão de exposições de ferro fundido e vidro laminado construído para a Grande Exposição de 1851 em Londres. Vidro e ferro foram usados ​​em um estilo monumental similar na construção dos principais terminais ferroviários em Londres, como a Estação Paddington (1854) e a estação King’s Cross (1852). Esses avanços tecnológicos levaram à construção de estruturas posteriores como a Ponte do Brooklyn (1883) e a Torre Eiffel (1889). Este último quebrou todas as limitações anteriores sobre o tamanho dos objetos feitos pelo homem. Essas maravilhas da engenharia alteraram radicalmente o ambiente urbano do século XIX e o cotidiano das pessoas. A experiência humana do tempo em si foi alterada, com o desenvolvimento do telégrafo elétrico a partir de 1837, e a adoção do tempo padrão pelas empresas ferroviárias britânicas a partir de 1845 e no resto do mundo nos cinquenta anos seguintes.

Mas, apesar dos contínuos avanços tecnológicos, a partir da década de 1870, a ideia de que a história e a civilização eram inerentemente progressistas e de que o progresso sempre foi bom sofreu um crescente ataque. Surgiram argumentos de que os valores do artista e os da sociedade não eram apenas diferentes, mas que a sociedade era antitética ao progresso e não podia avançar em sua forma atual. O filósofo Schopenhauer (1788-1860) (O mundo como vontade e representação, 1819) questionou o otimismo anterior, e suas idéias tiveram uma influência importante sobre os pensadores posteriores, incluindo Nietzsche. Dois dos mais importantes pensadores do período foram o biólogo Charles Darwin (1809-1882), autor de A Origem das Espécies por Meio da Seleção Natural (1859), e o cientista político Karl Marx (1818-1883), autor de Das Kapital. (1867). A teoria da evolução de Darwin pela seleção natural minou a certeza religiosa e a ideia de singularidade humana. Em particular, a noção de que os seres humanos eram movidos pelos mesmos impulsos como “animais inferiores” mostrou-se difícil de conciliar com a idéia de uma espiritualidade enobrecedora. Karl Marx argumentou que havia contradições fundamentais dentro do sistema capitalista e que os trabalhadores eram tudo menos livres.

Os primórdios do modernismo na França
Historiadores e escritores de diferentes disciplinas sugeriram várias datas como pontos de partida para o modernismo. O historiador William Everdell, por exemplo, argumentou que o modernismo começou na década de 1870, quando a continuidade metafórica (ou ontológica) começou a ceder ao discreto corte de Dedekind do matemático Richard Dedekind (1831-1916) e à estatística de Ludwig Boltzmann (1844-1906). termodinâmica. Everdell também acha que o modernismo na pintura começou em 1885-1886 com o Divisionism de Seurat, os “pontos” usados ​​para pintar A Sunday Afternoon na Ilha de La Grande Jatte. Por outro lado, o crítico de arte visual Clement Greenberg chamou Immanuel Kant (1724-1804) “o primeiro modernista real”, embora ele também escreveu: “O que pode ser seguramente chamado modernismo surgiu em meados do século passado – e bastante localmente, na França, com Baudelaire na literatura e Manet na pintura, e talvez também com Flaubert, na ficção em prosa (foi um tempo depois, e não tão localmente, que o modernismo apareceu na música e na arquitetura). ” O poeta Les Fleurs du mal (O Flores do Mal), de Baudelaire, e Madame Bovary, de Flaubert, foram ambos publicados em 1857.

Nas artes e letras, duas abordagens importantes foram desenvolvidas separadamente na França. O primeiro foi o impressionismo, uma escola de pintura que inicialmente se concentrava no trabalho feito, não nos estúdios, mas ao ar livre (en plein air). Pinturas impressionistas demonstraram que os seres humanos não vêem objetos, mas vêem a luz em si. A escola reuniu adeptos apesar das divisões internas entre seus principais praticantes e tornou-se cada vez mais influente. Inicialmente rejeitados da mostra comercial mais importante da época, o Salão de Paris, patrocinado pelo governo, os impressionistas organizaram anualmente exposições coletivas em locais comerciais durante as décadas de 1870 e 1880, cronometrando-as para coincidir com o Salão oficial. Um evento significativo de 1863 foi o Salon des Refusés, criado pelo imperador Napoleão III para exibir todas as pinturas rejeitadas pelo Salão de Paris. Enquanto a maioria estava em estilos padrão, mas por artistas inferiores, o trabalho de Manet atraiu uma atenção tremenda e abriu portas comerciais para o movimento. A segunda escola francesa foi o Simbolismo, que os historiadores literários vêem começando com Charles Baudelaire (1821-1867), e incluindo os poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854-1891), Une Saison en Enfer (A Temporada no Inferno, 1873), Paul Verlaine ( 1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) e Paul Valéry (1871–1945). Os simbolistas “enfatizavam a prioridade da sugestão e da evocação em detrimento da descrição direta e da analogia explícita”, e estavam especialmente interessados ​​nas “propriedades musicais da linguagem”. Cabaret, que deu origem a tantas artes do modernismo, incluindo os precursores imediatos do cinema, pode-se dizer que começou na França em 1881 com a abertura do Gato Negro em Montmartre, o começo do monólogo irônico, e o fundação da Sociedade de Artes Incoerentes.

Influente nos primeiros dias do modernismo foram as teorias de Sigmund Freud (1856-1939). A primeira grande obra de Freud foi Estudos sobre a histeria (com Josef Breuer, 1895). Central para o pensamento de Freud é a idéia “da primazia da mente inconsciente na vida mental”, de modo que toda a realidade subjetiva era baseada no jogo de impulsos e instintos básicos, através dos quais o mundo exterior era percebido. A descrição de Freud dos estados subjetivos envolvia uma mente inconsciente repleta de impulsos primordiais e contrabalançando restrições auto-impostas derivadas de valores sociais.

Friedrich Nietzsche (1844-1900) foi outro grande precursor do modernismo, com uma filosofia em que os impulsos psicológicos, especificamente a “vontade de poder” (Wille zur Macht), era de importância central: “Nietzsche muitas vezes identificou a vida com vontade de poder “, isto é, com um instinto de crescimento e durabilidade”. Henri Bergson (1859-1941), por outro lado, enfatizava a diferença entre o tempo científico, o tempo do relógio e a experiência humana direta, subjetiva do tempo.121 Seu trabalho sobre o tempo e a consciência “teve uma grande influência sobre os romancistas do século XX”. “especialmente os modernistas que usaram o fluxo da técnica da consciência, como Dorothy Richardson, James Joyce e Virginia Woolf (1882-1941). Também importante na filosofia de Bergson era a idéia do élan vital, a força vital, que “traz a evolução criativa de tudo”. 132 Sua filosofia também dava grande valor à intuição, embora sem rejeitar a importância do intelecto.

Importantes precursores literários do modernismo foram Fiodor Dostoiévski (1821-1881), que escreveu os romances Crime e Castigo (1866) e Os Irmãos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), que publicou a coleção de poesia Leaves of Grass (1855–91); e August Strindberg (1849-1912), especialmente suas peças posteriores, incluindo a trilogia A Damasco, de 1898 a 1901, A Dream Play (1902) e The Ghost Sonata (1907). Henry James também foi sugerido como um precursor significativo, em um trabalho já em O retrato de uma dama (1881).

A partir da colisão de ideais derivados do romantismo, e uma tentativa de encontrar um caminho para o conhecimento para explicar o que ainda era desconhecido, surgiu a primeira onda de trabalhos na primeira década do século XX, que, enquanto seus autores os consideravam Extensões das tendências existentes na arte, quebrou o contrato implícito com o público em geral de que os artistas eram os intérpretes e representantes da cultura e das idéias burguesas. Estes marcos “modernistas” incluem o final atonal do Segundo Quarteto de Cordas de Arnold Schoenberg em 1908, as pinturas expressionistas de Wassily Kandinsky começando em 1903, e culminando com sua primeira pintura abstrata e a fundação do grupo Blue Rider em Munique em 1911, e ascensão do fauvismo e as invenções do cubismo dos estúdios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque e outros, nos anos entre 1900 e 1910.

Explosão, início do século 20 a 1930
Um aspecto importante do modernismo é como ele se relaciona com a tradição através da adoção de técnicas como reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia em novas formas.

Um exemplo de como a arte modernista pode ser tanto revolucionária quanto estar relacionada à tradição passada é a música do compositor Arnold Schoenberg. Por um lado, Schoenberg rejeitou a harmonia tonal tradicional, o sistema hierárquico de organização de obras de música que guiaram a produção musical por pelo menos um século e meio. Acreditava ter descoberto uma maneira totalmente nova de organizar o som, baseado no uso de linhas de doze notas. No entanto, embora isso seja realmente totalmente novo, suas origens remontam ao trabalho de compositores anteriores, como Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss e Max Reger. Além disso, deve-se notar que Schoenberg também escreveu música tonal ao longo de sua carreira.

No mundo da arte, na primeira década do século XX, jovens pintores como Pablo Picasso e Henri Matisse causavam um choque com a rejeição da perspectiva tradicional como meio de estruturar pinturas, embora o impressionista Monet já tivesse sido inovador seu uso da perspectiva. Em 1907, enquanto Picasso pintava Les Demoiselles d’Avignon, Oskar Kokoschka escrevia Mörder, Hoffnung der Frauen, a primeira peça expressionista (produzida com escândalo em 1909), e Arnold Schoenberg compunha seu quarteto de cordas. No.2 in F sharp minor (1908), sua primeira composição sem um centro tonal.

O expressionismo é notoriamente difícil de definir, em parte porque “se sobrepôs a outros grandes ‘ismos’ do período modernista: com o futurismo, o vorticismo, o cubismo, o surrealismo e o dadá”. Richard Murphy também comenta: “a busca de uma definição abrangente é problemática na medida em que os expressionistas mais desafiadores” como o romancista Franz Kafka, o poeta Gottfried Benn e o romancista Alfred Döblin eram simultaneamente os mais antipurlacionistas: O que, no entanto, pode ser dito é que foi um movimento que se desenvolveu no início do século XX principalmente na Alemanha em reação ao efeito desumanizador da industrialização e do crescimento das cidades, e que “um dos meios centrais pelos quais o expressionismo identifica-se como um movimento de vanguarda e pelo qual marca sua distância para as tradições e a instituição cultural como um todo é através de sua relação com o realismo e as convenções dominantes de representação. “: 43 Mais explicitamente: que os expressionistas rejeitaram a ideologia de realismo: 43–48

Havia um movimento expressionista concentrado no teatro alemão do início do século XX, do qual Georg Kaiser e Ernst Toller eram os dramaturgos mais famosos. Outros dramaturgos expressionistas notáveis ​​incluíam Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Eles olharam para o dramaturgo sueco August Strindberg e para o ator e dramaturgo alemão Frank Wedekind como precursores de seus experimentos dramatúrgicos. O Assassino de Oskar Kokoschka, a Esperança das Mulheres, foi a primeira obra totalmente expressionista para o teatro, que abriu em 4 de julho de 1909 em Viena. A extrema simplificação de personagens para tipos míticos, efeitos corais, diálogos declamatórios e intensificação de intensidade se tornariam característicos de peças expressionistas posteriores. O primeiro longa-metragem expressionista foi The Son, de Walter Hasenclever, publicado em 1914 e apresentado pela primeira vez em 1916.

O futurismo é mais um movimento modernista. Em 1909, o jornal parisiense Le Figaro publicou o primeiro manifesto de FT Marinetti. Logo depois, um grupo de pintores (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini) assinaram o Manifesto Futurista. Com base no famoso “Manifesto Comunista” de Marx e Engels (1848), tais manifestos apresentam idéias que deveriam provocar e reunir seguidores. No entanto, argumentos a favor de pinturas geométricas ou puramente abstratas estavam, na época, em grande parte confinados a “pequenas revistas” que tinham apenas pequenas circulações. O primitivismo modernista e o pessimismo eram controversos, e o mainstream na primeira década do século XX ainda estava inclinado a uma fé no progresso e no otimismo liberal.

Os artistas abstratos, tomando como exemplos os impressionistas, assim como Paul Cézanne (1839-1906) e Edvard Munch (1863-1944), partiram do pressuposto de que a cor e a forma, e não a representação do mundo natural, formavam as características essenciais. de arte. A arte ocidental havia sido, desde a Renascença até meados do século XIX, sustentada pela lógica da perspectiva e uma tentativa de reproduzir uma ilusão da realidade visível. As artes de outras culturas que não o europeu se tornaram acessíveis e mostraram formas alternativas de descrever a experiência visual para o artista. No final do século XIX, muitos artistas sentiram a necessidade de criar um novo tipo de arte que englobasse as mudanças fundamentais que estão ocorrendo na tecnologia, ciência e filosofia. As fontes de onde cada artista tirou seus argumentos teóricos eram diversas e refletiam as preocupações sociais e intelectuais em todas as áreas da cultura ocidental da época. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich acreditavam na redefinição da arte como o arranjo da cor pura. O uso da fotografia, que tornara obsoleta a função representacional da arte visual, afetou fortemente esse aspecto do modernismo.

Arquitetos e designers modernistas, como Frank Lloyd Wright e Le Corbusier, acreditavam que a nova tecnologia tornava os antigos estilos de construção obsoletos. Le Corbusier pensava que os edifícios deviam funcionar como “máquinas para viver”, análogos aos carros, que ele via como máquinas para viajar. Assim como os carros substituíram o cavalo, o design modernista deveria rejeitar os antigos estilos e estruturas herdados da Grécia Antiga. ou da Idade Média. Seguindo essa estética da máquina, os designers modernistas rejeitavam tipicamente os motivos decorativos no design, preferindo enfatizar os materiais utilizados e as formas geométricas puras. O arranha-céu é o edifício modernista arquetípico, e o Wainwright Building, um edifício comercial de 10 andares construído em 1890-91, em St. Louis, Missouri, Estados Unidos, está entre os primeiros arranha-céus do mundo. O Edifício Seagram, de Ludwig Mies van der Rohe, em Nova York (1956-1958) é frequentemente considerado o auge dessa arquitetura modernista. Muitos aspectos do design modernista ainda persistem dentro do mainstream da arquitetura contemporânea, embora o dogmatismo anterior tenha dado lugar a um uso mais lúdico da decoração, da citação histórica e do drama espacial.

Fluxo de consciência foi uma importante inovação literária modernista, e tem sido sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) foi o primeiro a fazer pleno uso dele em seu conto “Leutnant Gustl” (“None but the Brave”) (1900 ). Dorothy Richardson foi a primeira escritora inglesa a usá-lo, nos primeiros volumes de sua novela de seqüência Peregrinação (1915-1967). Os outros romancistas modernistas que estão associados ao uso dessa técnica narrativa incluem James Joyce em Ulisses (1922) e Italo Svevo em La coscienza di Zeno (1923).

No entanto, com a chegada da Grande Guerra de 1914-18 e a Revolução Russa de 1917, o mundo foi drasticamente alterado e a dúvida foi lançada sobre as crenças e instituições do passado. O fracasso do status quo anterior parecia evidente para uma geração que viu milhões de pessoas morrerem lutando por fragmentos de terra: antes de 1914, argumentava-se que ninguém lutaria contra essa guerra, já que o custo era alto demais. O nascimento de uma era da máquina que fez grandes mudanças nas condições da vida cotidiana no século XIX agora mudara radicalmente a natureza da guerra. A natureza traumática da experiência recente alterou os pressupostos básicos, e a representação realista da vida nas artes parecia inadequada quando confrontada com a natureza fantasticamente surreal da guerra de trincheiras. A visão de que a humanidade estava progredindo moralmente agora parecia ridícula diante da matança sem sentido, descrita em obras como o romance de Erich Maria Remarque, All Quiet on the Western Front (1929). Portanto, a visão da realidade do modernismo, que tinha sido um gosto minoritário antes da guerra, tornou-se mais geralmente aceita nos anos 1920.

Na literatura e na arte visual, alguns modernistas procuraram desafiar as expectativas, principalmente para tornar sua arte mais vívida, ou para forçar o público a se dar ao trabalho de questionar seus próprios preconceitos. Esse aspecto do modernismo parece freqüentemente uma reação à cultura de consumo, que se desenvolveu na Europa e na América do Norte no final do século XIX. Enquanto a maioria dos fabricantes tenta fabricar produtos que serão comercializáveis ​​apelando para preferências e preconceitos, os altos modernistas rejeitaram essas atitudes consumistas para minar o pensamento convencional. O crítico de arte Clement Greenberg expôs essa teoria do modernismo em seu ensaio Avant-Garde and Kitsch. Greenberg rotulou os produtos da cultura de consumo “kitsch”, porque o design deles visava simplesmente ter o máximo apelo, com todos os recursos difíceis removidos. Para Greenberg, o modernismo, assim, formou uma reação contra o desenvolvimento de exemplos da moderna cultura de consumo, como a música popular comercial, Hollywood e a publicidade. Greenberg associou isso com a rejeição revolucionária do capitalismo.

O surrealismo, que se originou no início da década de 1920, passou a ser considerado pelo público como a forma mais extrema do modernismo, ou “a vanguarda do modernismo”. A palavra “surrealista” foi cunhada por Guillaume Apollinaire e apareceu pela primeira vez no prefácio de sua peça Les Mamelles de Tirésias, que foi escrita em 1903 e apresentada pela primeira vez em 1917. Os principais surrealistas incluem Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró e Marcel Duchamp.

Em 1930, o modernismo conquistara um lugar no establishment, incluindo o establishment político e artístico, embora nessa época o próprio modernismo tivesse mudado.

O modernismo continua: de 1930 a 1945
O modernismo continuou a evoluir durante a década de 1930. Entre 1930 e 1932, o compositor Arnold Schoenberg trabalhou em Moses und Aron, uma das primeiras óperas a utilizar a técnica dos doze tons, pintada em 1937 por Guernica, a sua condenação cubista do fascismo, enquanto em 1939 James Joyce ultrapassou as fronteiras do fascismo. o romance moderno ainda mais com Finnegans Wake. Também em 1930 o modernismo começou a influenciar a cultura dominante, de modo que, por exemplo, a revista The New Yorker começou a publicar trabalhos influenciados pelo Modernismo por jovens escritores e humoristas como Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman e James Thurber. entre outros. Perelman é altamente considerado por seus contos humorísticos que ele publicou em revistas nas décadas de 1930 e 1940, na maioria das vezes no The New Yorker, que são considerados os primeiros exemplos de humor surrealista na América. As idéias modernas de arte também começaram a aparecer com mais frequência em comerciais e logotipos, um dos primeiros exemplos dos quais, a partir de 1916, é o famoso logotipo do Metrô de Londres, criado por Edward Johnston.

Uma das mudanças mais visíveis desse período foi a adoção de novas tecnologias na vida cotidiana das pessoas comuns na Europa Ocidental e na América do Norte. A eletricidade, o telefone, o rádio, o automóvel – e a necessidade de trabalhar com eles, consertá-los e conviver com eles – criaram uma mudança social. O tipo de momento disruptivo que poucos conheciam na década de 1880 tornou-se uma ocorrência comum. Por exemplo, a velocidade de comunicação reservada aos corretores de ações de 1890 tornou-se parte da vida familiar, pelo menos na classe média norte-americana. Associado à urbanização e à mudança de costumes sociais, também vieram famílias menores e mudaram as relações entre pais e filhos.

Trabalhos literários modernistas significativos continuaram a ser criados nas décadas de 1920 e 1930, incluindo outros romances de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil e Dorothy Richardson. A carreira do dramaturgo modernista americano Eugene O’Neill começou em 1914, mas suas principais obras surgiram nos anos 1920, 1930 e início dos anos 1940. Outros dois importantes dramaturgos modernistas que escreveram nas décadas de 1920 e 1930 foram Bertolt Brecht e Federico García Lorca. O amante de DH Lawrence’s Lady Chatterley foi publicado em 1928, enquanto outro marco importante para a história do romance moderno veio com a publicação de The Sound and the Fury, de William Faulkner, em 1929. Nos anos 1930, além de outras grandes obras de Faulkner, Samuel Beckett publicou sua primeira grande obra, a novela Murphy (1938). Então, em 1939, Finnegans Wake, de James Joyce, apareceu. Isso é escrito em uma linguagem bastante idiossincrática, consistindo de uma mistura de itens lexicais ingleses padrão e trocadilhos neolíngües multilíngües e palavras de malabarismo, que tenta recriar a experiência do sono e dos sonhos. Na poesia, TS Eliot, EE Cummings e Wallace Stevens escreviam desde a década de 1920 até a década de 1950. Enquanto a poesia modernista em inglês é freqüentemente vista como um fenômeno americano, com expoentes como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD e Louis Zukofsky, havia importantes poetas modernistas britânicos, incluindo David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting e WH Auden. Os poetas modernistas europeus incluem Federico Garcia Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy e Paul Valéry.

Na pintura, durante os anos 1920 e 1930 e na Grande Depressão, o modernismo é definido pelo surrealismo, cubismo tardio, Bauhaus, De Stijl, Dada, expressionismo alemão e pintores modernistas e magistrais como Henri Matisse e Pierre Bonnard, bem como as abstrações. de artistas como Piet Mondrian e Wassily Kandinsky, que caracterizaram o cenário artístico europeu. Na Alemanha, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e outros politizaram suas pinturas, prenunciando o advento da Segunda Guerra Mundial, enquanto na América, o modernismo é visto na forma de pintura de cena americana e os movimentos de realismo social e regionalismo que continham tanto a política e comentários sociais dominaram o mundo da arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh e outros tornaram-se proeminentes. O modernismo é definido na América Latina pelos pintores Joaquín Torres García, do Uruguai, e Rufino Tamayo, do México, enquanto o movimento muralista com Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martinez Delgado e pinturas simbolistas de Frida Kahlo. um renascimento das artes para a região, caracterizado por um uso mais livre da cor e uma ênfase nas mensagens políticas.

Diego Rivera é talvez mais conhecido pelo mundo público por seu mural de 1933, Man at the Crossroads, no saguão do prédio da RCA no Rockefeller Center. Quando seu patrono Nelson Rockefeller descobriu que o mural incluía um retrato de Vladimir Lenin e outras imagens comunistas, ele demitiu Rivera, e o trabalho inacabado acabou sendo destruído pela equipe de Rockefeller. Os trabalhos de Frida Kahlo (esposa de Rivera) são frequentemente caracterizados por seus retratos de dor. Kahlo foi profundamente influenciada pela cultura indígena mexicana, que é evidente nas cores brilhantes e no simbolismo dramático de suas pinturas. Temas cristãos e judaicos são freqüentemente descritos em seu trabalho também; ela combinou elementos da clássica tradição religiosa mexicana, que eram frequentemente sangrentas e violentas. Os trabalhos simbolistas de Frida Kahlo se relacionam fortemente com o surrealismo e com o movimento do Realismo Mágico na literatura.

O ativismo político foi uma peça importante da vida de David Siqueiros e freqüentemente o inspirou a deixar de lado sua carreira artística. Sua arte estava profundamente enraizada na Revolução Mexicana. O período de 1920 a 1950 é conhecido como o Renascimento Mexicano, e Siqueiros estava ativo na tentativa de criar uma arte que fosse ao mesmo tempo mexicana e universal. O jovem Jackson Pollock participou do workshop e ajudou a construir carros alegóricos para o desfile.

Durante a década de 1930, a política esquerdista radical caracterizou muitos dos artistas ligados ao surrealismo, incluindo Pablo Picasso. Em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola, a cidade basca de Gernika foi bombardeada pela Luftwaffe, da Alemanha nazista. Os alemães estavam atacando para apoiar os esforços de Francisco Franco para derrubar o governo basco e o governo republicano espanhol. Pablo Picasso pintou seu Guernica do tamanho de um mural para comemorar os horrores do bombardeio.

Durante a Grande Depressão dos anos 1930 e durante os anos da Segunda Guerra Mundial, a arte americana foi caracterizada por Realismo Social e Pintura de Cena Americana, nos trabalhos de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton e vários outros. Nighthawks (1942) é uma pintura de Edward Hopper que retrata pessoas sentadas em um restaurante no centro da cidade à noite. Não é apenas a pintura mais famosa de Hopper, mas uma das mais reconhecidas na arte americana. A cena foi inspirada em um restaurante em Greenwich Village. Hopper começou a pintá-lo imediatamente após o ataque a Pearl Harbor. Após este evento, houve uma grande sensação de tristeza sobre o país, um sentimento que é retratado na pintura. A rua urbana está vazia do lado de fora da lanchonete, e dentro de nenhum dos três clientes aparentemente está olhando ou falando com os outros, mas em vez disso está perdido em seus próprios pensamentos. Este retrato da vida urbana moderna como vazia ou solitária é um tema comum em todo o trabalho de Hopper.

American Gothic é uma pintura de Grant Wood de 1930. Retratando um agricultor de forquilha e uma mulher mais jovem em frente a uma casa de estilo gótico carpinteiro, é uma das imagens mais familiares da arte americana do século XX. Críticos de arte tiveram opiniões favoráveis ​​sobre a pintura; como Gertrude Stein e Christopher Morley, eles assumiram que a pintura deveria ser uma sátira da vida rural de uma pequena cidade. Foi assim visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticas da América rural, nos moldes da Winesburg de 1919, de Sherwood Anderson, Ohio, Main Street, de 1920, de Sinclair Lewis, e The Tireded Countess, de Carl Van Vechten, na literatura. No entanto, com o início da Grande Depressão, a pintura passou a ser vista como uma representação do espírito pioneiro americano.

A situação dos artistas na Europa durante a década de 1930 deteriorou-se rapidamente com o aumento do poder dos nazistas na Alemanha e na Europa Oriental. Arte degenerada foi um termo adotado pelo regime nazista na Alemanha para praticamente toda a arte moderna. Tal arte foi proibida sob a alegação de que era de natureza bolchevique não-alemã ou judaica, e aqueles identificados como artistas degenerados foram submetidos a sanções. Estes incluíam ser demitidos de cargos de professor, sendo proibidos de expor ou vender sua arte, e em alguns casos sendo proibidos de produzir arte inteiramente. Degenerate Art também foi o título de uma exposição montada pelos nazistas em Munique em 1937. O clima tornou-se tão hostil para artistas e arte associados ao modernismo e à abstração que muitos deixaram para as Américas. O artista alemão Max Beckmann e dezenas de outros fugiram da Europa para Nova York. Em Nova York, uma nova geração de pintores modernistas jovens e empolgantes, liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning e outros, estava começando a amadurecer.

O retrato de Arshile Gorky de alguém que poderia ser Willem de Kooning é um exemplo da evolução do expressionismo abstrato a partir do contexto da pintura de figuras, do cubismo e do surrealismo. Junto com seus amigos de Kooning e John D. Graham, Gorky criou composições figurativas biomorficamente moldadas e abstraídas que, na década de 1940, evoluíram para pinturas totalmente abstratas. O trabalho de Gorky parece ser uma análise cuidadosa da memória, emoção e forma, usando linha e cor para expressar o sentimento e a natureza.