Expériences de gravures et de sculptures, Tomie Ohtake Institute

En plus de 60 ans de production, Tomie Ohtake a conçu un ensemble d’œuvres remarquable et s’est aventuré à travers différentes langues, sans quitter les axes principaux qui ont guidé sa recherche: la couleur, le geste et la matérialité. Tomie Ohtake: expériences de gravures et de sculptures, se concentre sur la gravure et la sculpture, des domaines qui, à côté de la peinture, sont tout aussi vastes dans la production de l’artiste.

Tomie Ohtake est connue pour son travail, d’un minimalisme apparent qui se dissout au second regard, se révélant à la fois complexe et délicat. Son travail, d’un minimalisme apparent qui se défait au second regard, se révèle, à la fois complexe et délicat, sa production créative avance, contre le temps.

La fluidité avec laquelle elle a transposé les traces et les mouvements de la peinture, si particulièrement la sienne, à ces nouveaux matériaux – plus rigides et avec d’autres limites, se démarque. Le geste est présent dans ces pratiques, que ce soit dans les courbes et les torsions des tubes d’acier qui semblent avoir été modelés par les propres mains de Tomie, ou dans l’imprécision des formes présentes dans les gravures, prises avec fidélité à partir d’études menées par l’artiste déchirer et couper des papiers, ce qui montre clairement son engagement à réaliser les travaux.

La gravure dans l’œuvre de l’artiste est apparue quinze ans après qu’elle ait déjà été reconnue comme peintre brésilienne. Au départ, ses impressions étaient en sérigraphie, avec des surfaces recouvertes de couleurs, jusqu’à ce qu’il en vienne à la construction de plans cassés, ondulés et décolorés. Progressivement, l’artiste a développé de nouveaux médias, la lithographie, avec différentes possibilités, comme les dessins au crayon. Mais c’est dans la gravure sur métal qu’il retrouve la même liberté que le pinceau et avec lequel il continue de travailler.

Les gravures présentes dans cette exposition montrent comment Tomie a fait de cette technique un domaine fertile et innovant. Il crée des séries en grands formats, transforme l’estampe en objet, produit des œuvres qui avancent d’un plan à l’autre (au confluent de 90 degrés) et travaille même à quatre mains dans la composition de l’album Yu-Gen, une série inspiré du Japon, avec des poèmes de Haroldo de Campos inscrits sur des images créées par l’artiste. Avec son expérimentalisme inhabituel, ses gravures ont également acquis une reconnaissance internationale depuis 1972, lorsqu’elle a été invitée à participer à la salle Grafica D’Oggi de la Biennale de Venise – une exposition à laquelle ont assisté les artistes les plus importants du monde, tels que les Américains de Pop Art.

La sculpture dans l’œuvre de Tomie, quant à elle, apparaît à partir de 1996, lorsqu’elle a été invitée par la Bienal de São Paulo à participer avec une salle spéciale. Pour l’événement international, elle a conçu une série de pièces en acier tubulaire, des lignes flottantes qui, au lieu d’imposer un volume, mettent en évidence le vide. De cette série, quatre des sculptures réunies dans Tomie Ohtake se déplient: couleurs gravées, lignes dans l’espace, tandis que l’ensemble de trois anneaux circulaires, également présent dans l’exposition, faisait partie de sa première installation, réalisée à l’invitation de Paço das Artes, en 2000. Avec environ quatre mètres de diamètre, avec des formes différentes et ondulées qui atteignent jusqu’à 1,50 m de hauteur, les cerceaux font un mouvement pendulaire au toucher, permettant au spectateur de déplacer les pièces.

Biographie
Tomie Ohtake (Kyoto, 21 novembre 1913 – São Paulo, 12 février 2015) était un artiste japonais naturalisé brésilien.

Tomie Ohtake est l’un des principaux représentants de l’abstractionnisme informel. Son travail comprend des peintures, des gravures et des sculptures. Elle a été récompensée au Salon national d’art moderne en 1960; et en 1988, elle a reçu l’Ordre de Rio Branco pour la sculpture publique commémorant le 80e anniversaire de l’immigration japonaise à São Paulo.

Pour sa carrière renommée, Tomie Ohtake est considérée comme la «dame des arts plastiques brésiliens». Des artistes tels que Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Manabu Mabe et d’autres sont des abstracteurs reconnus, représentant du Brésil, qui ont de nombreux supporters.

Les travaux
Le vaste travail de Tomie Ohtake est traversé par une recherche constante et assidue de synthèse. Qu’elle soit conquise par l’économie des formes simples brisées dans des compositions raffinées et concises, ou par l’équilibre entre la libre utilisation des formes abstraites, l’impulsion gestuelle et le soin méticuleux à la disposition de ces éléments. Le fait est que le travail de l’artiste développe le seuil entre intention et action, rationalité et sensualité, dans une matrice imprégnée d’aspects de la peinture occidentale qui renvoient à la tradition japonaise. Dans son discours synthétique et dans sa personnalité tranquille, Tomie Ohtake a toujours veillé à souligner la nécessité de ne pas nommer ses œuvres: les nommer restreindrait la possibilité d’interprétations. L’artiste rompt avec la figuration explicite des premières études et se plonge dans une exploration abstraite faite sans règle ni boussole – des formes libres non figuratives qui ne manquent pas d’évoquer des surfaces d’eau, des lumières, des étoiles, des images du cosmos, selon l’imagination de l’observateur .

Par conséquent, elle a utilisé des ressources et diverses techniques capables d’élever les lectures les plus variées. Transité entre ces façons de faire des façons inventives: peint les yeux bandés; transpose des motifs imprimés et des textures tirées d’images dans des magazines; Elle a perfectionné son geste de telle sorte que ses peintures, sculptures et productions graphiques ont la même délicatesse et fluidité dans les formes; elle a profité du potentiel de chaque support, utilisant chacune des palettes chromatiques audacieuses et luxuriantes.

À la maison, dans l’Ateliê
L’environnement familial de Tomie Ohtake a joué un rôle majeur dans sa vie et son travail. L’artiste, qui a commencé à produire dans les années 50, sur le point d’avoir 40 ans, vivait avec ses deux enfants dans une petite maison du quartier Mooca à São Paulo. Là, dans un espace exigu, elle réalise ses premières œuvres, passe de la figuration à l’abstraction, et fait quelques-unes des plus importantes collections d’œuvres de sa carrière, même avec quelques limitations comme la nécessité de devoir aller à l’extérieur pour pouvoir clairement ce qui était la peinture avec une retraite.

Dans les années 1970, après avoir déménagé dans une nouvelle résidence, l’artiste a gagné une plus grande liberté de production. L’espace n’était plus une contrainte et des formats plus grands et différentes techniques pouvaient être exploités comme leurs impulsions créatives. Conçue par son fils Ruy Ohtake, la maison est conçue pour être configurée comme un grand environnement continu dans lequel les pièces compactes conçues comme des cellules pourraient être distribuées librement. Leurs structures de support, soutenaient les parois latérales, laissant le centre de dégagement comme un large couloir dans lequel, depuis la passerelle, vous pouvez voir toute l’extension construite. Cependant, après quelques rénovations, d’autres zones ont été attachées, y compris un nouveau studio qui a permis de nouvelles expériences et comprenait également des travaux et des documents précédents, stockés dans une réserve technique. C’est dans ce vaste environnement que Tomie Ohtake a développé son travail, a passé du temps avec sa famille et a reçu des amis, des artistes, des critiques, des conservateurs et des journalistes, créant un réseau distinct de relations et de collaborations. Sa silhouette et sa maison font partie des souvenirs de plusieurs générations d’art brésilien, synonyme de générosité et de persévérance.

Premières années
À partir de 1952, Tomie Ohtake a rejoint des cours de peinture. Sans prétention, il a d’abord appris le métier et les techniques avec le professeur Keisuke Sugano, qui a encouragé la production picturale, d’abord figurative. Paysages, ce qu’elle a vu à travers sa fenêtre, objets de sa maison et tableaux apparaissent dans ce premier moment de la production de l’artiste. Cependant, il est possible de voir que les troncs et les branches emmêlés, les grappes de maisons, entre autres figures, deviennent progressivement moins reconnaissables, en se diluant pour former des compositions de plus en plus géométriques.

Peintures aveugles
Outre les formes et les couleurs, la question des sens était également à l’agenda des travaux de Tomie Ohtake. Entre 1959 et 1962, l’artiste a réalisé une série de tableaux aux yeux bandés, ensemble qui est devenu connu sous le nom de « Peintures aveugles » donné par le conservateur Paulo Herkenhoff. À partir de cette procédure, l’artiste a présenté une discussion sur l’art et la cécité établissant un dialogue avec le philosophe français Maurice Merleau-Ponty à travers la perception du monde en passant aux sens, c’est exactement ce qui est de vous priver de vision pendant le processus de peinture . Cependant, bien qu’elles traitent du hasard, elles ne sont pas entièrement réalisées à l’aveugle: il y avait, par l’artiste, un choix préalable de couleurs et un chemin déterminé à tracer. Les couleurs prédominantes dans ces œuvres sont le blanc, le noir, le gris et le brun.

Processo Construtivo
Depuis le milieu des années 1960, Tomie Ohtake s’est retiré des références des magazines brésiliens et japonais pour l’élaboration de collages. Ceux-ci, à leur tour, ont fonctionné presque comme un prototype de peintures et de gravures. Cette fonction a été utilisée pour définir les champs de couleur à proximité de formes géométriques rendues inexactes par l’effet des déchirures faites à la main sur papier, ou par les textures, les rainures et les bavures résultant de la méthode manualidade de cette méthode. Même les marques et les taches plus subtiles présentes dans les collages ont souvent été mises en œuvre fidèlement dans ses peintures et gravures.

Déjà dans les années 1970 et 1980, il est évident dans ses études une plus grande définition des formes de contour. Cela découle de l’utilisation de ciseaux pour faire des coupes de papier. Les études et donc les travaux deviennent plus réguliers. Même ainsi, les ciseaux n’ont pas la précision d’une boussole et d’une règle – instruments utilisés par Tomie Ohtake – donc gardaient ouverte la possibilité d’apparition d’écarts gestuels par rapport à la rectitude des formes géométriques. Au fil des ans, ces projets se sont raréfiés, visibles également par les compositions plus fluides, les coups de pinceau plus organiques et plus souples comme la structure. Cependant, des études récurrentes ont été menées pour les expositions et les types de catalogage que l’artiste a elle-même esquissés, avec des informations sur les prêts, les ventes ou qui étaient en cours de présentation.

Formes géométriques
« Contrairement au rationalisme de la géométrie occidentale, Ohtake subit sans cesse des imprécisions »

Cosmic Tomie
Tomie Ohtake était un artiste qui a exploré la géométrie. N’étant affiliée à aucun mouvement qui a imprégné – comme c’est le cas du concrétisme et du néoconcrétisme, par exemple – l’artiste a apporté son propre langage et ses façons de faire guidés par l’abstraction, l’application des couleurs, la préparation des textures et des gestes expressifs. Dans les années 2000, on note dans la production de l’artiste une récurrence de forme circulaire. Les formes organiques, lumineuses et curvilignes soulèvent des interprétations liées au cosmos: boules incandescentes qui à leur tour ressemblent à des galaxies, des trous noirs, des éclipses, des planètes ou apparaissent par paires, suggérant des ondes, des radiations. Cependant, alors que ses peintures permettent une lecture télescopique, il est également possible de croire que les images construites proviennent de la lentille d’un microscope. Le cercle peut également être lu par des aspects du zen japonais, démontrant sa puissance rythmique, l’idée de cycles et inspirant un certain silence, comme une grande courbe solitaire sur un fond monochrome.

Litographes
Depuis le début des années 1960, Tomie Ohtake a réalisé des études à partir de papier découpé trouvé dans des magazines. Avec la gravure, elle débute son expérience du procédé de sérigraphie qui permet à l’artiste de transposer la fluidité de son geste pour représenter l’imprimerie. Au début des années 1970, Tomie Ohtake entre dans le monde de la lithographie. Cette partie de sa production se distingue par son utilisation de la couleur si vibrante et aussi par des combinaisons inhabituelles que l’artiste l’a créée. Elles diffèrent de celles de sa production picturale. La lithographie de Tomie profite de tout le répertoire graphique disponible dans cette technique. Leurs possibilités de reproduction et de collaboration avec un expert technique lui ont permis de – créer des solutions de composition telles que la préparation chromatique et la superposition de formes.

100 – 101
Au cours de ses deux dernières années de vie, Tomie Ohtake a eu une production puissante et à grande échelle. Travail construit résultant de la réduction spectaculaire de la variation chromatique, créant des monochromes lumineux et rayonnants en blanc, rouge, jaune et bleu. Ses lignes et ses formes sont soulignées par des reliefs, d’épaisses couches de peinture accumulée au point de faire du fond d’écran une topographie pleine d’accidents et de discontinuités.

Travaux publics
A partir des années 1980, Tomie Ohtake a apporté aux espaces publics et aux espaces de formes de coexistence, qui renvoient aux éléments picturaux de sa production plastique. Dans les lieux de vie de plusieurs villes, ces formes sont converties en kilos ou tonnes de fer, béton, acier, granules de verre ou tout ce qui est nécessaire; ces volumes qui peuvent atteindre une échelle monumentale, ne semblent jamais avoir le poids qu’ils ont réellement.

L’une de ses premières œuvres publiques, qui n’existe plus mais qui a suscité divers débats, a été l’étoile flottante qu’elle a conçue pour Rio de Janeiro en 1985. Elle a construit une pièce en métal, qui se détachait de l’eau avec du soleil et a été faite dans le même l’espace et avec la même infrastructure utilisée pour entretenir les navires. L’une de ses œuvres de grande reconnaissance publique, réalisée en commémoration des 80 ans d’immigration japonaise au Brésil en 1988, elle a représenté les générations de japonais qui étaient ici (issei, nissei, sansei, yonsei) par quatre arcs – ou courbes / Ondes – de l’Avenida 23 de Maio. Vingt ans plus tard, elle est revenue pour célébrer l’immigration, cette fois en son centenaire avec une pièce circulaire disposée dans l’une des routes d’accès à l’aéroport international de Guarulhos.

En 1997, elle conçoit sa première œuvre en trois dimensions pour intégrer un bâtiment. Situé dans le complexe du laboratoire Aché – dont la conception architecturale est écrite par Ruy Ohtake, son fils – l’œuvre, soutenue par un seul point, fonctionne comme un ruban Moebius, une forme géométrique dans laquelle il n’est pas possible de distinguer les côtés à l’intérieur et à l’extérieur, Ressemblant au symbole de l’infini par son mouvement toujours continu. Auparavant, Tomie Ohtake avait déjà collaboré avec l’architecture dans la réalisation de panneaux, peintures murales et peintures en rapport avec les espaces projetés.

La procédure de travail de l’artiste, lorsqu’elle a décidé d’agir à l’échelle architecturale, a commencé par la création de croquis, de collages et de maquettes rapides, souvent faits à la main sans compromettre sa force. Puis ses modèles imaginatifs ont été rendus possibles grâce à la collaboration de techniciens et d’ingénieurs, qui ont utilisé des méthodes sophistiquées pour traduire leurs formes délicates en sculptures monumentales.

Institut Tomie Ohtake
L’Instituto Tomie Ohtake, ouvert depuis le 28 novembre 2001, est l’un des rares espaces de São Paulo à avoir été spécialement conçu pour organiser des expositions nationales et internationales d’art, d’architecture et de design.

En l’honneur de l’artiste dont il porte le nom, l’Institut abrite des expositions qui mettent en lumière les développements artistiques des six dernières décennies, ainsi que les mouvements artistiques antérieurs qui contribuent à une meilleure compréhension de la période où Tomie Ohtake a vécu et travaillé. . Depuis qu’il a ouvert ses portes au public, l’Institut a organisé des spectacles inédits au Brésil, notamment Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí et Joan Miró, entre autres.

En plus de son programme d’expositions d’avant-garde – amplifié par un programme parallèle de débats, de recherche, de production de contenu, de travaux d’archives et de publications – l’Instituto Tomie Ohtake a, depuis sa fondation, mené d’importantes recherches sur les approches de l’enseignement de l’art contemporain. Cela se traduit par de nouvelles méthodes de formation novatrices pour les enseignants et les élèves des écoles publiques et privées, un programme d’événements ouverts à tous et des projets conçus pour encourager les nouvelles générations d’artistes à se développer et à s’épanouir.