За более чем 60-летний период производства Томи Охтаке придумал замечательный набор работ и осваивал разные языки, не покидая основных осей, которыми руководствовались его исследования: цвет, жест и материальность. Томи Охтаке: эксперименты по гравюре и скульптуре, фокус на гравюре и скульптуре, области, которые наряду с живописью одинаково обширны в творчестве художника.
Томи Охтаке известна своей работой, представляющей собой явный минимализм, который растворяется со второго взгляда, проявляя себя одновременно сложным и деликатным. Ее работа, кажущаяся минимализмом, которая не видна со второго взгляда, раскрывается сама собой, сложна и деликатна в то же время. Ее творческое производство движется вперед, со временем.
Выделяется плавность, с которой она переносила следы и движения картины, особенно ее собственные, в эти новые материалы — более жесткие и с другими ограничениями. Жест присутствует в этих практиках, будь то изгибы и изгибы стальных труб, которые, кажется, отлиты собственными руками Томи, или неточность форм, присутствующих в гравюрах, взятых с верностью из исследований, проведенных художником. разрывая и разрезая бумаги, ясно заявляя о своей приверженности выполнению работы.
Гравюра в творчестве художника появилась через пятнадцать лет после того, как она уже была признана бразильским художником. Первоначально его отпечатки были на шелкографии, с поверхностями, покрытыми цветами, пока он не пришел к созданию разрушенных, волнистых, исчезающих планов. Постепенно художник разработал новые медиа, литографии, с различными возможностями, такими как рисунки, выполненные карандашом. Однако именно на гравюре по металлу он нашел ту же свободу, что и кисть, и с которой он продолжал работать.
Гравюры, представленные на этой выставке, показывают, как Томи сделал эту технику плодородной и инновационной областью. Он создал серию в больших форматах, превратил отпечаток в объект, создал произведения, которые перемещаются из одной плоскости в другую (при слиянии 90 градусов) и даже работал четырьмя руками в композиции альбома Yu-Gen, серии вдохновленный Японией, со стихами Гарольдо де Кампоса, надписанными на изображениях, созданных художником. Благодаря ее необычному экспериментализму, ее гравюры также получили международное признание с 1972 года, когда она была приглашена принять участие в зале Grafica D’Oggi на Венецианской биеннале — выставке, на которой присутствовали самые известные художники мира, такие как американцы Поп-арт.
Скульптура в работе Томи, с другой стороны, появилась в 1996 году, когда ее пригласила Биеналь де Сан-Паулу для участия в специальной комнате. Для международного мероприятия она разработала серию трубчатых стальных деталей, плавающих линий, которые, вместо наложения объема, подчеркивают пустоту. Из этой серии раскрываются четыре скульптуры, собранные в Томи Охтаке: гравированные цвета, линии в пространстве, а набор из трех круглых колец, также представленных на выставке, был частью его первой инсталляции, выполненной по приглашению Paço das. Artes, в 2000 году. Имея около четырех метров в диаметре, с различными волнистыми формами, достигающими до 1,50 м в высоту, обручи совершают маятниковое движение при касании, позволяя зрителю перемещать части.
биография
Томи Охтаке (Киото, 21 ноября 1913 года — Сан-Паулу, 12 февраля 2015 года) был одним из художников, натурализованных в Японии бразильцем.
Томи Охтаке является одним из главных представителей неформального абстракционизма. Его работы включают картины, гравюры и скульптуры. Награждена на Национальном салоне современного искусства в 1960 г .; и в 1988 году она была благословлена орденом Риу-Бранку за общественную скульптуру, посвященную 80-летию японской иммиграции в Сан-Паулу.
За свою знаменитую карьеру Томи Охтаке считается «леди бразильской пластики». Такие художники, как Томи Охтаке, Тикаши Фукусима, Манабу Мабе и другие, являются признанными абстракционистами, представителями Бразилии, у которых много сторонников.
Работы
Огромная работа Томи Охтаке пересекается постоянным и усердным поиском синтеза. Будь то победа экономикой простых форм, разбитых в утонченных и лаконичных композициях, или балансом между свободным использованием абстрактных форм, жестом импульса и дотошной заботой в избавлении от этих элементов. Дело в том, что работа художника развивает порог между намерением и действием, рациональностью и чувственностью, в пропитанной матрице аспектов западной живописи, которые относятся к японской традиции. В своей синтетической речи и в своей тихой индивидуальности Томи Охтаке всегда следила за тем, чтобы не указывать названия своих работ: их имя ограничивало бы возможности толкований. Художница отошла от явной конфигурации первых исследований и погрузилась в абстрактное исследование, выполненное без линейки и компаса — не образных свободных форм, которые не могут не вызывать водные поверхности, огни, звезды, изображения космоса, в зависимости от воображения наблюдателя. ,
Таким образом, она использовала ресурсы и различные методы, которые были в состоянии поднять самые различные чтения. Проходили между этими способами изобретательские способы: рисовали с завязанными глазами; транспонирует печатные узоры и текстуры, нарисованные из изображений в журналах; Она усовершенствовала свой жест таким образом, что ее картины, скульптуры и графические произведения имеют ту же деликатность и плавность в формах; она использовала потенциал каждой поддержки, используя смелые и пышные хроматические палитры каждая.
Дома, в Ателье
Домашняя обстановка для Томи Охтаке сыграла важную роль в ее жизни и работе. Художница, которой в 1950-е годы исполнилось около 40 лет, жила со своими двумя детьми в небольшом доме в районе Мука в Сан-Паулу. Там, в стесненном пространстве, она сделала свои первые работы, перешла от вымысла к абстракции и сделала некоторые из самых важных коллекций работ своей карьеры, даже с некоторыми ограничениями, такими как необходимость приходить к власти во власти. ясно, что рисовал с отступлением.
В 1970-х годах, после переезда в новую резиденцию, художник получил большую свободу в производстве. Пространство больше не было ограничением, и в качестве их творческих импульсов можно было бы использовать более крупные форматы и различные методы. Задуманный ее сыном Рюем Охтаке, дом спроектирован так, чтобы быть спроектированным как большая непрерывная среда, в которой компактные комнаты, спроектированные как камеры, могли свободно распределяться. Их несущие конструкции, поддерживающие боковые стенки, оставляют зазор в виде широкого коридора, в котором, из ворот, можно увидеть все построенные пристройки. Однако после некоторых ремонтных работ были присоединены и другие помещения, в том числе новая студия, в которой проводились новые эксперименты, а также были включены предыдущие работы и документы, хранящиеся в техническом резерве. Именно в этой большой среде Томи Охтаке развивала свою работу, проводила время со своей семьей и принимала друзей, художников, критиков, кураторов и журналистов, создавая четкую сеть отношений и сотрудничества. Ее фигура и ее дом являются частью воспоминаний многих поколений бразильского искусства как синоним щедрости и настойчивости.
Первые годы
С 1952 года Томи Охтаке посещал уроки рисования. Сперва скромно изучил ремесло и технику у профессора Кейсуке Сугано, который поощрял изобразительное производство, изначально образное. Пейзажи, то, что она видела через окно, предметы ее дома и картины появляются в этот первый момент производства художника. Тем не менее, можно видеть, что запутанные стволы и ветви, группы домов, среди других фигур, постепенно становятся менее узнаваемыми, разбавляя их для формирования все более геометрических композиций.
Слепые картины
В дополнение к формам и цветам, вопрос чувств также был в повестке дня работы Томи Охтаке. Между 1959 и 1962 годами художник сделал серию картин с завязанными глазами, ставшую известной как название «Слепые картины», данное куратором Пауло Херкенхоффом. Из этой процедуры художник представил дискуссию об искусстве и слепоте, налаживая диалог с французским философом Морисом Мерло-Понти через восприятие мира путем передачи его в чувства, то есть именно то, что лишает себя зрения в процессе рисования , Однако, хотя они имеют дело со случайностью, они не полностью сделаны вслепую: художником был предварительно выбран цвет и определен путь, который нужно проследить. Преобладающие цвета в этих работах: белый, черный, серый и коричневый.
Процессо Конструктиво
С середины 1960-х годов Томи Охтаке отказался от ссылок на бразильские и японские журналы, использованные для разработки коллажей. Они, в свою очередь, работали почти как прототип для картин и гравюр. Эта функция использовалась для определения цветовых полей рядом с геометрическими фигурами, которые были представлены неточно из-за эффекта разрыва, сделанного вручную на бумаге, или из-за текстур, канавок и заусенцев, возникших в результате ручной обработки этого метода. Даже бренды и более тонкие пятна, присутствующие в коллажах, часто верно воплощались в ее картинах и гравюрах.
Уже в 1970-х и 1980-х годах в ее исследованиях бросается в глаза более четкое определение формы контура. Это связано с использованием ножниц для резки бумаги. Исследования и, следовательно, работы становятся более регулярными. Несмотря на это, ножницы не обладают точностью компаса и линейки — инструментов, которые использовал Томи Охтаке — поэтому оставляли открытой возможность возникновения отклонений жеста от прямолинейности геометрических фигур. С годами эти проекты стали менее заметными, заметными также благодаря более плавным составам, более органическим мазкам и более гибкой структуре. Тем не менее, периодические исследования проводились для выставок и типа каталогизации, которую рисовал сам художник, с информацией о кредитах, распродажах или показе.
Геометрические фигуры
«В отличие от рационализма западной геометрии, Охтаке постоянно испытывает неточность»
Космический томи
Томи Охтаке был художником, который исследовал геометрию. Не будучи связанной с каким-либо движением, которое проникало — как, например, в случае с Конкретизмом и Неоконкретизмом, — художница привела свой собственный язык и способы работы, руководствуясь абстракцией, цветовым применением, подготовкой текстур и выразительными жестами. В 2000-х годах в творчестве художника отмечается повторение круглой формы. Органические формы, яркие и криволинейные, вызывают интерпретации, связанные с космосом: раскаленные шарики, которые в свою очередь напоминают галактики, черные дыры, затмения, планеты или появляются парами, наводя на мысль о волнах, излучениях. Тем не менее, хотя ее картины позволяют телескопическое чтение, также можно полагать, что построенные изображения приходят с объектива микроскопа. Круг также можно прочитать по аспектам японского дзен, демонстрируя его ритмическую силу, идею циклов и внушают определенную тишину, как большую уединенную кривую на монохромном фоне.
Литография
С начала 1960-х годов Томи Охтаке проводил исследования из вырезанной бумаги, найденной в журналах. С гравюры она начала свой опыт с процесса шелкографии, который позволил художнику перенести плавность его жеста, чтобы представить типографию. В начале 1970-х Томи Охтаке вошел в мир литографии. Эта часть ее производства выделяется использованием яркого цвета, а также необычными комбинациями, которые создал художник. Они отличаются от тех, что использовались в его живописном произведении. Литография Томи использует весь графический репертуар, доступный в этой технике. Их возможности воспроизведения и совместной работы с техническим экспертом позволили ей — создать композиционные решения, такие как хроматическая подготовка и наложение форм.
100 — 101
За последние два года жизни Томи Охтаке имела мощное и масштабное производство. Построенная работа в результате резкого уменьшения хроматических вариаций, создания ярких и сияющих монохромов в белом, красном, желтом и синем. Его линии и формы очерчены рельефами, толстыми слоями скопившейся краски с целью сделать фон экрана топографией, полной несчастных случаев и разрывов.
Общественные работы
С 1980-х годов Томи Охтаке представила в общественных местах и областях формы сосуществования, которые относятся к живописным элементам ее пластиковой продукции. В местах проживания в нескольких городах такие формы превращаются в килограммы или тонны железа, бетона, стали, стеклянных гранул или чего-либо еще необходимого; такие объемы, которые могут достигнуть монументального масштаба, никогда не имеют веса, который действительно имеет.
Одной из ее первых публичных работ, которая больше не существует, но вызывала различные споры, была плавающая звезда, которую она спроектировала для Рио-де-Жанейро в 1985 году. Она построила металлический кусок, который выделялся над водой солнечным светом и был сделан в том же самом виде. пространство и с той же инфраструктурой, используемой для обслуживания судов. Одна из ее работ, широко известных обществу, сделанная в память о 80-летней японской иммиграции в Бразилии в 1988 году, она представляла поколения японцев, которые были здесь (иссей, ниссей, сансей, йонсей) четырьмя арками — или кривыми / волнами — Авенида 23 де Майо. Двадцать лет спустя она вернулась, чтобы отпраздновать иммиграцию, на этот раз в ее столетие с круглой частью, расположенной на одной из подъездных дорог к международному аэропорту Гуарульюс.
В 1997 году она задумала свою первую трехмерную работу по интеграции здания. Расположенная в комплексе Лаборатории Аче, чей архитектурный проект создан ее сыном Руи Охтаке, работа, поддерживаемая одной точкой, работает как лента Мебиуса, геометрическая форма, в которой невозможно различить стороны внутри и снаружи, напоминающий символ бесконечности своим непрерывным движением. До этого Томи Охтаке уже сотрудничал с архитектурой в реализации панелей, росписей и картин, которые связаны с проектируемыми пространствами.
Процедура работы художницы, когда она намеревалась действовать в архитектурном масштабе, началась с создания эскизов, коллажей и быстрых макетов, часто выполняемых вручную без ущерба для ее силы. Тогда ее образные модели стали возможными благодаря сотрудничеству с техниками и инженерами, которые использовали сложные методы, чтобы перевести их тонкие формы в монументальные скульптуры.
Институт Томи Охтаке
Институт Томи Охтаке, открытый с 28 ноября 2001 года, является одним из немногих помещений в Сан-Паулу, который был спроектирован с особой целью проведения национальных и международных выставок искусства, архитектуры и дизайна.
В честь художника, в честь которого он был назван, Институт является домом для выставок, которые освещают художественные разработки за последние шесть десятилетий, а также более ранние художественные движения, которые способствуют лучшему пониманию периода, в котором Томи Охтак жил и работал , С тех пор, как он открыл свои двери для публики, Институт организовал спектакли, ранее неизвестные в Бразилии, в том числе Луиз Буржуа, Йозефа Альберса, Яой Кусама, Сальвадора Дали и Хуана Миро.
Наряду с новаторской выставочной программой, усиленной параллельной программой дебатов, исследований, производства контента, архивных работ и публикаций, Институт Томи Охтаке с момента своего основания провел значительные исследования подходов к преподаванию современного искусства. Это проявляется в разработке новых методов обучения для учителей и учащихся в государственных и частных школах, в программе мероприятий, открытых для всех, и в проектах, направленных на поощрение развития и процветания новых поколений художников.