In oltre 60 anni di produzione, Tomie Ohtake ha concepito una serie notevole di opere e si è avventurato in diverse lingue, senza lasciare gli assi principali che hanno guidato la sua ricerca: colore, gesto e materialità. Tomie Ohtake: esperimenti di incisioni e sculture, incentrato su incisioni e sculture, aree che, accanto alla pittura, sono altrettanto vaste nella produzione dell’artista.

Tomie Ohtake è nota per il suo lavoro, di un apparente minimalismo che si dissolve a seconda vista, rivelandosi complesso e delicato. Il suo lavoro, di un apparente minimalismo che si svela a una seconda vista, rivelando se stesso, complesso e delicato allo stesso tempo. La sua produzione creativa va avanti, contro il tempo.

La fluidità con cui traspone le tracce e i movimenti del dipinto, in particolare la sua, a questi nuovi materiali – più rigidi e con altri limiti, spicca. Il gesto è presente in queste pratiche, sia nelle curve che nei colpi di scena dei tubi d’acciaio che sembrano essere stati modellati dalle stesse mani di Tomie, o nell’imprecisione delle forme presenti nelle incisioni, prese con fedeltà dagli studi condotti dall’artista strappare e tagliare la carta, chiarendo il suo impegno nello svolgimento del lavoro.

L’incisione nell’opera dell’artista è apparsa quindici anni dopo che era già stata riconosciuta come pittrice brasiliana. Inizialmente le sue stampe erano in serigrafia, con superfici ricoperte di colori, fino a quando non arrivò alla costruzione di piani rotti, ondulati e sbiaditi. A poco a poco, l’artista ha sviluppato nuovi media, litografia, con diverse possibilità, come i disegni realizzati a matita. Tuttavia, è stato nell’incisione su metallo che ha trovato la stessa libertà del pennello e con cui ha continuato a lavorare.

Le incisioni presenti in questa mostra mostrano come Tomie abbia reso questa tecnica un campo fertile e innovativo. Ha creato serie in grandi formati, ha trasformato la stampa in un oggetto, ha prodotto opere che avanzano da un piano all’altro (alla confluenza di 90 gradi) e ha persino lavorato con quattro mani nella composizione dell’album Yu-Gen, una serie ispirato al Giappone, con poesie di Haroldo de Campos incise su immagini create dall’artista. Con il suo insolito sperimentalismo, le sue incisioni hanno anche ottenuto il riconoscimento internazionale dal 1972, quando è stata invitata a partecipare alla sala Grafica D’Oggi alla Biennale di Venezia – una mostra a cui hanno partecipato i più importanti artisti del mondo, come gli americani di Pop Art.

La scultura nell’opera di Tomie, d’altra parte, appare dal 1996, quando fu invitata dalla Bienal de São Paulo a partecipare con una stanza speciale. Per l’evento internazionale, ha progettato una serie di pezzi tubolari in acciaio, linee fluttuanti che, invece di imporre un volume, evidenziano il vuoto. Di questa serie, si aprono quattro delle sculture raccolte in Tomie Ohtake: colori incisi, linee nello spazio, mentre l’insieme di tre anelli circolari, anch’essi presenti nella mostra, faceva parte della sua prima installazione, realizzata su invito di Paço das Artes, nel 2000. Con circa quattro metri di diametro, con forme diverse e ondulate che raggiungono fino a 1,50 m di altezza, i cerchi eseguono un movimento pendolare quando vengono toccati, consentendo allo spettatore di spostare i pezzi.

Biografia
Tomie Ohtake (Kyoto, 21 novembre 1913 – San Paolo, 12 febbraio 2015) è stato un artista giapponese naturalizzato brasiliano.

Tomie Ohtake è uno dei principali rappresentanti dell’astrattismo informale. Il suo lavoro comprende dipinti, stampe e sculture. È stata premiata al National Salon of Modern Art nel 1960; e nel 1988, fu benedetta con l’Ordine di Rio Branco per la scultura pubblica che commemora l’80 ° anniversario dell’immigrazione giapponese a San Paolo.

Per la sua rinomata carriera, Tomie Ohtake è considerata la “signora delle arti plastiche brasiliane”. Artisti come Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Manabu Mabe e altri sono riconosciuti astrattisti, rappresentanti del Brasile, che hanno molti sostenitori.

I lavori
La vasta opera di Tomie Ohtake è attraversata da una costante e assidua ricerca della sintesi. Sia che sia conquistato dall’economia di forme semplici spezzate in composizioni raffinate e concise, o dall’equilibrio tra l’uso libero di forme astratte, l’impulso gestuale e la cura meticolosa nella disposizione di questi elementi. Il fatto è che il lavoro dell’artista sviluppa la soglia tra intenzione e azione, razionalità e sensualità, in una matrice impregnata di aspetti della pittura occidentale che rimandano alla tradizione giapponese. Nel suo discorso sintetico e nella sua personalità silenziosa, Tomie Ohtake si è sempre assicurato di sottolineare la necessità di non intitolare le sue opere: nominarle limiterebbe la possibilità di interpretazioni. L’artista si staccò dalla esplicita figurazione dei primi studi e si immerse nell’esplorazione astratta fatta senza un righello e una bussola – non forme libere figurative che non mancano di evocare superfici d’acqua, luci, stelle, immagini del cosmo, a seconda dell’immaginazione dell’osservatore .

Pertanto, ha usato risorse e varie tecniche che sono state in grado di aumentare le letture più varie. Transitato tra questi modi di fare modi inventivi: dipinto con gli occhi bendati; traspone modelli di stampe e trame tratte da immagini su riviste; Ha perfezionato il suo gesto in modo che i suoi dipinti, sculture e produzioni grafiche abbiano la stessa delicatezza e fluidità nelle forme; ha sfruttato il potenziale di ciascun supporto, usando ciascuna tavolozze cromatiche audaci e lussureggianti ciascuna.

A casa, in Ateliê
L’ambiente domestico per Tomie Ohtake ha avuto un ruolo importante nella sua vita e nel suo lavoro. L’artista, che ha iniziato a produrre negli anni ’50, in procinto di compiere 40 anni, viveva con i suoi due figli in una piccola casa nel quartiere Mooca di San Paolo. Lì, in uno spazio angusto, realizzò le sue prime opere, passò dalla figurazione all’astrazione e realizzò alcune delle più importanti raccolte di opere della sua carriera, anche con alcune limitazioni come la necessità di andare all’esterno per potere chiaramente ciò che stava dipingendo con un ritiro.

Negli anni ’70, dopo essersi trasferito in una nuova residenza, l’artista ottenne una maggiore libertà di produzione. Lo spazio non era più un vincolo e formati più grandi e diverse tecniche potevano essere sfruttate come i loro impulsi creativi. Concepita da suo figlio Ruy Ohtake, la casa è progettata per essere configurata come un grande ambiente continuo in cui le stanze compatte progettate come celle potrebbero essere distribuite liberamente. Le loro strutture di supporto, sostenevano le pareti laterali, lasciando il centro libero come un ampio corridoio in cui, dal gateway, è possibile visualizzare tutte le estensioni costruite. Tuttavia, dopo alcuni lavori di ristrutturazione, sono state annesse altre aree, tra cui un nuovo studio che ha permesso nuovi esperimenti e comprendeva anche lavori e documenti precedenti, archiviati in una riserva tecnica. È in questo grande ambiente che Tomie Ohtake sviluppa il suo lavoro, trascorre del tempo con la sua famiglia e riceve amici, artisti, critici, curatori e giornalisti, creando una rete distinta di relazioni e collaborazioni. La sua figura e la sua casa fanno parte dei ricordi di molte generazioni di arte brasiliana come sinonimo di generosità e perseveranza.

Primi anni
Dal 1952, Tomie Ohtake si iscrisse alle lezioni di pittura. Inizialmente senza pretese ho appreso l’arte e le tecniche con il professor Keisuke Sugano, che ha incoraggiato la produzione pittorica, inizialmente figurativa. Paesaggi, ciò che ha visto attraverso la sua finestra, oggetti della sua casa e immagini appaiono in questo primo momento della produzione dell’artista. Tuttavia, è possibile vedere che tronchi aggrovigliati e rami, gruppi di case, tra le altre figure, stanno gradualmente diventando meno riconoscibili, diluendo per formare composizioni sempre più geometriche.

Dipinti alla cieca
Oltre alle forme e ai colori, la questione dei sensi era all’ordine del giorno del lavoro di Tomie Ohtake. Tra il 1959 e il 1962, l’artista realizzò una serie di dipinti con gli occhi bendati, che divenne noto come “Blind Paintings” dal titolo del curatore Paulo Herkenhoff. Da questa procedura, l’artista ha presentato una discussione sull’arte e la cecità stabilendo un dialogo con il filosofo francese Maurice Merleau-Ponty attraverso la percezione del mondo passando ai sensi, che è esattamente ciò che è di privarti della visione durante il processo di pittura . Tuttavia, sebbene si occupino della possibilità, non sono fatti completamente alla cieca: l’artista aveva una precedente scelta di colori e un determinato percorso da tracciare. I colori predominanti in questi lavori sono bianco, nero, grigio e marrone.

Processo costruttivo
Dalla metà degli anni ’60, Tomie Ohtake si ritirò dai riferimenti alle riviste brasiliane e giapponesi usati per elaborare collage. Questi, a loro volta, funzionavano quasi come un prototipo per dipinti e incisioni. Questa funzione è stata utilizzata per definire i campi di colore vicino a forme geometriche rese inaccurate dall’effetto delle lacrime fatte a mano su carta o da trame, scanalature e sbavature risultanti dall’uso manuale di questo metodo. Anche i marchi e le macchie più sottili presenti nei collage spesso sono stati implementati fedelmente nei suoi dipinti e incisioni.

Già negli anni ’70 e ’80, nei suoi studi è evidente una maggiore definizione delle forme dei contorni. Ciò deriva dall’uso delle forbici per realizzare tagli di carta. Gli studi e quindi i lavori diventano più regolari. Anche così, le forbici non hanno la precisione di una bussola e un righello – strumenti usati da Tomie Ohtake – quindi tenevano aperta la possibilità che si verifichino deviazioni gestuali dalla rettilineità delle forme geometriche. Nel corso degli anni questi progetti sono diventati più scarsi, evidente anche dalle composizioni più fluide, pennellate più organiche e più flessibile come la struttura. Tuttavia, sono stati condotti studi ricorrenti per mostre e il tipo di catalogazione che l’artista stessa ha disegnato, con informazioni su prestiti, vendite o che venivano visualizzate.

Forme geometriche
“A differenza del razionalismo della geometria occidentale, Ohtake subisce incessantemente imprecisioni”

Tomie Cosmico
Tomie Ohtake era un artista che esplorava la geometria. Non affiliato a nessun movimento che pervade – come nel caso del Concretismo e del Neoconcretismo, ad esempio – l’artista ha portato il suo linguaggio e le sue modalità guidate da astrazione, applicazione del colore, preparazione di trame e gesti espressivi. Negli anni 2000, nella produzione dell’artista si nota una ricorrenza di forma circolare. Forme organiche, luminose e curvilinee sollevano interpretazioni legate al cosmo: sfere incandescenti che a loro volta assomigliano a galassie, buchi neri, eclissi, pianeti o appaiono in coppia, suggerendo onde, radiazioni. Tuttavia, mentre i suoi dipinti consentono una lettura telescopica, è anche possibile credere che le immagini costruite provengano dall’obiettivo di un microscopio. Il cerchio può anche essere letto da aspetti dello Zen giapponese, dimostrando il suo potere ritmico, l’idea dei cicli e ispirando un certo silenzio, come una grande curva solitaria su uno sfondo monocromatico.

litografie
Dall’inizio degli anni ’60, Tomie Ohtake ha fatto studi sulla carta tagliata trovata su riviste. Con l’incisione, ha iniziato la sua esperienza con il processo di stampa serigrafica che ha permesso all’artista di trasporre la fluidità del suo gesto per rappresentare la tipografia. All’inizio del 1970, Tomie Ohtake entrò nel mondo della litografia. Questa parte della sua produzione si distingue per l’uso del colore così vibrante e anche per combinazioni insolite che l’artista l’ha creato. Differiscono da quelle della sua produzione pittorica. La litografia di Tomie sfrutta tutto il repertorio grafico disponibile in questa tecnica. Le loro possibilità di riproduzione e collaborazione con un esperto tecnico le hanno permesso di – creare soluzioni compositive come la preparazione cromatica e la sovrapposizione di forme.

100 – 101
Nei suoi ultimi due anni di vita, Tomie Ohtake ha avuto una produzione potente e su larga scala. Lavori realizzati risultanti dalla drammatica riduzione delle variazioni cromatiche, creando monocromi luminosi e luminosi in bianco, rosso, giallo e blu. Le sue linee e forme sono delineate da rilievi, spessi strati di vernice accumulata al punto da rendere lo sfondo dello schermo una topografia piena di incidenti e discontinuità.

Lavori pubblici
Dagli anni ’80, Tomie Ohtake ha portato negli spazi pubblici e aree di forme di coesistenza, che si riferiscono agli elementi pittorici della sua produzione di plastica. In luoghi di vita in diverse città, tali forme vengono convertite in chili o tonnellate di ferro, cemento, acciaio, pellet di vetro o qualsiasi altra cosa sia necessaria; tali volumi che possono raggiungere una scala monumentale, non sembrano mai avere il peso che effettivamente hanno.

Una delle sue prime opere pubbliche, che non esiste più ma che ha generato vari dibattiti, è stata la stella galleggiante che ha disegnato per Rio de Janeiro nel 1985. Ha costruito un pezzo di metallo, che si stagliava sull’acqua con il sole ed è stato realizzato nello stesso spazio e con la stessa infrastruttura utilizzata per mantenere le navi. Una delle sue opere di grande riconoscimento pubblico, realizzata in commemorazione degli 80 anni di immigrazione giapponese in Brasile nel 1988, rappresentava le generazioni di giapponesi che erano qui (issei, nissei, sansei, yonsei) da quattro archi – o curve / onde – di Avenida 23 de Maio. Venti anni dopo, è tornata per celebrare l’immigrazione, questa volta nel suo centenario con un pezzo circolare disposto in una delle strade di accesso all’aeroporto internazionale di Guarulhos.

Nel 1997, ha concepito il suo primo lavoro tridimensionale per integrare un edificio. Situato nel complesso del laboratorio Aché – la cui progettazione architettonica è stata scritta da Ruy Ohtake, suo figlio – l’opera, supportata da un unico punto, funziona come un nastro Moebius, una forma geometrica in cui non è possibile distinguere i lati all’interno e all’esterno, simile al simbolo dell’infinito con il suo movimento sempre continuo. Prima di questo, Tomie Ohtake aveva già collaborato con l’architettura alla realizzazione di pannelli, murali e dipinti relativi agli spazi proiettati.

La procedura di lavoro dell’artista, quando iniziò ad agire su scala architettonica, iniziò con la creazione di schizzi, collage e modelli rapidi, spesso realizzati a mano senza compromettere la sua forza. Quindi i suoi modelli fantasiosi sono stati resi possibili dalla collaborazione con tecnici e ingegneri, che hanno impiegato metodi sofisticati per tradurre le loro forme delicate in sculture monumentali.

Tomie Ohtake Institute
L’Instituto Tomie Ohtake, aperto dal 28 novembre 2001, è uno dei pochi spazi a San Paolo ad essere stato progettato con lo scopo specifico di allestire mostre nazionali e internazionali di arte, architettura e design.

In onore dell’artista da cui prende il nome, l’Istituto ospita mostre che fanno luce sugli sviluppi artistici degli ultimi sei decenni, nonché sui precedenti movimenti artistici che contribuiscono a una migliore comprensione del periodo in cui Tomie Ohtake ha vissuto e lavorato . Da quando ha aperto le sue porte al pubblico, l’Istituto ha messo in scena spettacoli mai ascoltati in Brasile, tra cui Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí e Joan Miró, tra gli altri.

Oltre al suo pionieristico programma espositivo – amplificato attraverso un programma parallelo di dibattiti, ricerca, produzione di contenuti, lavoro d’archivio e pubblicazioni – L’Instituto Tomie Ohtake ha, sin dalla sua fondazione, condotto importanti ricerche sugli approcci all’insegnamento dell’arte contemporanea. Ciò si manifesta con nuovi metodi di formazione pionieristici per insegnanti e studenti nelle scuole pubbliche e private, un programma di eventi aperti a tutti e progetti progettati per incoraggiare le nuove generazioni di artisti a svilupparsi e prosperare.