In mehr als 60 Jahren Produktion konzipierte Tomie Ohtake eine bemerkenswerte Reihe von Werken und wagte sich durch verschiedene Sprachen, ohne die Hauptachsen zu verlassen, die seine Forschung leiteten: Farbe, Geste und Materialität. Tomie Ohtake: Gravur- und Skulpturenexperimente, Schwerpunkt Druckgrafik und Skulptur, Bereiche, die neben der Malerei in der Produktion des Künstlers gleichermaßen groß sind.

Tomie Ohtake ist bekannt für ihre Arbeit, deren scheinbarer Minimalismus sich auf den zweiten Blick auflöst und sich als komplex und heikel herausstellt. Ihre Arbeit von einem scheinbaren Minimalismus, der auf den zweiten Blick rückgängig gemacht wird und sich selbst offenbart, komplex und zart zugleich. Ihre kreative Produktion schreitet gegen die Zeit voran.

Die Fließfähigkeit, mit der sie die Spuren und Bewegungen des Gemäldes, insbesondere ihre eigenen, auf diese neuen Materialien übertrug – starrer und mit anderen Grenzen -, fällt auf. In diesen Praktiken ist eine Geste vorhanden, sei es in den Kurven und Drehungen der Stahlrohre, die von Tomies eigenen Händen geformt worden zu sein scheinen, oder in der Ungenauigkeit der in den Gravuren vorhandenen Formen, die mit Treue aus Studien des Künstlers entnommen wurden Zerreißen und Schneiden von Papieren, um seine Verpflichtung zur Ausführung der Arbeiten deutlich zu machen.

Die Gravur in der Arbeit der Künstlerin erschien fünfzehn Jahre, nachdem sie bereits als brasilianische Malerin anerkannt wurde. Anfangs waren seine Drucke in Siebdruck mit farbbeschichteten Oberflächen, bis er zur Konstruktion gebrochener, welliger, verblassender Pläne kam. Allmählich entwickelte der Künstler neue Medien, die Lithographie, mit verschiedenen Möglichkeiten, wie zum Beispiel Zeichnungen mit Bleistift. In der Metallgravur fand er jedoch die gleiche Freiheit wie der Pinsel und arbeitete weiter.

Die in dieser Ausstellung gezeigten Gravuren zeigen, wie Tomie diese Technik zu einem fruchtbaren und innovativen Feld gemacht hat. Er schuf Serien in großen Formaten, verwandelte den Druck in ein Objekt, produzierte Werke, die von einer Ebene zur anderen vorrücken (am Zusammenfluss von 90 Grad) und arbeitete sogar mit vier Händen an der Komposition des Albums Yu-Gen, einer Serie inspiriert von Japan, mit Gedichten von Haroldo de Campos auf Bildern des Künstlers. Mit ihrem ungewöhnlichen Experimentalismus haben ihre Stiche auch internationale Anerkennung gefunden, seit sie 1972 eingeladen wurde, am Grafica D’Oggi-Raum der Biennale von Venedig teilzunehmen – einer Ausstellung, an der die wichtigsten Künstler der Welt wie die Amerikaner von teilnahmen Pop-Art.

Die Skulptur in Tomies Werk hingegen erscheint ab 1996, als sie von der Biennale von São Paulo eingeladen wurde, mit einem speziellen Raum teilzunehmen. Für die internationale Veranstaltung entwarf sie eine Reihe von Stahlrohrstücken, schwebende Linien, die die Leere hervorheben, anstatt ein Volumen aufzuerlegen. Aus dieser Serie entfalten sich vier der in Tomie Ohtake gesammelten Skulpturen: gravierte Farben, Linien im Raum, während das ebenfalls in der Ausstellung gezeigte Set aus drei Kreisringen Teil seiner ersten Installation war, die auf Einladung von Paço das ausgeführt wurde Artes, im Jahr 2000. Mit einem Durchmesser von ungefähr vier Metern und verschiedenen und welligen Formen, die bis zu 1,50 m hoch sind, machen die Reifen beim Berühren eine Pendelbewegung, sodass der Betrachter die Teile bewegen kann.

Biografie
Tomie Ohtake (Kyoto, 21. November 1913 – São Paulo, 12. Februar 2015) war ein japanisch eingebürgerter brasilianischer Künstler.

Tomie Ohtake ist einer der Hauptvertreter des informellen Abstraktionismus. Seine Arbeiten umfassen Gemälde, Drucke und Skulpturen. Sie wurde 1960 im National Salon of Modern Art ausgezeichnet; 1988 wurde sie mit dem Orden von Rio Branco für die öffentliche Skulptur zum 80. Jahrestag der japanischen Einwanderung in São Paulo gesegnet.

Für ihre renommierte Karriere gilt Tomie Ohtake als die „Dame der brasilianischen bildenden Kunst“. Künstler wie Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Manabu Mabe und andere sind anerkannte Abstraktionisten, Vertreter Brasiliens, die viele Unterstützer haben.

Die Werke
Das umfangreiche Werk von Tomie Ohtake wird von einer ständigen und eifrigen Suche nach Synthese durchzogen. Ob durch die Ökonomie einfacher Formen, die in raffinierten und prägnanten Kompositionen gebrochen sind, oder durch das Gleichgewicht zwischen der freien Verwendung abstrakter Formen, gestischen Impulsen und sorgfältiger Sorgfalt bei der Entsorgung dieser Elemente. Tatsache ist, dass die Arbeit des Künstlers die Schwelle zwischen Absicht und Handlung, Rationalität und Sinnlichkeit in einer imprägnierten Matrix von Aspekten der westlichen Malerei entwickelt, die sich auf die japanische Tradition beziehen. In ihrer synthetischen Rede und in ihrer ruhigen Persönlichkeit hat Tomie Ohtake immer darauf hingewiesen, dass ihre Werke nicht betitelt werden müssen: Der Name würde die Interpretationsmöglichkeiten einschränken. Die Künstlerin löste sich von der expliziten Figuration der ersten Studien und vertiefte sich in abstrakte Erkundungen ohne Lineal und Kompass – keine figurativen freien Formen, die je nach Vorstellungskraft des Betrachters Wasseroberflächen, Lichter, Sterne und Kosmosbilder hervorrufen .

Daher verwendete sie Ressourcen und verschiedene Techniken, um die unterschiedlichsten Messwerte zu erzielen. Zwischen diesen Methoden der erfinderischen Vorgehensweise gewechselt: mit verbundenen Augen gemalt; transponiert Druckmuster und Texturen aus Bildern in Zeitschriften; Sie perfektionierte ihre Geste so, dass ihre Gemälde, Skulpturen und grafischen Produktionen die gleiche Zartheit und Fließfähigkeit in den Formen haben; Sie nutzte das Potenzial jeder Unterstützung und verwendete jeweils kräftige und üppige Farbpaletten.

Zu Hause, im Ateliê
Die häusliche Umgebung für Tomie Ohtake spielte eine wichtige Rolle in ihrem Leben und ihrer Arbeit. Die Künstlerin, die in den 1950er Jahren mit dem Produzieren begann und ungefähr 40 Jahre alt wurde, lebte mit ihren beiden Kindern in einem kleinen Haus im Viertel Mooca in São Paulo. Dort machte sie auf engstem Raum ihre ersten Werke, ging von der Figuration zur Abstraktion über und machte einige der wichtigsten Sammlungen von Werken ihrer Karriere, auch mit einigen Einschränkungen wie der Notwendigkeit, nach außen gehen zu müssen, um an die Macht zu kommen klar, was mit einem Rückzug gemalt wurde.

In den 1970er Jahren gewann der Künstler nach dem Umzug in eine neue Residenz mehr Produktionsfreiheit. Der Raum war keine Einschränkung mehr und größere Formate und verschiedene Techniken könnten als ihre kreativen Impulse genutzt werden. Das von ihrem Sohn Ruy Ohtake konzipierte Haus ist so konzipiert, dass es als große durchgehende Umgebung konfiguriert werden kann, in der die als Zellen konzipierten kompakten Räume frei verteilt werden können. Ihre tragenden Strukturen stützten die Seitenwände und ließen das Freiraumzentrum als breiten Korridor zurück, in dem Sie vom Tor aus alle gebauten Erweiterungen sehen können. Nach einigen Renovierungsarbeiten wurden jedoch andere Bereiche angeschlossen, darunter ein neues Studio, das neue Experimente ermöglichte, sowie frühere Arbeiten und Dokumente, die in einem technischen Reservat aufbewahrt wurden. In diesem großen Umfeld entwickelte Tomie Ohtake ihre Arbeit, verbrachte Zeit mit ihrer Familie und empfing Freunde, Künstler, Kritiker, Kuratoren und Journalisten, um ein eigenständiges Netzwerk von Beziehungen und Kooperationen aufzubauen. Ihre Figur und ihr Zuhause sind Teil der Erinnerungen vieler Generationen brasilianischer Kunst als Synonym für Großzügigkeit und Ausdauer.

Ersten Jahren
Ab 1952 nahm Tomie Ohtake an Malkursen teil. Unaufdringlich lernte er zunächst das Handwerk und die Techniken bei Professor Keisuke Sugano, der die zunächst figurative Bildproduktion förderte. In diesem ersten Moment der Produktion der Künstlerin erscheinen Landschaften, was sie durch ihr Fenster sah, Objekte ihres Hauses und Bilder. Es ist jedoch zu sehen, dass die verworrenen Stämme und Zweige, unter anderem Gruppen von Häusern, allmählich weniger erkennbar werden, indem sie verdünnt werden, um zunehmend geometrische Kompositionen zu bilden.

Blinde Gemälde
Neben den Formen und Farben stand auch die Frage der Sinne auf der Tagesordnung der Arbeit von Tomie Ohtake. Zwischen 1959 und 1962 fertigte der Künstler eine Reihe von Gemälden mit verbundenen Augen an, die unter dem Titel „Blind Paintings“ von Kurator Paulo Herkenhoff bekannt wurden. Ausgehend von diesem Verfahren präsentierte der Künstler eine Diskussion über Kunst und Blindheit, die einen Dialog mit dem französischen Philosophen Maurice Merleau-Ponty durch die Wahrnehmung der Welt durch Weitergabe an die Sinne herstellte. Genau das ist es, sich während des Malprozesses das Sehen zu entziehen . Obwohl sie sich mit der Chance befassen, werden sie nicht vollständig blind gemacht: Der Künstler hatte zuvor eine Auswahl der Farben und einen entschlossenen Weg zu verfolgen. Die vorherrschenden Farben in diesen Arbeiten sind Weiß, Schwarz, Grau und Braun.

Processo Construtivo
Seit Mitte der 1960er Jahre zog sich Tomie Ohtake aus brasilianischen und japanischen Magazinen zurück, um Referenzen zu erstellen. Diese wiederum fungierten fast als Prototyp für Gemälde und Gravuren. Diese Funktion wurde verwendet, um die Farbfelder in der Nähe von geometrischen Formen zu definieren, die durch die Wirkung der von Hand auf Papier erzeugten Risse oder durch Texturen, Rillen und Grate, die sich aus dieser Methode ergeben, ungenau gemacht wurden. Sogar Marken und subtilere Flecken in Collagen wurden in ihren Gemälden und Gravuren oft getreu umgesetzt.

Bereits in den 1970er und 1980er Jahren zeigt sich in ihren Studien eine stärkere Definition der Konturformen. Dies ergibt sich aus der Verwendung einer Schere zur Herstellung von Schnittpapieren. Studien und damit Arbeiten werden regelmäßiger. Trotzdem haben Scheren nicht die Präzision eines Kompasses und eines Lineals – Instrumente, die Tomie Ohtake verwendet hat – und hielten daher die Möglichkeit des Auftretens gestischer Abweichungen von der Geradheit geometrischer Formen offen. Im Laufe der Jahre wurden diese Projekte knapper, was sich auch in den flüssigeren Zusammensetzungen, den organischeren Pinselstrichen und der geschmeidigeren Struktur bemerkbar machte. Es wurden jedoch wiederkehrende Studien für Ausstellungen und die Art der Katalogisierung durchgeführt, die die Künstlerin selbst skizzierte, mit Informationen zu Leihgaben, Verkäufen oder die ausgestellt wurden.

Geometrische Formen
„Im Gegensatz zum Rationalismus der westlichen Geometrie erfährt Ohtake unablässig Ungenauigkeiten.“

Kosmischer Tomie
Tomie Ohtake war ein Künstler, der sich mit Geometrie befasste. Die Künstlerin war mit keiner Bewegung verbunden, die durchdrungen war – wie zum Beispiel der Konkretismus und der Neokonkretismus – und brachte ihre eigene Sprache und Vorgehensweise mit, die von Abstraktion, Farbanwendung, Vorbereitung von Texturen und ausdrucksstarken Gesten geleitet wurde. In den 2000er Jahren wird in der Produktion des Künstlers eine Wiederholung der Kreisform festgestellt. Organische Formen, hell und krummlinig, erheben Interpretationen im Zusammenhang mit dem Kosmos: Glühkugeln, die wiederum Galaxien, Schwarzen Löchern, Finsternissen, Planeten ähneln oder paarweise erscheinen und Wellen und Strahlungen suggerieren. Während ihre Bilder ein teleskopisches Ablesen ermöglichen, kann man auch glauben, dass die konstruierten Bilder von der Linse eines Mikroskops stammen. Der Kreis kann auch von Aspekten des japanischen Zen gelesen werden, die seine rhythmische Kraft, die Idee von Zyklen und eine gewisse Stille als große, einsame Kurve auf einem monochromen Hintergrund demonstrieren.

Litographien
Seit den frühen 1960er Jahren machte Tomie Ohtake Studien aus geschnittenem Papier, das in Zeitschriften gefunden wurde. Mit der Gravur begann sie ihre Erfahrung mit dem Siebdruckverfahren, das es dem Künstler ermöglichte, die Fließfähigkeit seiner Geste zur Darstellung der Druckerei umzusetzen. Anfang 1970 trat Tomie Ohtake in die Welt der Lithographie ein. Dieser Teil ihrer Produktion zeichnet sich durch die Verwendung von Farben aus, die so lebendig sind und auch durch ungewöhnliche Kombinationen, dass der Künstler sie geschaffen hat. Sie unterscheiden sich von denen seiner Bildproduktion. Die Lithographie von Tomie nutzt das gesamte grafische Repertoire dieser Technik. Ihre Möglichkeiten der Reproduktion und der Zusammenarbeit mit einem technischen Experten ermöglichten es ihr, kompositorische Lösungen wie die chromatische Präparation und die Überlagerung von Formen zu entwickeln.

100 – 101
In ihren letzten zwei Lebensjahren hatte Tomie Ohtake eine starke Produktion und große Produktion. Gebaute Arbeit, die aus der dramatischen Reduzierung der chromatischen Variation resultiert und helle und strahlende Monochrome in Weiß, Rot, Gelb und Blau erzeugt. Seine Linien und Formen werden durch Reliefs umrandet, dicke Farbschichten machen den Bildschirmhintergrund zu einer Topographie voller Unfälle und Diskontinuitäten.

Öffentliche Bauarbeiten
Ab den 1980er Jahren brachte Tomie Ohtake öffentliche Räume und Bereiche von Koexistenzformen in den öffentlichen Raum, die sich auf die Bildelemente ihrer Kunststoffproduktion beziehen. An Wohnorten in mehreren Städten werden solche Formen in Kilo oder Tonnen Eisen, Beton, Stahl, Glaspellets oder was auch immer benötigt wird umgewandelt. Solche Volumina, die eine monumentale Größe erreichen können, scheinen niemals das Gewicht zu haben, das sie tatsächlich haben.

Eine ihrer ersten öffentlichen Arbeiten, die es nicht mehr gibt, die aber verschiedene Debatten auslöste, war der schwimmende Stern, den sie 1985 für Rio de Janeiro entwarf. Sie baute ein Metallstück, das bei Sonnenschein über dem Wasser hervorstach und aus demselben gefertigt wurde Raum und mit der gleichen Infrastruktur für die Wartung von Schiffen verwendet. Als eines ihrer Werke von großer öffentlicher Anerkennung, das zum Gedenken an die 80-jährige japanische Einwanderung in Brasilien im Jahr 1988 entstanden ist, vertrat sie die Generationen von Japanern, die hier waren (issei, nissei, sansei, yonsei), durch vier Bögen – oder Kurven / Wellen – der Avenida 23 de Maio. Zwanzig Jahre später kehrte sie zurück, um die Einwanderung zu feiern, diesmal zu ihrem 100. Geburtstag mit einem kreisförmigen Stück, das auf einer der Zufahrtsstraßen zum internationalen Flughafen Guarulhos angeordnet war.

1997 konzipierte sie seine erste dreidimensionale Arbeit zur Integration eines Gebäudes. Das Werk befindet sich im Komplex des Aché-Labors, dessen architektonische Gestaltung von Ruy Ohtake, ihrem Sohn, verfasst wurde. Das von einem einzigen Punkt getragene Werk fungiert als Möbius-Band, eine geometrische Form, bei der es nicht möglich ist, Seiten innerhalb und außerhalb zu unterscheiden Draußen ähnelt es dem Unendlichkeitssymbol durch seine stets kontinuierliche Bewegung. Zuvor hatte Tomie Ohtake bereits mit der Architektur zusammengearbeitet, um Tafeln, Wandbilder und Gemälde zu realisieren, die sich auf die projizierten Räume beziehen.

Das Arbeitsverfahren der Künstlerin, als sie sich auf den Weg machte, um im architektonischen Maßstab zu agieren, begann mit der Erstellung von Skizzen, Collagen und schnellen Modellen, die oft von Hand angefertigt wurden, ohne ihre Stärke zu beeinträchtigen. Dann wurden ihre fantasievollen Modelle durch die Zusammenarbeit mit Technikern und Ingenieuren ermöglicht, die ausgefeilte Methoden einsetzten, um ihre zarten Formen in monumentale Skulpturen zu übersetzen.

Tomie Ohtake Institute
Das seit dem 28. November 2001 eröffnete Instituto Tomie Ohtake ist einer der wenigen Räume in São Paulo, die speziell für die Durchführung nationaler und internationaler Kunst-, Architektur- und Designausstellungen entworfen wurden.

Das Institut ehrt den Künstler, nach dem es benannt wurde, und beherbergt Ausstellungen, die die künstlerischen Entwicklungen der letzten sechs Jahrzehnte beleuchten, sowie frühere künstlerische Bewegungen, die zu einem besseren Verständnis der Zeit beitragen, in der Tomie Ohtake lebte und arbeitete . Seitdem das Institut seine Türen für die Öffentlichkeit geöffnet hat, hat es in Brasilien bisher unbekannte Shows gezeigt, darunter Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí und Joan Miró.

Neben seinem bahnbrechenden Ausstellungsprogramm, das durch ein paralleles Programm aus Debatten, Recherchen, Produktion von Inhalten, Archivarbeiten und Veröffentlichungen erweitert wurde, hat das Instituto Tomie Ohtake seit seiner Gründung bedeutende Forschungen zu Ansätzen für den Unterricht zeitgenössischer Kunst durchgeführt. Dies zeigt sich in wegweisenden neuen Ausbildungsmethoden für Lehrer und Schüler an öffentlichen und privaten Schulen, einem für alle offenen Veranstaltungsprogramm und Projekten, die neue Generationen von Künstlern ermutigen sollen, sich zu entwickeln und zu gedeihen.