Escultura romana – HiSoUR Arte Cultura Historia

La escultura romana se desarrolló en el área de influencia del ‘Imperio Romano, con su centro en la ciudad, entre el siglo VI a. C. y el siglo V d. C. Originalmente derivado de la escultura griega, principalmente a través de la mediación etrusca, y luego directamente, a través de contacto con las colonias de Magna Graecia y con la propia Grecia en el período helenístico. Sin embargo, Roma tiene su propio arte y escuela indígena e independiente, incluso si es parte de las relaciones y el tráfico continuos en toda la cuenca del Mediterráneo y más allá.

El estudio de la escultura romana se complica por su relación con la escultura griega. Muchos ejemplos de incluso las esculturas griegas más famosas, como el Apollo Belvedere y el Faber Barberini, solo se conocen por «copias» helenísticas o imperiales romanas. En un momento, los historiadores del arte tomaron esta imitación como una indicación de la estrechez de la imaginación artística romana, pero, a fines del siglo XX, el arte romano comenzó a reevaluarse en sus propios términos: algunas impresiones de la naturaleza de la escultura griega pueden de hecho se basará en el arte romano.

La tradición griega continuó siendo una referencia constante durante el curso del arte escultórico en Roma, pero contradiciendo una opinión antigua y generalizada de que los romanos eran solo meros copistas, ahora se reconoce que no solo pudieron asimilar y desarrollar sus fuentes con habilidad. , pero también para hacer una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, un género que gozó de un prestigio singular y que dejó ejemplos de gran habilidad técnica y alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde Se desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.

Los puntos fuertes de la escultura romana están en el retrato, donde estaban menos preocupados por el ideal que los griegos o los antiguos egipcios, y producían obras muy características, y en escenas narrativas en relieve. Los ejemplos de escultura romana se conservan abundantemente, en contraste total con la pintura romana, que se practicaba ampliamente, pero casi se ha perdido. Los autores latinos y algunos griegos, particularmente Plinio el Viejo en el Libro 34 de su Historia Natural, describen estatuas, y algunas de estas descripciones coinciden con obras existentes. Si bien gran parte de la escultura romana, especialmente en piedra, sobrevive más o menos intacta, a menudo está dañada o fragmentaria; Las estatuas de bronce de tamaño natural son mucho más raras ya que la mayoría han sido recicladas para su metal.

La mayoría de las estatuas eran en realidad mucho más realistas y a menudo de colores brillantes cuando se crearon originalmente; Las superficies de piedra en bruto que se encuentran hoy en día se deben a la pérdida de pigmento a lo largo de los siglos.

Después de la consolidación del Imperio Romano, otras influencias extranjeras, especialmente las orientales, provocaron una separación progresiva del canon griego hacia una simplificación formal de la tendencia abstracta, que estableció las bases del arte bizantino, cristiano primitivo y medieval. Este proceso, sin embargo, se entremezcló con varios períodos de recuperación del clasicismo, que además de fortalecer el vínculo simbólico con el pasado fueron útiles para mantener la cohesión cultural y política del vasto territorio. Ni siquiera la cristianización del imperio pudo determinar la exclusión de las referencias clásicas-paganas de la escultura romana, y hasta el siglo V, cuando la unidad política finalmente se rompió, los modelos clásicos continuaron siendo imitados, pero adaptados a los temas de la nueva sociedad.

Por mucho que esta síntesis intente mantenerse en una cronología más o menos ordenada e intente establecer la especificidad de cada fase, el estudio de la escultura romana ha demostrado ser un desafío para los investigadores, ya que su evolución es todo menos lógica y lineal. Los intentos de imponer un modelo de desarrollo formal como sistema orgánico en la historia de la escultura romana son inexactos y poco realistas. A pesar de las diferencias entre los académicos en muchos puntos, ahora tenemos una idea más o menos clara sobre las características generales de cada etapa evolutiva, pero la forma en que estas características evolucionaron y se transformaron de una etapa a otra ha demostrado ser un proceso muy complejo. eso está lejos de ser bien entendido. Eclecticismo, aún más pronunciado que el observado durante el helenismo,

Además del gran mérito intrínseco de la producción escultórica romana, el hábito generalizado de copiar obras griegas más antiguas y la persistencia de alusiones al clasicismo griego a lo largo de su historia, incluso a través del cristianismo primitivo, mantuvieron viva una tradición y una iconografía que de otro modo podrían haber tenido perdido Por lo tanto, le debemos a Roma una buena parte de nuestro conocimiento de la cultura y el arte de la antigua Grecia, y además la escultura romana, junto con la escultura griega, fue de fundamental importancia en la formulación de la estética del Renacimiento y el neoclasicismo, lo que demuestra su vitalidad y significado en los tiempos modernos, además de ser considerado hoy como uno de los cuerpos artísticos más importantes de la cultura occidental,

Visión general
El arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos, ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies de tumbas casi de tamaño natural en terracota, que por lo general yacían sobre la tapa de un sarcófago apoyado en un codo en la postura de un comensal en ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico, excepto en el lejano oriente de Partia, la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del cual los elementos específicamente romanos son difíciles de entender. desenredar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias de la época romana. En el siglo II a. C., «la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma» eran griegos, a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores continuaron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres rara vez se registran. Grandes cantidades de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de extorsiones o comercio, y los templos a menudo estaban decorados con obras griegas reutilizadas.

La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucius Junius Brutus tiene una fecha muy diferente, pero se toma como una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce. Del mismo modo, se ven cabezas severas y contundentes en las monedas de los cónsules, y en el período imperial las monedas y los bustos enviados alrededor del Imperio para ser colocados en las basílicas de las ciudades provinciales eran la principal forma visual de propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón, aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdida. La Tumba de Eurysaces the Baker, un liberto exitoso (c. 50-20 aC) tiene un friso que es un ejemplo inusualmente grande del estilo «plebeyo». El retrato imperial fue inicialmente helenizado y altamente idealizado, como en el Blacas Cameo y otros retratos de Augusto.

Los romanos generalmente no intentaron competir con obras griegas independientes de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con continuos relieves narrativos que se enrollaban a su alrededor, de las cuales esas que conmemora a Trajano (113 CE) y Marco Aurelio (en 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis («Altar de la paz», 13 a. C.) representa el estilo oficial grecorromano en su forma más clásica y refinada, y Sperlonga lo esculpe en su más barroco. Algunas esculturas públicas romanas tardías desarrollaron un estilo masivo y simplificado que a veces anticipa el realismo socialista soviético. Entre otros ejemplos importantes están los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161),

Todas las formas de pequeñas esculturas de lujo continuaron siendo patrocinadas, y la calidad podría ser extremadamente alta, como en la Copa Warren de plata, la Copa Lycurgus de vidrio y grandes cameos como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo y el «Gran Cameo de Francia». Para una sección mucho más amplia de la población, la decoración en relieve moldeada de vasijas de cerámica y figuritas pequeñas se produjo en gran cantidad y, a menudo, de considerable calidad.

Después de pasar por una fase «barroca» de finales del siglo II, en el siglo III, el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes ahora mostraban figuras achaparradas de ojos grandes en un estilo frontal áspero, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El famoso contraste se ilustra en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con redondeles en el estilo grecorromano completo anterior tomado de otros lugares, y los Cuatro Tetrarcas (c. 305) de la nueva capital de Constantinopla, ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas «proporciones rechonchas, movimientos angulares,

Esta revolución en el estilo precedió poco tiempo al período en que el cristianismo fue adoptado por el estado romano y la gran mayoría de la gente, lo que llevó al final de una gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se usan para los emperadores, como en los famosos fragmentos de un colosal estatua acrolítica de Constantino, y el Coloso de Barletta del siglo IV o IV. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando alivio para los sarcófagos, como en el sarcófago de Junius Bassus, y los cristianos continuaron con esculturas muy pequeñas, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular.

Materiales
Debido a la influencia etrusca, los primeros materiales utilizados por la escultura en Roma son terracota y bronce. Sin embargo, los artistas aprovecharon rápidamente un material de fácil acceso en la región, piedra caliza o toba de travertino. Desde el siglo II a. C. AC, los escultores romanos comenzaron a usar piedras de Grecia, principalmente mármol del Pentelic y el de Paros. En la época de Julio César, la apertura de las canteras de mármol Luna (actual Carrara) trastorna los hábitos de los artistas: a partir de ahora, la mayoría de las estatuas y monumentos de la ciudad de Roma estarán hechos de este material, el mármol de Carrara. Las obras más modestas producidas en las provincias generalmente usan recursos locales. El gusto por las piedras de colores como el granito gris o el pórfido se desarrolla bajo el Flavio (finales del siglo i).

La mayoría de las obras esculpidas que han sobrevivido hasta los tiempos modernos están hechas de piedra. Como resultado, es difícil evaluar la proporción original de esculturas en bronce o metales preciosos (oro, plata), la mayoría de los cuales se han fundido para recuperar el material de partida.

Tecnología
Las escenas que se muestran en relieves como la de la columna de Trajano y las que se muestran en los sarcófagos revelan imágenes de la tecnología romana que se perdió hace mucho tiempo, como las ballestas y el uso de sierras accionadas por ruedas hidráulicas para cortar piedra. Este último fue descubierto recientemente en Hieropolis y conmemora al molinero que usó la máquina. Otros relieves muestran máquinas cosechadoras, tal como fueron descritas por Plinio el Viejo en su Naturalis Historia.

Escultura romana y sociedad
Roma era una sociedad con gran sensibilidad visual. Las artes visuales actuaban como un tipo de literatura accesible a las grandes masas, ya que una gran mayoría de su población era analfabeta e incapaz de hablar el erudito latín que circulaba entre la élite; a través de estos, se reafirmó la ideología prevaleciente y fue un medio para difundir la imagen de grandes personalidades. En este contexto, la escultura gozó de una posición privilegiada que ocupó todos los espacios públicos y privados, llenando las ciudades con una proliferación de obras de diversas técnicas artísticas.

Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece al tema religioso, o está relacionada de alguna manera. Y a menudo, también, los retratos estaban asociados con temas sagrados. Como en cualquier otra cultura, Roma produjo imágenes para el culto religioso y estuvieron presentes en todas partes, desde grandes templos públicos hasta las viviendas más modestas. Su presencia se convirtió en una ocurrencia común en grandes esculturas en bronce y mármol: estatuas, grandes sarcófagos, relieves arquitectónicos, cameos grabados en piedras preciosas, en pequeñas estatuas de terracota, simples placas funerarias, máscaras mortuorias de cera, cuyo costo estaba al alcance de las clases más humildes; incluso en monedas, que pueden entenderse como un relieve en miniatura y que eran accesibles para la gran masa popular. Jaś Elsner explica:

«Tales imágenes, en busca de sujetos imperiales de todas las formas de vida social, económica y religiosa, ayudaron a construir una unidad simbólica entre los diversos pueblos que formaban el mundo romano, centrando su sentido de jerarquía en una persona suprema. Cuando un emperador murió, sus herederos podían alabar sus esculturas como un dios, proclamando la continuidad en la sucesión y erigiendo templos en su honor. Cuando un emperador fue derrocado, sus imágenes fueron suprimidas violentamente en damnatio memoriae, la supresión de la memoria que informaba visualmente a la población de los cambios dentro de la autoridad política (…). el politeísmo no era una religión de escrituras y doctrinas, la estructura de una iglesia jerárquica centralizada; era más bien un conjunto de lugares de culto, rituales y mitos, administrados por comunidades y, a menudo, por sacerdotes hereditarios. Era ecléctico y diverso, amplio, pluralista y tolerante. Las imágenes y los mitos proporcionan al mundo antiguo las principales formas de «teología». »»

Cuando el cristianismo se convirtió en la religión oficial, el papel del arte cambió radicalmente, aunque no perdió su importancia central. El dios cristiano no era conocido por las imágenes, sino por las escrituras, sus profetas y comentaristas. Sin embargo, la escultura y su repertorio de representaciones naturalistas convencionales fueron adoptados por la nueva iglesia, utilizados para la composición de alegorías, y continuaron siendo utilizados como decoración en las esferas seculares, públicas y privadas; Hasta el final del imperio, sirvió como un registro histórico, para la práctica del retrato, o como una forma de enfatizar la herencia clásica compartida por todos, a fin de establecer la unidad cultural en un momento en que las periferias comenzaban a desarrollar su cultura propia con un alto grado de independencia, y era cada vez más difícil mantener el territorio unificado.

Desarrollo
El arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos, ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies de tumbas casi de tamaño natural en terracota, que por lo general yacían sobre la tapa de un sarcófago apoyado en un codo en la postura de un comensal en ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico, excepto en el lejano oriente de Partia, la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del cual los elementos específicamente romanos son difíciles de entender. desenredar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias de la época romana. En el siglo II a. C., «la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma» eran griegos, a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores continuaron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres rara vez se registran. Grandes cantidades de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de extorsiones o comercio, y los templos a menudo estaban decorados con obras griegas reutilizadas.

Se puede ver un estilo italiano nativo en los monumentos de las tumbas de los romanos prósperos de clase media, que a menudo presentaban bustos de retratos, y el retrato es posiblemente la principal fortaleza de la escultura romana. No hay supervivientes de la tradición de las máscaras de antepasados que se usaron en procesiones en los funerales de las grandes familias y que de otra manera se exhibieron en el hogar, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como el Tumba de los Scipios o la mausolea posterior fuera de la ciudad. El famoso «Capitoline Brutus», una cabeza de bronce supuestamente de Lucius Junius Brutus tiene una fecha muy diversa, pero se toma como una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce. Del mismo modo, se ven cabezas severas y contundentes en las monedas de los cónsules, y en el período imperial, las monedas y los bustos enviados alrededor del Imperio para ser ubicados en las basílicas de las ciudades provinciales eran la principal forma visual de propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón, aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdida. La Tumba de Eurysaces the Baker, un liberto exitoso (c. 50-20 aC) tiene un friso que es un ejemplo inusualmente grande del estilo «plebeyo».

Los romanos generalmente no intentaron competir con obras griegas independientes de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con relieves narrativos continuos que se enrollaban a su alrededor, de las cuales esas conmemorando a Trajano (CE 113) y Marco Aurelio (en 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis («Altar de la paz», 13 a. C.) representa el estilo oficial grecorromano en su forma más clásica y refinada. Entre otros ejemplos importantes se encuentran los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161), los relieves Campana eran versiones de cerámica más baratas de los relieves de mármol y el gusto por el relieve se extendió desde el período imperial a El sarcófago.

Tradición etrusco-romana
Entre los siglos VII y VI aC, los etruscos dominaron la parte centro-norte de la península italiana, y al menos algunos de los reyes semi legendarios de Roma eran etruscos. Su arte, que ya era en gran parte una interpretación del estilo arcaico griego, se convirtió en el arte de los romanos. Como harían más tarde con el arte griego, los romanos no solo copiaron los modelos etruscos formales, sino que en sus guerras contra ellos se apropiaron de sus obras de arte y las tomaron para la decoración de su capital. Las primeras esculturas hechas en Roma que se sabe datan del siglo VI aC y su estilo es totalmente etrusco. El famoso Apolo de Veii, de esta época, nos brinda una buena información sobre las tendencias estéticas vigentes.

Los etruscos eran expertos en varios géneros escultóricos, desde estatuas funerarias y sarcófagos hasta grupos monumentales, y en muchos aspectos anticiparon la estética del prosaico que los romanos desarrollarían más tarde. Eran maestros en las «escenas de género», que representaban la vida en común, la gente de las personas en actividades características, y también en el retrato se mostraban arquitectos de primer nivel. Pero tal vez donde habían sido más originales fue en el arte funerario. Desarrollaron una tipología específica para las urnas funerarias, que consistía en un cofre decorado con relieves y cerrado por una tapa en la que había un retrato reclinado del difunto, de cuerpo completo, a veces acompañado por su cónyuge, un modelo que adoptarían los romanos. en muchos de sus sarcófagos, el Museo Nacional Etrusco y el Hipogeo de los Volumni, Una cripta en Perugia con varios sarcófagos, son ejemplos bien conocidos. A pesar del abandono progresivo de la tradición etrusca durante la fase helenística que vendría después, todavía se encontrarán rastros de ella hasta la época de Augusto.

Helenismo y neo-atticismo
Mientras tanto, Grecia evolucionó hacia su clasicismo, cuyo apogeo ocurrió en el siglo IV a. C. En ese momento, Roma comenzó su expansión hacia el sur, ya independiente de los etruscos después de casi un siglo de luchas por la supremacía regional, entrando en contacto más íntimo con el arte griego a través de las colonias de Magna Grecia, cuya sofisticada cultura impresionó a los romanos. Luego, los nobles de Roma comenzaron a desear obras griegas en sus palacios, y contrataron a artistas griegos para hacer copias de las composiciones más famosas, a veces pagando precios fabulosos por ellas.

Un poco más tarde, Alejandro Magno conquistó Grecia y llevó su arte a la India a través de Persia y también a Egipto. El impacto de esta expansión tuvo dos significados, uno en los pueblos conquistados, definiendo nuevas orientaciones para su cultura y su arte, y uno inverso en la cultura griega, que asimiló una variedad de elementos orientales. Con la fragmentación del imperio alejandrino después de la muerte del conquistador, se formaron varios reinos de raíces locales: Bitinia, Galacia, Paflagonia, Ponto, Capadocia, Egipto de la dinastía ptolemaica, que incorporaron nuevas costumbres griegas y luego evolucionaron a su manera. El nombre de helenismo se debe a esta fusión de influencias orientales y griegas. El interés en el pasado fue una característica distintiva del período. Se fundaron los primeros museos y bibliotecas, como en Pérgamo y Alejandría,

El historicismo de la época significó que los estilos anteriores se emularon en una síntesis ecléctica, pero con una secularización progresiva en el tema y una preferencia por obras dramáticas y animadas, cuya intensidad expresiva ha sido comparada por algunos con el estilo barroco. La infancia, la muerte y la vejez, e incluso el humor, temas casi sin precedentes en el griego clásico, fueron introducidos y ampliamente cultivados. Además, se desarrolló un gusto febril entre las élites de varios países para coleccionar arte, donde los romanos demostrarían ser los más entusiastas.

En 212 a. C., los romanos conquistaron Siracusa, una colonia griega rica e importante en Sicilia, adornada con una profusión de obras de arte helenísticas. Todo fue saqueado y llevado a Roma, donde reemplazó la línea de escultura etrusca que todavía se cultivaba. El saqueo de Siracusa fue el impulso final para el establecimiento definitivo de la norma griega en el corazón de la República, pero también encontró oposición.

Marco Porcio Catone denunció el saqueo y la decoración de Roma con obras helénicas, considerando esto como una influencia peligrosa para la cultura nativa, y lamentando que los romanos aplaudieran las estatuas de Corinto y Atenas y ridiculizaran la tradición decorativa de terracota de los antiguos templos romanos. Pero todo fue en vano. El arte griego había sometido al arte etrusco-romano en el gusto general, hasta el punto de que las estatuas griegas se encontraban entre las presas de guerra más buscadas y se exhibían ostentosamente en las procesiones triunfales de todos los generales conquistadores.

En el triunfo de Lucius Emilio Paolo Macedonico después de la conquista de Macedonia en 168 a. C., desfilaron doscientos cincuenta carruajes llenos de estatuas y pinturas, y en la conquista de Acaya en 146 a. C., que decretó el fin de la independencia griega y la sumisión a la Imperio romano, Plinio dice que Lucio Mummius Achaicus literalmente llenó las esculturas de Roma. Poco después, en 133 a. C., el imperio heredó el reino de Pérgamo, donde había una floreciente y original escuela de escultura helenística.

En este período, la demanda de estatuas era ahora enorme y en Atenas los talleres de escultura trabajaban prácticamente solo para los conocedores romanos, quienes demostraron su gusto refinado exigiendo obras que imitaran la producción clasicista de los siglos V y IV a. C., evitando excesos expresivos de más tarde. El helenismo, formando una escuela revivalista que tomó el nombre de Neoatticismo y que continuó prosperando en la propia Roma hasta el siglo II a. C. La escuela del Neoatticismo representa la primera aparición en la historia de un movimiento que legítimamente puede llamarse neoclasicismo.

Cuando por alguna razón era imposible obtener originales, especialmente en el caso de obras ya celebradas, se hicieron copias de mármol o bronce, pero aparentemente los romanos no hicieron una evaluación importante o distinción estética entre un original y una copia, como es Común hoy. Entre los cientos de modelos existentes en la producción griega, los romanos favorecieron solo unos cien, que se copiaron a gran escala, estableciendo una estandarización de la imaginación. Hoy esta repetitividad suena monótona, pero para la cultura de la época creó vínculos positivos con prestigiosas tradiciones simbólicas e ideológicas.

En otros casos, las adaptaciones eran más libres y tenían un carácter pastiche, en el sentido de que usaban elementos de varias partes para la creación de una nueva obra, o transformaban estatuas de dioses en retratos romanos, con una copia exacta del cuerpo de un creación famosa, pero reemplazando la cabeza con la de alguna personalidad romana. Ejemplo de esta costumbre es la hermosa estatua de Marco Claudio Marcello conservada en el Museo del Louvre, realizada por Cleomene en el siglo I a. C. a partir de un original griego que representa a Hermes Logios (hablante de Mercurio) 400 años antes, probablemente por Fidias. Afortunadamente para nosotros, los contemporáneos, la práctica de la copia servil de muchas obras maestras griegas para los romanos fue responsable de la conservación de una vasta iconografía clásica y helenística cuyos originales terminaron perdidos en la Edad Media.

De los artistas activos en este período, se recuerdan pocos nombres, y dado que todavía no había una escuela nativa (es decir, romana), todos son griegos. Además de los antes mencionados Cleomenes, Aristea y Papia de Afrodisia, autores de magníficos centauros hoy en los Museos Capitolinos, y Pasitele, originalmente de Magna Grecia, pero que se convirtió en ciudadano romano, se distinguieron entre esta neoescuela en Roma. Su recopilación de un catálogo de las esculturas más famosas del mundo fue famosa. Como escultor se le atribuye un Júpiter en oro y marfil y numerosas obras en bronce.

imperio Romano
Un cambio en la tendencia puramente griega anterior hacia la formación de una escuela nacional de escultura en Roma ocurrió entre finales del siglo II a. C. y principios del siglo I a. C. Un buen ejemplo es el Altar de Enobarbo, considerado un precursor del gran arte imperial de Augusto. Creado como una oferta por Cneo Domizio Enobarbo para el final de la campaña militar en Brindisi, se instaló frente al templo de Neptuno que había ordenado construir en la misma ocasión. El altar estaba decorado con varios frisos, algunos con escenas mitológicas más o menos convencionales y comunes en la tradición griega, pero uno de ellos es una escena de culto, que representa a un sacerdote preparando un sacrificio, flanqueado por el concursante, soldados y otros asistentes,

Con Augusto, Roma se convirtió en la ciudad más influyente y rica del imperio, resplandeciente con mármol, y también el nuevo centro de la cultura helenística, como lo habían sido antes Pérgamo y Alejandría, atrayendo a un gran número de artesanos griegos. Y así como los sucesores de Alejandro habían contribuido a la supervivencia del arte griego, enriqueciéndolo con nuevos temas, ahora, cuando se trata de la Era Augusta, Roma habría contribuido de manera propia y original a la continuidad y renovación de una tradición que ya había ganado prestigio. a lo largo de los siglos y dictó el carácter de todo el arte producido allí. Pero más que la mera transferencia de atención cultural a Roma, lo que provocó un cambio en el arte hasta ahora puramente griego y la aparición de una escuela genuinamente romana fue la formación de uno ‘

En la consolidación del imperio, la acuñación de monedas, que en realidad son bajorrelieves en miniatura, fue de gran importancia. Julio César legalizó en Roma una práctica helenística y oriental de imprimir la efigie del gobernante vivo en las monedas actuales, cuando hasta entonces solo aparecían imágenes de divinidades o figuras históricas desaparecidas, y Augusto dirigió esta práctica con mayor conciencia y pragmatismo político, imponiendo el su presencia visual y el mensaje del gobierno en la vida cotidiana de todos los ciudadanos a las fronteras del imperio, y ejemplificando cómo el arte y la agenda política podrían combinar esfuerzos para garantizar un sistema de control social a gran escala. Este uso habría ejercido presión sobre la sociedad que es difícil de estimar hoy:

El primer gran monumento de la escultura imperial fue el Ara Pacis (32 a. C.), que también fue una obra maestra de la arquitectura romana. Dedicado a la diosa Pax, celebró el exitoso regreso del emperador de una doble campaña militar en la Galia y España. El monumento estaba decorado con frisos y relieves que mostraban procesiones, escenas alegóricas de la mitología y sacrificios. En una de las escenas, se representa a Tellus, la Madre Tierra, que es una interpretación bastante diferente de su contraparte griega, Gea. Aquí no representa una fuerza violenta e irracional de la naturaleza, como se ve en los jarrones y frisos griegos, pero es una imagen delicada y verdaderamente materna de protección y nutrición. Otras escenas hacen mención enfática de los beneficios de la Pax Augustea, y proporcionar una visión clara de los valores que en ese momento les parecían verdaderos a los romanos, que solo la prosperidad material ofrecida por un estado fuerte y pacífico podría haber promovido el desarrollo constante en la cultura y el arte, una idea afirmada repetidamente en la poesía laudatoria de el tiempo. Además, Eugénie Strong afirma que en este inmenso altar los grupos aparecen en el arte por primera vez en los que tanto espectadores como protagonistas participan en la misma escena, pero agrega:

«Un estudio cuidadoso de los relieves del Ara Pacis tiende a resaltar que estamos en presencia de un arte embrionario, aún lejos de la madurez; El escultor es heredero de la vasta experiencia del arte helenístico, pero aún no ha aprendido a seleccionarlo o condensarlo. Parece abrumado por la novedad y la magnificencia de su tema y, en la indecisión sobre cómo debe representarlo, intenta un poco de todo. Pero es un intento válido y, a partir de él, en más de un siglo de práctica, veremos los triunfos del arte flavio. Los artistas de la era de Augusto no son académicos ni decadentes, y mucho menos imitadores serviles. Son pioneros que recorren nuevos caminos que tomarán más de cien años para ser explotados por completo. »

Si en términos puramente artísticos la madurez tuvo que esperar algún tiempo para desarrollarse, en términos ideológicos el trabajo estaba bastante avanzado. Augusto demostró ser un gobernante capaz y contó con el apoyo de la gente. Desde su primer consulado, acumuló cargos por cargos hasta que el Senado le ofreció el imperio y el estado de Augusto, en realidad originalmente un título y no un nombre, que significa «divino», a pedido del pueblo. Su reinado fue un período de relativa paz y prosperidad. Organizó su país y favoreció las artes, no sin aprovecharlo para promover su imagen personal, ya que generalmente se usaba entre los poderosos. Muchas de las estatuas del emperador sobreviven en museos de todo el mundo, mostrándolo con una variedad de atributos, militares, civiles y divinos.

Uno de los más famosos es el Augusto di Prima Porta, que en realidad es una elaboración del Doriforo di Policleto, que muestra que, a pesar de los cambios sensibles en la cultura de su tiempo, la tradición griega continuó siendo venerada y los antiguos modelos copiados, tanto por sus cualidades intrínsecas como porque representaban una paternidad para la cultura romana que daba mayor dignidad a la nueva condición imperial de Roma, con la figura del emperador como el más grande de todos los mecenas y héroes.

Otros historiadores consideran la dinastía julio-claudiana como un período de grandeza en el arte romano. Los aspectos que Strong considera indicativos de una fase de incertidumbre en la estética: el mismo espíritu de investigación en varios frentes, la búsqueda de nuevos efectos de iluminación y tratamiento de superficies, nuevas formas para crear un sentido narrativo efectivo, estudiar la naturaleza y tratar de resolver los problemas de representación grupal en perspectiva: también se indican como signos de consolidación de una auténtica escuela nacional de escultura, una impresión que se fortalece al observar los logros en el campo de los retratos que seguía la República. Sin embargo, es cierto que la influencia del neoclasicismo de la Escuela del Ático se mantuvo fuerte, y los modelos griegos idealizados continuaron siendo favorecidos por la expansión de la majestad imperial.

Tipos de escultura

Retrato
El retrato es un género dominante de la escultura romana, que tal vez surge del énfasis tradicional romano en la familia y los antepasados; El hall de entrada (atrio) de una casa de élite romana exhibía bustos de retratos ancestrales. Durante la República romana, se consideraba un signo de carácter no pasar por alto las imperfecciones físicas y representar a los hombres en particular como robustos y despreocupados por la vanidad: el retrato era un mapa de la experiencia. Durante la era imperial, las estatuas más idealizadas de los emperadores romanos se hicieron omnipresentes, particularmente en relación con la religión estatal de Roma. Las lápidas, incluso de la clase media modestamente rica, a veces exhiben retratos del difunto, por lo demás desconocido, tallado en relieve.

Es en el retrato que Roma da su contribución más característica a la tradición fundada por los griegos, una contribución que maduró mucho antes que en otros géneros escultóricos y que significó que el desarrollo de la escultura en Roma se dividió en dos campos, con diferentes evolutivos. ritmos, el retrato y otros géneros. Desde la época de la República, el retrato se valoraba cada vez más y con el tiempo oscilaba cíclicamente entre una tendencia clasicista idealizadora y otra de gran realismo, en parte derivada de la expresividad típica del arte helenístico. Y entre los retratos, el busto y la cabeza aislada eran las formas más frecuentes. Los retratos de cuerpo completo fueron menos comunes, aunque no infrecuentes. La preferencia por el busto y la cabeza era un rasgo cultural romano típico que creó un gran mercado en toda la cuenca del Mediterráneo, y se explica principalmente por razones económicas, ya que estas piezas son mucho más baratas que una estatua completa, pero también por la convicción de que es mejor Se puede obtener una identificación individual con ellos. Para los romanos, de hecho, era la cabeza y no el cuerpo ni la ropa o el accesorio el centro de interés en el retrato.

Robert Brilliant dice:
«… la identidad específica del sujeto, establecida por las características particulares de la cabeza, había sido concebida como un apéndice simbólico que no tenía en cuenta la integridad del cuerpo. Parece que los escultores crearon la cabeza como la clave principal para la identificación, y la colocaron en un entorno bien orquestado, similar en concepto, si no en intención, a los conjuntos ya hechos, con una abertura para la cara, común entre los fotógrafos de principios del siglo XX De hecho, las innumerables estatuas de toga sin cabeza que sobreviven desde la antigüedad son análogas a las escenografías sin actores, aún más cuando el cuerpo fue hecho por ayudantes de antemano, esperando la cabeza esculpida por el maestro escultor. »»

Con el surgimiento de Vespasiano, fundador de la dinastía Flavia, el estilo mixto de idealismo y realismo practicado por los artistas de la dinastía julio-claudiana experimentó un cambio, con la reanudación de las formas helenísticas y un gran énfasis en la descripción realista del tema. , incluso cuando se trataba del emperador. La técnica también se expandió con un uso innovador de la perforación, y los retratos femeninos de esta etapa generalmente están adornados con peinados muy complicados.

Con Traiano, sin embargo, el ciclo cambia nuevamente y tiende a la idealización, llevado a un grado aún mayor con Adriano, cuyas preferencias helenísticas estaban bien marcadas. Incluso los retratos de Marco Aurelio presentan la caracterización realista, mostrando un mayor avance hacia la descripción psicológica y emocional que en los retratos de Caracalla alcanza un alto grado de expresividad y ejerce un gran impacto en el arte de todo el imperio. Pero a partir de entonces, la influencia oriental y el interés en los elementos geométricos llevan a los retratos a adquirir una apariencia progresivamente más estilizada y abstracta. Con Costantinothis, esta tendencia alcanza su punto más alto, junto con una sensación de monumentalidad que recuerda el clasicismo de la era de Augusto.

Mientras que los emperadores usaban retratos principalmente para reafirmar su poder y agenda política, se usaban en el contexto funerario en la esfera privada. Bustos, acompañados de inscripciones con familiares y amigos de los difuntos, altares decorados, tumbas y urnas funerarias. Esta tradición estuvo vinculada a una larga historia de exhibir máscaras mortuorias de cera o terracota de ilustres antepasados en las procesiones funerarias de las élites, para celebrar y demostrar su linaje patricio. Estas máscaras se guardaban orgullosamente en el santuario familiar, el larario, junto con bustos de bronce, terracota o mármol. Se supone que la costumbre de hacer máscaras mortuorias, que copian fielmente los rasgos faciales de los muertos, fue una de las causas del desarrollo del gusto por el realismo en el retrato romano.

Estatuas
En el caso de la estatuaria, surge un problema interesante para los investigadores modernos cuando estas estatuas representaban los retratos del emperador en su condición deificada, especialmente en los períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, ya que una inconsistencia entre la forma de representación de cuerpo y cabeza. Mientras que la cabeza a menudo se mostraba con todos los signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura griega clásica, idealizados en una condición de fuerza eterna y juventud. Estas extrañas obras, cuando no son divertidas, para los ojos modernos, acostumbrados a apreciar una estatua como un todo homogéneo, son comprensibles cuando recordamos las convenciones que rigen el arte del retrato,

Por lo tanto, se sugirió que en realidad era un acuerdo entre dos partes diferentes, una para la representación del cuerpo en términos simbólicos y otra para la representación descriptiva de la cabeza con el objetivo de poder identificar claramente al personaje, con un rechazo de la interpretación literal del todo. Las mismas convenciones parecían tener estatutos privados cuando se trataba de representar el genio del tema, y en este caso pertenecían al grupo de monumentos funerarios. Con el mismo propósito, la cabeza de una famosa estatua de un dios a menudo simplemente se reemplazó con la de un patricio o emperador romano, pero parece que no hubo dificultad para los romanos en la clara diferenciación entre el culto y las estatuas simbólicas, entre un estatua de un dios y una estatua de una persona como dios. Tampoco dudaron en simplemente quitar la cabeza de una estatua de cualquier persona y reemplazarla con la de otra, cuando se realizó una maldición memoriae. Esta práctica fue comentada naturalmente en la literatura de la época, lo que confirma la independencia entre la cabeza y el cuerpo en la imaginación romana.

Otros tipos de estatuas, decorativas y de culto, en el arte romano no agregaron nada esencialmente nuevo, y sus especímenes, aunque muchos de gran calidad, no muestran nada que no hayan experimentado antes los griegos y helenistas clásicos, y las copias romanas de esta producción seminal. continuó produciéndose hasta el siglo quinto. Sin embargo, desde el siglo II, y con mayor fuerza a partir de Constantino I, la creciente penetración de la influencia oriental condujo a una eliminación progresiva, con algunos períodos de recuperación, del canon griego, lo que condujo a la formación de un estilo sintético y abstracto que han sido el puente para la afirmación del arte bizantino y la temprana Edad Media.

Arte religioso y funerario
El arte religioso también fue una forma importante de escultura romana. Una característica central de un templo romano era la estatua de culto de la deidad, a quien se consideraba «alojada» allí (ver aedes). Aunque las imágenes de las deidades también se exhibieron en jardines y parques privados, la más magnífica de las estatuas sobrevivientes parece haber sido imágenes de culto. Los altares romanos solían ser bastante modestos y sencillos, pero algunos ejemplos imperiales siguen el modelo de la práctica griega con relieves elaborados, el más famoso Ara Pacis, que se ha denominado «la obra más representativa del arte de Augusta». Las pequeñas estatuillas de bronce y las figuras de cerámica, ejecutadas con diversos grados de competencia artística, abundan en el registro arqueológico, particularmente en las provincias, e indican que fueron una presencia continua en la vida de los romanos, ya sea para votivos o para exhibiciones devocionales privadas en el hogar o en los santuarios del vecindario. Estos suelen mostrar más variación regional en el estilo que las obras grandes y más oficiales, y también las preferencias estilísticas entre las diferentes clases.

Los sarcófagos romanos de mármol datan principalmente del siglo II al IV, después de un cambio en las costumbres romanas de entierro de la cremación a la inhumación, y se fabricaron principalmente en algunas ciudades importantes, incluidas Roma y Atenas, que las exportaron a otras ciudades. En otros lugares, la lápida estela siguió siendo más común. Siempre fueron una forma muy costosa reservada para la élite, y especialmente en los relativamente pocos ejemplos elaboradamente tallados; la mayoría siempre fueron relativamente simples, con inscripciones o símbolos como guirnaldas. Los sarcófagos se dividen en varios estilos, por área de producción. Los «romanos» fueron obligados a descansar contra una pared, y un lado quedó sin tallar, mientras que «Ático» y otros tipos fueron tallados en los cuatro lados; pero los lados cortos generalmente estaban decorados de manera menos elaborada en ambos tipos.

El tiempo necesario para hacerlos fomentó el uso de temas estándar, a los que se podrían agregar inscripciones para personalizarlos, y los retratos de los fallecidos tardaron en aparecer. Los sarcófagos ofrecen ejemplos de relieves intrincados que representan escenas a menudo basadas en mitologías griegas y romanas o religiones de misterio que ofrecen salvación personal y representaciones alegóricas. El arte funerario romano también ofrece una variedad de escenas de la vida cotidiana, como juegos, caza y esfuerzos militares.

El arte cristiano primitivo adoptó rápidamente el sarcófago, y son la forma más común de escultura cristiana primitiva, que progresa desde ejemplos simples con símbolos hasta frentes elaborados, a menudo con pequeñas escenas de la Vida de Cristo en dos filas dentro de un marco arquitectónico. El sarcófago de Junius Bassus (c. 359) es de este tipo, y el sarcófago dogmático anterior es bastante más simple. Los enormes sarcófagos de pórfido de Helena y Constantina son grandes ejemplos imperiales.

Ataúd
El uso de sarcófagos era común entre los etruscos y los griegos, pero en Roma se usó ampliamente solo desde el siglo II, cuando el hábito de cremación de los muertos fue reemplazado por el entierro, y se expandió por todo el imperio. Su producción se estableció en tres centros principales: Roma, Ática y Asia, y se dividió en algunos modelos diferentes. Uno, el más común, era un estuche decorado con relieves figurativos y con una tapa más o menos lisa; otro tipo mostraba otra tapa igualmente decorada, donde podían aparecer los retratos escultóricos de cuerpo completo del difunto, como si estuvieran sentados en un banquete, un modelo derivado del arte etrusco. Ambos dieron origen a especímenes decorados con relieves de extraordinaria sofisticación y complejidad. Un tercer tipo, confinado a Roma, tenía una decoración abstracta o floral y cabezas de animales, principalmente leones,

El centro de producción asiático se caracterizó por una preferencia por cajas grandes y formas arquitectónicas, con columnas alrededor, estatuas interpuestas y una imitación de puerta en ambos lados, placas ornamentales y un techo en forma de prisma con acroteri, que simulaba una casa o templo real, y también podrían tener una plataforma para colocarlos en la parte superior. Este tipo, a diferencia de los otros, a menudo estaba decorado en los cuatro lados, podría ser un monumento independiente, instalado al aire libre en algunas necrópolis, mientras que los otros generalmente aparecían en nichos en las tumbas y su decoración se limitaba a partes que permanecían visibles. La práctica romana del entierro en sarcófagos continuó en la era cristiana, constituyendo uno de los principales medios para el desarrollo de la iconografía religiosa.

Levantamientos arquitectonicos
En la tradición de los altares monumentales, las columnas conmemorativas y los arcos triunfales, los relieves decorativos utilizados en estas arquitecturas eran un campo fértil para el desarrollo de un estilo narrativo típico de los romanos. Los precursores clasicistas fueron el Altar de Anobarbus y el Ara Pacis. Otro que merece una mención es el friso de la Basílica Emilia (c. 54-34 a. C.) en el Foro Romano, en un vigoroso estilo helenizante, vivo, con visiones drásticas y completado con escenas de paisajes. De la dinastía julio-claudiana casi nada sobrevivió, pero un testimonio que nos puede dar una idea del estilo de este período es un friso encontrado en Roma, que muestra una procesión de magistrados y sacerdotes que llevan estatuillas votivas, junto con ayudantes, músicos y otros cifras.

La decoración del Arco de Tito (ca. 81-82) fue considerada como el punto más alto del estilo Flavio. Los paneles que lo decoran y que muestran el triunfo de Tito tienen excelentes cualidades estéticas y demuestran una gran habilidad en el uso de la visión para la representación de la cuadriga del emperador, donde el carro aparece visto desde el frente hacia el espectador pero el el artista logra crear la impresión de que está girando a la derecha. El otro panel representa el saqueo de Jerusalén, usa este recurso con el mismo éxito, en otro contexto, y ambos tienen su efecto ilusorio reforzado por el uso racional de la luz y la sombra. Pero, en verdad, es difícil hablar de un «estilo flavio», ya que en otros lugares hay relieves más estáticos, de naturaleza bastante clasicista y anti-pictórica.

Al reinado de Trajano pertenece la famosa Columna de Trajano, que conmemora la campaña en Dacia entre 101 y 106. Es una columna grande completamente cubierta por un friso continuo que forma una espiral hacia la parte superior, y es un ejemplo perfecto del estilo narrativo de Relieves históricos romanos. Los episodios se fusionan entre sí sin interrupción, excepto ocasionalmente un árbol que actúa como una separación. Trajano aparece varias veces en diferentes situaciones. En total, se tallan casi 2.500 figuras, y el nivel técnico se mantiene en todo el complejo. Una característica innovadora es el abandono de la perspectiva y el uso de figuras desproporcionadas a su paisaje circundante, lo que dilata la influencia oriental que penetró en este momento. Hoy solo vemos formas de mármol, pero su efecto cuando se completó debe haber sido sorprendente porque, de acuerdo con la práctica de la época, todas las escenas fueron pintadas y adornadas con detalles metálicos. Es posible que su autor fuera Apolodoro de Damasco.

Poco después, la tendencia se invirtió hacia el clasicismo. El Arco di Traiano en Benevento se destaca, en un estado excepcional de conservación, solo las esculturas se completaron bajo Adriano, y los once paneles de un estilo similar, pero aún mejor ejecutados, que representan al emperador Marco Aurelio en varias escenas. Cuatro de ellos están ahora en los Museos Capitolinos, y los otros fueron reutilizados en la era imperial para la decoración del Arco de Constantino. La columna de Marcus Aureliusit es otro gran ejemplo de la prevalencia clasicista en esta fase; Aunque hay una multitud de figuras que se amontonan en la espiral continua del friso que rodea el monumento, se conserva un sentido de orden, elegancia, ritmo y disciplina que está ausente en la columna de Trajano.

Este interludio de clasicismo, sin embargo, habría terminado con Septimio Severo, cuyo arco se acerca nuevamente al arte oriental en su sistema de proporciones y en el acortamiento de la organización de escenas independientes, en el que cuatro grandes paneles narran las campañas en Mesopotamia. Desde el siglo III prácticamente no sobrevivió nada, y lo que tenemos como restos son pequeños frisos que muestran figuras toscas y esbozadas. El mismo estilo continúa a lo largo del siglo IV, como se puede ver en los frisos superiores del norte y sur del Arco de Constantino, que muestran un marcado contraste con los otros paneles más antiguos, de la era de Marco Aurelio. Los últimos ejemplos significativos de escultura arquitectónica romana se encuentran en la base del obelisco de Teodosio I en el Hipódromo de Constantinopla,

Jardines y baños
Aparentemente, varios jarrones de piedra conocidos, esculpidos en relieve del período imperial, se usaban principalmente como adornos de jardín; de hecho, muchas estatuas también se colocaron en jardines, tanto públicos como privados. Las esculturas recuperadas del sitio de los Jardines de Salustio, abiertas al público por Tiberio, incluyen:

El Obelisco Sallustiano, una copia romana de un obelisco egipcio que ahora se encuentra frente a la iglesia Trinità dei Monti sobre la Piazza di Spagna en la parte superior de la Plaza de España.
El florero Borghese, descubierto allí en el siglo XVI.
Las esculturas conocidas como la Galia moribunda y la Galia matándose a sí mismo y a su esposa, copias de mármol de partes que un famoso grupo helenístico en bronce encargó a Pérgamo alrededor del 228 a.
el Trono Ludovisi (probablemente una auténtica pieza griega en el estilo Severo), encontrado en 1887, y el Trono de Boston, encontrado en 1894.
El Amazonas agazapado, encontrado en 1888 cerca de la vía Boncompagni, a unos veinticinco metros de la vía Quintino Sella (Museo Conservatori).

Los baños romanos eran otro sitio para la escultura; Entre las piezas conocidas recuperadas de los Baños de Caracalla se encuentran el Toro de Farnese y el Hércules de Farnese y figuras patrióticas de tamaño natural de principios del siglo III que recuerdan en cierto modo las obras socialistas soviéticas (ahora en el Museo di Capodimonte, Nápoles).

Otros usos
Entre las aplicaciones menores de la escultura hay estatuillas de culto doméstico, figuras y máscaras del teatro, cameos, objetos decorados, amuletos y juguetes para niños. Sin embargo, menos celebrados que los grandes géneros, no son menos importantes que esos, y a menudo dan una idea más exacta, íntima y sincera de la mentalidad romana, principalmente de las personas, más allá de las representaciones oficiales imponentes.

Cameos
En estos géneros menores, los cameos son los más lujosos, limitados a las clases altas y generalmente utilizados como joyas. Tallados en piedras semipreciosas como ágata, calcedonia, jaspe, amatista y ónice, se consideran esculturas en miniatura por la apreciación que John Ruskin hizo de ellas, cuando hasta entonces se consideraban una forma de grabado. Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenísticos, quienes fueron los primeros en lograr un alto grado de refinamiento en este género. Su pequeño tamaño no debe engañarnos en cuanto a la experiencia requerida para este tipo de trabajo, ya que se requiere una concentración intensa y una sensibilidad enorme para trabajar el grano de la piedra y sus diferentes capas para obtener tonos sutiles de color y efectos de luz y transparencia. Su datación es muy problemática, y muchas piezas indican que han sido reelaboradas en diferentes momentos. Los mejores especímenes se han convertido en piezas de colección disputadas con avidez, y entre ellas podemos mencionar la fantástica Augustan Gem, una gran pieza de ónix de dos tonos tallada con dos escenas compuestas de varios personajes.

Durante el período imperial, los cameos disfrutaron de un gran prestigio, lo que inspiró a los romanos a inventar una derivación de vidrio, que ofrecía la ventaja de permitir un mayor control sobre el color y la transparencia, pero era aún más difícil, largo y costoso de trabajar. de la piedra, presentando desafíos técnicos considerables, que aún no han sido completamente explorados por los vidrieros contemporáneos. Sin embargo, cameos enteros de camafeo de vidrio con decoración tallada, como el famoso Portland Vase y Vase of the Seasons.

Juguetes
Los juguetes se encuentran en todas las culturas, y los romanos no fueron la excepción. Las referencias literarias abundan desde el período helenístico, y todo indica que había una enorme variedad de objetos destinados al entretenimiento de los niños, desde muñecas tradicionales hasta carros con ruedas, muebles, figuras de guerreros y animales, e incluso casas en miniatura de metal, madera o terracota. . Los juguetes son excelentes objetos para estudiar las condiciones económicas y sociales de la época.

Estatuillas de adoración privada
En el ámbito religioso, destacan las estatuillas de culto privado de muchas deidades del panteón romano y de las deidades familiares y regionales. El hábito del antropomorfismo de los dioses fue heredado por los etruscos y los griegos, y por lo tanto, prácticamente todas las fuerzas naturales y poderes abstractos asumieron un aspecto humano para los romanos y recibieron un culto, aunque su religión no era rígidamente organizada y adoración privada (más que pública). tuvo un papel importante Los museos están llenos de estatuillas de culto doméstico, lo que demuestra su amplia difusión en todo el imperio. Su calidad artística es muy variable, y se debe creer que los utilizados por la gente común son ordinarios y poco atractivos, pero hay ejemplos de gran refinamiento. En este campo, no era el aspecto estético de las estatuillas lo que tenía valor,

Las estatuillas de amuleto tienen una función similar. En la religión romana compleja y multifacética, la magia jugó un papel no insignificante, y los amuletos encontraron su lugar en ella. Los griegos y etruscos los usaron, y varios autores clásicos hablan de ellos favorablemente, como Plinio y Galeno. Incluso los romanos lo convirtieron en una costumbre generalizada, especialmente durante la última época imperial. Aunque los amuletos eran generalmente objetos pequeños y portátiles, no necesariamente figuras, una serie de estatuillas que realizan la misma función sobreviven, retratando los espíritus protectores de las casas asociadas con los antepasados, los Lares, profundamente venerados en los santuarios domésticos, o Príapo, el fálico. Dios, cuya imagen se consideraba un poderoso remedio contra el mal de ojo, la esterilidad y la impotencia, y que se colocaba en la parte externa de la entrada de las casas.

Utensilios decorados
Finalmente, queda una breve mención de los floreros, servicios de mesa, lámparas, manijas de puertas y muchos otros tipos de utensilios con una decoración que se acerca a la escultura propiamente dicha, una categoría muy variada de piezas que atestigua la amplia aplicación de la escultura en la antigua Roma. Las lámparas y braseros podrían decorarse con imágenes en relieve que muestren escenas religiosas, mitológicas y eróticas, de acuerdo con la ubicación a la que fueron destinadas y podrían tener uno o más pies muy ornamentados. Incluso platos, ollas, cuencos y jarrones podrían tener relieves, o asas y cuellos de formas extravagantes. En cerámica podemos distinguir el tipo de tierra sellada, una especie de jarrón decorado con grabados y relieves, que tenía una amplia difusión, y las antenas decorativas, instaladas en los bordes de los techos, que podrían hacerse en formas abstractas o figurativas.

Escultura imperial tardía
Como se mencionó anteriormente, los últimos siglos del imperio (del tercer al quinto siglo) vieron nacer un contexto cultural totalmente nuevo. A veces, esta fase de transformación se ha visto como una decadencia artística, pero es justo recordar que el canon griego fue el resultado de una era y un contexto bien definidos, y aunque ha dado forma a los orígenes artísticos de Roma y gran parte de su trayectoria. los tiempos y el territorio habían cambiado, y el clasicismo comenzaba a convertirse en una cosa del pasado y una referencia simbólica o histórica más que una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia y entró en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Cercano Oriente, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se convirtió en una parte integral de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendieron desde España,

En una era de efervescencia cultural y de gran diversidad de principios estéticos, la permanencia de los elementos clásicos en todas sus partes, modificada, es cierto, en diferentes grados, aún se permite mantener abiertos los canales de comunicación y actuar como una especie de lingua franca artístico. El sincretismo siempre fue una característica del arte romano, pero a fines de la era imperial asumió un papel de importancia crucial. Después de la cristianización del imperio, las normas del arte pagano fueron adoptadas por los emperadores cristianos sin dudarlo, aunque adaptadas a nuevos temas. Cuando Constantinopla se convirtió en la nueva capital, estaba llena de alusiones arquitectónicas y artísticas a la «antigua Roma», un deseo declarado de mantener la continuidad de las tradiciones antiguas, incluso si tenían que ser reformadas para satisfacer las necesidades de un nuevo contexto.

Este proceso fue consciente y voluntario, como lo confirma la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar bajo las formas elegidas derivadas de la herencia clásica proporcionó una importante cohesión cultural en un momento en que los bloques de construcción del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado ya se estaba convirtiendo. Una amenaza real. En realidad no hubo una permanencia literal del clasicismo, lo que hubiera sido imposible: lo que sucedió fue una continuidad «selectiva». Este proceso fue consciente y voluntario, como lo confirma la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar bajo las formas elegidas derivadas de la herencia clásica proporcionó una importante cohesión cultural en un momento en que los bloques de construcción del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado ya se estaba convirtiendo. Una amenaza real. En realidad no hubo una permanencia literal del clasicismo, lo que hubiera sido imposible: lo que sucedió fue una continuidad «selectiva». Este proceso fue consciente y voluntario, como lo confirma la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. continuidad. Este proceso fue consciente y voluntario, como lo confirma la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. continuidad. Este proceso fue consciente y voluntario, como lo confirma la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido.

El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar bajo las formas elegidas derivadas de la herencia clásica proporcionó una importante cohesión cultural en un momento en que los bloques de construcción del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado ya se estaba convirtiendo. Una amenaza real. según lo confirmado por la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar bajo las formas elegidas derivadas de la herencia clásica proporcionó una importante cohesión cultural en un momento en que los bloques de construcción del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado ya se estaba convirtiendo. Una amenaza real. según lo confirmado por la literatura de la época. Se conservaron algunos prototipos formales, mientras que un gran repertorio de otros modelos simplemente estaba condenado al olvido. El enmascaramiento de los rápidos cambios sociales y políticos que tuvieron lugar bajo las formas elegidas derivadas de la herencia clásica proporcionó una importante cohesión cultural en un momento en que los bloques de construcción del imperio tendían a la diversidad, y cuando la fragmentación del estado ya se estaba convirtiendo. Una amenaza real.

La élite continuó recibiendo educación clásica y se mantuvo conservadora. Sus miembros leyeron autores consagrados, y a través de ellos se familiarizaron con la tradición ancestral, desarrollando un gusto por ella. Las ciudades, las villas aristocráticas y los teatros estaban decorados con imágenes todavía paganas. La conversión de Constantino al cristianismo en 312 provocó una ruptura con esta tradición, incluso si no de forma inmediata o completa.

De acuerdo con Rachel Kousser:
«La aristocracia del siglo IV tuvo que negociar un lugar para sí misma en este mundo contradictorio, sin causar un conflicto abierto. Los monumentos que se construyeron conservaron las huellas de esta negociación: tradicional en forma, oblicua en contenido, documentan la creación de un nuevo consenso. Las obras de arte más exitosas que resultaron fueron providencialmente no específicas; su objetivo no era proclamar una identidad definida y única de sus clientes, sino sugerir una gran cantidad de valores comunes, que permanecían abiertos a una variedad de interpretaciones.

Por lo tanto, en lugar de enfatizar los lazos de estas obras con ideologías religiosas particulares, afiliaciones políticas, etc., lo que finalmente indicaría un carácter separatistaacter – (…) son resonantes y unificadores. Para los aristócratas del siglo IV, estas imágenes basadas en modelos de estatuas clásicas fueron vehículos útiles para una autorrepresentación equilibrada y eficiente; se habló de un pasado compartido por todos y un presente dividido. De esta manera, ayudaron a garantizar la supervivencia de las formas clásicas en el arte medieval. (…) Las obras de arte resultantes parecían familiares. Aunque hoy parecen monótonamente convencionales para muchos estudiosos modernos, tenían valor en la antigüedad tardía. Estas obras identificaron el nuevo orden cristiano con la tradición venerable, una tradición que consideraba la representación naturalista de la forma humana como el mayor logro de la escultura. En este sentido, »

El prestigio de las estatuas paganas se mantuvo alto hasta el siglo IV dC; Ni siquiera el surgimiento del cristianismo y la prohibición del antiguo culto por Teodosio I en 391 causó una destrucción inmediata de imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a fines del siglo IV de nuestra era, todavía recomendaba que las estatuas de los ídolos paganos se conservaran como «ejemplos de la habilidad de los grandes artistas y como un espléndido adorno de nuestras ciudades», y Cassiodorus cuenta cómo los esfuerzos aún eran hecho en el siglo cuarto para preservar las antiguas esculturas paganas como evidencia de la grandeza imperial para la posteridad. A pesar de esto, más tarde la política del papado y el imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados para recuperar el material para su uso en otras obras,

Uso del color como recurso mimético y expresivo.
Como complemento al trabajo de corte de piedra o fundición de bronce, el efecto final de la pieza tallada se modificó con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y llevada a cabo comúnmente, como lo muestran los relatos históricos, y que dio a las esculturas, un aspecto totalmente diferente de cómo las vemos hoy en museos, solo de piedra o bronce. Este hecho histórico, aunque conocido por al menos dos siglos, todavía causa sorpresa hoy, y de hecho dio lugar a un concepto erróneo, incluso entre los arqueólogos y conservatorios de museos que creían que las obras originales se hicieron dejando las apariencias del material utilizado, un hecho obvio. error que se perpetuó hasta hace poco. Este uso decorativo de pigmentos era en realidad un hecho fundamental en el arte antiguo, y no había estatuas,

Además de pintar, se utilizó para insertar piezas de otros materiales de colores como plata y oro, esmalte, nácar y vidrio, para resaltar ciertas características o partes anatómicas, y ciertos tipos de mármoles de colores y piedras nobles como el ónix, El alabastro y la sardonía, ricas en vetas multicolores y transparencias, podrían usarse en algunas partes de las prendas de las estatuas para crear efectos más lujosos. Investigaciones recientes publicadas junto con exposiciones temáticas de grandes obras con la restauración de sus colores originales, han ofrecido una visión completamente nueva del arte clásico.

Legado
Los romanos fueron las primeras personas en estar orgullosas de florecer a la sombra de una cultura extranjera. Virgilio, en su Eneida, hizo que el fantasma de Anchise se volviera hacia Roma, aún no nacida, para declarar que en las artes y las ciencias ella siempre sería inferior a los griegos, pero que los superaría en la guerra y la administración pública. En otra parte, el poeta se jactó de que su musa había sido la primera en cantar en verso a la manera de Teócrito, y abundan otros casos similares en la literatura contemporánea de la época. Como se ha demostrado, toda la producción de esculturas romanas fue un inmenso deudor del ejemplo griego, y lo mismo sucedió con otras artes, como la poesía, la música y la arquitectura. Esto es un hecho, pero fue interpretado por autores influyentes como Arnold Toynbee y Roger Fry como un demérito de los romanos, viéndolos como personas esencialmente imitativas,

Esta opinión reflejaba la posición de la crítica a fines del siglo XIX, que en esencia culpaba a los romanos de no ser griegos, pero irónicamente se deriva de los mismos romanos, quienes mantuvieron en relación con su papel de epígonos una actitud que era al mismo tiempo. Orgulloso y modesto. Pero como hemos visto, esto no impidió que sus escultores desarrollaran ciertos rasgos de originalidad evidente, reconocidos por otros críticos, haciendo que esa acusación, aunque basada en evidencia clara, no fuera del todo correcta.

Por otro lado, juzgar una cultura antigua desde un punto de vista moderno es siempre una maniobra imprudente. Los romanos se caracterizaron por poseer en general un alto espíritu público y una fuerte aversión al individualismo y la excentricidad, lo que siempre asustó a los griegos, y las tradiciones ancestrales, públicas y familiares, siempre fueron objeto de extrema veneración. Virgil cuenta en ‘Eneida, la historia de Eneas cargando sobre su hombro en la huida de su padre de Troya, que se convirtió en un modelo de piedad romana, un deber honorable hacia los padres, e incluso en tiempos devastados por disputas políticas y élites inmorales y decadente, incluso si Los comportamientos que hoy vemos como crueles y extraños, entre las cualidades más apreciadas en un romano, eran comunes en toda la sociedad: ahorro, severitas, frugalitas y simplicitas: ahorro, austeridad y dignidad, frugalidad y simplicidad, elogiadas repetidamente en la literatura contemporánea. Teniendo en cuenta estos factores, su aparente falta de originalidad se vuelve relativa y un rasgo de identidad cultural. En todos los sentidos, la escultura nos ofrece una gran cantidad de material para poder estudiar todo el legado romano y comprender su peculiar actitud en el ámbito cultural.

Al caer en la oscuridad de la Edad Media, tanto por la destrucción previa de la mayoría de los ejemplos como por el cambio en la concepción del arte y los valores culturales, la escultura romana tuvo una oportunidad en el Renacimiento para hacer una nueva aparición en la escena del arte. Y más que una aparición, fue de hecho un elemento fundamental para el desarrollo de una nueva estética de esta época. Raffaello, consciente de la inmensidad de la pérdida de obras antiguas en épocas anteriores, deploró el hábito de reutilizar mármol y bronce para crear otros objetos, y el descubrimiento de varios especímenes de escultura romana de alta calidad en este período causó sensación en la sociedad renacentista, estimulando copias y nuevas interpretaciones, la búsqueda ansiosa de otros restos en innumerables excavaciones arqueológicas y la aparición de una corriente de reproducciones grabadas.

Durante el Barroco, el interés por las estatuas antiguas no disminuyó. Maestros como Bernini eran conocidos amantes del arte griego y romano, y su producción debe mucho a ejemplos antiguos y temas clásicos. Tampoco disminuyó durante los siguientes períodos. En el siglo XVIII, el vestuario del «Gran Tour Europeo» se formó entre las élites, Roma fue la visita obligatoria, y el deseo de conocimiento y la adquisición del arte de la antigüedad clásica se convirtió en una manía, determinando la aparición de la Neoclasicismo Entre los siglos XVIII y XIX se formaron varias colecciones privadas importantes en varios países, y en particular en Inglaterra, también sirvieron para garantizar la buena reputación social de los propietarios y facilitar su acceso a las oficinas públicas.

Aunque los artistas neoclásicos admiraban la producción griega, su reinterpretación del estilo clásico se basaba principalmente en principios romanos, por el simple hecho de que las obras conocidas en ese momento eran casi todas romanas, y no griegas. A mediados del siglo XIX, con la reapertura de Grecia hacia el oeste después de una larga dominación turca, con la realización de varias investigaciones arqueológicas que sacaron a la luz una gran cantidad de obras griegas originales, y bajo la influencia de la corriente romántica, el El gusto del público tendía hacia el helenismo, pero incluso entonces el arte romano cayó en desgracia, los nuevos norteamericanos ricos mantuvieron esta tradición. Sin embargo, en el siglo XX, la revolución modernista condujo a una disminución drástica en la capacidad del arte romano para inspirar a las nuevas generaciones de artistas,