Scultura romana – HiSoUR – Ciao, così sei

La scultura romana si sviluppò nell’area di influenza dell’Impero Romano, con il suo centro nella città, tra il VI secolo a.C. e il V secolo d.C. Originariamente derivato dalla scultura greca, principalmente attraverso la mediazione etrusca, e quindi direttamente, attraverso contatto con le colonie della Magna Grecia e con la stessa Grecia nel periodo ellenistico. Roma, tuttavia, ha la sua arte e la sua scuola indigene e indipendenti, anche se fa parte delle continue relazioni e del traffico attraverso il bacino del Mediterraneo e oltre.

Lo studio della scultura romana è complicato dal suo rapporto con la scultura greca. Molti esempi anche delle più famose sculture greche, come l’Apollo Belvedere e il Fauno Barberini, sono noti solo da “copie” imperiali o ellenistiche romane. Un tempo, questa imitazione era stata presa dagli storici dell’arte come indicativo di una ristrettezza dell’immaginazione artistica romana, ma, alla fine del XX secolo, l’arte romana ha iniziato a essere rivalutata alle sue condizioni: alcune impressioni sulla natura della scultura greca potrebbero basarsi infatti sull’arte romana.

La tradizione greca ha continuato a essere un riferimento costante per tutto il corso dell’arte scultorea a Roma, ma contraddicendo un’opinione antica e diffusa secondo cui i romani erano solo semplici copisti, è ormai riconosciuto che non solo erano in grado di assimilare e sviluppare le loro fonti con abilità , ma anche per dare un contributo originale e importante a questa tradizione, visibile soprattutto nel ritratto, un genere che godeva di un singolare prestigio e che lasciava esempi di grande abilità tecnica e alta espressività, e nella scultura decorativa dei grandi monumenti pubblici, dove sviluppato uno stile narrativo di grande forza e carattere tipicamente romano.

I punti di forza della scultura romana sono nella ritrattistica, in cui si preoccupavano meno dell’ideale dei Greci o degli antichi egizi e producevano opere molto caratteristiche e in scene narrative in rilievo. Esempi di sculture romane sono abbondantemente conservati, in totale contrasto con la pittura romana, che era molto praticata ma è stata quasi completamente persa. Gli autori latini e alcuni greci, in particolare Plinio il Vecchio nel libro 34 della sua storia naturale, descrivono le statue e alcune di queste descrizioni corrispondono a opere esistenti. Mentre una grande quantità di scultura romana, specialmente in pietra, sopravvive più o meno intatta, è spesso danneggiata o frammentaria; le statue in bronzo a grandezza naturale sono molto più rare in quanto la maggior parte è stata riciclata per il loro metallo.

La maggior parte delle statue erano in realtà molto più realistiche e spesso colorate quando originariamente create; la superficie di pietra grezza trovata oggi è dovuta alla perdita del pigmento nel corso dei secoli.

Dopo il consolidamento dell’Impero romano, altre influenze straniere, in particolare quelle orientali, determinarono una progressiva separazione dal canone greco verso una semplificazione formale della tendenza astratta, che stabilì le basi dell’arte bizantina, paleocristiana e medievale. Questo processo, tuttavia, fu intervallato da vari periodi di recupero del classicismo, che oltre a rafforzare il legame simbolico con il passato erano utili per mantenere la coesione culturale e politica del vasto territorio. Nemmeno la cristianizzazione dell’impero poteva determinare l’esclusione dei riferimenti classico-pagani dalla scultura romana e fino al V secolo, quando l’unità politica alla fine si spezzò, i modelli classici continuarono ad essere imitati, ma adattati ai temi del nuovo sociale,

Per quanto questa sintesi cerchi di mantenersi in una cronologia più o meno ordinata e cerchi di stabilire la specificità di ogni fase, lo studio della scultura romana ha dimostrato di essere una sfida per i ricercatori poiché la sua evoluzione è tutt’altro che logica e lineare. I tentativi di imporre un modello di sviluppo formale come sistema organico sulla storia della scultura romana sono inaccurati e irrealistici. Nonostante le differenze tra gli studiosi su molti punti, ora abbiamo un’idea più o meno chiara delle caratteristiche generali di ogni fase evolutiva, ma il modo in cui queste caratteristiche si sono evolute e trasformate da una fase all’altra ha dimostrato di essere un processo molto complesso che è ancora lungi dall’essere ben compreso. eclettismo, ancora più pronunciato di quello osservato durante l’ellenismo,

Oltre al grande merito intrinseco della produzione scultorea romana, l’abitudine generalizzata di copiare vecchie opere greche e la persistenza di allusioni al classicismo greco nel corso della sua storia, anche attraverso il cristianesimo primitivo, ha mantenuto viva una tradizione e un’iconografia che altrimenti avrebbero potuto avere stato perso. Quindi dobbiamo a Roma buona parte della nostra conoscenza della cultura e dell’arte dell’antica Grecia, e inoltre la scultura romana – insieme alla scultura greca – era di fondamentale importanza nella formulazione dell’estetica del Rinascimento e del Neoclassicismo, attestando la sua vitalità e significato nei tempi moderni, oltre ad essere considerato oggi come uno dei più importanti corpi artistici della cultura occidentale,

Panoramica
L’arte romana antica fu influenzata dall’arte della Grecia e da quella dei vicini Etruschi, essi stessi fortemente influenzati dai loro partner commerciali greci. Una specialità etrusca era vicino a effigi tomba a grandezza naturale in terracotta, di solito giaceva sopra un coperchio di sarcofago appoggiato su un gomito nella posa di una tavola calda in quel periodo. Mentre la repubblica romana in espansione iniziava a conquistare il territorio greco, dapprima nell’Italia meridionale e poi in tutto il mondo ellenistico ad eccezione dell’estremo oriente dei Parti, la scultura ufficiale e patrizia divenne in gran parte un’estensione dello stile ellenistico, dal quale sono difficili da individuare elementi specificamente romani districare, soprattutto perché tanta scultura greca sopravvive solo nelle copie del periodo romano. Nel II secolo a.C. “la maggior parte degli scultori che lavoravano a Roma” erano greci, spesso schiavizzato in conquiste come quella di Corinto (146 a.C.), e gli scultori continuarono ad essere per lo più greci, spesso schiavi, i cui nomi sono raramente registrati. Vaste quantità di statue greche furono importate a Roma, sia come bottino che come risultato di estorsione o commercio, e i templi erano spesso decorati con riutilizzate opere greche.

La famosa testa di bronzo presumibilmente di Lucio Giunio Bruto è molto variamente datata, ma considerata una rarissima sopravvivenza dello stile italico sotto la Repubblica, nel mezzo preferito del bronzo. Allo stesso modo si vedono teste severe e forti nelle monete dei consoli, e nel periodo imperiale monete e busti inviati intorno all’Impero per essere collocati nelle basiliche delle città provinciali erano la principale forma visiva della propaganda imperiale; persino Londinium aveva una statua quasi colossale di Nerone, sebbene molto più piccola del Colosso di Nerone alto 30 metri a Roma, ora perduto. The Tomb of Eurysaces the Baker, un liberatore di successo (50-20 a.C. circa) ha un fregio che è un insolitamente grande esempio di stile “plebeo”. La ritrattistica imperiale fu inizialmente ellenizzata e fortemente idealizzata, come nel Cammeo di Blacas e in altri ritratti di Augusto.

I romani non tentarono generalmente di competere con le opere greche indipendenti di exploit eroici della storia o della mitologia, ma fin dall’inizio produssero opere storiche in rilievo, culminando nelle grandi colonne trionfali romane con continui rilievi narrativi che si snodano attorno a loro, di cui quelli che Commemorazione di Traiano (113 d.C.) e Marco Aurelio (del 193) sopravvivono a Roma, dove l’Ara Pacis (“Altare della Pace”, 13 a.C.) rappresenta lo stile greco-romano ufficiale nella sua forma più classica e raffinata, e le sculture Sperlonga nella sua forma più barocca. Alcune sculture pubbliche tardo-romane svilupparono uno stile massiccio e semplificato che a volte anticipa il realismo socialista sovietico. Tra gli altri importanti esempi ci sono i rilievi precedentemente riutilizzati sull’arco di Costantino e la base della colonna di Antonino Pio (161),

Tutte le forme di piccole sculture di lusso hanno continuato a essere frequentate e la qualità potrebbe essere estremamente elevata, come nella Warren Cup in argento, nella Coppa in vetro di Lycurgus e nei grandi cameo come la Gemma Augustea, il Gonzaga Cameo e il “Grande Cammeo di Francia”. Per una parte molto più ampia della popolazione, sono state prodotte decorazioni in rilievo modellate di vasi di ceramica e piccole figurine in grande quantità e spesso di notevole qualità.

Dopo essersi spostato attraverso una fase “barocca” della fine del II secolo, nel III secolo l’arte romana ha in gran parte abbandonato, o semplicemente non è stato in grado di produrre, scultura nella tradizione classica, un cambiamento le cui cause rimangono molto discusse. Anche i più importanti monumenti imperiali mostrano ora figure tozze e con gli occhi grandi in un aspro stile frontale, in composizioni semplici che enfatizzano il potere a spese della grazia. Il contrasto è notoriamente illustrato nell’Arco di Costantino del 315 a Roma, che combina sezioni nel nuovo stile con tondi nel precedente stile greco-romano preso da altrove e i Quattro Tetrarchi (c. 305) dalla nuova capitale di Costantinopoli, ora a Venezia. Ernst Kitzinger trovò in entrambi i monumenti le stesse “proporzioni tozze, movimenti angolari,

Questa rivoluzione in stile ha preceduto brevemente il periodo in cui il cristianesimo fu adottato dallo stato romano e dalla grande maggioranza del popolo, portando alla fine della grande scultura religiosa, con grandi statue ora utilizzate solo per gli imperatori, come nei famosi frammenti di un colossale statua acrolitica di Costantino e colosso di Barletta del IV o V secolo. Tuttavia i cristiani ricchi continuarono a commissionare rilievi per i sarcofagi, come nel sarcofago di Giunio Basso, e la scultura molto piccola, specialmente in avorio, fu continuata dai cristiani, costruendo sullo stile del dittico consolare.

materiale
A causa dell’influenza etrusca, i primi materiali utilizzati dalla scultura a Roma sono terracotta e bronzo. Tuttavia, gli artisti hanno rapidamente sfruttato un materiale molto facilmente accessibile nella regione, calcare o tufo di travertino. Dal II secolo a.C. AC, gli scultori romani iniziarono ad usare pietre dalla Grecia, principalmente marmo del Pentelico e quello di Paros. Al tempo di Giulio Cesare, l’apertura delle cave di marmo Luna (l’attuale Carrara) sconvolge le abitudini degli artisti: da ora in poi, la maggior parte delle statue e dei monumenti della città di Roma sarà realizzata con questo materiale, il marmo di Carrara. Le opere più modeste prodotte nelle province utilizzano generalmente risorse locali. Il gusto per le pietre colorate come il grigio granito o il porfido si sviluppa sotto i Flavi (fine del I secolo).

La maggior parte delle opere scolpite che sono sopravvissute ai tempi moderni sono fatte di pietra. Di conseguenza, è difficile valutare la quota originale di sculture in bronzo o metalli preziosi (oro, argento), la maggior parte delle quali è stata rifusa per recuperare il materiale di partenza.

Tecnologia
Scene mostrate su rilievi come quello della colonna di Traiano e quelli mostrati su sarcophogi rivelano immagini della tecnologia romana ormai perdute da tempo, come le baliste e l’uso di seghe a ruota idraulica per il taglio di pietre. Quest’ultimo è stato scoperto solo di recente a Hieropolis e commemora il mugnaio che ha usato la macchina. Altri rilievi mostrano macchine da raccolta, così come sono state descritte da Plinio il Vecchio nella sua Naturalis Historia.

Scultura e società romane
Roma era una società con una grande sensibilità visiva. Le arti visive agivano come una sorta di letteratura accessibile alle grandi masse, poiché la grande maggioranza della sua popolazione era analfabeta e incapace di parlare il latino erudito che circolava tra l’élite; attraverso questi, l’ideologia prevalente fu riaffermata ed era un mezzo per diffondere l’immagine di grandi personalità. In questo contesto, la scultura godeva di una posizione privilegiata che occupava tutti gli spazi pubblici e privati, riempiendo le città di una proliferazione di opere di varie tecniche artistiche.

Gran parte della scultura prodotta a Roma appartiene al tema religioso, o è in qualche modo collegata. E spesso anche i ritratti erano associati a temi sacri. Come in qualsiasi altra cultura, Roma produceva immagini per il culto religioso ed erano presenti ovunque, dai grandi templi pubblici alle abitazioni più modeste. La loro presenza divenne comune nelle grandi sculture in bronzo e marmo – statue, grandi sarcofagi, rilievi architettonici, cammei incisi su pietre preziose – in piccole statue in terracotta, semplici placche funerarie, maschere mortuarie in cera – il cui costo era alla portata di le classi più umili; anche in monete, che possono essere intese come un rilievo in miniatura e che erano accessibili alla grande massa popolare. Jaś Elsner spiega:

«Tali immagini, alla ricerca di soggetti imperiali di tutte le forme di vita sociale, economica e religiosa, hanno contribuito a costruire un’unità simbolica tra i vari popoli che costituivano il mondo romano, concentrando il loro senso della gerarchia su una persona suprema. Quando un imperatore morì, i suoi eredi potevano lodare le sue sculture come un dio – proclamando continuità in successione ed erigendo templi in suo onore. Quando un imperatore fu rovesciato, le sue immagini furono violentemente represse nella damnatio memoriae, la soppressione della memoria che informava visivamente la popolazione dei cambiamenti all’interno dell’autorità politica (…). il politeismo non era una religione di scritture e dottrine, la struttura di una chiesa gerarchica e centralizzata; era piuttosto un insieme di luoghi di culto, rituali e miti, gestiti da comunità e spesso da sacerdoti ereditari. Era eclettico e diversificato, ampio, pluralista e tollerante. Immagini e miti forniscono al mondo antico le principali forme di “teologia”. »

Quando il cristianesimo divenne la religione ufficiale, il ruolo dell’arte cambiò radicalmente, anche se non perse la sua importanza centrale. Il dio cristiano non era conosciuto dalle immagini, ma dalle scritture, dai suoi profeti e commentatori. Tuttavia, la scultura e il suo repertorio di rappresentazioni naturalistiche convenzionali furono adottati dalla nuova chiesa, usati per la composizione delle allegorie e continuarono ad essere usati come decorazione nelle sfere secolari, pubbliche e private; fino alla fine dell’impero, è servito come un record storico, per la pratica del ritratto, o come un modo per enfatizzare il patrimonio classico condiviso da tutti, al fine di stabilire l’unità culturale in un momento in cui le periferie stavano iniziando a sviluppare il loro propria cultura con un alto grado di indipendenza, ed era sempre più difficile mantenere unificato il territorio.

Sviluppo
L’arte romana antica fu influenzata dall’arte della Grecia e da quella dei vicini Etruschi, essi stessi fortemente influenzati dai loro partner commerciali greci. Una specialità etrusca era vicino a effigi tomba a grandezza naturale in terracotta, di solito giaceva sopra un coperchio di sarcofago appoggiato su un gomito nella posa di una tavola calda in quel periodo. Mentre la repubblica romana in espansione iniziava a conquistare il territorio greco, dapprima nell’Italia meridionale e poi in tutto il mondo ellenistico ad eccezione dell’estremo oriente dei Parti, la scultura ufficiale e patrizia divenne in gran parte un’estensione dello stile ellenistico, dal quale sono difficili da individuare elementi specificamente romani districare, soprattutto perché tanta scultura greca sopravvive solo nelle copie del periodo romano. Nel II secolo a.C., “la maggior parte degli scultori che lavoravano a Roma” erano greci, spesso schiavizzato in conquiste come quella di Corinto (146 a.C.), e gli scultori continuarono ad essere per lo più greci, spesso schiavi, i cui nomi sono raramente registrati. Vaste quantità di statue greche furono importate a Roma, sia come bottino che come risultato di estorsione o commercio, e i templi erano spesso decorati con riutilizzate opere greche.

Uno stile nativo italiano può essere visto nei monumenti tombali dei prosperi romani della classe media, che molto spesso presentavano busti di ritratti, e la ritrattistica è probabilmente il principale punto di forza della scultura romana. Non ci sono sopravvissuti alla tradizione delle maschere degli antenati che venivano indossati in processioni ai funerali delle grandi famiglie e altrimenti esposti in casa, ma molti dei busti che sopravvivono devono rappresentare figure ancestrali, forse dalle grandi tombe di famiglia come le Tomba degli Scipioni o la mausolea successiva fuori città. Il famoso “Capitolino Bruto”, una testa di bronzo presumibilmente di Lucio Giunio Bruto è molto variamente datato, ma considerato una rarissima sopravvivenza dello stile italico sotto la Repubblica, nel mezzo preferito del bronzo. Allo stesso modo si vedono teste severe e forti nelle monete dei consoli, e nel periodo imperiale monete e busti inviati in tutto l’Impero per essere collocati nelle basiliche delle città di provincia furono la principale forma visiva della propaganda imperiale; persino Londinium aveva una statua quasi colossale di Nerone, sebbene molto più piccola del Colosso di Nerone alto 30 metri a Roma, ora perduto. The Tomb of Eurysaces the Baker, un liberatore di successo (circa 50-20 a.C.) ha un fregio che è un insolitamente grande esempio di stile “plebeo”.

I romani non tentarono generalmente di competere con le opere greche indipendenti di exploit eroici della storia o della mitologia, ma fin dall’inizio produssero opere storiche in rilievo, culminando nelle grandi colonne trionfali romane con continui rilievi narrativi che si snodano attorno a loro, di cui quelli che Commemorazione di Traiano (113 d.C.) e Marco Aurelio (del 193) sopravvivono a Roma, dove l’Ara Pacis (“Altare della Pace”, 13 a.C.) rappresenta lo stile greco-romano ufficiale nella sua forma più classica e raffinata. Tra gli altri esempi principali vi sono i rilievi riutilizzati in precedenza sull’Arco di Costantino e sulla base della Colonna di Antonino Pio (161), i rilievi Campana erano versioni in ceramica più economiche di rilievi in marmo e il gusto per il rilievo era dal periodo imperiale ampliato a il sarcofago.

Tradizione etrusco-romana
Tra il VII e il VI secolo a.C. gli Etruschi dominavano la parte centro-settentrionale della penisola italiana e almeno alcuni dei re semi-leggendari di Roma erano Etruschi. La loro arte, che era già in gran parte un’interpretazione dello stile arcaico greco, divenne l’arte dei romani. Come avrebbero fatto in seguito con l’arte greca, i romani non solo copiarono i modelli etruschi formali, ma nelle loro guerre contro di loro si appropriarono delle loro opere d’arte e le presero per la decorazione della loro capitale. Le prime sculture realizzate a Roma risalgono al VI secolo a.C. e il loro stile è totalmente etrusco. Il famoso Apollo di Veio, di questa epoca, ci fornisce una buona informazione sulle tendenze estetiche allora in vigore.

Gli Etruschi erano esperti in vari generi scultorei, da statue funebri e sarcofagi a gruppi monumentali, e per molti aspetti anticipavano l’estetica del prosaico che i Romani avrebbero successivamente sviluppato. Erano maestri nelle “scene di genere”, che rappresentavano la vita comune, le persone in attività caratteristiche e anche nel ritratto si mostravano architetti di alto livello. Ma forse dove erano stati più originali era nell’arte funeraria. Svilupparono una tipologia specifica per le urne funebri, che consisteva in una cassa decorata con rilievi e chiusa da un coperchio in cui vi era un ritratto reclinato del defunto, pieno corpo, a volte accompagnato dal coniuge, un modello che i romani avrebbero adottato in molti dei loro sarcofagi. Museo Nazionale Etrusco e Ipogeo dei Volumni, una cripta a Perugia con vari sarcofagi, sono esempi ben noti. Nonostante il progressivo abbandono della tradizione etrusca durante la fase ellenistica che sarebbe seguita in seguito, ne rimarranno tracce fino al tempo di Augusto.

Ellenismo e neo-atticismo
Nel frattempo, la Grecia si è evoluta verso il suo classicismo, il cui apogeo si è verificato nel IV secolo a.C. A quel tempo Roma iniziò la sua espansione verso sud, già indipendente dagli Etruschi dopo quasi un secolo di lotte per la supremazia regionale, entrando in contatto più intimo con l’arte greca attraverso le colonie della Magna Grecia, la cui sofisticata cultura colpì i romani. Quindi, i nobili di Roma iniziarono a desiderare opere greche nei loro palazzi e assunsero artisti greci per fare copie delle composizioni più famose, a volte pagando per loro prezzi favolosi.

Poco dopo, Alessandro Magno conquistò la Grecia e portò la sua arte in India attraverso la Persia e anche in Egitto. L’impatto di questa espansione ebbe due significati, uno sui popoli conquistati, che definivano nuovi orientamenti per la loro cultura e la loro arte, e uno inverso sulla stessa cultura greca, che assimilava una varietà di elementi orientali. Con la frammentazione dell’impero alessandrino dopo la morte del conquistatore, si formarono vari regni di radici locali: Bitinia, Galazia, Paflagonia, Ponto, Cappadocia, Egitto della dinastia tolemaica, che incorporarono nuove usanze greche, evolvendosi poi a modo loro. Il nome ellenismo è dovuto a questa fusione di influenze orientali e greche. L’interesse per il passato era una caratteristica distintiva del periodo. Furono fondati i primi musei e biblioteche, come a Pergamo e ad Alessandria,

Lo storicismo del periodo fece sì che gli stili precedenti fossero emulati in una sintesi eclettica, ma con una progressiva secolarizzazione nel tema e una preferenza per le opere drammatiche e vivaci, la cui intensità espressiva è stata paragonata da alcuni allo stile barocco. L ‘infanzia, la morte e la vecchiaia, e persino l’ umorismo, problemi quasi senza precedenti nel greco classico, furono introdotti e ampiamente coltivati. Inoltre, tra le élite di vari paesi si sviluppò un gusto febbrile per la raccolta d’arte, in cui i romani si sarebbero dimostrati i più entusiasti.

Nel 212 a.C., i Romani conquistarono Siracusa, una ricca e importante colonia greca in Sicilia, ornata da una profusione di opere d’arte ellenistiche. Tutto fu saccheggiato e portato a Roma, dove sostituì la linea di scultura etrusca che era ancora coltivata. Il licenziamento di Siracusa fu l’ultimo impulso per l’istituzione definitiva della norma greca nel cuore della Repubblica, ma trovò anche opposizione.

Marco Porcio Catone ha denunciato il licenziamento e la decorazione di Roma con opere elleniche, considerandolo un’influenza pericolosa per la cultura nativa e deplorando che i romani applaudissero alle statue di Corinto e Atene e ridicolizzarono la tradizione decorativa in terracotta degli antichi templi romani. Ma tutto era vano. L’arte greca aveva sottomesso l’arte etrusco-romana nel gusto generale, al punto che le statue greche erano tra le prede di guerra più ricercate e furono ostentatamente esposte nelle processioni trionfali di tutti i generali conquistatori.

Nel trionfo di Lucio Emilio Paolo Macedonico dopo la conquista della Macedonia nel 168 a.C., duecentocinquanta carrozze piene di statue e dipinti sfilarono, e nella conquista di Acaia nel 146 a.C., che decretò la fine dell’indipendenza greca e la sottomissione al Impero romano, Plinio afferma che Lucio Mummio Achaicus riempì letteralmente le sculture di Roma. Poco dopo, nel 133 a.C., l’impero ereditò il regno di Pergamo, dove esisteva una fiorente e originale scuola di scultura ellenistica.

In questo periodo la richiesta di statue era ormai enorme e ad Atene le botteghe di scultura funzionavano praticamente solo per gli intenditori romani, i quali dimostravano il loro gusto raffinato con opere impegnative che imitavano la produzione classicista del V e IV secolo a.C., evitando eccessi espressivi successivi L’ellenismo, formando una scuola revivalista che prese il nome di Neoatticismo e che continuò a prosperare nella stessa Roma fino al II secolo a.C. La scuola di Neoatticismo rappresenta la prima apparizione nella storia di un movimento che può legittimamente essere chiamato Neoclassicismo.

Quando per qualche motivo era impossibile ottenere originali, specialmente nel caso di opere già celebri, furono realizzate copie in marmo o bronzo, ma a quanto pare i romani non fecero un’importante valutazione o distinzione estetica tra un originale e una copia, com’è comune oggi. Tra le centinaia di modelli esistenti nella produzione greca, i romani ne favorirono solo un centinaio, che furono copiati su larga scala, stabilendo una standardizzazione dell’immaginazione. Oggi questa ripetitività sembra monotona, ma per la cultura del tempo ha creato legami positivi con prestigiose tradizioni simboliche e ideologiche.

In altri casi gli adattamenti erano più liberi e avevano un carattere pastiche, nel senso che usavano elementi di varie parti per la creazione di una nuova opera, o trasformavano statue di divinità in ritratti romani, con una copia esatta del corpo di un creazione famosa, ma sostituendo la testa con quella di una certa personalità romana. Esempio di questa usanza è la bellissima statua di Marco Claudio Marcello conservata nel Museo del Louvre, realizzata da Cleomene nel I secolo a.C. da un originale greco raffigurante Hermes Logios (oratore di Mercurio) 400 anni prima, probabilmente di Fidia. Fortunatamente per noi contemporanei, la pratica della copia slava di molti capolavori greci per i romani era responsabile della conservazione di una vasta iconografia classica ed ellenistica i cui originali finirono persi nel Medioevo.

Degli artisti attivi in questo periodo, pochi nomi sono ricordati, e poiché non esisteva ancora una scuola nativa (cioè romana), sono tutti greci. Oltre ai suddetti Cleomene, Aristea e Papia di Afrodisia, autori di magnifici centauri oggi nei Musei Capitolini, e Pasitele, originario della Magna Grecia, ma che divenne cittadino romano, si distinsero in questa scuola neo-romana. La sua raccolta di un catalogo delle sculture più famose al mondo era famosa. Come scultore gli viene attribuito un Giove in oro e avorio e numerose opere in bronzo.

impero romano
Un cambiamento nella precedente tendenza puramente greca verso la formazione di una scuola nazionale di scultura a Roma avvenne tra la fine del II secolo a.C. e l’inizio del I secolo a.C. Un buon esempio è l’Altare di Enobarbus, considerato un precursore della grande arte imperiale di Augusto. Creato come offerta dal Cneo Domizio Enobarbo per la fine della campagna militare a Brindisi, fu installato di fronte al tempio di Nettuno che aveva ordinato di costruire nella stessa occasione. L’altare era decorato con vari fregi, alcuni con scene mitologiche più o meno convenzionali e comuni nella tradizione greca, ma uno di questi è una scena di culto, che rappresenta un sacerdote che prepara un sacrificio, affiancato dall’offerente, dai soldati e da altri assistenti,

Con Augusto, Roma divenne la città più influente e ricca dell’impero, risplendente di marmo, e anche il nuovo centro della cultura ellenistica, come erano stati Pergamo e Alessandria, attirando un gran numero di artigiani greci. E proprio come i successori di Alessandro avevano contribuito alla sopravvivenza dell’arte greca, arricchendola con nuovi temi, ora, quando si trattava dell’era agostiniana, Roma avrebbe dato il suo contributo originale alla continuità e al rinnovamento di una tradizione che aveva già guadagnato prestigio nel corso dei secoli e dettato il carattere di tutta l’arte prodotta lì. Ma più che il semplice trasferimento dell’attenzione culturale a Roma, ciò che ha portato a un cambiamento nell’arte finora puramente greca e l’aspetto di una scuola autenticamente romana è stata la formazione di una ”

Nel consolidamento dell’impero, il conio di monete, che in realtà sono bassorilievi in miniatura, è stato di grande importanza. Giulio Cesare legalizzò a Roma una pratica ellenistica e orientale per imprimere l’effigie del sovrano vivo nelle valute attuali, quando fino ad allora apparvero solo immagini di divinità o personaggi storici già scomparsi, e Augusto diresse questa pratica con ancora maggiore coscienza e pragmatismo politico, imponendo il la sua presenza visiva e il messaggio del governo nella vita quotidiana di tutti i cittadini ai confini dell’impero, e esemplificando come l’arte e l’agenda politica potrebbero combinare gli sforzi per garantire un sistema di controllo sociale su larga scala. Questo uso avrebbe messo sotto pressione la società che è difficile stimare oggi:

Il primo grande monumento della scultura imperiale fu l’Ara Pacis (32 a.C.), che fu anche un capolavoro dell’architettura romana. Dedicato alla dea Pax, celebrava il successo del ritorno dell’imperatore da una doppia campagna militare in Gallia e Spagna. Il monumento era decorato con fregi e rilievi che mostravano processioni, scene allegoriche della mitologia e sacrifici. In una delle scene è rappresentata Tellus, Madre Terra, che è un’interpretazione abbastanza diversa dalla sua controparte greca, Gea. Qui non incarna una forza violenta e irrazionale della natura, come si vede nei vasi e nei fregi greci, ma è un’immagine delicata e veramente materna di protezione e nutrizione. Altre scene menzionano con enfasi i benefici della Pax Augustea, e fornire una chiara visione dei valori che a quel tempo apparivano ai romani come veri – che solo la prosperità materiale offerta da uno stato forte e pacifico avrebbe potuto promuovere uno sviluppo coerente nella cultura e nell’arte – un’idea ripetutamente affermata nella poesia elogiativa di il tempo. Inoltre, Eugénie Strong afferma che in questo immenso altare i gruppi compaiono per la prima volta nell’arte in cui sia spettatori che protagonisti partecipano alla stessa scena, ma aggiunge:

«Un attento studio dei rilievi dell’Ara Pacis tende a evidenziare che siamo in presenza di un’arte embrionale, ancora lontana dalla maturità; lo scultore è erede della vasta esperienza dell’arte ellenistica, ma non ha ancora imparato a selezionarla o condensarla. Sembra sopraffatto dalla novità e dalla magnificenza del suo tema e, nell’indecisione su come dovrebbe rappresentarlo, prova un po ‘di tutto. Ma è un tentativo valido, e partendo da esso, in più di un secolo di pratica, vedremo i trionfi dell’arte flaviana. Gli artisti dell’era agostiniana non sono né imitatori accademici né decadenti, né tanto meno servili. Sono pionieri che percorrono nuove strade che impiegheranno più di cento anni per essere sfruttati appieno. ”

Se in termini puramente artistici la maturità ha dovuto attendere qualche tempo per svilupparsi, in termini ideologici il lavoro era piuttosto avanzato. Augusto si dimostrò un abile sovrano e contò sul sostegno del popolo. Dal suo primo consolato, ha accumulato accuse fino a quando gli è stato offerto l’impero dal Senato e lo status di Augusto – in verità in origine un titolo e non un nome, che significa “divino” – su richiesta del popolo. Il suo regno fu un periodo di relativa pace e prosperità. Organizzò il suo paese e favorì le arti, non senza approfittarne per promuovere la sua immagine personale, poiché era generalmente usata tra i potenti. Molte statue dell’imperatore sopravvivono nei musei di tutto il mondo, mostrandogli una varietà di attributi, militari, civili e divini.

Uno dei più famosi è l’Augusto di Prima Porta, che in realtà è un’elaborazione sul Doriforo di Policleto, dimostrando che, nonostante i delicati cambiamenti nella cultura del suo tempo, la tradizione greca ha continuato a essere venerata e gli antichi modelli copiati, sia per le loro qualità intrinseche sia perché rappresentavano una paternità per la cultura romana che dava maggiore dignità alla nuova condizione dell’impero romano, con la figura dell’imperatore come il più grande di tutti i patroni e gli eroi.

Altri storici considerano la dinastia giulio-claudiana come un periodo di grandezza dell’arte romana. Gli aspetti forti considerano indicativi di una fase di incertezza sull’estetica: lo stesso spirito di indagine su vari fronti, la ricerca di nuovi effetti di luce e trattamento superficiale, nuove forme per creare un senso narrativo efficace, studiare la natura e cercare di risolvere i problemi di rappresentazione di gruppo in prospettiva – sono anche indicati come segni di consolidamento di un’autentica scuola di scultura nazionale, un’impressione che viene rafforzata osservando i risultati ottenuti nel campo dei ritratti seguiti dalla Repubblica. Tuttavia, è certo che l’influenza del neoclassicismo della scuola attica è rimasta forte, e i modelli greci idealizzati hanno continuato a essere favoriti per la diffusione della maestà imperiale,

Tipi di scultura

Ritratto
La ritrattistica è un genere dominante della scultura romana, forse derivante dalla tradizionale enfasi romana sulla famiglia e sugli antenati; l’atrio (atrio) di una casa d’élite romana mostrava busti di ritratto ancestrali. Durante la Repubblica Romana, era considerato un segno di carattere non sorvolare le imperfezioni fisiche e rappresentare gli uomini in particolare come robusti e indifferenti alla vanità: il ritratto era una mappa dell’esperienza. Durante l’era imperiale, statue più idealizzate di imperatori romani divennero onnipresenti, in particolare in relazione alla religione di stato di Roma. Le pietre tombali anche della classe media modestamente ricca a volte esibiscono ritratti di defunti altrimenti sconosciuti scolpiti in rilievo.

È nel ritratto che Roma dà il suo contributo più caratteristico alla tradizione fondata dai Greci, un contributo che è maturato molto prima rispetto ad altri generi scultorei e che ha significato che lo sviluppo della scultura a Roma è stato diviso in due campi, con differenti evoluzioni ritmi, il ritratto e altri generi. Dal tempo della Repubblica il ritratto fu sempre più apprezzato e col tempo oscillò ciclicamente tra una tendenza idealista classicista e un’altra di grande realismo, in parte derivata dalla tipica espressività dell’arte ellenistica. E tra i ritratti, il busto e la testa isolata erano le forme più frequenti. I ritratti di tutto il corpo erano meno comuni, sebbene non rari. La preferenza per il busto e la testa era un tipico tratto culturale romano che ha creato un enorme mercato in tutto il bacino del Mediterraneo, e si spiega principalmente per motivi economici, essendo questi pezzi molto più economici di un’intera statua, ma anche per la convinzione che un migliore l’identificazione individuale potrebbe essere ottenuta con loro. Per i romani, infatti, era la testa e non il corpo né i vestiti o l’accessorio attribuisce il centro di interesse al ritratto.

Robert Brilliant dice:
«… l’identità specifica del soggetto, stabilita dalle particolari caratteristiche della testa, era stata concepita come un’appendice simbolica che non teneva conto dell’integrità del corpo. Sembra che gli scultori abbiano creato la testa come chiave principale per l’identificazione e l’hanno collocata in un ambiente ben orchestrato simile nel concetto, se non nell’intenzione, ai set già pronti, con un’apertura per il viso, comune tra i fotografi di l’inizio del 20 ° secolo. In effetti, le innumerevoli statue senza testa che sopravvivono dall’antichità sono analoghe alle scenografie senza attori, ancor più quando il corpo è stato realizzato dagli aiutanti in anticipo, aspettando la testa scolpita dal maestro scultore. »

Con l’ascesa di Vespasiano, fondatore della dinastia Flavia, lo stile misto di idealismo e realismo praticato dagli artisti della dinastia giulio-claudiana subì un cambiamento, con la ripresa delle forme ellenistiche e una grande enfasi nella descrizione realistica del soggetto , anche quando si trattava dell’imperatore. La tecnica si espanse anche con un uso innovativo della perforazione e i ritratti femminili di questo palcoscenico sono generalmente decorati con acconciature molto complicate.

Con Traiano, tuttavia, il ciclo cambia di nuovo e tende all’idealizzazione, portata in misura ancora maggiore con Adriano, le cui preferenze ellenistiche erano ben marcate. Anche i ritratti di Marco Aurelio presentano la caratterizzazione realistica, mostrando un ulteriore progresso verso la descrizione psicologica ed emotiva che nei ritratti di Caracalla raggiungono un alto grado di espressività ed esercitano un grande impatto nell’arte dell’intero impero. Ma da quel momento in poi l’influenza orientale e l’interesse per gli elementi geometrici portano i ritratti ad acquisire un aspetto progressivamente più stilizzato e astratto. Con Costantinothis la tendenza raggiunge il suo punto più alto, insieme a un sentimento di monumentalità che ricorda il classicismo dell’era di Augusto.

Mentre gli imperatori utilizzavano i ritratti principalmente per riaffermare il loro potere e il loro programma politico, erano usati nel contesto funebre nella sfera privata. Busti, accompagnati da iscrizioni con l’elenco dei familiari e degli amici del defunto, altari decorati, tombe e urne funebri. Questa tradizione era legata a una lunga storia di esibizione di maschere mortuarie di cera o terracotta di illustri antenati nelle processioni funerarie delle élite, per celebrare e dimostrare il loro lignaggio patrizio. Queste maschere erano custodite con orgoglio nel santuario di famiglia, il larario, insieme a busti di bronzo, terracotta o marmo. Si presume che l’usanza di realizzare maschere mortuarie, che copiano fedelmente le caratteristiche facciali dei morti, fosse una delle cause dello sviluppo del gusto per il realismo nella ritrattistica romana.

Statue
Nel caso della statuaria, sorge un problema interessante per i ricercatori moderni quando queste statue rappresentavano i ritratti dell’imperatore nella sua condizione divinizzata, specialmente nei periodi in cui la descrizione realista era in vigore con più forza, poiché un’incoerenza tra la forma di rappresentazione di corpo e testa. Mentre la testa si mostrava spesso con tutti i segni dell’invecchiamento, i corpi erano rappresentati secondo gli antichi canoni della scultura greca classica, idealizzati in una condizione di forza eterna e giovinezza. Queste strane opere, quando non giocose, agli occhi moderni, abituate ad apprezzare una statua come un insieme omogeneo, sono comprensibili quando ricordiamo le convenzioni che regolavano l’arte del ritratto,

Pertanto, è stato suggerito che in realtà si trattava di un accordo tra due parti diverse, una per la rappresentazione del corpo in termini simbolici e un’altra per la rappresentazione descrittiva della testa con l’obiettivo di poter identificare chiaramente il personaggio, con un rifiuto dell’interpretazione letterale del tutto. Le stesse convenzioni sembravano contenere statue private quando si trattava di rappresentare il genio del soggetto, e in questo caso apparteneva al gruppo di monumenti funebri. Con lo stesso scopo, la testa di una famosa statua di un dio veniva spesso semplicemente sostituita con quella di un patrizio o imperatore romano, ma sembra non esserci stata alcuna difficoltà per i romani nella chiara differenziazione tra culto e statue simboliche, tra un statua di un dio e una statua di una persona come un dio. Né hanno esitato a rimuovere semplicemente la testa di una statua di qualsiasi persona e sostituirla con quella di un’altra, quando è stata eseguita una damnatio memoriae. Questa pratica è stata commentata naturalmente nella letteratura del tempo, che conferma l’indipendenza tra la testa e il corpo nell’immaginazione romana.

Altri tipi di statue, decorative e di culto, nell’arte romana non aggiunsero nulla di essenzialmente nuovo, e i loro esemplari, sebbene molti di grande qualità, non mostrano nulla che non fosse mai stato completamente sperimentato prima dai Greci e dagli Ellenisti classici e copie romane di questa produzione fondamentale ha continuato a essere prodotto fino al V secolo. Tuttavia, a partire dal secondo secolo, e con maggiore forza a partire da Costantino I, la crescente penetrazione dell’influenza orientale portò a una progressiva eliminazione, con alcuni periodi di recupero, del canone greco, portando alla formazione di uno stile sintetico e astratto che avrebbe sono stati il ponte per l’affermazione dell’arte bizantina e del primo medioevo.

Arte religiosa e funeraria
L’arte religiosa era anche una delle principali forme di scultura romana. Una caratteristica centrale di un tempio romano era la statua di culto della divinità, che era considerata “ospitata” lì (vedi aedes). Sebbene le immagini di divinità fossero anche esposte in giardini e parchi privati, la più magnifica delle statue sopravvissute sembra essere stata una setta cult. Gli altari romani erano di solito piuttosto modesti e semplici, ma alcuni esempi imperiali sono modellati sulla pratica greca con elaborati rilievi, in particolare l’Ara Pacis, che è stata definita “l’opera più rappresentativa dell’arte augustea”. Piccole statuette in bronzo e statuette in ceramica, eseguite con vari gradi di competenza artistica, sono abbondanti nei reperti archeologici, in particolare nelle province, e indicano che queste erano una presenza continua nella vita dei romani, sia per gli elettori che per esibizioni devozionali private a casa o nei santuari del quartiere. Questi in genere mostrano più variazioni regionali nello stile rispetto alle opere grandi e più ufficiali, e anche preferenze stilistiche tra le diverse classi.

I sarcofagi in marmo romano risalgono per lo più dal 2 ° al 4 ° secolo d.C., dopo un cambiamento nelle usanze funebri romane da cremazione a inumazione, e furono per lo più realizzati in alcune grandi città, tra cui Roma e Atene, che le esportarono in altre città. Altrove la lapide stele è rimasta più comune. Erano sempre una forma molto costosa riservata all’élite, e specialmente così nei relativamente pochi esempi molto elaborati; la maggior parte era sempre relativamente semplice, con iscrizioni o simboli come ghirlande. I sarcofagi si dividono in diversi stili, per area di produzione. Quelli “romani” furono fatti riposare contro un muro, e un lato fu lasciato intagliato, mentre “Attico” e altri tipi furono scolpiti su tutti e quattro i lati; ma i lati corti erano generalmente meno elaborati in entrambi i tipi.

Il tempo impiegato per renderli incoraggiati all’uso di soggetti standard, ai quali si potevano aggiungere iscrizioni per personalizzarli, e i ritratti dei defunti apparivano lenti. I sarcofagi offrono esempi di complessi rilievi che raffigurano scene spesso basate sulla mitologia greca e romana o su religioni misteriose che offrivano salvezza personale e rappresentazioni allegoriche. L’arte funeraria romana offre anche una varietà di scene della vita quotidiana, come il gioco, la caccia e le attività militari.

L’arte paleocristiana adottò rapidamente il sarcofago e sono la forma più comune di scultura paleocristiana, passando da semplici esempi con simboli a elaborati fronti, spesso con piccole scene della Vita di Cristo in due file all’interno di una struttura architettonica. Il Sarcofago di Giunio Basso (c. 359) è di questo tipo, così come il precedente Sarcofago dogmatico piuttosto semplice. Gli enormi sarcofagi in porfido di Elena e Costantina sono grandi esempi imperiali.

Bara
L’uso dei sarcofagi era comune tra Etruschi e Greci, ma a Roma fu ampiamente utilizzato solo dal secondo secolo, quando l’abitudine alla cremazione dei morti fu sostituita dalla sepoltura e si estese in tutto l’impero. La loro produzione è stata stabilita in tre centri principali – Roma, Attica e Asia – e divisa in alcuni modelli diversi. Uno, il più comune, era una custodia decorata con rilievi figurativi e con un coperchio più o meno liscio; un altro tipo mostrava un altro coperchio ugualmente decorato, in cui potevano apparire i ritratti scultorei a corpo intero del defunto, come se fossero seduti a un banchetto, un modello derivato dall’arte etrusca. Entrambi hanno dato origine a esemplari decorati con rilievi di straordinaria raffinatezza e complessità. Un terzo tipo, limitato a Roma, aveva una decorazione astratta o floreale e teste di animali, principalmente leoni,

Il centro di produzione asiatico era caratterizzato dalla preferenza per grandi scatole e forme architettoniche, con colonne intorno, statue interposte e un’imitazione di porta su entrambi i lati, placche ornamentali e un tetto a forma di prisma con acroteri, che simulava una vera casa o un tempio, e potrebbero anche avere una piattaforma per posizionarli in alto. Questo tipo, a differenza degli altri, era spesso decorato su tutti e quattro i lati, poteva essere un monumento indipendente, installato all’aperto in alcune necropoli, mentre gli altri apparivano solitamente in nicchie nelle tombe e la loro decorazione era limitata a parti rimaste visibili. La pratica romana della sepoltura nei sarcofagi continuò nell’era cristiana, costituendo uno dei mezzi principali per lo sviluppo dell’iconografia religiosa.

Rilievi architettonici
Nella tradizione di altari monumentali, colonne commemorative e archi trionfali, i rilievi decorativi utilizzati in queste architetture erano un campo fertile per lo sviluppo di uno stile narrativo tipico dei romani. I precursori del classicismo erano l’Albar Anobarbus e l’Ara Pacis. Un altro che merita una menzione è il fregio della Basilica Emilia (c. 54 – 34 a.C.) nel Foro Romano, in un vigoroso stile ellenizzante, vivace, con scorci drastici e completato con scene di paesaggi. Della dinastia giulio-claudiana quasi nulla è sopravvissuto, ma una testimonianza che può darci un’idea dello stile di questo periodo è un fregio trovato a Roma, che mostra una processione di magistrati e sacerdoti che trasportano statuette votive, insieme a aiutanti, musicisti e altri figure.

La decorazione dell’Arco di Tito (circa 81 – 82) era considerata il punto più alto dello stile flaviano. I pannelli che la decorano e che mostrano il trionfo di Tito hanno eccellenti qualità estetiche e dimostrano una grande abilità nell’uso dello scorcio per la rappresentazione della quadriga dell’imperatore, dove il carro appare visto dalla parte anteriore verso lo spettatore ma il l’artista riesce a creare l’impressione di fare una svolta a destra. L’altro pannello rappresenta il saccheggio di Gerusalemme, usa questa risorsa con lo stesso successo, in un altro contesto, ed entrambi hanno il loro effetto illusorio rafforzato dall’uso razionale della luce e dell’ombra. Ma in verità è difficile parlare di uno “stile flaviano”, poiché in altri luoghi ci sono più rilievi statici, di natura abbastanza classicista e anti-pittorica.

Al regno di Traiano appartiene la famosa Colonna Traiana, che commemora la campagna di Dacia tra il 101 e il 106. È una grande colonna completamente coperta da un fregio continuo che forma una spirale verso l’alto, ed è un perfetto esempio dello stile narrativo di Rilievi storici romani. Gli episodi si fondono l’uno nell’altro senza interruzione, tranne occasionalmente un albero che funge da separazione. Traiano appare più volte in diverse situazioni. In totale, sono intagliate quasi 2.500 figure e il livello tecnico è mantenuto in tutto il complesso. Una caratteristica innovativa è l’abbandono della prospettiva e l’uso di figure sproporzionate rispetto al paesaggio circostante, che dilata l’influenza orientale che è penetrata in questo momento. Oggi vediamo solo forme di marmo, ma il suo effetto quando fu completato doveva essere sorprendente perché, secondo la pratica del tempo, tutte le scene erano dipinte e adornate con dettagli metallici. È possibile che il suo autore fosse Apollodoro di Damasco.

Poco dopo la tendenza si è invertita verso il classicismo. Si distingue l’Arco di Traiano a Benevento, in un eccezionale stato di conservazione – solo le sculture furono completate sotto Adriano – e gli undici pannelli di uno stile simile, ma ancora meglio eseguiti, che rappresentano l’imperatore Marco Aurelio in varie scene. Quattro di loro sono ora nei Musei Capitolini e gli altri sono stati riutilizzati in epoca imperiale per la decorazione dell’Arco di Costantino. La colonna di Marco Aurelio è un altro grande esempio della prevalenza classicista in questa fase; sebbene vi sia una moltitudine di figure che si accumulano nella spirale continua del fregio che circonda il monumento, un senso di ordine, eleganza, ritmo e disciplina sono preservati che è assente nella colonna di Traiano.

Questo interludio di classicismo, tuttavia, si sarebbe concluso con Settimio Severo, il cui arco si avvicina nuovamente all’arte orientale nel suo sistema di proporzioni e nell’accorciamento dell’organizzazione di scene indipendenti, in cui quattro grandi pannelli narrano le campagne in Mesopotamia. Dal terzo secolo praticamente nulla è sopravvissuto, e ciò che abbiamo come resti sono piccoli fregi che mostrano figure approssimative e abbozzate. Lo stesso stile continua per tutto il quarto secolo, come si può vedere nei fregi superiori del nord e del sud dell’arco di Costantino, che mostrano un netto contrasto con gli altri pannelli più antichi, dell’era di Marco Aurelio. Gli ultimi esempi significativi di scultura architettonica romana sono alla base dell’obelisco di Teodosio I nell’Ippodromo di Costantinopoli,

Giardini e bagni
Un certo numero di noti grandi vasi di pietra scolpiti in rilievo del periodo imperiale erano apparentemente principalmente usati come ornamenti da giardino; molte statue furono infatti collocate anche in giardini, sia pubblici che privati. Le sculture recuperate dal sito dei Giardini di Sallustio, aperte al pubblico da Tiberio, includono:

l’Obelisco Sallustiano, una copia romana di un obelisco egizio che ora si trova di fronte alla chiesa della Trinità dei Monti sopra la Piazza di Spagna nella parte superiore di Piazza di Spagna
il Vaso Borghese, scoperto lì nel XVI secolo.
le sculture conosciute come la Gallia Morente e la Gallia uccidendo se stesso e sua moglie, copie in marmo di parti di un famoso gruppo ellenistico in bronzo commissionato a Pergamo nel 228 a.C. circa.
il Trono Ludovisi (probabilmente un autentico pezzo greco in stile severo), trovato nel 1887, e il Trono di Boston, trovato nel 1894.
l’Amazzonia accovacciata, trovata nel 1888 vicino a via Boncompagni, a circa venticinque metri da via Quintino Sella (Museo Conservatori).

I bagni romani erano un altro sito per la scultura; tra i noti pezzi recuperati dalle Terme di Caracalla vi sono il Toro Farnese e l’Ercole Farnese e figure patriottiche dell’inizio del III secolo a grandezza naturale che ricordano in qualche modo le opere del Realismo Sociale Sovietico (ora al Museo di Capodimonte, Napoli).

Altri usi
Tra le applicazioni minori della scultura ci sono statuette di culto domestico, figurine e maschere del teatro, cammei, oggetti decorati, amuleti e giocattoli per bambini. Meno celebri dei grandi generi, tuttavia, non sono meno importanti di quelli e spesso danno un’idea più esatta, intima e sincera della mentalità romana, principalmente del popolo, al di là delle imponenti rappresentazioni ufficiali.

cammei
In questi generi minori, i cameo sono i più lussuosi, limitati alle classi superiori e generalmente usati come gioielli. Scolpiti in pietre semipreziose come agata, calcedonio, diaspro, ametista e onice, sono considerati sculture in miniatura dall’apprezzamento che ne fece John Ruskin, quando fino ad allora erano considerati una forma di incisione. Questa forma di intaglio fu introdotta a Roma dai Greci ellenistici, che furono i primi a raggiungere un alto grado di raffinatezza in questo genere. Le sue dimensioni ridotte non devono indurci in errore per quanto riguarda l’esperienza richiesta per questo tipo di lavoro, poiché sono necessarie un’intensa concentrazione e un’enorme sensibilità per lavorare la grana della pietra e i suoi diversi strati per ottenere sottili sfumature di colore ed effetti di luce e trasparenza. La sua datazione è molto problematica, e molti pezzi indicano che sono stati rielaborati in momenti diversi. I migliori esemplari sono diventati pezzi da collezione avidamente contestati, e tra questi possiamo menzionare la fantastica gemma augustea, un grande pezzo di onice bicolore scolpito con due scene composte da vari personaggi.

Durante il periodo imperiale, i cammei godettero di grande prestigio, il che ispirò i romani a inventare una derivazione del vetro, che offriva il vantaggio di consentire un maggiore controllo sul colore e sulla trasparenza, ma era ancora più difficile, lungo e costoso con cui lavorare. della pietra, che presenta notevoli sfide tecniche, che non sono ancora state completamente esplorate dai produttori di vetro contemporanei. Tuttavia, interi cammei di cammei in vetro con decorazioni intagliate, come il famoso Vaso di Portland e il Vaso delle stagioni.

giocattoli
I giocattoli si trovano in tutte le culture e i romani non facevano eccezione. I riferimenti letterari abbondano dal periodo ellenistico e tutto indica che esisteva un’enorme varietà di oggetti destinati all’intrattenimento dei bambini, dalle bambole tradizionali ai carrelli con ruote, mobili, figure di guerrieri e animali e persino case in miniatura di metallo, legno o terracotta . I giocattoli sono oggetti eccellenti per studiare le condizioni economiche e sociali del tempo.

Statuette di culto private
Nella sfera religiosa spiccano le statuette del culto privato di molte divinità del pantheon romano e delle divinità familiari e regionali. L’abitudine all’antropomorfismo degli dei fu ereditata dagli Etruschi e dai Greci, e quindi praticamente tutte le forze naturali e i poteri astratti assunsero un aspetto umano per i Romani e ricevettero un culto, sebbene la loro religione non fosse rigidamente organizzata e il culto privato (più che pubblico) ha avuto un ruolo importante. I musei sono pieni di statuette di culto domestico, che dimostrano la loro ampia diffusione in tutto l’impero. La loro qualità artistica è molto variabile e si ritiene che quelli usati dalla gente comune siano ordinari e poco attraenti, ma ci sono esempi di grande raffinatezza. In questo campo non era l’aspetto estetico delle statuette che aveva valore,

Le statuette di amuleto hanno una funzione simile. Nella complessa e poliedrica religione romana, la magia ha avuto un ruolo non trascurabile e gli amuleti hanno trovato il loro posto in essa. I Greci e gli Etruschi li usavano e molti autori classici ne parlano favorevolmente, come Plinio e Galeno. Perfino i romani ne fecero un’usanza generalizzata, specialmente durante la tarda era imperiale. Sebbene gli amuleti fossero generalmente oggetti piccoli e portatili, non necessariamente figure, sopravvivono una serie di statuette che svolgono la stessa funzione, raffigurando gli spiriti protettivi delle case associate agli antenati, i Lari, profondamente venerati nei santuari domestici, o Priapo, il fallico dio, la cui immagine era considerata un potente rimedio contro il malocchio, la sterilità e l’impotenza, e che era collocata nella parte esterna dell’ingresso delle case.

Utensili decorati
Infine, rimane una breve menzione di vasi, servizi da tavola, lampade, maniglie di porte e molti altri tipi di utensili con una decorazione che si avvicina alla scultura vera e propria, una categoria molto varia di pezzi che testimonia l’ampia applicazione della scultura nell’antica Roma. Le lampade e i bracieri potevano essere decorati con immagini in rilievo che mostravano scene religiose, mitologiche ed erotiche, in base al luogo in cui erano destinate e potevano avere uno o più piedi molto ornati. Anche piatti, pentole, ciotole e vasi potrebbero avere rilievi o manici e colli di forme stravaganti. In ceramica possiamo distinguere il tipo di terra sigillata, una sorta di vaso decorato con incisioni e rilievi, che aveva ampia diffusione, e antefissi decorativi, installati sui bordi dei tetti, che potevano essere realizzati in forme astratte o figurate.

Scultura tardo imperiale
Come accennato in precedenza, gli ultimi secoli dell’impero (dal terzo al quinto secolo) hanno visto la nascita di un contesto culturale totalmente nuovo. A volte questa fase di trasformazione è stata vista come una decadenza artistica, ma è giusto ricordare che il canone greco era il risultato di un’era e un contesto ben definiti, e sebbene abbia modellato le origini artistiche di Roma e gran parte del suo percorso i tempi e il territorio erano cambiati e il classicismo stava cominciando a diventare una cosa del passato e un riferimento simbolico o storico piuttosto che una realtà vivente. Ora Roma aveva una sua storia ed entrò in un periodo di intensi scambi con grandi antiche culture del Vicino Oriente, il cui corpo di idee, religioni, arte e aspirazioni divenne parte integrante della cultura romana. Allo stesso modo, le numerose province imperiali, che si estendevano dalla Spagna,

In un’epoca di effervescenza culturale e di grande diversità di principi estetici, la permanenza degli elementi classici in tutte le parti, modificata, è certo, in diversi gradi, ancora permesso di mantenere aperti i canali di comunicazione e agire come una sorta di lingua franca artistico. Il sincretismo era sempre una caratteristica dell’arte romana, ma nella tarda era imperiale assunse un ruolo di importanza cruciale. Dopo la cristianizzazione dell’impero, le norme dell’arte pagana furono adottate dagli imperatori cristiani senza esitazione, sebbene adattate a nuovi temi. Quando Costantinopoli divenne la nuova capitale, fu piena di allusioni architettoniche e artistiche alla “Roma antica”, un desiderio dichiarato di mantenere la continuità delle antiche tradizioni, anche se dovevano essere riformate per soddisfare le esigenze di un nuovo contesto.

Questo processo è stato consapevole e volontario, come conferma la letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici avvenuti sotto le forme elette derivate dall’eredità classica ha fornito un’importante coesione culturale in un momento in cui i mattoni dell’impero tendevano alla diversità e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale. In realtà non vi era alcuna permanenza letterale del classicismo, il che sarebbe stato impossibile: ciò che accadde fu una continuità “selettiva”. Questo processo è stato consapevole e volontario, come conferma la letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici avvenuti sotto le forme elette derivate dall’eredità classica ha fornito un’importante coesione culturale in un momento in cui i mattoni dell’impero tendevano alla diversità e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale. In realtà non vi era alcuna permanenza letterale del classicismo, il che sarebbe stato impossibile: ciò che accadde fu una continuità “selettiva”. Questo processo è stato consapevole e volontario, come conferma la letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. continuità. Questo processo è stato consapevole e volontario, come conferma la letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. continuità. Questo processo è stato consapevole e volontario, come conferma la letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio.

Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici avvenuti sotto le forme elette derivate dal patrimonio classico ha fornito un’importante coesione culturale in un momento in cui i mattoni dell’impero tendevano alla diversità e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale. come confermato dalla letteratura dell’epoca. Alcuni prototipi formali furono conservati, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici avvenuti sotto le forme elette derivate dal patrimonio classico ha fornito un’importante coesione culturale in un momento in cui i mattoni dell’impero tendevano alla diversità e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale. come confermato dalla letteratura dell’epoca. Sono stati mantenuti alcuni prototipi formali, mentre un vasto repertorio di altri modelli era semplicemente destinato all’oblio. Il mascheramento dei rapidi cambiamenti sociali e politici avvenuti sotto le forme elette derivate dall’eredità classica ha fornito un’importante coesione culturale in un momento in cui i mattoni dell’impero tendevano alla diversità e quando la frammentazione dello stato stava già diventando una minaccia reale.

L’élite ha continuato a ricevere l’educazione classica ed è rimasta conservatrice. I suoi membri leggono autori consacrati, e attraverso di essi acquisiscono familiarità con la tradizione ancestrale, sviluppandone il gusto. Le città, le ville aristocratiche e i teatri erano decorati con immagini ancora pagane. La conversione di Costantino al cristianesimo nel 312 provocò una rottura con questa tradizione, anche se non immediatamente o in forma completa.

Secondo Rachel Kousser:
«L’aristocrazia del IV secolo dovette quindi negoziare un posto per sé in questo mondo contraddittorio, senza provocare un conflitto aperto. I monumenti che sono stati costruiti hanno conservato le tracce di questa trattativa: tradizionale nella forma, obliqua nei contenuti, documentano la creazione di un nuovo consenso. Le opere d’arte di maggior successo risultanti erano provvidenzialmente non specifiche; il loro obiettivo non era proclamare un’identità definita e unica dei loro clienti, ma piuttosto suggerire una grande quantità di valori comuni, che rimanevano aperti a una varietà di interpretazioni.

Pertanto, invece di enfatizzare i legami di queste opere con particolari ideologie religiose, affiliazioni politiche e così via, il che indicherebbe alla fine un carattere separatistaacter – (…) sono risonanti e unificanti. Per gli aristocratici del IV secolo, queste immagini basate su modelli di statue classiche erano veicoli utili per un’auto-rappresentazione equilibrata ed efficiente; si parlava di un passato condiviso da tutti e di un presente diviso. In questo modo, hanno contribuito a garantire la sopravvivenza delle forme classiche nell’arte medievale. (…) Le opere d’arte risultanti sembravano familiari. Anche se oggi sembrano monotonamente convenzionali a molti studiosi moderni, avevano un valore nella tarda antichità. Queste opere identificarono il nuovo ordine cristiano con la venerabile tradizione, una tradizione che considerava la rappresentazione naturalistica della forma umana come il più grande successo della scultura. In questo senso, ”

Il prestigio delle statue pagane rimase elevato fino al IV secolo d.C.; nemmeno l’ascesa del cristianesimo e il divieto dell’antico culto da parte di Teodosio I nel 391 causarono un’immediata distruzione di immagini religiose e decorative. Prudenzio, alla fine del quarto secolo della nostra era, raccomandava ancora che le statue degli idoli pagani fossero preservate come “esempi dell’abilità dei grandi artisti e come uno splendido ornamento delle nostre città”, e Cassiodorustells come continuavano gli sforzi realizzato nel IV secolo per preservare le antiche sculture pagane come prova della grandezza imperiale per i posteri. Ciononostante, in seguito la politica del papato e dell’impero è cambiata e i monumenti dell’antichità hanno iniziato a essere saccheggiati per recuperare il materiale da utilizzare in altre opere,

Uso del colore come risorsa mimetica ed espressiva
A complemento del lavoro di taglio della pietra o fusione in bronzo, l’effetto finale del pezzo scolpito è stato modificato con l’aggiunta della policromia sulla superficie, una pratica ereditata dai Greci e comunemente eseguita, come dimostrano i resoconti storici, e che ha dato alle sculture un aspetto totalmente diverso da come le vediamo oggi nei musei, solo di pietra o bronzo. Questo fatto storico, sebbene noto da almeno due secoli, provoca ancora oggi sorpresa, e di fatto ha dato origine a un concetto errato, anche tra archeologi e conservatori di musei che credevano che le opere originali fossero state realizzate lasciando le apparenze del materiale utilizzato, un ovvio errore perpetuato fino a poco tempo fa. Questo uso decorativo dei pigmenti era in realtà un fatto fondamentale nell’arte antica e non c’erano statue,

Oltre alla pittura è stato utilizzato per inserire pezzi di altri materiali colorati come argento e oro, smalto, madreperla e vetro, per evidenziare alcune caratteristiche o parti anatomiche e alcuni tipi di marmo colorato e pietre nobili come l’onice, l’alabastro e la sardonia, ricchi di venature e trasparenze multicolori, potrebbero essere utilizzati in alcune parti dei capi delle statue per creare effetti più lussuosi. Ricerche recenti pubblicate insieme a mostre tematiche di grandi opere con il restauro dei loro colori originali, hanno offerto una visione completamente nuova dell’arte classica.

eredità
I romani furono i primi a essere orgogliosi di prosperare all’ombra di una cultura straniera. Virgilio, nel suo Eneide, fece rivolgere a Roma il fantasma di Anchise, non ancora nato, per dichiarare che nelle arti e nelle scienze sarebbe sempre stata inferiore ai Greci, ma li avrebbe sconfitti in guerra e nella pubblica amministrazione. In un’altra parte il poeta si vantava che la sua musa era stata la prima a cantare in versi alla maniera di Teocrito, e altri casi simili abbondano nella letteratura contemporanea dell’epoca. Come è stato dimostrato, tutta la produzione di sculture romane era un immenso debitore dell’esempio greco, e lo stesso è accaduto con altre arti, come la poesia, la musica e l’architettura. Questo è un dato di fatto, ma è stato interpretato da autori influenti come Arnold Toynbee e Roger Fry come un demerito dei romani, vedendoli come un popolo essenzialmente imitativo,

Questa opinione rifletteva la posizione della critica alla fine del 19 ° secolo, che in sostanza incolpava i romani di non essere greca, ma ironicamente deriva dagli stessi romani, che mantenevano in relazione al loro ruolo di epigoni un atteggiamento che era allo stesso tempo orgoglioso e modesto. Ma, come abbiamo visto, ciò non ha impedito ai loro scultori di sviluppare alcuni tratti di evidente originalità, riconosciuti da altri critici, rendendo l’accusa, sebbene basata su prove chiare, non del tutto corretta.

D’altra parte, giudicare un’antica cultura da un punto di vista moderno è sempre una manovra spericolata. I romani erano caratterizzati dal possedere generalmente un alto spirito pubblico e una forte avversione per l’individualismo e l’eccentricità, che spaventavano sempre i Greci, e le tradizioni ancestrali, pubbliche e familiari, erano sempre oggetto di estrema venerazione. Virgilio narra in ‘Eneide, la storia di Enea che si portava sulle spalle durante la fuga del padre da Troia, che divenne un modello di pietà romana, onorevole dovere verso i padri, e persino in tempi devastati da controversie politiche e élite immorali e decadenti, anche se comportamenti che oggi vediamo come crudeli e bizzarri, tra le qualità più apprezzate in un romano, erano comuni in tutta la società erano parsimonia, severitas, frugitas e simplicitas – parsimonia, austerità e dignità, frugalità e semplicità – elogiate ripetutamente nella letteratura contemporanea. Tenendo conto di questi fattori, la sua apparente mancanza di originalità diventa relativa e un tratto di identità culturale. In tutti i modi, la scultura ci offre molto materiale per poter studiare tutto l’eredità romana e comprenderne l’atteggiamento peculiare nella sfera culturale.

Cadendo nell’oscurità del Medioevo, sia per la precedente distruzione della maggior parte degli esempi sia per il cambiamento nella concezione dell’arte e dei valori culturali, la scultura romana ha avuto l’opportunità nel Rinascimento di fare una nuova apparizione sulla scena artistica. E più che un’apparizione, era in effetti un elemento fondamentale per lo sviluppo di una nuova estetica di questa era. Raffaello, consapevole della vastità della perdita di opere antiche in epoche precedenti, deplorava l’abitudine di riutilizzare il marmo e il bronzo per creare altri oggetti, e la scoperta di vari esemplari di alta qualità della scultura romana in questo periodo causò sensazioni nella società rinascimentale, stimolando copie e nuove interpretazioni, l’ansia della ricerca di altri resti in innumerevoli scavi archeologici e la comparsa di un flusso di riproduzioni incise.

Durante il barocco l’interesse per le statue antiche non diminuì. Maestri come il Bernini erano noti amanti dell’arte greca e romana e la sua produzione deve molto agli esempi antichi e ai temi classici. Né è diminuito nei seguenti periodi. Nel diciottesimo secolo, il costume del “Grand Tour europeo” si formò tra le élite, Roma fu la visita obbligatoria, e il desiderio di conoscenza e l’acquisizione dell’arte dell’antichità classica si trasformarono in una mania, determinando l’aspetto del Neoclassicismo. Tra il XVIII e il XIX secolo si formarono diverse importanti collezioni private in vari paesi e che in Inghilterra, in particolare, servirono anche a garantire la buona reputazione sociale dei proprietari e ad agevolare il loro accesso agli uffici pubblici.

Sebbene gli artisti neoclassici ammirassero la produzione greca, la loro reinterpretazione dello stile classico era in realtà basata principalmente su principi romani, per il semplice fatto che le opere conosciute a quel tempo erano quasi tutte romane e non greche. A metà del diciannovesimo secolo, con la riapertura della Grecia verso ovest dopo una lunga dominazione turca, con la realizzazione di varie ricerche archeologiche che portarono alla luce una grande quantità di opere greche originali e sotto l’influenza della corrente romantica, il il gusto del pubblico tendeva verso l’ellenismo, ma anche allora l’arte romana cadde in disgrazia, i nuovi ricchi nordamericani mantennero alta questa tradizione. Nel ventesimo secolo, tuttavia, la rivoluzione modernista ha portato a una drastica riduzione della capacità dell’arte romana di ispirare le nuove generazioni di artisti,