로마 조각은 기원전 6 세기에서 5 세기 사이에 도시에 중심을두고 로마 제국의 영향을받는 지역에서 발전했다. 원래 그리스 조각에서 유래 한 것으로, 주로 에트루리아 중재를 통해, 그리고 나서 직접 헬레니즘 시대에 마그나 그 레시아의 식민지 및 그리스와의 접촉. 그러나 로마는 지중해 유역을 넘어 지속적인 관계와 교통의 일부 일지라도 고유하고 독립적 인 예술과 학교를 가지고 있습니다.

로마 조각에 대한 연구는 그리스 조각과의 관계로 인해 복잡합니다. 아폴로 벨베데레 (Apollo Belvedere)와 바르베 리니 파운 (Barberini Faun)과 같은 가장 유명한 그리스 조각의 많은 예는 로마 제국이나 헬레니즘 “사본”에서만 알려져 있습니다. 한때,이 모방은 예술가들이 로마 예술적 상상력의 좁음을 나타내는 것으로 취해졌지만, 20 세기 후반에 로마 예술은 자체 용어로 재평가되기 시작했습니다. 그리스 조각의 본질에 대한 인상은 사실 로마 예술을 기반으로합니다.

그리스 전통은 로마의 조각 예술 과정에서 지속적으로 참조되어 왔지만 로마인이 단순한 카피라이터 일 뿐이라는 고대의 광범위한 견해와 모순된다. 이제는 그들이 기술을 가지고 출처를 동화하고 발전시킬 수 있었을뿐 아니라 또한이 전통에 독창적이고 중요한 공헌을하기 위해, 특히 초상화에서 볼 수 있습니다. 단수의 명성을 누리고 훌륭한 기술력과 표현력의 모범을 남긴 장르, 위대한 공공 기념물의 장식 조각에서 강한 힘의 이야기 스타일과 일반적으로 로마 문자가 개발되었습니다.

로마 조각의 강점은 초상화에 있으며, 그리스 나 고대 이집트인들보다 이상에 대한 관심이 적고, 매우 특징적인 작품과 서사적 구호 장면을 만들어 냈다. 로마 조각의 예는 로마 회화와는 대조적으로 풍부하게 보존되어 있으며, 이는 매우 널리 시행되었지만 거의 모든 것이 사라졌습니다. 라틴어와 일부 그리스 작가, 특히 그의 자연사 34 권에있는 장로 플리 니 (Pliny the Elder)는 조각상을 묘사하고 있으며,이 중 일부는 현존하는 작품과 일치합니다. 다량의 로마 조각, 특히 석재는 손상되지 않은 채로 살아남지 만 종종 손상되거나 조각화됩니다. 실제 크기의 청동 조각상은 대부분 금속으로 재활용 되었기 때문에 훨씬 더 드 rare니다.

대부분의 조각상들은 실제로 훨씬 더 생생했으며 처음에 만들어 졌을 때 종종 밝은 색을; 다. 오늘날 발견되는 원석 표면은 수 세기에 걸쳐 안료가 손실되기 때문입니다.

로마 제국의 통합 이후 다른 외국의 영향, 특히 동부의 영향은 그리스 정경에서 추상적 인 경향을 공식적으로 단순화하기 위해 점진적으로 분리되어 비잔틴, 초기 기독교 및 중세 예술의 기반을 확립했습니다. 그러나이 과정은 여러 시대의 고전주의 회복시기에 산재 해 있었으며 과거와의 상징적 연계를 강화하는 것 외에도 광활한 영토의 문화적, 정치적 응집력을 유지하는 데 유용했다. 제국의 기독교화조차도 로마 조각에서 고전 이교도의 언급을 배제 할 수 없었으며, 정치적 통일이 마침내 파산 될 때까지 5 세기까지 고전 모형은 계속 모방되었지만 새로운 사회의 주제에 맞춰졌다.

이 합성이 다소 순차적으로 연대 기적으로 유지되고 각 단계의 특이성을 확립하려고 시도하는 한, 로마 조각에 대한 연구는 진화가 논리적이고 선형 적이 지 않기 때문에 연구자들에게 도전으로 판명되었습니다. 로마 조각의 역사에서 유기 시스템으로서 공식 개발 모델을 적용하려는 시도는 부정확하고 비현실적입니다. 여러 관점에서 학자들의 차이에도 불구하고, 우리는 이제 각 진화 단계의 일반적인 특성에 대해 어느 정도 분명한 아이디어를 얻었지만 이러한 특성이 한 단계에서 다른 단계로 진화하고 변형되는 방식은 매우 복잡한 과정으로 판명되었습니다 그것은 여전히 ​​잘 이해되는 것과는 거리가 멀다. 선택주의, 헬레니즘에서 관찰 된 것보다 훨씬 더 뚜렷하다.

로마 조각 작품의 고유 한 장점과 더불어, 오래된 그리스 작품을 복제하는 일반화 된 습관과 그 역사를 통틀어 그리스 고전주의에 대한 암시의 지속성, 심지어 원시 기독교를 통해서도 그렇지 않으면 그들이 가질 수 있었던 전통과 도상을 살 렸습니다. 길을 잃었다. 따라서 우리는 로마에 고대 그리스의 문화와 예술에 대한 지식의 많은 부분을 빚지고 있으며, 로마 조각은 그리스 조각과 함께 르네상스와 신고전주의의 미학을 형성하는 데 근본적으로 중요했습니다. 현대의 활력과 의미는 물론 오늘날 서양 문화의 가장 중요한 예술 기관 중 하나로 여겨지고 있습니다.

개요
초기 로마 예술은 그리스 예술과 이웃 에트루리아 예술의 영향을 받았으며, 그리스 무역 파트너의 영향을 크게 받았습니다. 에트루리아 스페셜티는 테라코타에서 실물 크기의 무덤에 가까우며, 일반적으로 그 기간에 식당에서 포즈를 취한 한 팔꿈치에 꽂힌 석관 뚜껑 위에 놓여 있습니다. 확장하는 로마 공화국이 그리스 영토를 정복하기 시작하면서 처음에는 남부 이탈리아와 파르티아를 제외한 전 헬레니즘 세계가 공식화되고 귀족적인 조각품이 주로 헬레니즘 스타일의 확장이되었습니다. 특히 그리스 조각의 많은 부분이 로마 시대의 사본에서만 살아 남기 때문에 서로 얽히게됩니다. 기원전 2 세기 경, “로마에서 일하는 대부분의 조각가들”은 그리스인이었습니다. 종종 고린도 (BC BC 146)와 같은 정복에 노예가되었고 조각가들은 그리스인이었으며, 종종 노예인데, 그 이름은 거의 기록되지 않았습니다. 전리품이나 강탈이나 상업의 결과로, 수많은 그리스 조각상들이 로마로 수입되었으며, 사원들은 종종 재사용되는 그리스 작품으로 장식되었습니다.

번성 한 중산층 로마인의 무덤 기념비에서 네이티브 이탈리아 스타일을 볼 수 있습니다.이 초상화는 종종 초상화 흉상을 특징으로했으며 초상화는 로마 조각의 주요 강점입니다. 대가족의 장례식에서 행렬에 입히고 다른 방식으로 집에 전시 된 조상 가면 전통에서 생존은 없지만 생존 한 많은 흉상은 아마도 같은 대가족 무덤에서 나온 조상 인물을 대표해야합니다. Scipios의 무덤 또는 도시 외곽의 묘소.

루시우스 주니 우스 브루투스 (Lucius Junius Brutus)의 유명한 브론즈 헤드는 매우 다양한 데이트를 거쳤지만, 선호하는 브론즈 매체에서 공화국에서 이탈 릭 스타일의 매우 드문 생존으로 간주됩니다. 영사들의 동전에도 이와 같이 엄밀하고 강력한 머리가 보이고, 제국 시대에는 동전과 제국 주위에 파열 된 흉상이 지방 도시의 성당에 배치되어 황제 선전의 주요한 시각적 형태였다. Londinium조차도 로마에있는 Nero의 30 미터 높이의 Colossus보다 훨씬 작지만 현재는 거의 거대한 Nero 조각상을 가지고있었습니다. 성공적인 자유민 (기원전 20-20 년경) 인 Eurysaces Baker의 무덤은 “plebeian”스타일의 특이한 예인 프리즈를 가지고 있습니다. 제국의 초상화는 블라 카스 카메오 (Blacas Cameo)와 아우구스투스의 다른 초상화와 같이 초기에 헬레니즘 화되고 매우 이상화되었습니다.

로마인들은 일반적으로 역사나 신화에서 나온 그리스의 영웅적 착취 작품들과 경쟁하려고 시도하지 않았지만, 초기부터 구호 물자에서 역사적인 이야기를 만들어 내고, 위대한 로마의 승리의 기둥에서 그 주위로 계속되는 이야기가 부각되었습니다. 기원전 113 년 (기원전 113 년)과 마르쿠스 아우렐리우스 (193 년경)는 로마에서 살아남으며, 여기서 아라 파치 스 ( “평화의 제단”, 기원전 13 년)는 가장 고전적이고 세련된 공식적인 그리스-로마 스타일을 나타내며 스퍼 롱가 조각 가장 바로크. 로마 후기 일부 공공 조각품은 때때로 소련 사회주의 현실주의를 예상하는 거대하고 단순화 된 스타일을 개발했습니다. 다른 주요 사례 중에는 콘스탄틴의 아치와 안토니누스 피우스 기둥의 기저부에서 초기에 재사용 된 구호 (161)가 있습니다.

실버 워렌 컵, 유리 리큐 거스 컵, 젬마 아우 구스 티아, 곤자가 카메오, “프랑스의 위대한 카메오”와 같은 대형 카메오와 같이 모든 형태의 고급 소형 조각품은 계속 애용되었으며 품질은 매우 높을 수 있습니다. 훨씬 더 많은 인구 집단을 위해, 도자기 그릇과 작은 인형의 성형 구호 장식이 대량으로 생산되었으며 종종 상당한 품질로 생산되었습니다.

2 세기 후반의 “바로크 (baroque)”단계를 거친 후, 3 세기에 로마 예술은 고전 전통의 조각품을 크게 버렸거나 단순히 생산할 수 없게되었으며, 그 원인에 대한 논의는 여전히 많이 남아있다. 가장 중요한 제국 기념물조차도 이제는 은혜를 희생하면서 힘을 강조하는 간단한 작곡으로 거친 정면 스타일의 울퉁불퉁하고 큰 눈을 가진 인물을 보여주었습니다. 대조는 로마의 콘스탄틴 315 년 아치에서 유명하게 묘사되어 있으며, 새로운 스타일의 섹션과 다른 곳에서 가져온 이전의 풀 그레코 로마 스타일의 원형과 새로운 수도의 4 개의 Tetrarchs (c. 305)가 결합되어 있습니다. 베니스의 콘스탄티노플. 에른스트 키칭 거는 두 기념물에서 같은 “누구의 비율, 각 운동,

이 스타일의 혁명은 기독교가 로마 국가와 대다수의 사람들에 의해 채택 된시기 바로 이전에, 큰 종교 조각상이 끝났으며, 이제는 유명한 조각들처럼 황제들에게만 사용 된 큰 조각상들이 있습니다. 콘스탄틴의 거대 곡예 동상과 4 ~ 5 세기 Barletta의 거상. 그러나 부유 한 기독교인들은 Junius Bassus의 석관에서와 같이 석관에 대한 구호를 계속하여 위탁했으며, 특히 상아에서 아주 작은 조각상은 영사관의 형태로 건축되었습니다.

기재
에트루리아의 영향으로 로마에서 조각에 사용 된 첫 번째 재료는 테라코타와 청동입니다. 그러나 예술가들은이 지역, 석회암 또는 석회화 응회암에서 쉽게 접근 할 수있는 재료를 빠르게 활용했습니다. 기원전 2 세기부터. 기원전, 로마 조각가들은 그리스의 돌, 주로 오순절의 대리석과 파로스의 돌을 사용하기 시작했습니다. 율리우스 카이사르 (Julius Caesar) 당시 루나 대리석 채석장 (현재의 카라라)의 개통은 예술가들의 습관을 뒤엎고 있습니다. 이제부터 로마시의 동상과 기념물의 대부분은이 재료 인 카라라 대리석으로 만들어 질 것입니다. 지방에서 생산 된 더 적은 양의 작품은 일반적으로 지역 자원을 사용합니다. 화강암 회색 또는 반암과 같은 유색석의 맛은 플라 비안 (1 세기 말)에서 발달합니다.

현대에 살아남은 조각 작품의 대부분은 석재로 만들어졌습니다. 결과적으로, 청동 또는 귀금속 (금,은)에서 조각의 원래 몫을 평가하는 것은 어렵습니다. 대부분은 출발 물질을 회수하기 위해 재 용융되었습니다.

과학 기술
트라야누스 기둥과 같은 구호와 석관에 표시된 장면은 발리스타와 돌을 자르기 위해 물레 방아 톱을 사용하는 등 로마 기술의 이미지가 오랫동안 잃어버린 모습을 보여줍니다. 후자는 최근 Hieropolis에서 발견되었으며 기계를 사용한 밀러를 기념합니다. 다른 구호품은 그의 Naturalis Historia에서 Pliny the Elder가 묘사 한 것처럼 수확기를 보여줍니다.

로마 조각과 사회
로마는 시각적으로 매우 민감한 사회였습니다. 시각 예술은 대중의 대부분이 문맹이었고 엘리트들 사이에서 돌고있는에 루다이 트 라틴어를 말할 수 없었기 때문에 대중에게 접근 할 수있는 일종의 문학으로 작용했다. 이를 통해 통용되는 이데올로기가 재확인되었으며 위대한 성격의 이미지를 전파하는 수단이었습니다. 이러한 맥락에서 조각은 모든 공공 및 개인 공간을 점유하는 특권 적 입장을 취하면서 도시를 다양한 예술적 기법의 작품으로 가득 채웠다.

로마에서 생산 된 조각품의 대부분은 종교적 주제에 속하거나 어떤 식 으로든 관련되어 있습니다. 그리고 종종 초상화도 신성한 주제와 관련이있었습니다. 다른 문화와 마찬가지로, 로마는 종교적 숭배를위한 이미지를 만들어 냈으며 큰 공공 사원에서 가장 겸손한 집에 이르기까지 모든 곳에있었습니다. 그들의 존재는 동상과 큰 석관, 건축 구호, 보석에 새겨진 카메오-작은 테라코타 조각상, 간단한 장례식 플라크, 왁스 매장 마스크에서 청동과 대리석의 큰 조각에서 흔히 발생했습니다. 가장 겸손한 수업; 동전으로도, 미니어처 릴리프로 이해 될 수 있고 대중에게 대중적으로 접근 할 수 있습니다. Jaś Elsner는 다음과 같이 설명합니다.

«이러한 이미지는 모든 형태의 사회적, 경제적, 종교적 삶의 황제를 찾아 로마 세계를 구성하는 다양한 사람들 사이에 상징적 단합을 구축하는 데 도움이되었으며, 최고인에 대한 계층 적 감각에 중점을 두었습니다. 황제가 죽었을 때, 그의 상속인은 그의 조각품을 신으로 찬양 할 수있었습니다. 황제가 전복되었을 때, 그의 이미지는 다마 니오 기념관에서 심하게 억압 당했다. 다신론은 경전과 교리의 종교가 아니며, 계층적이고 중앙 집중화 된 교회의 구조였다. 그것은 오히려 공동체와 종종 유전 사제들에 의해 운영되는 예배, 의식 및 신화의 장소였습니다. 그는 절충적이고 다양하고 광범위했으며 다원적이고 관용. 이미지와 신화는 고대 세계에 “신학”의 주요 형태를 제공합니다. »

기독교가 공식 종교가되었을 때 예술의 역할은 근본적으로 중요하지는 않았지만 근본적으로 바뀌었다. 기독교 신은 이미지가 아니라 경전, 선지자, 주석가들에게 알려졌다. 그러나 조각품과 전통적인 자연 주의적 표현의 레퍼토리는 새 교회에 의해 채택되어 우화의 구성에 사용되었으며, 세속적, 공공 적, 사적 영역에서 장식으로 계속 사용되었습니다. 제국이 끝날 때까지, 그것은 주변 지역이 발전하기 시작했을 때 문화적 통일성을 확립하기 위해 초상화를 실천하거나 모든 사람들이 공유하는 고전 유산을 강조하는 역사적인 기록으로 사용되었습니다. 높은 독립성을 가진 문화, 그리고 영토를 통일하는 것이 점점 어려워졌습니다.

개발
초기 로마 예술은 그리스 예술과 이웃 에트루리아 예술의 영향을 받았으며, 그리스 무역 파트너의 영향을 크게 받았습니다. 에트루리아 스페셜티는 테라코타에서 실물 크기의 무덤에 가까우며, 일반적으로 그 기간에 식당에서 포즈를 취한 한 팔꿈치에 꽂힌 석관 뚜껑 위에 놓여 있습니다. 확장하는 로마 공화국이 그리스 영토를 정복하기 시작하면서 처음에는 남부 이탈리아와 파르티아를 제외한 전 헬레니즘 세계가 공식화되고 귀족적인 조각품이 주로 헬레니즘 스타일의 확장이되었습니다. 특히 그리스 조각의 많은 부분이 로마 시대의 사본에서만 살아 남기 때문에 서로 얽히게됩니다. 기원전 2 세기 경, “로마에서 일하는 대부분의 조각가들”은 그리스인이었습니다. 종종 고린도의 정복과 같은 정복에 노예가되었고 (기원전 146 년) 조각가들은 그리스인이었으며, 종종 노예인데, 그 이름은 거의 기록되지 않았습니다. 전리품이나 강탈이나 상업의 결과로, 수많은 그리스 조각상들이 로마로 수입되었으며, 사원들은 종종 재사용되는 그리스 작품으로 장식되었습니다.

번성 한 중산층 로마인의 무덤 기념비에서 네이티브 이탈리아 스타일을 볼 수 있습니다.이 초상화는 종종 초상화 흉상을 특징으로했으며 초상화는 로마 조각의 주요 강점입니다. 대가족의 장례식에서 행렬에 입히고 다른 방식으로 가정에 전시 된 조상 가면 전통에서 생존은 없지만 생존 한 많은 흉상은 아마도 같은 가족의 무덤에서 나온 조상 인물을 대표해야합니다. Scipios의 무덤 또는 도시 외곽의 묘소. 루시우스 주니 우스 브루투스 (Lucius Junius Brutus)의 청동 머리 인 유명한 “캐피 톨린 브루투스 (Capitoline Brutus)”는 매우 다양한 데이트를 거쳤지만, 선호하는 청동 매체에서 공화국에서는 이탈 릭 스타일의 생존이 매우 드문 것으로 여겨진다. 영사들의 동전에도 이와 같이 엄밀하고 강한 머리가 보인다. 그리고 제국 시대에는 주 도시의 성당에 배치하기 위해 제국 주변으로 보낸 동전과 흉상이 제국의 선전의 주요 시각적 형태였습니다. Londinium조차도 로마에있는 Nero의 30 미터 높이의 Colossus보다 훨씬 작지만 현재는 거의 거대한 Nero 조각상을 가지고있었습니다. 성공적인 자유민 (기원전 50 ~ 20 년경) 인 Eurysaces the Baker의 무덤은 “plebeian”스타일의 특이한 예인 프리즈를 가지고 있습니다.

로마인들은 일반적으로 역사나 신화에서 나온 그리스의 영웅적 착취 작품들과 경쟁하려고 시도하지 않았지만, 초기부터 구호 물자에서 역사적 이야기를 만들어 내고, 위대한 로마의 승리의 기둥에서 그 주위에 계속되는 서사적 구호가 감돌고 있었다. 트라야누스 (CE 113)와 마커스 아우렐리우스 (193 년)는 로마에서 살아남으며, 아라 파치 스 (Ara Pacis, “평화의 제단”, 13 BCE)는 가장 고전적이고 세련된 공식적인 그리스-로마 스타일을 나타냅니다. 다른 주요 예 중에는 콘스탄틴의 아치와 안토니누스 피우스 기둥의 기저부에서 초기에 재사용 된 구호가 있습니다 (161). 캄파 나 구호는 대리석 구호의 저렴한 도자기 버전이며 구호의 맛은 제국 시대로 확장되었습니다. 석관.

실버 워렌 컵, 유리 리큐 거스 컵, 젬마 아우 구스 티아, 곤자가 카메오, “프랑스의 위대한 카메오”와 같은 대형 카메오와 같이 모든 형태의 고급 소형 조각품은 계속 애용되었으며 품질은 매우 높을 수 있습니다. 훨씬 더 많은 인구 집단을 위해, 도자기 그릇과 작은 인형의 성형 구호 장식이 대량으로 생산되었으며 종종 상당한 품질로 생산되었습니다.

2 세기 후반의 “바로크 (baroque)”단계를 거친 후, 3 세기에 로마 예술은 고전 전통의 조각품을 크게 버렸거나 단순히 생산할 수 없게되었으며, 그 원인에 대한 논의는 여전히 많이 남아있다. 가장 중요한 제국 기념비조차도 이제는 은혜를 희생하면서 힘을 강조하는 간단한 작곡으로 거친 정면 스타일의 울퉁불퉁하고 큰 눈을 가진 인물을 보여주었습니다. 대조는 로마의 콘스탄틴 315 년 아치에서 유명하게 묘사되어 있으며, 새로운 스타일의 섹션과 다른 곳에서 가져온 이전의 풀 그레코 로마 스타일의 원형과 새로운 수도의 4 개의 Tetrarchs (c. 305)가 결합되어 있습니다. 베니스의 콘스탄티노플. 에른스트 키칭 거는 두 기념물에서 같은 “누구의 비율, 각 운동,

이 스타일의 혁명은 기독교가 로마 국가와 대다수의 사람들에 의해 채택 된시기 바로 이전에, 큰 종교 조각상이 끝났으며, 이제는 유명한 조각들처럼 황제들에게만 사용 된 큰 조각상들이 있습니다. 콘스탄틴의 거대 곡예 동상과 4 ~ 5 세기 Barletta의 거상. 그러나 부유 한 기독교인들은 Junius Bassus의 석관에서와 같이 석관에 대한 구호를 계속하여 위탁했으며, 특히 상아에서 아주 작은 조각상은 영사관의 형태로 건축되었습니다.

에트루리아-로마 전통
기원전 7 세기와 6 세기 사이에 에트루리아 인들은 이탈리아 반도의 중앙-북부 지역을 지배했으며 로마의 반 범위 왕 중 일부는 에트루리아 인들입니다. 이미 고대 그리스 스타일을 해석 한 그들의 예술은 로마인의 예술이되었습니다. 나중에 그리스 예술과 마찬가지로 로마인들은 공식적인 에트루리아 모형을 모방했을뿐만 아니라, 전쟁과 관련하여 그들의 예술 작품을 적합하게하고 자본의 장식으로 가져갔습니다. 기원전 6 세기부터 지금까지 알려진 로마에서 만들어진 최초의 조각품은 완전히 에트루리아 (Etruscan)입니다. 이 시대부터 유명한 Veii의 아폴로 (Apollo)는 당시의 미적 트렌드에 대한 좋은 정보를 제공합니다.

에트루리아 인은 장례식 석상과 석관에서 기념비적 그룹에 이르기까지 다양한 조각 장르의 전문가였으며, 여러 측면에서 로마인들이 나중에 발전시킬 수있는 전문적인 미학을 기대했습니다. 그들은 일반적인 장르를 대표하는 “장르 장면”의 주인이었고, 특징적인 활동을하는 사람들의 인물이며, 또한 초상화에서 자신을 일류 건축가로 보여 주었다. 그러나 아마도 그들이 가장 독창적 인 곳은 장례 예술이었습니다. 그들은 장례식 항아리에 대한 구체적인 유형을 개발했습니다.이 구호로 장식 된 가슴으로 구성되어 있으며 뚜껑으로 닫혀 사망 한 몸 전체의 몸을 기울이고 때로는 배우자가 동반하는 로마인이 채택한 모델이 있습니다. 국립 에트루리아 박물관과 볼 루니의 Hypogeum, 다양한 석관이있는 페루의 선와는 잘 알려진 예입니다. 헬레니즘 단계에서 에트루리아 전통이 점진적으로 포기 됨에도 불구하고, 그 흔적은 여전히 ​​아우구스투스 시대까지 발견 될 것입니다.

헬레니즘과 신 다락
한편 그리스는 고전주의로 발전했으며 기원전 4 세기에 그 시대의 변혁이 발생했다. 그 당시 로마는 남부 지역으로의 확장을 시작했습니다. 지역 우월주의에 대한 거의 100 년의 투쟁 끝에 이미 에트루리아 인 들과는 별개로, 정교한 문화가 로마인들에게 깊은 인상을주는 마그나 그 레시아의 식민지를 통해 그리스 예술과 더 친밀한 관계를 맺게되었습니다. 그런 다음 로마 귀족들은 궁전에서 그리스 작품을 원하기 시작했으며 그리스 예술가를 고용하여 가장 유명한 작품을 복사하고 때로는 멋진 가격을 지불했습니다.

조금 후에 알렉산더 대왕은 그리스를 정복하고 페르시아를 통해 인도와 이집트로 예술을 가져 왔습니다. 이 확장의 영향은 정복 된 사람들, 문화와 예술에 대한 새로운 방향을 정의하는 그리스어 문화 자체에 대한 역의 의미, 다양한 동양 요소를 동화시키는 두 가지 의미를 가졌다. 정복자가 죽은 후 알렉산드리아 제국이 파편되면서 프톨레마이오스 왕조의 이집트 비티 니아, 갈라 티아, 파플라고 니아, 폰투스, 카파도키아 등 다양한 지역 뿌리가 형성되었으며, 그리스의 새로운 관습을 통합하여 자신의 방식으로 진화했습니다. 헬레니즘이라는 이름은 동양과 그리스의 영향이 융합되어 있기 때문입니다. 과거에 대한 관심은이 시대의 특징이었습니다. 버가모와 알렉산드리아에서와 같이 최초의 박물관과 도서관이 설립되었습니다.

이 시대의 역사주의는 초기 스타일이 절충 주의적 합성으로 모방되었지만 주제가 점진적으로 세속화되고 드라마틱하고 활기찬 작품에 대한 선호가 있었으며, 그 표현력은 일부가 바로크 스타일과 비교되었습니다. L ‘유년기, 사망 및 노년기, 심지어 유머’는 고전 그리스어에서 거의 전례가 없었던 문제를 소개하고 널리 재배했습니다. 또한, 로마인들이 가장 열성적인 예술품을 수집하기 위해 여러 나라의 엘리트들 사이에서 열렬한 맛이 발달했습니다.

기원전 212 년에 로마인들은 시칠리아의 풍부하고 중요한 그리스 식민지 인 시러큐스를 정복하여 헬레니즘 예술 작품이 풍부하게 장식되었습니다. 모든 것이 약탈되어 로마로 옮겨 져서 여전히 재배 된 에트루리아 조각을 대체했습니다. 시러큐스의 약탈은 공화국의 심장부에 그리스 표준의 결정적인 설립에 대한 최종 충동 이었지만 반대도 발견했다.

마르코 포르시오 카토 네 (Marco Porcio Catone)는 그리스 문화가 그리스 문화에 영향을 미친다는 점을 고려하여 로마의 약탈과 장식을 비난했으며, 로마인들이 고린도와 아테네의 동상에 박수를 보냈으며 고대 로마 사원의 장식 테라코타 전통을 조롱했다는 것을 후회했습니다. 그러나 모든 것이 허무했다. 그리스 미술은 에트루리아-로마 예술을 대체로 맛보 았으며, 그리스 조각상은 가장 인기있는 전쟁 먹이 중 하나였으며 모든 정복 한 장군의 승리 행렬에 간헐적으로 전시되었다.

기원전 168 년에 마케도니아 정복 후 루시우스 에밀리오 파올로 마케도 니코의 승리에서, 상과 그림으로 가득 찬 이백 오십 마차가 퍼레이드하고 기원전 146 년에 아카이아 정복에서 그리스 독립의 종말을 선언하고 Pliny의 로마 제국은 Lucio Mummius Achaicus가 문자 그대로 로마 조각을 채웠다 고 말합니다. 그 후 얼마되지 않아 기원전 133 년에 제국은 버가모 왕국을 물려 받았습니다. 그곳에서 번성하고 독창적 인 헬레니즘 조각 학교가있었습니다.

이시기에는 법정에 대한 수요가 엄청나게 많았으며 아테네에서 조각 워크샵은 로마 감정가들에게만 실질적으로 효과가 있었으며, 로마의 감정가들만이 BC 5 세기와 4 세기의 고전 주의적 생산을 모방 한 작품으로 까다로운 취향을 보여 주었고 나중에 표현적인 과잉을 피했다. 헬레니즘 (Hellenism), 신아 티즘이라는 이름을 가지고 있고 기원전 2 세기까지 로마에서 계속 번성했던 소생 학교를 형성 함.

어떤 이유로 든 원본을 얻는 것이 불가능했을 때, 특히 이미 유명한 작품의 경우 대리석 또는 청동 사본이 만들어졌지만 로마인은 원본과 사본을 중요하게 평가하거나 미학적으로 구분하지 않았습니다. 오늘은 일반적입니다. 그리스 제작에 존재하는 수백 가지 모델 중 로마인들은 수백 가지 정도만 선호했는데, 이는 대규모로 복사되어 상상력의 표준화를 확립했습니다. 오늘날이 반복성은 단조로 들리지만, 시대의 문화를 위해 그것은 유명한 상징적, 이데올로기 적 전통과 긍정적 인 연결 고리를 만들었습니다.

다른 경우에는 새로운 작품을 만들 때 다양한 부분의 요소를 사용했거나 신의 조각상을 로마 인물로 변형하여 유명한 창조물이지만 머리를 로마의 성격으로 바꿉니다. 이 관습의 예는 기원전 1 세기 클레오 메네가 400 년 전 헤르메스 로지 오스 (머큐리 스피커)를 대표하는 그리스 원본, 아마도 Phidias가 만든 루브르 박물관에 보존 된 마르코 클라우디오 마르첼로의 아름다운 동상입니다. 다행스럽게도 동시대 인들에게 로마인을위한 많은 그리스 걸작의 노예 사본의 관행은 중세에서 원본이 사라진 광대 한 고전적이고 헬레니즘의 도상을 보존하는 책임을 맡았습니다.

이시기에 활동적인 예술가들 중에서 기억할만한 이름은 거의 없으며, 여전히 네이티브 (즉 로마) 학교가 없었기 때문에 모두 그리스어입니다. 앞서 언급 한 클레오 메 네스 외에도 아프 리오 디아 (Aphrodisia)의 아리스 티아 (Aristea)와 파 피아 (Papia)는 오늘날 캐피 톨린 박물관 (Capitoline Museums)에있는 위대한 켄타 우르 (centaurs)의 작가이며, 원래 마그나 그 레시아 (Magna Grecia) 출신이지만 파시 텔 (Pasitele)은 로마 시민이되었지만 로마에서이 신학교 중 하나가되었습니다. 세계에서 가장 유명한 조각품에 대한 그의 카탈로그 편집은 유명했습니다. 조각가로서 그는 금과 상아의 목성과 청동의 수많은 작품으로 여겨집니다.

로마 왕국
기원전 2 세기 말과 기원전 1 세기 초 사이에 로마에서 국가 조각 학교를 구성하는 것에 대한 초기의 순 그리스어 경향의 변화가 일어났다. 좋은 예는 Augustus의 위대한 제국 예술의 선구자로 여겨지는 Enobarbus의 제단입니다. 브린 디시에서 군사 작전을 끝내기 위해 Cneo Domizio Enobarbo가 제안한 것으로, 같은시기에 건축하도록 명령 한 해왕성 사원 앞에 설치되었습니다. 제단에는 그리스 전통에서 다소 전통적이고 일반적인 신화 장면이있는 다양한 프리즈가 장식되어 있지만, 그중 하나는 숭배 장면이며, 제물은 제물을 바치는 제사, 군인 및 기타 조수의 옆에 있습니다.

아우구스투스와 함께 로마는 페르가 눔과 알렉산드리아가 그랬던 것처럼 대리석과 함께 화려하면서도 가장 영향력 있고 부유 한 제국 도시가되었으며, 헬레니즘 문화의 새로운 중심지가되었으며 많은 그리스 장인을 유치했습니다. 그리고 알렉산더의 후임자들이 그리스 예술의 생존에 기여한 것처럼, 새로운 주제로 풍성하게했으며, 이제 아우 구스 티안 시대에 관해서는 이미 명성을 얻은 전통의 연속성과 갱신에 독자적으로 기여했을 것입니다. 수세기에 걸쳐 그곳에서 생산 된 모든 예술의 성격을 지시했습니다. 그러나 로마에 단순히 문화적 관심을 전가시키는 것 이상으로, 지금까지 순수 그리스 예술에 변화를 가져 왔고 로마 학교가 실제로 등장한 것은

제국의 통합에서 실제로 소형 옅은 동전 인 동전 채굴이 매우 중요했습니다. 줄리어스 카이사르는 로마에서 현 통화로 살아있는 통치자의 말을 각인하는 헬레니즘과 동부의 관습으로, 그때까지 신성이나 역사적 인물의 이미지만이 사라 졌을 때 아우구스투스는이 양심과 정치적 실용주의 로이 관행을 지시하여 모든 시민의 일상 생활에서 그의 시각적 존재와 정부의 메시지는 제국의 국경에, 그리고 예술과 정치 의제가 대규모 사회 통제 시스템을 보장하기 위해 노력을 결합 할 수있는 방법을 보여줍니다. 이 사용은 오늘날 추정하기 어려운 사회에 압력을 가했을 것입니다.

제국 조각상의 첫 번째 위대한 기념물은 로마 건축의 걸작품 인 Ara Pacis (32 BC)였습니다. Pax 여신에게 바쳐진 그는 Gaul과 Spain의 이중 군사 캠페인에서 황제의 성공적인 귀환을 축하했습니다. 기념비는 행렬, 신화와 희생의 우화적인 장면을 보여주는 프리즈와 릴리프로 장식되었습니다. 장면 중 하나에서 어머니 지구 인 Tellus가 대표되며 이는 그리스인 Gea와는 매우 다른 해석입니다. 여기서 그리스 화병과 프리즈에서 볼 수 있듯이 폭력적이고 비이성적 인 자연의 힘을 구현하지는 않지만 보호와 영양에 대한 섬세하고 모성적인 이미지입니다. 다른 장면은 Pax Augustea의 이점을 강조하여 언급합니다. 그 당시 로마인들에게 참으로 나타난 가치들에 대한 명확한 견해를 제공하라-강력하고 평화로운 국가가 제공 한 물질적 번영 만이 문화와 예술의 일관된 발전을 촉진 할 수 있었다. 시간. 또한, Eugénie Strong은이 거대한 제단 그룹이 처음으로 관중과 주인공이 같은 장면에 참여하는 예술에 등장한다고 덧붙였습니다.

«Ara Pacis의 구호에 대한 신중한 연구는 우리가 아직 성숙과는 거리가 먼 배아 예술이 있다는 것을 강조하는 경향이 있습니다. 조각가는 헬레니즘 예술의 광대 한 경험을 상속 받았지만 아직 선택하거나 응축하는 법을 배우지 못했습니다. 그는 자신의 주제의 참신함과 웅장함에 압도적 인 것으로 보이며, 그것을 어떻게 표현해야하는지에 대한 결정에있어 약간의 모든 것을 시도합니다. 그러나 그것은 유효한 시도이며 그것으로부터 시작하여 1 세기가 넘는 시간 동안 우리는 플라비아 예술의 승리를 보게 될 것입니다. Augustean 시대의 예술가들은 학계도 아니고 퇴폐적이며 덜 종묘 한 모방 자도 아닙니다. 그들은 완전히 착취하는 데 100 년 이상이 걸리는 새로운 길을 걷는 개척자입니다. ”

순전히 예술적인 관점에서 성숙이 발전하기까지 어느 정도 기다려야한다면, 이념적 인 관점에서 그 연구는 상당히 발전되었다. 아우구스투스는 유능한 통치자였으며 사람들의지지에 의지했다. 그는 첫 영사관에서 상원에 의해 제국과 제국이 제안 될 때까지 고발 된 혐의를 쌓았다. 원래는 사람들의 요청에 따라 “신성한”을 의미하는 이름이 아닌 제목이었다. 그의 통치는 상대적으로 평화와 번영의시기였습니다. 그는 자신의 나라를 조직하고 자신의 개인 이미지를 홍보하는 데 유리하게 사용하지 않고 예술을 선호했습니다. 황제의 많은 동상은 전 세계 박물관에서 살아남아 군대, 시민 및 신의 다양한 속성을 보여줍니다.

가장 유명한 곳 중 하나 인 아우 구스토 디 프리마 포르타 (Augusto di Prima Porta)는 실제로 Doriforo di Policleto를 정교화 한 것으로, 당시 문화의 민감한 변화에도 불구하고 그리스 전통은 계속 숭배되고 고대 모델은 복사되었으며, 그들은 본질적인 특성과 로마 제국의 친자 관계를 대표하여 로마 제국의 새로운 상태에 더 큰 위엄을 부여했으며 황제의 모습은 모든 후원자와 영웅 중 가장 위대한 인물이었습니다.

다른 역사가들은 Julio-Claudian 왕조를 로마 예술에서 위대한 시대로 생각합니다. 여러 측면에 대한 동일한 조사 정신, 새로운 조명 효과 및 표면 처리에 대한 탐색, 효과적인 내러티브 감각을 창출하는 새로운 형태, 자연 연구 및 문제 해결을 시도하는 미학에 대한 불확실성 단계를 강력하게 고려하는 측면 그룹의 관점에서 볼 때-그들은 또한 국가가 따르는 초상화 분야에서 성취를 관찰함으로써 강화되는 인상적인 국립 조각 학교의 통합의 징후로 표시됩니다. 그러나 다락방 학교의 신고전주의의 영향이 강하게 남아 있고, 이상화 된 그리스 모델이 황제 위엄의 확산에 계속 호의를 보였으며,

조각의 종류

초상화
초상화는 아마도 로마 조각의 지배적 인 장르이며, 아마도 가족과 조상에 대한 전통적인 로마의 강조에서 자랐습니다. 로마 엘리트 집의 현관 (심방)에는 조상 초상화 흉상이 전시되었습니다. 로마 공화국 동안, 그것은 신체적 불완전 함을 좋아하지 않고, 특히 남자들을 허영심으로 견고하고 걱정하지 않는 것으로 묘사하는 성격의 표징으로 여겨졌다 : 초상화는 경험의지도였다. 제국 시대에, 특히 로마의 국교와 관련하여 더욱 이상적인 로마 황제 상이 어디에나있게되었다. 겸손한 중산층의 묘비는 때때로 구호에 새겨진 다른 알려지지 않은 인물의 초상화를 보여줍니다.

로마가 그리스인들이 창립 한 전통에 가장 큰 기여를하고 있으며, 다른 조각 장르보다 훨씬 일찍 성숙 된 기여를했으며 로마에서 조각의 발전은 다른 진화론으로 두 분야로 나뉘어 졌다는 것이 초상화에있다. 리듬, 초상화 및 기타 장르. 공화국 시대부터 초상화의 가치는 점점 높아지고 있으며, 시간이 지남에 따라 이상화되는 고전주의 트렌드와 또 다른 현실주의 사이에서 주기적으로 진동했다. 그리고 초상화들 중에서, 고립 된 머리가 가장 빈번한 형태였다. 전신 초상화는 드물지 않았지만 덜 일반적이었습니다. 흉상과 머리에 대한 선호는 지중해 분지 전체에 거대한 시장을 창출 한 전형적인 로마 문화적 특성이었고, 경제적 인 이유로 주로 조각상보다 훨씬 저렴하지만 설명이 좋을 것이라는 확신이 있습니다. 그들과 함께 개별 신원을 얻을 수 있습니다. 로마인들에게는 사실 그것은 머리였으며 몸도 아니고 옷이나 액세서리도 초상화의 관심 중심이되었습니다.

로버트 브릴리언트의 말 :
«… 머리의 특정한 특징에 의해 확립 된 피험자의 특정한 정체성은 신체의 완전성을 고려하지 않은 상징적 인 부록으로 생각되었다. 조각가들은 머리를 식별의 주요 열쇠로 만들었고, 의도하지는 않더라도 개념적으로 개념이 기성품 세트와 비슷한 잘 정돈 된 환경에 놓인 것 같습니다. 20 세기 초. 사실, 고대부터 살아남은 무수한 헤드리스 토 게이트 조각상은 배우가없는 시노 그라피와 비슷합니다. 더미가 몸을 미리 보좌관이 만들었을 때, 마스터 조각가가 조각 한 머리를 기다립니다. »

플라비아 왕조의 창시자 베스파시 아노 (Vespasiano)의 등장으로 훌리오-클라 디안 왕조의 예술가들이 실천 한 이상주의와 현실주의의 혼합 된 스타일은 변화를 겪었으며, 헬레니즘 형태의 재개와 주제의 현실적인 묘사에 큰 강조를 두었습니다. 황제에 관한 것조차도. 이 기술은 또한 혁신적인 천공을 사용하여 확장되었으며,이 단계의 여성 초상화는 일반적으로 매우 복잡한 헤어 스타일로 장식됩니다.

그러나 Traiano를 사용하면 사이클이 다시 바뀌고 이상화되는 경향이 있으며, Helena의 선호도가 잘 표시된 Adriano와 훨씬 더 큰 차이를 가져 왔습니다. 마커스 아우렐리우스의 초상화조차도 사실적인 특성을 나타내며, 카라칼라의 초상화에서 높은 표현력에 도달하고 전체 제국의 예술에 큰 영향을 미친다는 심리적, 정서적 설명으로 나아가는 진전을 보여줍니다. 그러나 그때부터 동양의 영향과 기하학적 요소에 대한 관심으로 인해 인물 사진은 점점 더 양식화되고 추상적 인 외관을 얻습니다. Costantino를 통해이 트렌드는 아우구스투스 시대의 고전주의를 떠올리게하는 기념비적 인 느낌과 함께 최고점에 도달합니다.

황제는 주로 권력과 정치적 의제를 재확인하기 위해 초상화를 사용했지만, 개인 영역의 장례식 상황에서 사용되었습니다. 흉상, 고인, 장식 된 제단, 무덤 및 장례식 항아리의 가족 및 친구를 나열하는 비문이 동반됩니다. 이 전통은 엘리트의 장례식 행렬에서 귀족 계보를 축하하고 시연하기 위해 엘리트의 장례식 행렬에서 왁스 또는 테라코타의 영안실 마스크를 전시 한 오랜 역사와 관련이 있습니다. 이 가면은 자랑스럽게 청동, 테라코타 또는 대리석 흉상과 함께 가족 신사, 라라 늄에 보관되었습니다. 죽은 자의 얼굴 특징을 충실히 복사하는 매장 마스크를 만드는 관습은 로마 인물 사진에서 사실주의의 맛을 발전시키는 원인 중 하나라고 생각됩니다.

조각상
법정의 경우, 현대의 연구자들에게는이 상들이 황제의 초상화를 그의 신분 된 상태로 표현했을 때, 특히 표현 형식 사이의 불일치 때문에 현실 주의적 묘사가 더 많은 힘을 발휘 한시기에 흥미로운 문제가 발생한다 몸과 머리의. 머리는 종종 노화의 모든 징후로 나타 났지만 시체는 고대 그리스 조각의 고대 대포에 따라 표현되었으며 영원한 힘과 젊음의 조건으로 이상화되었습니다. 장난스럽지 않은 현대의 눈에 상을 균질 한 전체로 인식하는 데 익숙한이 이상한 작품은 인물 사진의 예술을 지배 한 관습을 기억할 때 이해할 수 있습니다.

따라서 실제로는 두 개의 서로 다른 부분, 즉 하나는 상징적 용어로 신체를 표현하기위한 것이고 다른 하나는 캐릭터를 명확하게 식별 할 수 있도록하기 위해 머리를 설명 적으로 표현하는 것의 합의 인 것으로 제안되었다. 전체의 문자 적 ​​해석을 거부합니다. 동일한 관습이 주제의 천재를 대표 할 때 사적인 법정을 유지하는 것처럼 보 였으며이 경우 장례식 기념물 그룹에 속했습니다. 같은 목적으로 신의 유명한 조각상의 머리는 종종 로마 귀족이나 황제의 머리로 대체되었지만 로마인들은 컬트 동상과 상징적 인 동상 사이의 명확한 구별에서 어려움이 없었던 것처럼 보입니다. 신의 동상과 신으로서의 사람의 동상. 그들은 망설이지 않고 어떤 사람의 동상 머리를 제거하고 다른 기념비 기념이 수행되었을 때 다른 사람의 동상 머리를 교체하는 것을 망설이지 않았습니다. 이 관습은 당시의 문헌에서 자연스럽게 언급되었으며, 로마의 상상 속에서 머리와 몸의 독립성을 확인시켜줍니다.

로마 예술의 다른 유형의 장식 및 숭배 조각상은 본질적으로 새로운 것을 추가하지 않았으며, 표본은 비록 많은 훌륭한 품질이지만 고전 그리스인과 헬렌 주의자들이 이전에 완전히 경험하지 못한 아무것도 보여주지 못했습니다. 5 세기까지 계속 생산되었습니다. 그러나 2 세기부터 콘스탄틴 I에서 시작하여 힘이 커지면서 동부의 영향력이 점점 커지면서 그리스어 캐논의 회복 기간과 함께 점차적으로 제거되어 합성적이고 추상적 인 스타일이 형성되었습니다. 비잔틴 예술과 중세 초기의 긍정의 다리였습니다.

종교와 장례 예술
종교 예술은 또한 로마 조각의 주요 형태였습니다. 로마 사원의 중심 특징은 그곳에 “집에있는”것으로 여겨지는 신의 숭배 조각상이었다 (에이드 참조). 신들의 이미지가 개인 정원과 공원에도 전시되었지만 살아남은 조각상 중 가장 장엄한 것은 컬트 이미지 인 것으로 보입니다. 로마 제단은 일반적으로 다소 간결하고 평범했지만 일부 제국의 예는 정교한 구호, 가장 유명한 아라 파치 스 (Ara Pacis)를 사용한 그리스 관습을 모델로 한 것으로 “오거스타 예술의 가장 대표적인 작품”입니다. 다양한 예술적 능력으로 실행되는 작은 청동 조각상과 세라믹 인형은 고고 학적 기록, 특히 지방에서 풍부하며 로마인의 삶에서 지속적으로 존재하고 있음을 나타냅니다. 가정이나 인근 신사에서 봉헌이나 개인 헌신적 전시를 위해. 이것들은 일반적으로 크고 공식적인 작품보다 스타일의 지역적 변화가 더 많으며 다른 클래스 간의 스타일 선호도를 보여줍니다.

로마 대리석 석관은 기원전 2 세기에서 4 세기까지 거슬러 올라갑니다. 로마 매장 관습이 화장에서 습으로 바뀌고 로마와 아테네를 포함한 몇몇 주요 도시에서 만들어져 다른 도시로 수출되었습니다. 다른 곳에는 스텔라 묘비가 더 일반적으로 남아있었습니다. 그들은 항상 엘리트를 위해 예약 된 매우 비싼 형태였으며, 특히 비교적 정교하게 조각 된 몇 안되는 예에서 그러했다. 대부분은 비문이나 화환과 같은 상징으로 항상 비교적 평범했습니다. Sarcophagi는 생산 지역에 따라 여러 가지 스타일로 나뉩니다. “로마인”은 벽에 대고 휴식을 취하고 한쪽은 조각하지 않고 “다락방”과 다른 유형은 모두 사방에 조각했다. 그러나 짧은면은 일반적으로 두 가지 유형 모두에서 덜 정교하게 장식되었습니다.

그것들을 만드는 데 걸리는 시간은 표준 주제의 사용을 장려했으며, 여기에는 그것들을 개인화하기 위해 비문이 추가 될 수 있었고 고인의 초상은 느리게 등장했습니다. 석관은 종종 그리스와 로마 신화 또는 개인적인 구원을 제공 한 미스터리 종교와 우화적인 표현을 바탕으로 장면을 묘사하는 복잡한 구호의 예를 제공합니다. 로마의 장례 예술은 또한 게임 플레이, 사냥 및 군사 노력과 같은 일상 생활의 다양한 장면을 제공합니다.

초기 기독교 예술은 석관을 빠르게 채택했으며, 가장 일반적인 형태의 초기 기독교 조각으로, 단순한 예에서 상징이있는 단순한 예에서 정교한 정면으로, 종종 건축 틀 안에서 두 줄로 된 그리스도의 삶의 작은 장면으로 진행됩니다. Junius Bassus의 석관 (359 페이지)은 이러한 유형으로 초기 도식 석관이 다소 단순합니다. Helena와 Constantina의 거대한 반암 Sarcophagi는 위대한 제국의 예입니다.

관
석관의 사용은 에트루리아 인과 그리스인들 사이에서 흔했지만 로마에서는 죽은 사람의 화장 습관이 매장으로 대체되어 제국 전역으로 확장 된 2 세기부터 광범위하게 사용되었습니다. 그들의 생산은 로마, 아티카 및 아시아의 세 가지 주요 센터에 설립되었으며 몇 가지 다른 모델로 나뉩니다. 가장 흔한 것은 비유적인 양각과 다소 부드러운 뚜껑으로 장식 된 케이스였습니다. 또 다른 유형은 죽은 사람의 전신 조각 초상화가 마치 마치 에트루리아 예술에서 파생 된 모델 인 연회에 앉아있는 것처럼 보일 수있는 동일하게 장식 된 다른 뚜껑을 보여주었습니다. 두 가지 모두 특별한 세련미와 복잡함을 돋보이게하는 표본으로 시작되었습니다. 로마에 국한된 세 번째 유형은 초록 또는 꽃 장식과 동물 머리, 주로 사자,

아시아 생산 센터는 큰 상자와 건축 양식에 대한 선호가 특징이며, 기둥 주위에 기둥이 있고 양쪽에 문이 모여 있으며 장식용 플라크와 아크로 테리가있는 프리즘 모양의 지붕이 있습니다. 또한 맨 위에 배치 할 수있는 플랫폼을 가질 수도 있습니다. 이 유형은 다른 유형과는 달리 종종 사면 모두에 장식되어 있으며 일부 묘지에는 야외에 설치된 독립 기념비 일 수 있으며 다른 유형은 일반적으로 무덤에 틈새로 나타 났으며 장식은 눈에 띄는 부분으로 제한되었습니다. 로마 시대 석관에 매장하는 관행은 기독교 시대에도 계속되어 종교적 도상 법의 발전을위한 주요 수단 중 하나를 구성했습니다.

건축 조사
기념비적 인 제단, 기념 기둥 및 개선문의 전통에서, 이러한 건축물에 사용 된 장식 부조는 로마인의 전형적인 이야기 스타일을 개발하기위한 비옥 한 분야였습니다. 고전주의 선구자는 Anobarbus 제단과 Ara Pacis였습니다. 로마 포럼에서 바실리카 에밀리아 (기원전 54-34 년경)의 프리즈, 활발한 헬레네 이즈 스타일, 생동감 넘치는 과감한 풍경, 그리고 풍경의 풍경으로 완성 된 것도 또 하나의 언급입니다. Julio-Claudian 왕조 중 거의 아무것도 살아남지 않았지만,이 시대의 스타일에 대한 아이디어를 줄 수있는 간증은 로마에서 발견 된 프리즈입니다.이 봉헌 조각상을 들고있는 치안과 사제의 행렬과 도우미, 음악가 및 기타 수치.

디도의 아치 (약 81-82 장)의 장식은 플라 비안 스타일의 가장 높은 지점으로 간주되었습니다. 그것을 장식하고 Titus의 승리를 보여주는 패널은 탁월한 미적 특성을 가지고 있으며, 전차가 보는 사람을 향해 정면에서 볼 수 있지만 아티스트는 자신이 올바른 방향으로 가고 있다는 인상을주었습니다. 다른 패널은 예루살렘의 약탈을 나타내며, 다른 맥락에서 동일한 성공을 거두어이 자원을 사용하며, 둘 다 빛과 그림자의 합리적인 사용에 의해 그들의 환상 효과가 강화되었습니다. 그러나 사실 “플라비아 스타일”이라고 말하기는 어렵습니다. 다른 곳에서는 상당히 고전적이고 반 그림적인 성격의 정적 구호가 더 많기 때문입니다.

Trajan의 통치는 유명한 Trajan ‘s Column에 속하며 Dacia에서 101과 106 사이의 캠페인을 기념합니다. 그것은 연속적인 프리즈로 완전히 덮여 있으며 꼭대기를 향한 나선을 형성하며 이야기 스타일의 완벽한 예입니다. 로마의 역사적 부조. 에피소드는 때때로 분리 역할을하는 나무를 제외하고는 중단없이 서로 병합됩니다. Trajan은 여러 상황에서 여러 번 나타납니다. 전체적으로 거의 2,500 개의 수치가 조각되었으며 기술 수준은 단지 전체에 걸쳐 유지됩니다. 혁신적인 기능은 원근법을 포기하고 주변 경관에 비례하지 않는 인물을 사용하는 것인데, 이는 당시에 침투 한 동양의 영향을 희석시킵니다. 오늘날에는 대리석 형태 만 보입니다. 그러나 그것이 완성되었을 때의 효과는 그 시대의 관습에 따라 모든 장면들이 금속 디테일로 칠 해지고 장식 되었기 때문에 놀랍습니다. 저자는 다마스쿠스의 아폴로 도루스 (Apollodorus) 일 수 있습니다.

그 후 곧 트렌드는 고전주의로 바뀌었다. 베네 벤토 (Benevento)의 아르코 디 트라 리아 노 (Arco di Traiano)는 예외적 인 보존 상태에서 눈에 띄는 조각상으로 아드리아나 (Adriano)에서 조각품 만 완성되었으며 비슷한 스타일의 11 개 패널이 완성되었지만, 다양한 장면에서 황제 마르쿠스 아우렐리우스 (Marcus Aurelius) 황제를 대표합니다. 그들 중 4 명은 현재 Capitoline Museums에 있으며, 나머지는 Constantine Arch의 장식을 위해 제국 시대에 재사용되었습니다. Marcus Aureliusit의 칼럼은이 단계에서 고전주의 유병률의 또 다른 훌륭한 예입니다. 기념비를 둘러싸고있는 프리즈의 연속적인 나선에 쌓인 수많은 인물들이 있지만, 트라야누스 기둥에는없는 질서, 우아함, 리듬 및 징계가 보존됩니다.

그러나 이러한 고전주의의 방해는 셉 티미 우스 세베루스 (Septimius Severus)로 끝났을 것이며, 그의 아치는 비례 시스템과 독립된 장면의 구성을 단축하는 데 동방 예술에 접근했다. 3 세기부터는 사실상 아무것도 살아남지 않았으며 우리가 남아있는 것은 거칠고 스케치 된 인물을 보여주는 작은 프리즈입니다. 마르쿠스 아우렐리우스 시대의 다른 오래된 패널과 현저한 대조를 보이는 콘스탄틴 아치의 북쪽과 남쪽의 상류에서 볼 수 있듯이 동일한 스타일이 4 세기 내내 계속됩니다. 로마 건축 조각의 마지막 중요한 예는 콘스탄티노플의 경기장에서 테오도시우스 1 세의 오벨리스크의 기초에 있으며,

정원과 욕조
제국 시대를 기복하여 조각 된 잘 알려진 많은 대형 석재 화병은 정원 장식물로 주로 사용되었습니다. 실제로 많은 조각상들이 공공 및 개인 정원에 배치되었습니다. 티 베리우스에 의해 대중에게 공개 된 Sallust 정원에서 회수 된 조각품은 다음과 같습니다.

Obelisco Sallustiano, 스페인 계단의 상단에있는 스페인 광장 (Piazza di Spagna) 위의 Trinità dei Monti 교회 앞에 서있는 이집트 오벨리스크의 로마 사본
보르 게세 꽃병은 16 세기에 그곳에서 발견되었습니다.
죽어가는 갈리아와 갈리아 자신과 그의 아내로 알려진 조각품, 기원전 228 년경 페르가몬을 위해 청동으로 만든 유명한 헬레니즘 그룹 청동 조각의 대리석 사본.
1887 년에 발견 된 루 도비시 왕좌 (심각한 스타일의 정통 그리스 조각)와 1894 년에 발견 된 보스턴 왕좌.
1888 년 Via Boncompagni 근처에있는 Crouching Amazon은 Via Quintino Sella (Museo Conservatori)에서 약 25m 떨어져 있습니다.

로마 목욕탕은 조각의 또 다른 장소였습니다. Caracalla 목욕에서 회수 된 유명한 작품 중에는 Farnese Bull과 Farnese Hercules가 있으며 소비에트 사회 현실주의 작품 (현재 나폴리 무 세오 디 카포 디 몬테 (Musseo di Capodimonte))을 연상시키는 실물 크기의 3 세기 초 애국적인 인물이 있습니다.

다른 용도
조각의 작은 적용 중에는 가정 숭배의 조상, 극장의 인형 및 가면, 카메오, 장식물, 부적 및 어린이 장난감이 있습니다. 그러나 위대한 장르보다 덜 유명하지만, 그것들은 그 장르보다 덜 중요하지 않으며, 종종 공식적인 표현을 넘어서는 로마 정신, 주로 사람들에 대한 더 정확하고 친밀하고 성실한 아이디어를 제공합니다.

카메오
이 작은 속에서 카메오는 가장 고급스럽고 상류층으로 제한되며 일반적으로 보석으로 사용됩니다. 옥수, 칼세도니, 재스퍼, 자수정 및 오닉스와 같은 준 보석으로 조각 된이 조각들은 존 루 스킨 (John Ruskin)이 조각 한 것으로 간주 될 때 그 조각에 대한 감사를 통해 미니어처 조각품으로 간주됩니다. 이 형태의 조각은 헬레니즘 그리스인들에 의해 로마에 소개되었는데, 그는이 장르에서 높은 수준의 세련미를 최초로 달성했습니다. 작은 크기는 이러한 유형의 작업에 필요한 전문 지식에 대해 오도해서는 안됩니다. 돌의 곡물과 다른 층을 가공하여 미묘한 색조와 빛과 투명도의 효과를 얻으려면 강렬한 집중력과 엄청난 감도가 필요하기 때문입니다. 데이트는 매우 문제가 많습니다. 많은 부분이 다른 시간에 재 작업되었다는 것을 나타냅니다. 최고의 표본은 열렬한 논쟁의 수집가가되었으며, 그 중에서도 다양한 캐릭터로 구성된 2 개의 장면이 새겨진 2 톤 오닉스의 환상적인 오거스타 보석을 언급 할 수 있습니다.

제국 시대에 카메오는 큰 명성을 얻었습니다. 로마인들은 유리 파생을 발명하여 색과 투명도를 더 잘 제어 할 수 있다는 이점을 제공했지만 더 어렵고 길고 비용이 많이 들었습니다. 현대 유리 제조업 자들이 아직 완전히 탐구하지 않은 상당한 기술적 과제를 제시하고 있습니다. 그러나 유명한 포틀랜드 꽃병과 Vase of the Seasons와 같은 조각으로 장식 된 유리 카메오의 전체 카메오.

완구
장난감은 모든 문화에서 발견되며 로마인도 예외는 아닙니다. 헬레니즘 시대의 문학 참고 문헌은 모든 것이 전통 인형에서부터 바퀴가 달린 카트, 가구, 전사 및 동물 그림, 심지어 금속, 목재 또는 테라코타의 소형 주택까지 어린이 엔터테인먼트를위한 다양한 종류의 물건이 있음을 나타냅니다 . 완구는 당시의 경제 및 사회적 조건을 연구하는 데 훌륭한 대상입니다.

개인 예배 조상
종교적 영역에서 로마 판테온의 많은 신들과 가족과 지역 신들의 개인 숭배 조상이 두드러집니다. 신들의 의인화의 습관은 에트루리아 인들과 그리스인들에 의해 물려 받았기 때문에 사실상 모든 자연의 힘과 추상적 힘은 로마인들에게 인간적 측면을 취하고 종교를 엄격하게 조직하고 사적인 예배를받지는 않았지만 숭배를 받았다. 중요한 역할을했습니다. 박물관에는 제국 전역에 널리 퍼져있는 가정 숭배 조각상이 가득합니다. 그들의 예술적 특성은 매우 다양하며 평범한 사람들이 사용하는 것은 평범하고 매력적이지 않지만 굉장히 세련된 예가 있습니다. 이 분야에서는 가치가있는 조상의 미학적 측면이 아니 었습니다.

부적 조상은 비슷한 기능을 가지고 있습니다. 복잡하고다면적인 로마 종교에서 마술은 그다지 중요하지 않은 역할을했으며 부적은 그 자리를 찾았습니다. 그리스인과 에트루리아 인들은 그것들을 사용했고, 플리 니 (Pliny)와 갈렌 (Gallen)과 같은 몇몇 고전 작가들은 그들에 대해 호의적으로 이야기합니다. 로마인들조차도, 특히 제국 말기에는 일반적인 관습으로 만들었습니다. 부적은 일반적으로 작고 휴대용 물건이지만 반드시 같은 인물은 아니지만 동일한 기능을 수행하는 일련의 조상은 살아남아 조상, Lares, 가정 신사에서 깊은 존경을받는 집의 보호 정신 또는 Phaplic 인 Priapus를 묘사합니다. 신의 이미지는 악마의 눈, 불임 및 발기 부전에 대한 강력한 치료법으로 간주되었으며 집 입구의 외부 부분에 배치되었습니다.

장식 된기구
마지막으로, 꽃병, 테이블 서비스, 램프, 문 손잡이 및 고대 로마에서 조각의 광범위한 적용을 증명하는 매우 다양한 범주의 조각에 적합한 장식으로 장식 된 많은 다른 유형의 용품에 대한 간략한 언급이 남아 있습니다. 램프와 화로는 의도 한 위치에 따라 종교적, 신화 적 및 에로틱 한 장면을 보여주는 구호 이미지로 장식 될 수 있으며 하나 이상의 매우 화려한 발을 가질 수 있습니다. 접시, 냄비, 그릇 및 꽃병조차도 화려한 모양의 손잡이 또는 목이 구호를 가질 수 있습니다. 도자기에서 우리는 밀봉 된 지구의 유형, 넓은 확산을 가진 조각 및 릴리프로 장식 된 꽃병의 종류와 지붕 가장자리에 설치된 장식적인 접미사를 추상적 또는 비 유적 형태로 만들 수 있습니다.

늦은 제국 조각
위에서 언급했듯이, 제국의 마지막 세기 (3 세기에서 5 세기까지)는 완전히 새로운 문화적 맥락의 탄생을 보았습니다. 때때로이 변화의 단계는 예술적 퇴폐로 여겨졌지만 그리스어 정경은 시대와 맥락이 잘 정의 된 결과였으며, 로마의 예술적 기원과 그 경로의 경로를 형성했지만 시대와 영토가 바뀌었고, 고전주의는 과거 현실이 아닌 상징적 또는 역사적 기준이되기 시작했습니다. 이제 로마는 그 자체의 역사를 가지고 있었고 아이디어, 종교, 예술 및 열망이 로마 문화의 불가분의 일부가 된 근동의 위대한 고대 문화와의 격렬한 교류의시기에 들어 섰습니다. 마찬가지로 스페인에서 확장 된 수많은 제국도

문화적 발포와 다양한 미학 원칙의 시대에, 모든 부분에서 고전적인 요소의 영속성, 수정 된, 다른 각도에서, 여전히 의사 소통 채널을 개방하고 일종의 링구아 프랑카의 역할을하도록 허용하는 것이 확실하다 예술적. 혼합주의는 항상 로마 예술의 특징 이었지만, 황제 후기에는 중요한 중요성의 역할을 맡았습니다. 제국의 기독교화 이후, 이교 예술의 규범은 새로운 주제에 적응했지만 망설임없이 기독교 황제들에 의해 채택되었다. 콘스탄티노플이 새로운 수도가되었을 때, 그것은 새로운 맥락의 요구를 충족시키기 위해 개혁되어야하더라도, 고대 전통의 연속성을 유지하려는 선언 된 욕망 인 “고대 로마”에 대한 건축적이고 예술적인 암시로 가득 차있었습니다.

이 과정은 당시의 문헌이 확인했듯이 의식적이고 자발적이었습니다. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다. 고전 유산에서 선출 된 선출 된 형태로 발생한 급속한 사회적, 정치적 변화를 가리는 것은 제국의 빌딩 블록이 다양성을 띠는시기와 국가의 파편화가 벌어지고있을 때 중요한 문화적 응집력을 제공했다 실제 위협. 실제로 고전주의에 대한 문자적인 영속성은 없었으며 불가능했을 것입니다. “선택적”연속성이 발생했습니다. 이 과정은 당시의 문헌이 확인했듯이 의식적이고 자발적이었습니다. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다. 고전 유산에서 선출 된 선출 된 형태로 발생한 급속한 사회적, 정치적 변화를 가리는 것은 제국의 빌딩 블록이 다양성을 띠는시기와 국가의 파편화가 벌어지고있을 때 중요한 문화적 응집력을 제공했다 실제 위협. 실제로 고전주의에 대한 문자적인 영속성은 없었으며 불가능했을 것입니다. “선택적”연속성이 발생했습니다. 이 과정은 당시의 문헌이 확인했듯이 의식적이고 자발적이었습니다. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다. 연속성. 이 과정은 당시의 문헌이 확인했듯이 의식적이고 자발적이었습니다. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다. 연속성. 이 과정은 당시의 문헌이 확인했듯이 의식적이고 자발적이었습니다. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다.

고전 유산에서 선출 된 선출 된 형태로 발생한 급속한 사회적, 정치적 변화를 가리는 것은 제국의 빌딩 블록이 다양성을 띠는시기와 국가의 파편화가 벌어지고있을 때 중요한 문화적 응집력을 제공했다 실제 위협. 당시의 문헌에 의해 확인 된 바와 같이. 일부 공식적인 프로토 타입은 유지되었지만 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각으로 끝났습니다. 고전 유산에서 선출 된 선출 된 형태로 발생한 급속한 사회적, 정치적 변화를 가리는 것은 제국의 빌딩 블록이 다양성을 띠는시기와 국가의 파편화가 벌어지고있을 때 중요한 문화적 응집력을 제공했다 실제 위협. 당시의 문헌에 의해 확인 된 바와 같이. 일부 공식 프로토 타입이 보관되었습니다. 다른 모델의 큰 레퍼토리는 단순히 망각에 빠졌습니다. 고전 유산에서 선출 된 선출 된 형태들에서 일어난 빠른 사회적, 정치적 변화를 가리는 것은 제국의 빌딩 블록이 다양성을 가지게되었을 때와 국가의 분열이 벌어지고있을 때 중요한 문화적 응집력을 제공했다 실제 위협.

엘리트들은 계속해서 고전 교육을 받았으며 보수적 인 태도를 유지했다. 회원들은 봉헌 된 저자들을 읽었으며, 그것들을 통해 조상의 전통에 익숙해 져서 그 맛을 발전시켰다. 도시, 귀족 별장 및 극장은 여전히 ​​이교도의 이미지로 장식되었습니다. 312 년에 콘스탄틴이 기독교로 개종 한 것은 즉각적이거나 완전한 형태가 아니더라도이 전통을 깨뜨렸다.

Rachel Kousser에 따르면 :
«따라서 4 세기 귀족은이 모순 된 세계에서 열린 갈등을 일으키지 않고 스스로 자리를 협상해야했다. 세워진 기념비는이 협상의 흔적을 유지했다. 전통적 형태의 내용, 비스듬한 내용, 그들은 새로운 합의의 창출을 기록한다. 그 결과 가장 성공적인 예술 작품은 비특이적이었다. 그들의 목표는 고객의 정의 된 고유 한 정체성을 선포하는 것이 아니라, 많은 해석에 개방 된 많은 공통 가치를 제안하는 것이 었습니다.

그러므로이 작품들의 유대를 특정한 종교적 이념, 정치적 제휴 등으로 강조하는 대신 분리 주의적 성격을 나타내는 것행위자-(…) 그들은 공명하고 통일합니다. 4 세기 귀족들의 경우, 고전 조각상 모델을 기반으로 한이 이미지들은 균형 잡힌 효율적인 자기 표현을위한 유용한 수단이었습니다. 모두와 나누어 진 과거에 대한 이야기가있었습니다. 이런 식으로 그들은 중세 예술에서 고전적 형태의 생존을 보장하는 데 도움을 주었다. (…) 예술 작품은 익숙해 보였다. 오늘날 그들은 많은 현대 학자들에게 단조로운 것처럼 보이지만, 고대에는 가치가있었습니다. 이 작품들은 인간 형태의 자연 주의적 표현을 조각의 가장 큰 성취로 간주하는 전통 인 전통을 가진 새로운 기독교 질서를 식별했습니다. 이런 의미에서, ”

이교도 동상의 명성은 서기 4 세기까지 계속 높았다. 391 년에 테오도시우스 1 세가 기독교의 부상과 고대 숭배를 금지하는 것조차도 종교적이고 장식적인 이미지를 즉각적으로 파괴하지는 않았다. 우리 시대의 4 세기 말 Prudentius는 여전히 이교도 우상의 조각상을 “훌륭한 예술가들의 기술의 예, 그리고 우리 도시의 훌륭한 장식물”로 보존하고 Cassiodorustells는 여전히 노력이 어떻게 진행되었는지를 추천했다 4 세기에 고대 이교 조각을 보존하여 후대에 대한 제국 위대함의 증거로 만들었습니다. 그럼에도 불구하고 나중에 교황권과 제국의 정치가 바뀌었고, 다른 작품에 사용하기 위해 자료를 회복하기 위해 고대의 기념비가 약탈되기 시작했습니다.

모방적이고 표현적인 자원으로 색상 사용
석재 절단 또는 청동 주조 작업에 대한 보완으로, 조각 된 조각의 최종 효과는 표면에 다색을 추가하여 수정되었으며, 그리스인들로부터 물려받은 관행이며, 역사적 기록에서 볼 수 있듯이 일반적으로 수행되었습니다. 오늘날 우리가 박물관에서 돌이나 청동으로 만 보는 것과 완전히 다른 측면의 조각에 이르기까지. 이 역사적 사실은 적어도 2 세기 동안 알려져 있었지만 오늘날에도 여전히 놀라운 결과를 낳습니다. 사실 고고학자와 박물관 보존 소들 사이에서도 원래의 작품이 사용 된 자료의 외관을 남기고 원래 작품이 만들어 졌다고 생각하는 잘못된 개념이 생겨났습니다. 최근까지 지속 된 오류. 이 장식용 안료 사용은 실제로 고대 예술에서 근본적인 사실이었으며 조각상은 없었습니다.

페인팅 외에도은과 금, 에나멜, 진주와 유리 같은 다른 유색 재료를 삽입하고 특정 특징이나 해부학 적 부분을 이끌어 내기 위해, 오닉스와 같은 특정 유형의 유색 대리석과 귀중한 돌을 만드는 데 사용되었습니다. 여러 가지 빛깔의 정맥과 투명성이 풍부한 설화 석과 석회석은 조각상의 의복의 일부에 사용되어보다 고급스러운 효과를 낼 수 있습니다. 원래의 색상을 복원하면서 훌륭한 작품의 주제 전시회와 함께 발표 된 최근 연구는 완전히 새로운 고전 예술 비전을 제시했습니다.

유산
로마인들은 외국 문화의 그늘에서 번창 한 것을 자랑스럽게 생각한 최초의 사람들이었습니다. 버진은 자신의 아이 네이드에서 아직 태어나지 않은 안 키세의 유령을 로마로 향하게했으며, 예술과 과학에서 그녀는 항상 그리스인보다 열등하지만 전쟁과 행정에서 그들을 극복 할 것이라고 선언했다. 또 다른 부분에서 시인은 그의 뮤즈가 테 오토 리우스의 방식으로 구절에서 가장 먼저 노래를 부르며 다른 유사한 사건들이 당시의 현대 문학에 많이 등장했다고 자랑했습니다. 도시 된 바와 같이, 모든 로마 조각 작품은 그리스 사례에 대한 막대한 채무자였으며,시, 음악 및 건축과 같은 다른 예술에서도 마찬가지였다. 이것은 사실이지만 Arnold Toynbee와 Roger Fry와 같은 영향력있는 작가들에 의해 로마인들의 단점으로 해석되어 본질적으로 모방적인 사람들로 여겨졌습니다.

이 의견은 19 세기 후반 비판의 입장을 반영하는데, 본질적으로 그리스인은 그리스인이 아니라고 로마인을 비난했지만, 아이러니하게도 로마인 자신으로부터 비롯되었다. 자랑스럽고 겸손합니다. 그러나 우리가 보았 듯이, 조각가들이 다른 비평가들에 의해 인정 된 명백한 독창성의 특정 특성을 개발하는 것을 막지는 못했지만, 명백한 증거에 근거하더라도 완전히 옳지는 않다고 고발했다.

반면에 현대의 관점에서 고대 문화를 판단하는 것은 항상 무모한 조작입니다. 로마인들은 일반적으로 높은 대중의 정신과 개인주의와 편심에 대한 강한 혐오감을 가지고 있으며, 그리스인들을 항상 두려워했고, 조상 전통, 공공 및 가족은 항상 극도의 숭배의 대상이었습니다. 버질은 ‘아에네아스 (Aeneid)’에서 트로이 (Troy)에서 아버지의 비행으로 어깨를 나란히 한 아이네아스 (Aeneas)의 이야기를 들었다. 오늘날 우리가 로마에서 가장 인정받는 자질 중 잔인하고 기괴한 행동은 사회 전체에서 흔했으며, 그들은 중립, 세 베리 타, 프 루가 리타 및 단순성이었다. 긴축과 존엄성, 절제와 단순성-현대 문학에서 반복적으로 칭찬. 이러한 요소들을 고려할 때, 독창성이 부족하다는 것은 상대적이고 문화적 정체성 특성이됩니다. 모든면에서 조각은 우리에게 로마의 모든 유산을 연구하고 문화 영역에서 독특한 태도를 이해할 수 있도록 많은 자료를 제공합니다.

예전의 대부분의 예전의 파괴와 예술과 문화적 가치의 개념의 변화를 위해 중세 시대의 어둠에 빠지면서 로마 조각은 르네상스 시대에 예술 현장에 새로운 모습을 보일 기회를 가졌습니다. 그리고 그 이상은 사실이 시대의 새로운 미학의 발전을위한 기본 요소였습니다. 라파엘로 (Raffaello)는 초기에 고대 작품을 잃어버린 광대 함을 알고 대리석과 청동을 재사용하여 다른 물건을 만드는 습관을 버리고이시기에 다양한 로마 조각품을 발견 한 르네상스 사회에서 센세이션을 일으켰다. 사본과 새로운 해석, 무수히 많은 고고 학적 발굴에서 남아있는 다른 것들에 대한 염려와 조각 된 일련의 재생산이 나타납니다.

바로크 동안 고대의 법정에 대한 관심은 줄어들지 않았습니다. 베르니니 (Bernini)와 같은 마스터는 그리스와 로마 예술의 유명한 애호가였으며 그 제작은 고대의 예와 고전적인 주제에 기인합니다. 다음 기간 동안 감소하지도 않았습니다. 18 세기에는 “유럽 그랜드 투어”의 의상이 엘리트들 사이에 형성되었고 로마는 의무 방문이었으며, 지식에 대한 욕구와 고전 유물 예술의 습득은 마니아로 바뀌어 신고전주의. 18 세기에서 19 세기 사이에 여러 국가에서 몇 가지 중요한 개인 소장품이 형성되었으며, 특히 영국에서는 소유자의 사회적 명성을 보장하고 공직에 쉽게 접근 할 수 있도록 지원했습니다.

신고전주의 예술가들은 그리스 제작에 감탄했지만, 고전적인 스타일에 대한 그들의 해석은 실제로 로마 원칙에 기초를 두었습니다. 그 당시 알려진 작품이 그리스가 아닌 거의 모든 로마인이라는 단순한 사실 때문입니다. 19 세기 중반, 터키가 오랫동안 지배 한 후 그리스가 서쪽으로 다시 열리면서, 그리스어 작품을 대량으로 비롯해 낭만적 인 흐름의 영향을 받아 다양한 고고 학적 연구가 실현되면서 대중의 취향은 헬레니즘을 향한 경향이 있었지만 로마 예술은 호의를 얻지 못했지만 새로운 부유 한 북미 사람들은이 전통을 높게 유지했습니다. 그러나 20 세기에 현대주의 혁명은 새로운 세대의 예술가들에게 영감을주는 로마 예술의 능력을 급격히 감소 시켰습니다.