Ornamento en el arte – HiSoUR Arte Cultura Historia

En arquitectura y arte decorativo, el ornamento es una decoración que se utiliza para embellecer partes de un edificio u objeto. Los grandes elementos figurativos como la escultura monumental y sus equivalentes en el arte decorativo están excluidos del término; la mayoría de los adornos no incluyen figuras humanas, y si están presentes son pequeños en comparación con la escala general. Los ornamentos arquitectónicos pueden ser tallados en piedra, madera o metales preciosos, formados con yeso o arcilla, o pintados o impresos en una superficie como ornamento aplicado; en otras artes aplicadas, puede usarse el material principal del objeto, o uno diferente, como pintura o esmalte vítreo.

Se han desarrollado una gran variedad de estilos y motivos decorativos para la arquitectura y las artes aplicadas, que incluyen cerámica, muebles y carpintería metálica. En textiles, papel tapiz y otros objetos donde la decoración puede ser la principal justificación para su existencia, es más probable que se usen los términos patrón o diseño. La amplia gama de motivos utilizados en el ornamento se basa en formas geométricas y patrones, plantas y figuras humanas y animales. En toda Eurasia y el mundo mediterráneo ha existido una tradición rica y vinculada de adornos vegetales durante más de tres mil años; ornamento tradicional de otras partes del mundo generalmente se basa más en motivos geométricos y animales.

En un ensayo de 1941, el historiador de la arquitectura Sir John Summerson lo llamó «modulación superficial». La decoración y el ornamento más antiguos a menudo sobreviven de las culturas prehistóricas en simples marcas en la cerámica, donde se ha perdido la decoración en otros materiales (incluidos los tatuajes). Donde se usó la rueda de alfarero, la tecnología hizo que algunos tipos de decoración fueran muy fáciles; El tejido es otra tecnología que también se presta muy fácilmente a la decoración o el patrón, y en cierta medida dicta su forma. El ornamento ha sido evidente en las civilizaciones desde el comienzo de la historia registrada, que van desde la arquitectura del antiguo Egipto hasta la asertiva falta de ornamentos de la arquitectura modernista del siglo XX.

El ornamento implica que el objeto ornamentado tiene una función que un equivalente no ornamentado también podría cumplir. Donde el objeto no tiene tal función, pero existe solo para ser una obra de arte como una escultura o pintura, es menos probable que se use el término, excepto por elementos periféricos. En los últimos siglos, se ha aplicado una distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas o decorativas (a excepción de la arquitectura), cuyo ornamento se ve principalmente como una característica de la última clase.

Para otras aplicaciones, vea Ornamento (desambiguación).
En arquitectura y arte decorativo, el ornamento es una decoración que se utiliza para embellecer partes de un edificio u objeto. Los grandes elementos figurativos como la escultura monumental y sus equivalentes en el arte decorativo están excluidos del término; la mayoría de los adornos no incluyen figuras humanas, y si están presentes son pequeños en comparación con la escala general. Los ornamentos arquitectónicos pueden ser tallados en piedra, madera o metales preciosos, formados con yeso o arcilla, o pintados o impresos en una superficie como ornamento aplicado; en otras artes aplicadas, puede usarse el material principal del objeto, o uno diferente, como pintura o esmalte vítreo.

Los ornamentos difieren de las imágenes en el sentido clásico en que su función narrativa ocupa un lugar secundario respecto de las decorativas. No crean una ilusión ni en el tiempo ni en la profundidad espacial. Los ornamentos no indican acción continua y están limitados a la superficie. Sin embargo, los ornamentos pueden ser naturalistas y escultóricos, o los objetos individuales, como los jarrones, pueden usarse ornamentales si decoran como una función principal.

Los adornos figurativos y plásticos contrastan con los abstractos o estilizados. La estilización puede referirse a elementos o formas individuales o, como en el arabesco, a la orientación del movimiento. Cuanto más abstracto es un adorno, más fuerte aparece la razón como un patrón independiente. Además de su grado de abstracción, los ornamentos difieren en su relación con el portador. Los adornos pueden acentuar (rosetas), dividir (cintas, tiras en la arquitectura), llenar y enmarcar. El usuario puede determinar el adorno o, a la inversa, estar dominado por el adorno. La intensidad y la densidad también determinan la relación con el usuario.

Los ornamentos se examinan no solo como un género de arte, sino también en su desarrollo estilístico y en el contexto de la percepción humana. El último enfoque intenta basar el estudio de la ornamentación en los hallazgos de la psicología. La fascinación del hombre por formas elementales geométricas simples se explica por la necesidad de elegir entre la multitud de estímulos de imagen caóticos. Además, para ser estéticamente agradable, los adornos deben aportar una cierta complejidad con este enfoque. De lo contrario, se ordenan según lo esperado.

La historia de estilo del ornamento trata del desarrollo temporal de motivos ornamentales y su diseño, y fue fundada por Alois Riegl a fines del siglo XIX. Si otra cultura adquiere un motivo, por lo que pierde o cambia su significado original, o si la tecnología de producción o media cambia, por ejemplo a través de la producción en masa y la producción automatizada, los motivos se desarrollan aún más. Diferentes culturas o corrientes locales interactúan e influyen entre sí. A veces, ciertos adornos de un adorno son tan típicos de una época, un lugar o un solo artista que se utilizan para determinar el origen.

La discusión sobre los ornamentos siempre ha estado determinada por el principio del decoro, que, cuando se aplica a la ornamentación, establece si la ubicación o el diseño se ajusta. Esto incluye si un adorno se percibe como cursi o con sobrepeso. Lo que una sociedad siente que encaja depende fuertemente de sus normas. Dado que los ornamentos pueden enmascarar el valor o la funcionalidad quizás menor de su portador, la historia a menudo ha exigido una ornamentación sobria, por así decirlo, clásica en nombre de la belleza natural y la gracia.

Además del arte, el adorno aparece en la música como una ornamentación posiblemente improvisada o en retórica, donde se entiende que significa un lenguaje visual o rítmico exagerado. Además, los elementos ornamentales emergen en la pintura clásica, por ejemplo en los pliegues rítmicos de la tela o en la representación sinuosa de las figuras.

Historia
Antigüedad
Oriente antiguo
En Oriente Medio, los ornamentos geométricos simples se remontan a 10.000 años, obtenidos en herramientas, vasijas de barro o paredes de cuevas. Palmette y roseta, patrones de espiral y de línea ya son varios milenios antes de Cristo. Utilizado para la decoración Dos motivos vegetales comunes en el antiguo Egipto son el loto en sus manifestaciones como una hoja, brote o como una flor y el papiro como una flor. Además, los motivos ornamentales en el antiguo Egipto incluyen animales (como Bukranien), personas, personajes y patrones geométricos. Los motivos se alinean, se alternan o se conectan con líneas (como líneas en espiral). Otros motivos que se han utilizado antes de la antigüedad clásica incluyen conos de pino y granadas. El Triplespirale y el Triskele son motivos del pasado. La rueda de vórtice es una modificación de la esvástica que se agrega más adelante.

Antigüedad clásica
En la antigüedad griega, el chasquido y el relleno de los zarcillos, así como el acanto y la palmeta se desarrollan en su forma clásica. Da características tales como media palma y palmeta circunscrita, y como elemento de conexión, el zarcillo de la onda libre, que luego se despliega espacialmente. En contraste con la ornamentación egipcia antigua, los motivos no solo están dispuestos estrictamente ortogonales, sino de forma muy diagonal. Los ornamentos se ven en su relación con el contenido, por ejemplo, como marcos para representaciones en jarrones. Relativamente temprano viene la hoja de hiedra, más tarde la hoja de acanto como un adorno, el último en relación con el orden corintio (véase el orden de las columnas y el capitel).

En el helenismo y la antigüedad romana va en el oeste, las tendencias espacial-naturalistas en la ornamentación; Las representaciones humanas y animales se acumulan (puesta, fantasía o pájaros). La antigüedad tardía conduce, por una parte, a una naturalización adicional y a un relleno exuberante de la superficie, lo que sirve para la representación de la riqueza. Sin embargo, los motivos a menudo se usan con relativa libertad, casi estilizados. Por ejemplo, aparece la hoja de acanto no libre, cuya viña de conexión continúa en su punta. Especialmente en Oriente, se desarrolla un estilo más abstracto. Otros motivos típicos de la antigüedad romana son el laurel, las uvas y las hojas. La columna pierde su función exclusivamente de soporte de carga y se usa de forma ornamental.

Europa
Edades medias
El arte carolingio tomó más de 800 de los últimos siglos, hace apenas unos siglos, la palmeta y el acanto. Además, el nativo de la tradición celta y germánica animal y Flechtbanddekor celebró. Ambas influencias fueron aún efectivas en el románico. El follaje de la joya de la capital utilizaba el acanto más o menos clásico. El adorno del edificio prefería formas geométricas, como el corte de dientes, la cinta puntiaguda o el friso de arco redondo. En los bordes e iniciales de la iluminación predominan los elementos vegetales, desarrollados a partir de la palmeta y el acanto, pero, en contraste con el gótico, siguen estando limitados por separaciones de campo y marcos.

Completamente independiente de los modelos antiguos, la tracería desarrolla el género ornamental más importante del gótico. Originados como un elemento arquitectónico para estructurar y hacer frente estructuralmente a grandes superficies de ventanas de vidrio, estos motivos, fácilmente transferibles en su linealidad, se convirtieron en elementos decorativos independientes tales como retablos tallados, custodias doradas o páginas de libros pintados. La direccionalidad vertical de la tracería encuentra una variante en los arcos apuntados dispuestos radialmente del rosetón. En contraste con esta característica geométrica y abstracta de la tracería, en el gótico hay una ornamentación casi naturalista de las plantas. En la capital, inicialmente varía y luego desplaza el acanto clásico, reemplazándolo con hojas de vid y follaje de plantas nativas. Típico de la ornamentación del follaje centroeuropeo en Europa Central son hojas encorvadas en el siglo XIV y, a finales del siglo XV, zarcillos parecidos a cardos. Así como sus enredos se vuelven cada vez más complejos, la tracería y los arcos apuntados se doblan extravagantemente, como lo muestra la nariz de tres nueces compuesta por tres burbujas de peces.

Renacimiento
Para Leon Battista Alberti, el ornamento juega un papel importante en la definición de belleza (pulcritudo). La belleza, dice Alberti, es una condición ideal en la que nada se puede quitar o agregar al edificio sin disminuir su belleza. Como esta condición no se logra en realidad, el ornamento se aplica al exterior del edificio para subrayar las ventajas del edificio y ocultar los defectos (Alberti: de re aedificatoria, Venecia 1485, Libro VI, Capítulo 2),

La aplicación más importante de este esquema dualístico de la belleza y el ornamento se puede encontrar en el motivo teatral, que se convirtió en la estructura más importante para construir grietas durante el Renacimiento.

Ornamento moderno
Los ornamentos modernos de carpintería están hechos de madera, plásticos, materiales compuestos, etc. Se presentan en muchos colores y formas diferentes. La arquitectura moderna, concebida como la eliminación del ornamento en favor de las estructuras puramente funcionales, dejó a los arquitectos el problema de cómo adornar adecuadamente las estructuras modernas. Había dos rutas disponibles desde esta crisis percibida. Uno era intentar idear un vocabulario ornamental que fuera nuevo y esencialmente contemporáneo. Esta fue la ruta tomada por arquitectos como Louis Sullivan y su alumno Frank Lloyd Wright, o por el único Antoni Gaudí. El Art Nouveau, a pesar de todos sus excesos, fue un esfuerzo consciente por desarrollar un vocabulario de adorno tan «natural».

Una ruta más radical abandonó por completo el uso del ornamento, como en algunos diseños de objetos de Christopher Dresser. En ese momento, tales objetos sin ornamentos se podrían haber encontrado en muchos artículos cotidianos de diseño industrial sin pretensiones, cerámicas producidas en la fábrica de Arabia en Finlandia, por ejemplo, o los aislantes de vidrio de líneas eléctricas.

Este último enfoque fue descrito por el arquitecto Adolf Loos en su manifiesto de 1908, traducido al inglés en 1913 y políticamente titulado Ornament and Crime, en el que declaraba que la falta de decoración es el signo de una sociedad avanzada. Su argumento era que el ornamento es económicamente ineficiente y «moralmente degenerado», y que la reducción del ornamento era un signo de progreso. Los modernistas estaban ansiosos por señalar al arquitecto estadounidense Louis Sullivan como su padrino en la causa de la simplificación estética, descartando los nudos de adornos intrincadamente estampados que articulaban la piel de sus estructuras.

Con el trabajo de Le Corbusier y la Bauhaus durante los años 1920 y 1930, la falta de detalles decorativos se convirtió en un sello distintivo de la arquitectura moderna y se equiparó con las virtudes morales de la honestidad, la simplicidad y la pureza. En 1932, Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock lo denominaron el «estilo internacional». Lo que comenzó como una cuestión de gusto se transformó en un mandato estético. Los modernistas declararon su camino como la única forma aceptable de construir. Cuando el estilo tocó fondo en la altamente desarrollada obra de posguerra de Mies van der Rohe, los principios de la modernidad de 1950 se volvieron tan estrictos que incluso arquitectos consumados como Edward Durrell Stone y Eero Saarinen pudieron ser ridiculizados y condenados al ostracismo por apartarse de las reglas estéticas.

Al mismo tiempo, las leyes no escritas contra el ornamento comenzaron a ser seriamente cuestionadas. «La arquitectura se ha liberado con cierta dificultad del ornamento, pero no se ha liberado del miedo al ornamento», observó Summerson en 1941.

La misma diferencia entre ornamento y estructura es sutil y quizás arbitraria. Los arcos apuntados y los arbotantes de la arquitectura gótica son ornamentales pero estructuralmente necesarios; las coloridas bandas rítmicas de un rascacielos de estilo internacional de Pietro Belluschi son integrales, no aplicadas, pero sin duda tienen un efecto ornamental. Además, el ornamento arquitectónico puede servir para el propósito práctico de establecer la escala, las entradas de señalización y ayudar a la identificación de caminos, y estas prácticas tácticas de diseño han sido prohibidas. Y a mediados de la década de 1950, los personajes clave modernistas Le Corbusier y Marcel Breuer habían estado rompiendo sus propias reglas produciendo trabajos concretos altamente expresivos y escultóricos.

El argumento en contra del ornamento alcanzó su punto máximo en 1959 sobre las discusiones del Edificio Seagram, donde Mies van der Rohe instaló una serie de vigas I verticales estructuralmente innecesarias en el exterior del edificio, y en 1984, cuando Philip Johnson produjo su Edificio AT & T en Manhattan con un frontón neogeorgiano de granito rosa ornamental, el argumento ya había terminado. En retrospectiva, los críticos han visto el Edificio AT & T como el primer edificio Postmodernista.

Adornos y libros de patrones

Versiones elaboradas de ornamentos arquitectónicos clásicos grecorromanos en el ornamento de Meyer

Un detalle del margen de una página de un manuscrito gótico tardío
Algunos cuadernos medievales sobreviven, el más famoso es el de Villard de Honnecourt (siglo XIII) que muestra cómo artistas y artesanos registraron diseños que vieron para uso futuro. Con la llegada de la impresión, los estampados se convirtieron en una parte importante de la producción de los grabadores, especialmente en Alemania, y desempeñaron un papel vital en la rápida difusión de los nuevos estilos del Renacimiento a los fabricantes de todo tipo de objetos. Además de revivir el ornamento clásico, tanto el estilo arquitectónico como el grotesco derivado de la decoración interior romana, estos incluyeron nuevos estilos como el moresque, una adaptación europea del arabesco islámico (una distinción no siempre clara en ese momento).

A medida que la impresión se volvió más barata, la impresión de ornamento individual se convirtió en conjuntos, y finalmente en libros. Desde el siglo XVI hasta el siglo XIX, se publicaron libros de patrones en Europa que daban acceso a elementos decorativos, que eventualmente incluían los grabados de culturas de todo el mundo. I quattro libri dell’architettura (Cuatro libros sobre arquitectura) de Andrea Palladio (Venecia, 1570), que incluía dibujos de edificios romanos clásicos y representaciones de los propios diseños de Palladio utilizando esos motivos, se convirtió en el libro más influyente jamás escrito sobre arquitectura. Napoleón tenía las grandes pirámides y templos de Egipto documentados en la Description de l’Egypte (1809). Owen Jones publicó The Grammar of Ornament en 1856 con ilustraciones en colores de la decoración de Egipto, Turquía, Sicilia y España. Se alojó en el palacio de la Alhambra para hacer dibujos y escayolas de los detalles ornamentados de los ornamentos islámicos, incluidos arabescos, caligrafía y motivos geométricos. El interés en la arquitectura clásica también se vio impulsado por la tradición de viajar en The Grand Tour, y por la traducción de literatura antigua sobre la arquitectura en el trabajo de Vitruvius y Michelangelo.

Durante el siglo XIX, el uso aceptable del ornamento y su definición precisa se convirtieron en fuente de controversia estética en la arquitectura académica occidental, ya que los arquitectos y sus críticos buscaron un estilo adecuado. «La gran pregunta es,» preguntó Thomas Leverton Donaldson en 1847, «¿vamos a tener una arquitectura de nuestro período, un estilo distintivo, individual y palpable del siglo XIX?». En 1849, cuando Matthew Digby Wyatt vio la Exposición Industrial francesa instalada en los Campos Elíseos en París, desaprobó en términos reconocibles modernos los adornos de yeso en imitación de bronce y imitación de madera:

Tanto interna como externamente hay una buena cantidad de adornos insípidos e inútiles … Si cada material simple hubiera permitido contar su propia historia, y las líneas de la construcción dispuestas de manera que conduzcan a un sentimiento de grandeza, las cualidades de El «poder» y la «verdad», que su enorme extensión debe haber asegurado necesariamente, apenas podrían haber provocado la admiración, y eso a un considerable ahorro de gastos.

Los contactos con otras culturas a través del colonialismo y los nuevos descubrimientos de la arqueología expandieron el repertorio de adornos disponibles para los revivalistas. Después de aproximadamente 1880, la fotografía hizo que los detalles del ornamento estuvieran aún más disponibles que las impresiones.

Criticando el ornamento
La arquitectura moderna y el diseño de productos desarrollaron un amplio escepticismo y rechazo a la ornamentación. En cambio, se promovió la fórmula «la forma sigue a la función». Particularmente popular fue el libro publicado de 1908 por adorno y crimen de Adolf Loos, en el que azotaba el uso del ornamento y la decoración y lo calificaba de superfluo.

Para el médico Hans Martin Sutermeister, el adorno fue una regresión de recuperación: la «magia del ornamento» se basa «en su efecto afectivo o sugestivo, que se debe a que los estímulos […] rítmicos externos afectan cada vez más [ profundidad] capas de nuestra psique. «El adorno se puede utilizar, similar a la música rítmica, para atraer al espectador (o al oyente) a influenciar.