アートの飾り – HiSoUR 芸術文化美術歴史

建築および装飾美術では、装飾は建物または物体の一部を装飾するために使用される装飾である。記念碑的彫刻や装飾芸術におけるそれらの同等物のような大きな比喩的要素は、この用語から除外されている。ほとんどの装飾品には人物が含まれていませんが、存在する場合は全体の大きさに比べて小さいです。建築装飾品は、石材、木材または貴金属から彫刻することができ、石膏または粘土で形成することができ、または適用された装飾品として表面に塗装または印象づけることができる。他の応用分野では、対象物の主材料、またはペイントまたはガラス質エナメルなどの異なる材料を使用することができる。

陶器、家具、金属工芸品など、建築と応用芸術のための多種多様な装飾スタイルとモチーフが開発されています。装飾がその存在の主な正当化であるかもしれないテキスタイル、壁紙および他の物体では、用語パターンまたはデザインが使用される可能性がより高い。装飾に使用される広大な範囲のモチーフは、幾何学的な形や模様、植物、人間と動物の図形から引き出されます。ユーラシアと地中海の世界では、3000年以上にわたり豊かで関連性の高い植物園芸の伝統があります。世界の他の地域の伝統的な装飾品は、典型的に幾何学的および動物的なモチーフに依存しています。

1941年のエッセイでは、建築史家Sir John Summersonがそれを「表面変調」と呼んだ。最古の装飾品や装飾品は、先史時代の文化から陶器のシンプルなマーキングで生き残り、他の材料（タトゥーを含む）の装飾は失われています。陶器のホイールが使われたところで、この技術はいくつかの種類の装飾を非常に簡単にしました。製織は、装飾や模様に非常に容易に役立ち、ある程度はその形態を規定する別の技術である。装飾は古代エジプトの建築から20世紀のモダニスト建築の装飾が欠けているまで、記録された歴史の始まり以来の文明で明らかになっています。

オーナメントとは、装飾されたオブジェクトが、無形の同等物も満たすかもしれない機能を有することを意味する。オブジェクトがそのような機能を持たず、彫刻や絵画のような芸術作品にしか存在しない場合、この用語は、周辺要素を除いて、使用される可能性は低い。最近の世紀には、芸術と装飾芸術の区別が（建築を除く）適用され、装飾は後者のクラスの特徴として主に見られる。

他の用途については、装飾（曖昧さ回避）を参照してください。
建築および装飾美術では、装飾は建物または物体の一部を装飾するために使用される装飾である。記念碑的彫刻や装飾芸術におけるそれらの同等物のような大きな比喩的要素は、この用語から除外されている。ほとんどの装飾品には人物が含まれていませんが、存在する場合は全体の大きさに比べて小さいです。建築装飾品は、石材、木材または貴金属から彫刻することができ、石膏または粘土で形成することができ、または適用された装飾品として表面に塗装または印象づけることができる。他の応用分野では、対象物の主材料、またはペイントまたはガラス質エナメルなどの異なる材料を使用することができる。

陶器、家具、金属工芸品など、建築と応用芸術のための多種多様な装飾スタイルとモチーフが開発されています。装飾がその存在の主な正当化であるかもしれないテキスタイル、壁紙および他の物体では、用語パターンまたはデザインが使用される可能性がより高い。装飾に使用される広大な範囲のモチーフは、幾何学的な形や模様、植物、人間と動物の図形から引き出されます。ユーラシアと地中海の世界では、3000年以上にわたり、豊かで関連性の高い植物園芸の伝統があります。世界の他の地域の伝統的な装飾品は、典型的に幾何学的および動物的なモチーフに依存しています。

装飾は、その物語の機能が装飾的なものに後ろ向きになる点で、古典的な意味での画像とは異なります。時間的にも空間的にも幻想を作りません。装飾品は連続的な行動を指示せず、表面に限定されています。それにもかかわらず、装飾品は自然主義的で彫刻的であるか、または花瓶のような個々の対象物が主要な機能として装飾されるならば装飾的に使用され得る。

具象的なものとプラスチックのものは、抽象的なものや模様のものと対照的です。この様式は、個々の要素または形態、またはアラベスクの場合と同様に、移動ガイダンスに関係する場合があります。装飾が抽象的であればあるほど、その理由はより強く独立したパターンとして現れる。オーナメントの抽象度に加えて、オーナメントは運送人との関係が異なります。装飾品は、ロゼッタを強調したり、リボンを分割したり、飾り枠を剥ぎ取ったり、塗りつぶしたり、枠を付けたりすることができます。着用者は装飾を決定することができ、逆に装飾を支配することができる。強度と密度も着用者との関係を決定する。

装飾は、アートのジャンルとしてだけでなく、彼らの文体の発展や人間の知覚の状況においても調べられます。後者のアプローチは、心理学の所見に装飾の研究の基盤を置くことを試みている。シンプルな幾何学的基本形式を持つ人間の魅力は、混沌としたイメージ刺激の中から選択する必要性によって説明される。さらに、審美的に喜ばれるために、装飾品はこのアプローチである程度の複雑さを伴わなければならない。それ以外の場合は、期待どおりに並べ替えられます。

装飾の様式の歴史は、装飾的なモチーフとそのデザインの一時的な発展を扱い、19世紀末のAlois Rieglによって設立されました。もしも他の文化が原動力を取り、それが元の意味を失うか、または変更するならば、あるいは量産や自動生産などの媒体や生産技術が変化するならば、モチーフはさらに発展する。異なる文化や地方の流れが相互に作用し合い、互いに影響を及ぼします。時には装飾品の特定の飾り物は、起源を決定するために使用される時代、場所または単一の芸術家の典型である。

オーナメントに関する議論は、装飾に適用されたときにその場所またはデザインが適合するかどうかを示す礼儀の原則によって常に決定されてきました。これは、装飾品がチーズまたは太りすぎたものとして認識されるかどうかを含む。社会が感じることは、その規範に強く依存することです。装飾品は、おそらくより少ない価値や機能を隠しているかもしれないので、歴史はしばしば、自然美と恵みの名の下に、控えめで話す古典的な装飾を求めています。

芸術に加えて、飾り物は、おそらく自由に即興された装飾として、または誇張された視覚的またはリズミカルな言語を意味すると理解されるレトリックとして音楽に現れる。さらに、装飾的な要素は古典的な絵画、例えば布のリズミカルな襞や図形の巻き付け表現などに出現します。

歴史
古代
古代オリエント
中東では、シンプルな幾何学的装飾品は、道具、粘土ポット、または洞窟壁で得られた10,000年に戻っています。パルメットとロゼット、スパイラルとラインのパターンはすでに数千年前です。装飾に使用されます。古代エジプトの2つの一般的な植物のモチーフは、その葉、芽、または花と花のようなパピルスとしてのその発現における蓮である。さらに、古代エジプトの装飾モチーフには、動物（Bukranienなど）、人物、文字、幾何学模様が含まれます。モチーフは、並んでいるか、交互になっているか、線でつながっています（らせん状の線のように）。古典的な古さの前に使用されてきた他のモチーフには、松のコーンとザクロが含まれます。 TriplespiraleとTriskeleは過去のモチーフです。渦巻きホイールは、後で追加されます。

古代の古代
ギリシア古代では、アントワーヌスとパルメットだけでなく、アントワーヌとスナッティングも古典的な形に発展しています。ハーフ・パームと外接パルテットのような特徴を与え、接続要素として後に空間的に展開するフリー・ウェーブ・アンクルを提供します。古代エジプトの装飾とは対照的に、モチーフは厳密に直交して配置されているだけでなく、斜めに配置されています。装飾品は、花瓶の表記のように、内容との関係で見られます。相対的に早い時期にツタの葉が、その後アカンサスの葉が装飾品となり、後者はコリントスの秩序と関連している（列の順序と資本を参照）。

西のヘレニズムとローマの古代バラでは、装飾の空間的自然主義的傾向; 人と動物の表現が積み重なっている（パッティング、ファンタジー、または鳥）。後期古代は、より一層の帰化と豊かな表面の充填につながります。しかし、モチーフはしばしば比較的自由に使用され、ほぼ定型化されています。例えば、非結合のアカザフスキの葉が現れ、その連結ブドウはその先端に続いている。特に東部では、より抽象的なスタイルが発展しています。古代ローマの典型的なモチーフには、月桂樹、ブドウ、葉があります。このカラムは、もっぱら耐荷重機能を失い、装飾的に使用されています。

ヨーロッパ
中世
カロリング芸術は、数世紀前の数百年前にパルメットとアカンサスから数百世紀後半にかけて800を引き継いだ。さらに、セルティックとゲルマンの伝統的な動物とFlechtbanddekorのネイティブが開催されました。両方の影響はロマネスクでまだ有効でした。首都ジュエリーの葉には多かれ少なかれ古典的なアカンサスが使われていました。建物の装飾は、歯の切れ目、尖ったリボンまたは丸いアーチのフリーズのような幾何学的形状を好んだ。イルミネーションの境界とイニシャルは主にパルメットとアカンサスから開発された野菜の要素ですが、ゴシックとは対照的に、まだフィールドの分離とフレームによって制限されています。

古代のモデルとは完全に独立しているこの彫刻は、ゴシック様式の最も重要な装飾ジャンルを開発しています。大きなガラス窓表面を構造化し、構造的に対処するための建築要素として生まれたこれらのモチーフは、直線性が容易に転写可能であり、彫刻されたリターベル、金めっきされたモンスター、塗装された本のページなどの独立した装飾要素となった。小道具の垂直方向性は、バラの窓の放射状に配置された尖ったアーチの変形を見出す。この文学の幾何学的および抽象的な特徴とは対照的に、ゴシック様式では植物のほぼ自然な装飾が存在する。首都では、最初に変化して古典的なアカンサスを置き換え、それをブドウの葉と自然の植物の葉で置き換えます。中央ヨーロッパの典型的な中央ヨーロッパの紅葉の装飾は、14世紀には葉が残っており、15世紀後半には、アザミのような腱が見られます。その絡み合いがますます複雑になるのと同じように、ひょっとすると文房具もそうですが、尖ったアーチは3つの魚の泡で構成された3つのナットが示すように華やかに曲がっています。

ルネサンス
Leon Battista Albertiにとって、装飾は美しさの定義において重要な役割を果たしています（プルクリトリ）。美しさは、その美しさを損なうことなく、建物に何も取り除かれたり追加されたりすることができない理想的な条件です。現実にはこの条件は達成されないため、装飾は建物の利点を強調し、欠陥を隠すために建物の外側に適用される（Alberti：de re aedificatoria、Venice 1485、Book VI、Chapter 2）。

この二元的な美しさと装飾の最も重要な用途は、ルネッサンス期の亀裂を築くための最も重要な構造となった劇場のモチーフにあります。

モダンオーナメント
現代の木工の装飾品は、木材、プラスチック、複合材などで作られています。それらは、さまざまな色や形になっています。モダンな建築は、純粋に機能的な構造に賛成する装飾の排除と考えられ、現代の構造を適切に飾る方法の問題を建築家に残しました。この認識された危機から利用可能なルートが2つありました。一つは、新しい、本質的に現代的な装飾的な語彙を考案しようとすることでした。これは、ルイ・サリバンと彼の生徒、フランク・ロイド・ライトのような建築家、またはユニークなアントニ・ガウディによって採られたルートでした。アールヌーボーは、そのような「自然な」語彙を発展させるための意識的な努力でした。

Christopher Dresserによるオブジェクトのデザインのように、より根本的なルートは装飾の使用を完全に放棄しました。当時、このような無形の物体は、工業デザイン、産業界のデザイン、ピンランドのアラビア工場で製造されたセラミックス、電線のガラス絶縁体など、多くの優れた作業項目に使用されていました。

この後者のアプローチは、1913年に英語に翻訳された1908年のマニフェストの建築家アドルフ・ルース（Adolf Loos）によって記述され、装飾の欠如は先進的な社会の兆候であると断言した象徴的な装飾と犯罪であった。彼の主張は、装飾は経済的に非効率的であり、「道徳的に退化する」ことであり、装飾品を減らすことは進歩の兆候であった。モダニティは美学の簡素化の原因で彼らのゴッドファーザーとしてアメリカの建築家ルイスサリバンを指し示すことを熱望し、彼の構造の皮をつなぎ合わせた複雑なパターンの装飾の結び目を却下した。

1920年代から1930年代のル・コルビュジエとバウハウスの作品では、装飾的なディテールの欠如は現代建築の特徴となり、正直さ、簡潔さ、純粋さという道徳的な美徳と同等でした。 1932年、フィリップ・ジョンソンとヘンリー・ラッセル・ヒッチコックはこの「国際スタイル」と名づけた。味の問題として始まったことは、審美的な義務に変わった。近代主義者たちは唯一の受け入れ可能な方法として彼らの道を宣言しました。 1960年代のモダニズムの教義は非常に厳しくなり、Edward Durrell StoneやEero Saarinenのような熟達した建築家でさえ、審美的なルールから逸脱して嘲笑され、効果的に追放されました。

同時に、飾りに対する書かれていない法律は深刻な問題になり始めました。「建築は、ある程度難しかったが、装飾から解放されたが、それは装飾の恐怖から解放されていない」とSummersonは1941年に観察した。

装飾と構造との間の非常に異なる点は、微妙でおそらく任意である。ゴシック様式の建築物の尖ったアーチとフライング・バトレスは装飾的ですが、構造的に必要です。 Pietro Belluschi International Styleの超高層ビルのカラフルなリズミカルなバンドは不可欠ですが、適用されませんが、確かに装飾的な効果があります。さらに、建築用装飾品は、規模、シグナリングエントリ、およびウェイファインディングの確立という実用的な目的を果たすことができ、これらの有用なデザイン戦法は禁止されていました。そして、1950年代半ばまで、近代主義者のル・コルビュジエとマルセル・ブリューアは、表現力豊かな彫刻的な作品を制作して独自のルールを破っていました。

1959年にシーグラムビルの議論を経て、ミス・ファン・デル・ローエはビルの外側に構造的に不要な垂直Iビームを設置し、1984年にフィリップ・ジョンソンがマンハッタンのAT＆Tビルを生産した装飾的なピンク色の花崗岩ネオ・ジョージア語ペディメント、議論は事実上終わった。振り返ってみれば、批評家はAT＆T Buildingを最初のポストモダニストの建物として見てきました。

装飾プリントとパターンブック

マイヤーの飾りのGreco-Roman古典的な建築装飾品の精巧な版

後期ゴシック様式の原稿の余白からの詳細
いくつかの中世のノートが生き残りました。最も有名なのはVillard de Honnecourt（13世紀）で、アーティストや職人が将来の使用のために見たデザインをどのように記録したかを示しています。印刷物の到着に伴ってプリントは、特にドイツで印刷業者の生産の重要な部分となり、あらゆるルネッサンス様式のあらゆる種類のメーカーへの急速な拡散に不可欠な役割を果たしました。ローマの内装から派生した建築様式とグロテスク様式の復活した古典的な装飾品に加えて、イスラム系アラベスクのヨーロッパ適応品（時代には必ずしも明確ではない）などの新しいスタイルが含まれています。

印刷が安くなるにつれて、単一の装飾印刷物がセットになり、ついには本になりました。 16世紀から19世紀にかけて、欧州ではパターンの本が出版され、装飾的要素にアクセスし、最終的に世界中の文化から記録されたものも含まれています。古典的なローマ建築の絵画とそのモチーフを利用したパッラディオ自身のデザインのレンダリングを含むAndrea PalladioのI quattro libri dell’architettura（ヴェネツィア、1570）は、これまで建築に書かれた最も影響力のある本となった。ナポレオンはエジプトの偉大なピラミッドと寺院を記述しました（1809年）。オーウェン・ジョーンズは、1856年にエジプト、トルコ、シシリー、スペインからの装飾のイラストレーションで「装飾の文法」を出版しました。彼はアルハンブラ宮殿に住み、アラブスキー、書道、幾何学模様など、イスラムの装飾品の華麗な細部の描きや石膏の鋳造を行った。古典建築への関心は、グランドツアーでの旅の伝統、ビトゥルビウスとミケランジェロの建築における初期の文学の翻訳によっても支えられました。

19世紀には、建築家や評論家が適切なスタイルを模索していたため、装飾の許容される使用とその正確な定義が、学術的西洋建築における審美的論争の源となった。 “大きな問題は、”トーマス・レバートン・ドナルドソンは1847年に、「私たちは、19世紀の独特で個性的で触知可能なスタイルの時代の建築を持っていますか？」と尋ねました。 1849年、マシュー・ディグビー・ワイアットがパリのシャンゼリゼで開かれたフランス工業博覧会を見たとき、彼は偽造の装飾品の現代的な言い分を疑いの余地なく認めています。

内外の両方に、味のない魅力的でない装飾品がたくさんあります…それぞれの単純な素材が自分の話を伝えることが許されていて、壮大な感情に導くように工事の線が整えば、その莫大な広がりが必ず保証されなければならない「力」と「真実」は、賞賛を喚起することがほとんどできず、それは費用のかなりの節約である。

植民地主義と考古学の新しい発見を通して他の文化との接触は、復興者に利用可能な装飾品のレパートリーを広げた。約1880年以降、写真は印刷物よりも幅広く装飾の詳細を提供しました。

オーナメントを批判する
現代の建築と製品デザインは、装飾の広範な懐疑主義と拒絶をもたらしました。代わりに、式「関数に従う」が促進されました。特に人気があったのは、1908年に出版されたAdolf Loosの装飾と犯罪の本で、装飾や装飾の使用を嫌気し、余分なものとして描写された。

医師のハンス・マーティン・シュテルマイスター（Hans Martin Sutermeister）の場合、装飾は回帰回帰であった。「装飾の魔法」は、その感情的な欲求の効果に基づいている。奥行きのある私たちの精神の層」と呼んでいます。このように、オーナメントは、リズムの音楽と同様に、視聴者（またはリスナー）を引き付けるために使用することができます。