El movimiento nazareno fue adoptado por un grupo de pintores románticos alemanes de principios del siglo XIX que buscaban revivir la honestidad y la espiritualidad en el arte cristiano. El nombre Nazarene vino de un término de burla usado en contra de ellos por su afectación de una manera bíblica de ropa y peinado.
El nombre Nazarene fue adoptado por un grupo de pintores románticos alemanes de principios del siglo XIX que buscaban revivir la honestidad y la espiritualidad en el arte cristiano. El nombre Nazarene vino de un término de burla usado en contra de ellos por su afectación de una manera bíblica de ropa y peinado.
Estilo
Los nazarenos tuvieron como precedente inmediato al pintor romántico Philipp Otto Runge (1777 – 1810), por su oposición a las formas impuestas por el academicismo clásico, por su temática y la espiritualidad que trasciende en su obra.
Los nazarenos rechazaron el neoclasicismo, el esteticismo y el realismo pictórico, el virtuosismo superficial del arte contemporáneo. Esta fue su principal motivación. Esperaban recuperar un arte que incorporaba valores espirituales.
Buscaron la inspiración de artistas de finales de la Edad Media y comienzos del Renacimiento: en primer lugar, Durero, pero también Fra Angelico, El Perugino y Rafael. También puedes ver en ellos una cierta influencia del barroco clasicista. El estilo resultante es un eclecticismo frío. Este «eclecticismo pictórico» llega a ser similar al «historicismo» de la arquitectura de la época.
Intentan recuperar viejas técnicas. Notablemente, el arte del fresco italiano típico de la Edad Media y el Renacimiento, que había caído en desuso. Con esta técnica decoraron casas, como la del cónsul prusiano o el Palacio Massimi. Junto con esta técnica de superficies grandes, regresan a las mesas pequeñas, en lugar de los extensos lienzos neoclásicos. Prefiere el dibujo refinado contra el color. Rechazan o limitan el recurso al claroscuro, los efectos de la profundidad y el volumen. Usan colores simples e intensos. La técnica es controlada e impersonal.
Es un arte medieval y patriótico, aunque impregnado de una mística y religiosidad cristianas. Querían expresar sus preocupaciones espirituales, sentimientos genuinos y puros, típicos del arte religioso medieval, que consideraban más cercanos a la auténtica naturaleza alemana, humildes y profundos. Es, por lo tanto, un movimiento pictórico inspirado en la fe católica. De hecho, fueron herederos de la ola de sentimentalismo, medievalismo y bendita religiosidad que invadió Alemania.
Además de temas religiosos, pintaron alegorías y temas de la Edad Media caballeresca. Su espíritu patriótico los lleva a interpretar escenas de la historia alemana, tanto literarias como reales.
Historia
La Academia de Arte de Viena
La dirección de arte fue traída a la vida por estudiantes que habían estudiado en la Academia Imperial de Bellas Artes de Viena desde 1804. Tanto el hijo patriciado de Lübeck, Friedrich Overbeck, como Franz Pforr, hijo de un pintor de Frankfurt, comenzaron su educación en la Academia de Bellas Artes de Viena, ya que la institución tenía una excelente reputación en toda Europa en ese momento.
La formación en la Academia Friedrich Heinrich Füger siguió un estricto plan de estudios. Los aspectos técnicos de la habilidad artística tienen prioridad sobre la expresión artística. La residencia principal de los estudiantes era la sala antigua con moldes de estatuas y relieves antiguos, según la cual los estudiantes debían dibujar. En las clases de pintura continua, los temas se orientaron estrictamente a modelos antiguos, siguiendo el concepto neoclásico del tiempo. Pintores como Albrecht Dürer, Hans Holbein the Younger o Hans Baldung Grien fueron clasificados como primitivos por el clasicismo.
La fundación de Lukasbund
Algunos estudiantes de la academia se perdieron algo esencial en su educación:
«Aprendes cómo pintar una cortina excelente, dibujar una figura real, aprender la perspectiva, la arquitectura, en resumen, todo, y sin embargo, no sale ningún pintor real. Falta uno … corazón, alma y sensación …
Pforr, quien estaba particularmente impresionado por los viejos pintores alemanes y vio en ellos la expresión emocional que se perdió durante su entrenamiento, ya era amigo de Overbeck en ese momento. Ambos compartieron su visión crítica de la formación en la Academia de Arte de Viena. Durante el verano de 1808, el círculo de amigos se amplió para incluir a Joseph Sutter, Josef Wintergerst, Johann Konrad Hottinger y Ludwig Vogel. Desde julio de 1808, los seis artistas se reunieron regularmente, cada uno para hablar sobre un tema artístico. Un año más tarde, cuando los amigos celebraron el aniversario de un año de su reunión, decidieron ingresar en la Orden de Luke para constituir. Eligieron el nombre porque el evangelista Lucas es considerado el santo patrón de los pintores. En literatura, el grupo de artistas también es conocido como los hermanos Lucas.
Aunque técnicamente influenciados por la educación de la academia, estos artistas rápidamente se alejaron de los temas dados por la academia. De acuerdo con los ideales románticos y pietistas de esa época, encontraron su intención de expresión en temas románticos y especialmente religiosos. Su ideal de renovación motivado por la religión para el arte y la sociedad la sacó de las teorías del arte de los románticos alemanes Wilhelm Heinrich Wackenroder, Friedrich Schlegel, Novalis y Ludwig Tieck.
Schlegel vio el propósito original del arte como glorificar la religión y hacer sus secretos aún más bellos y claros. Además de los temas bíblicos, en su opinión, solo los materiales de poetas como Shakespeare y Dante eran adecuados como contenido de la imagen. Tieck influyó en Lukasbrüder con su novela artística Franz Sternbalds Wanderungen, publicada en 1789, cuyo personaje principal Franz dedica su vida al arte religioso y que modesta, fiel y honestamente lleva a cabo su oficio. Justo como este, los hermanos Luke querían dedicarse principalmente al arte religioso. Sus modelos a seguir los buscaron en el Renacimiento, por ejemplo en Albrecht Dürerand en pintores italianos anteriores a Raphael como Fra Angelico y Giotto.
El contraste artístico con la educación académica eventualmente llevó a un conflicto abierto. Cuando en 1809 la Academia tuvo que reducir el número de sus estudiantes, los hermanos Luke no se reanudaron.
La colonia de artistas en Roma
Monasterio de Sant’Isidoro
En 1810, Franz Pforr, Friedrich Overbeck, Ludwig Vogel y Johann Konrad Hottinger salieron de Viena para trasladarse a Roma y estudiar sus modelos italianos. Se establecieron en el monasterio franciscano vacante de Sant’Isidoro en el Pincio (cerca de la actual Piazza del Popolo) y llevaron una vida artística ajena al mundo (Overbeck: «Emprenda en la quietud del antiguo arte sagrado»).
A diferencia de los «romanos alemanes», que antes habían peregrinado a Italia y especialmente a Roma, los nazarenos no buscaron la Roma de la antigüedad, sino las iglesias y monasterios medievales, la Roma «cristiana».
Durante más de medio siglo, Roma atrajo a artistas y teóricos del arte como Johann Joachim Winckelmann, Raphael Mengs, Jacques-Louis David, Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen, que deseaban revivir el ideal de la belleza en la antigüedad. En Roma prevaleció el estancamiento artístico en ese momento. Había una falta tanto de una clase media liberal como de una clase alta progresista que podría haber estimulado nuevas direcciones artísticas. Después de 1814 había terminado la ocupación francesa de Roma, la ciudad era principalmente del Vaticano política y artísticamente dominada. Los miembros de Lukasbund pronto se entendieron a sí mismos como los verdaderos sucesores del patrimonio espiritual y artístico de Roma y estaban convencidos de que la combinación de la belleza clásica, la intimidad alemana y el verdadero cristianismo conducirían a un nuevo renacimiento. En las pinturas de Overbeck, Italia y Germania, en las que dos figuras femeninas simbolizan el arte de sus respectivos países, esta visión se refleja. La imagen, que muestra una basílica romana y una ciudad medieval alemana de fondo, se conoce a veces como el programa de los hermanos Lucas: la Germania de pelo rubio se inclina hacia Italia y instruye a los oyentes pacientes.
El nuevo movimiento de arte logró su avance y reconocimiento público a través de dos contratos principales: el ciclo de frescos de Casa Bartholdy y el ciclo de frescos de Casa Massimo. Estas dos asignaciones principales son las obras más importantes que los Nazarenos realizaron como grupo durante sus primeros años en Roma.
Los frescos de la Casa Bartholdy
El ciclo de frescos de Casa Bartholdy se creó entre 1815 y 1817 en nombre del cónsul general prusiano Jakob Ludwig Salomon Bartholdy. Bartholdy vivía entonces en un departamento en el Palazzo Zuccari, no muy lejos del monasterio de Sant’Isidoro. Los frescos estaban destinados a la sala de recepción de este apartamento. El Palazzo Zuccari fue rebautizado más tarde como Casa Bartholdy y hoy es la Biblioteca Hertziana. Históricamente, el arte se refiere a estas pinturas como «frescos de Casa Bartholdy».
Los hermanos Luke no se practicaban en la pintura al fresco, ya que esto había estado fuera de moda a favor de la pintura en panel durante varias décadas. Por lo tanto, no tenían conocimiento de los requisitos técnicos de esta técnica de pintura, que incluye, entre otras cosas, varios años de cal fundida, un orden del yeso en las capas de afinado y una técnica de mojado en mojado en diferentes pasos exactamente planeados con anterioridad. . Sin embargo, después de algunas búsquedas, se encontraron con un artesano romano, que murió por Raphael Mengs, que murió en 1779. Las paredes de yeso habían sido preparadas para pintar al fresco. Sin este artesano, los cuatro artistas involucrados en los frescos probablemente no habrían podido completar la comisión.
Los frescos representan escenas de la historia de José del Antiguo Testamento. Friedrich Overbeck, Philipp Veit, Wilhelm von Schadow y Peter von Cornelius participaron en la ejecución. Cornelio incluso había estado a favor de este primer gran contrato, incluso abandonó el trabajo de su pintura Las vírgenes sabias y necias sobre las que trabajó desde 1813, y ya se refirió a 1814 como su mejor pintura hasta el momento.
En términos de estilo y calidad, los frescos de los cuatro artistas son inconsistentes. Los historiadores del arte califican hoy las obras de Cornelius y Overbeck como las obras artísticas más interesantes entre los frescos ejecutados. En Los sueños de José del Faraón, Cornelio contrasta la serena figura de José con un grupo de cortesanos que expresa duda, envidia, desconcierto y admiración. El paisaje en el fondo es una reminiscencia de las primeras pinturas del Renacimiento. En el fresco, José es reconocido por sus hermanos. Cornelio retrató al comisionado de las obras, el cónsul Salomon Bartholdy, como un distinguido espectador vestido.
La luneta de Overbeck Por otro lado, los siete años de escasez muestran una imagen deprimente de hambre y angustia. La madre desesperada que pintó recuerda a la sibila de Cumae de Miguel Ángel. La venta de José a los mercaderes egipcios, también por Overbeck, se encuentra en un equilibrio, que recuerda a la composición de Rafael con armoniosa, mezclada principalmente de colores de la tierra y la luz de color fina perspectiva pintada.
Los tres frescos de Wilhelm von Schadow La bendición de Jacob, la interpretación de José de los sueños en prisión y Jacob reconoce la prenda manchada de sangre de José, en la que se puede ver incluso la conexión más fuerte con el cuadro histórico clasicista. Las obras de Veit, que pintó el fresco Joseph y la esposa de Potiphar, además de la Lunette The Seven Fat Years, no coinciden con la calidad de sus colegas.
1886-1887, los frescos se quitaron de la Casa Bartholdy y se agregaron a la colección de la Galería Nacional en Berlín. Hoy están en el edificio de la Alte Nationalgalerie, junto con una copia en acuarela. La disminución fue posible porque la capa externa se había unido para formar una capa de sinterización sólida. Por lo tanto, podría ser transferido sin daños mayores en la Galería Nacional.
Los frescos de la Casa Massimo
A pesar de la calidad variable, los frescos atrajeron una gran atención. Se informa que al finalizar, los espectadores se alinearon frente a Casa Bartholdy para visitar la fábrica.
El cónsul general Bartholdy incluso envió copias de las obras al canciller prusiano, el príncipe Karl August von Hardenberg. Las copias fueron acuarelas hechas por cada artista después de completar su trabajo en los frescos de la Casa Bartholdy. Cinco acuarelas fueron montadas en un lienzo común y conectadas por motivos arquitectónicos pintados. La primera vez que este trabajo fue en la exposición de otoño de la Academia de Arte de Berlín se presentó en público en 1818. El objetivo tanto de Bartholdy como de los artistas era promover el trabajo de los artistas en Roma y ser comisionado con pedidos similares en Alemania. Sin embargo, la siguiente gran comisión de seguimiento para los artistas de la Asociación Luke llegó nuevamente desde Roma.
Ya en 1817 encargó al marqués Massimo, un miembro de la aristocracia romana, miembros de la Lukasbunds, en su cerca de la Casa Massimo de Letrán tres salas a los cuentos de Dante, Torquato Tasso y Ludovico Ariosto para hacer. Cornelio, sin embargo, interrumpió su trabajo en el fresco de Dante, después de que el príncipe heredero Ludwig de Baviera, a la Real Academia de Munich, designara 1819. Overbeck no completó su trabajo en los frescos de Tasso, porque decidió pintar solo motivos religiosos. Philipp Veit y Joseph Anton Koch llevaron a cabo este trabajo. Solo Julius Schnorr de Carolsfeld completó su ciclo de Ariosto según lo planeado.
Ciclo de Cristo
El patrono y concejal colegial Immanuel Christian Leberecht de Ampach, canónigo en Naumburg y Wurzen, en 1820 encargó otra colaboración con los nazarenos en Roma. Los amigos del pintor Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich von Olivier y Theodor Rehbenitz vivieron desde 1819 en el edificio de la Legación prusiana en la Santa Sede, en el Palazzo Caffarelli en el Capitolio; se convirtieron en los tres Capitolios llamados. Las nueve pinturas que representan la vida de Jesús fueron producidas bajo el proyecto de Julius Schnorr von Carolsfeld por nueve artistas seleccionados personalmente por Ampach, incluyendo a los otros Capitoliners Olivier y Rehbenitz, para su banda privada en Naumburg. Ampach pasó el ciclo con su muerte a la Catedral de Naumburg, donde ocho de ellos aún se muestran en la Capilla de los Tres Reyes. Julius Schnorr von Carolsfelds Deje que los bebés vengan a mi quemado en 1931 en Glaspalast Munich. Las cajas de cartón para las pinturas fueron donadas por Ampach a Dom St. Marien en Wurzen.
Mayor desarrollo en Viena
En Viena, su punto de partida, el nuevo movimiento artístico encontró que era más difícil de prevalecer. En 1812, el romano alemán Joseph Anton Koch se mudó de Roma a Viena. Fue admitido en un círculo de ciudadanos y artistas de mentalidad romántica, entre ellos Wilhelm von Humboldt y su esposa Karoline, Joseph von Eichendorff, Clemens y Bettina Brentano, y un círculo de jóvenes pintores que se reunieron en la casa de los hermanos August Wilhelm y Friedrich. Schlegel. Con el apoyo de asignaciones de este entorno, una serie de pinturas de paisajes con temas religiosos, en particular por Ferdinand Olivier y Julius Schnorr de Carolsfeld.
A pesar del apoyo de la burguesía de mentalidad romántica, el movimiento se encontró con la oposición aguda en el negocio del arte oficial, dominado por el estado. En 1812, el Príncipe Metternich fue nombrado conservador de la Academia de Viena. Este último siguió comprometido con los ideales del arte clásico, y Metternich, que tenía una mentalidad política en todas las cosas, vio en el arte un dominio del estado y, en cualquier desviación de la línea oficial, enfoques de agrupación secreta.
La fiesta en la villa Schultheiß
El avance de los nazarenos al reconocimiento público en Alemania comenzó en 1818 con la visita del Príncipe heredero bávaro Ludwig en Roma. El Príncipe Heredero había visitado durante su arduo viaje Sicilia y parte de Grecia y llegó el 21 de enero de 1818 a Roma. Se lo consideraba inclinado al arte nuevo, y sabía que quería hacer de Munich el nuevo centro de arte romántico en Alemania e Italia.
En su honor, los numerosos artistas alemanes que estaban en Roma organizaron una celebración en Villa Schultheiß, en la que toda la decoración tenía la visión nazarena del papel de los artistas y los patrocinadores del lema.
La idea obviamente se originó con Cornelius, y los artistas participantes crearon una gran prisa para hacer coincidir pancartas y decoraciones. Las grandes pinturas que saludaron al príncipe heredero en la sala principal de la Villa Schultheiß procedían de Cornelius, Fohr, Veit y Overbeck, así como de Wilhelm von Schadow y Julius Schnorr von Carolsfeld. Entre las pinturas había una alegoría de la poesía sentada en un trono debajo de un roble alemán; una pintura El arca del arte verdadero, llevada por Raphael y Durer; una pintura de Overbeck, que representa al aristócrata más grande de todos los tiempos y, por otro, al emperador Maximiliano, un dux de Venecia y los papas patrimoniales Leo X. y Julio II. y una pintura con los poetas y artistas más distinguidos. En esto estuvieron representados, entre otros, Rafael, Durero, Miguel Ángel, Wolfram von Eschenbach, Erwin von Steinbach, Homero y el Rey David.
Avance en Alemania
El éxito de Munich
Unos años después de la fiesta en Villa Schultheiß, los directores de las academias de Dusseldorf, Berlín y Frankfurt am Main fueron ocupados por nazarenos. Esto se debe al exitoso trabajo de Cornelius, así como a la protección del rey bávaro y al emergente nacionalismo romántico.
La primera comisión importante que Cornelio recibió de Luis I fueron los frescos de la Glyptothek, que se crearon entre 1820 y 1830. El edificio, un diseño de Leo von Klenze, debía servir como un museo de esculturas, en el que principalmente estatuas antiguas debían ser vistos. Los frescos deben mostrar representaciones individuales coincidentes de la mitología griega. Como en la época de Rafael, no solo Cornelio estuvo involucrado en la ejecución, sino también sus alumnos. Ya después de la finalización del Göttsaal en 1824, Cornelius fue nombrado Director de la Academia.
El efecto en el resto de Alemania
La segunda capital del movimiento Nazareno fue Frankfurt am Main. Philipp Veit fue nombrado director de la escuela de pintura y director de la galería en Frankfurt en 1830. Johann David Passavant se convirtió en el inspector del Städel y contribuyó significativamente al hecho de que este museo tenga hoy una gran colección de arte medieval. Por ejemplo, la compra de Lucca Madonna por Jan van Eyck puede atribuirse a él.
Eduard von Steinle creó frescos para la Catedral de Colonia, la Ägidienkirche en Münster, el Kaisersaal y el Kaiserdom en Frankfurt am Main y la Marienkirche en Aachen. Después de que Cornelius se había distanciado en 1839 del rey bávaro Ludwig I, se fue a Berlín y estuvo allí para la reconstruida Catedral de Berlín. Camposanto planeó también pintar frescos. A raíz de la revolución de 1848, Federico Guillermo IV. Sin embargo, los planes para la construcción de Campo Santo de nuevo. Cornelius, que había estado trabajando en los estudios preliminares desde 1843, continuó trabajando en ello hasta su muerte casi veinte años después. Era consciente de que probablemente nunca llegarían a buen término, porque debido a su tamaño, no se cuestionó ningún otro lugar aparte del planificado Campo Santo en cuestión. Los dibujos en carboncillo, que Cornelius considera sus obras artísticas más importantes, se almacenan hoy en las bodegas de la National Gallery de Berlín. Particularmente impresionante es el dibujo de carbón de 472 centímetros de alto y 588 centímetros de ancho, The Apocalyptic Rider.
El final del movimiento
De la secularización al Kulturkampf
La conclusión del arte Nazareno fue causada por razones externas e internas. El romanticismo se polarizó entre la religiosidad y la tormenta política y el impulso. Una razón externa para la concentración de los nazarenos en lo religioso fueron las revoluciones de 1830 y 1848/49 y su posterior represión. Sucesivamente, un dominio político prusiano surgió a partir de 1848.
Después de un breve período de acuerdo con la Iglesia Católica, esto se asoció con una política cultural agresiva de Prusia: el Kulturkampf prusiano siguió las disputas de la iglesia local, como en el Ducado de Nassau. Se oponía a todas las corrientes que estaban asociadas con las actitudes católicas romanas, porque se sospechaba detrás de una actitud antiprusa. La lucha prusiana contra el ultramontanismo. Fue acompañada por la transformación del Estado del Estado del Vaticano en una entidad ideal del «Estado» cuya determinación territorial no se produciría hasta el siglo siguiente. La pérdida territorial del Vaticano -como la supuesta «oportunidad favorable» para que la política prusiana haga cumplir las demandas ideológicas y hegemónicas contra los católicos en Prusia y Alemania- no fue acompañada por el abandono de su liderazgo intelectual y religioso, sino por un estado en el verdadero sentido una institución de la enseñanza y guía espiritual de la iglesia. Se manifestó en esculturas cuya difusión a través de modernos métodos de impresión las hizo conocer en privado. El ideal de elaboración de los primeros nazarenos encontró su camino en la reproducibilidad técnica.
Como resultado de esta represión, el horizonte artístico de muchos nazarenos se redujo a temas religiosos como el único medio de ganarse la vida, mientras que los temas y paisajes anteriormente históricos tuvieron una parte importante en el trabajo general. Al mismo tiempo, la solución del fondo italianizado limitó el horizonte de presentación. Si uno previamente había buscado o construido raíces comunes, por ejemplo en el cuadro Italia y Germania, la formación de las naciones trajo una demarcación mutua.
La renovación religiosa buscó entre la secularización y las luchas culturales de acuerdo con un lenguaje pictórico adecuado. Los temas bíblicos originalmente estaban ligados a las condiciones de vida rurales y también fueron representados. En contraste con esto, fue la creciente industrialización. La doble falta de vivienda -fáctica y espiritual- encontró su contrapartida en el pasado rural idealizado, que se encontró como un telón de fondo para la acción clara de la Iglesia. Los nazarenos respondieron a esta necesidad con su seriedad religiosa.
La Iglesia Católica pudo hacer pedidos a gran escala. Al mismo tiempo, debido a la evolución de las técnicas de reproducción, pudo transportar arte contemporáneo a cualquier hogar con el contenido que deseaba. En este contexto, la asociación para la difusión de imágenes religiosas, fundada en 1841, tuvo un significado especial para las imágenes devocionales nazarenas tardías de los grabadores de la Escuela de Düsseldorf y las hizo internacionalmente conocidas. Innumerables nuevas iglesias neogóticas fueron decoradas en la segunda mitad del siglo XIX con obras de nazarenos de segunda y tercera generación. Estas numerosas órdenes contribuyeron a la popularización del arte nazareno.
El trabajo del profesor de pintura religiosa en la Academia de Bellas Artes de Munich, Martin von Feuerstein (1856-1931), dio un impulso final.
La trivialización de un arte ideal
Mientras que el Impresionismo ganó importancia en la segunda mitad del siglo diecinueve, el ideal artístico de los Nazarenos se había agotado y se había convertido en una plantilla. Todo el movimiento de arte fue menospreciado cada vez más por los conocedores del arte y cayó en el olvido.
«En el lenguaje de los no especialistas», Nazarene se refiere a una imaginería religiosa incruenta y sentimental que estaba viva hasta la Segunda Guerra Mundial y aún se puede entender hoy en sus últimas estribaciones. Se trata de un equivalente alemán de las artes decorativas eclesiásticas que entendieron que en París se encontraba alrededor de la iglesia de Saint-Sulpice y aplicaban su producción masiva estandarizada como el epítome del mal gusto. «Con estas palabras, Sigrid Metken tuvo el impacto del segundo en la mitad del siglo 19 de la popularización en conjunto. Este juicio también incluyó a los primeros protagonistas que fueron pintores destacados e innovadores valientes en su día.
A este juicio, contribuyó significativamente la abundancia de imágenes dulzonas, cualitativamente débiles y piadosas, que encontraron su copia en estampados murales baratos y en la segunda mitad del siglo XIX ganó popularidad en amplias capas. Este arte trivial fue producido y comercializado industrialmente en ferias. Incluso cuando las reproducciones de obras de los principales representantes de los Nazarenos, como Overbeck y Steinle, los originales fueron sentimentales simplificados. Esto se intensificó cuando vino el color. Sigrid Metken ha mostrado en su investigación, como Schnorr, Overbeck y Steinle para la producción de imágenes sagradas y devocionales fueron recogidos y verkitscht, con el fin de adaptarse a un amplio gusto público.
El redescubrimiento de los nazarenos
Las primeras obras históricas de arte sobre los nazarenos pertenecientes a los pintores, que fueron más que una fuente pura y colección de materiales, se publicaron en los años 1920 y 1930. Estas eran monografías que trataban principalmente con los personajes principales entre los hermanos Luke. En la década de 1930, esto se vio reforzado por un trabajo más extenso sobre los frescos en la Casa Massimo.
Sin embargo, el examen detallado del arte Nazareno no comenzó hasta la segunda mitad del siglo XX. En 1964, The Nazarenes – Una Hermandad de pintores alemanes apareció en Roma por Keith Andrews, un libro que, como varias exposiciones más pequeñas, incluida una en el Museo Nacional Germánico en Nuremberg, inició un examen más detallado y fáctico del concepto de arte nazi. Desde la década de 1970, hubo una reevaluación del historicismo artístico del siglo XIX y, en este contexto, un renovado interés en el arte nazareno. En 1977, una gran exposición en el Städel en Fráncfort del Meno se dedicó a los nazarenos y unió en el catálogo de la exposición artículos básicos sobre este movimiento artístico. Esto fue seguido en 1981 por una exposición igualmente grande en Roma, como resultado de lo cual los frescos en Casa Massimo se restauraron extensamente. En la primera mitad de 2005, el Schirn en Frankfurt am Main volvió a mostrar obras de los Nazarenos en una exposición dedicada a ellos.
Uno de los centros de arte de los Nazarenos hoy es el Museo Behnhaus / Drägerhaus en Lübeck, la ciudad natal de Overbeck. El museo ha tenido su patrimonio artístico desde 1914.
Características del arte nazareno
En cierto sentido, el arte nazareno se asemeja a la escuela neoclásica a partir de la cual se desarrolló: la forma clara y contorneada tiene prioridad sobre el color, el dibujo tiene prioridad sobre la pintura. El elemento predominante de composición es la figura humana.
El protagonista de esta dirección fue Johann Gottfried Herder (1744-1803), los principales teóricos de Sturm und Drang. Se volvió contra algunas de las enseñanzas centrales de la Ilustración (Clasicismo) y enfatizó la belleza también de las cosas aleatorias y primarias, la antigüedad (Edad Media).
Este desarrollo comenzó en el siglo XVII, pero más bien en círculos de élite y con pocas posibilidades técnicas. En el siglo XVIII y especialmente en el siglo XIX, estos esfuerzos se intensificaron considerablemente. Ahora también se publicaron libros, que iban a reproducir obras de arte de estas épocas. Para la reproducción, estas obras se transformaron en grabados en madera o xilografías, y de esta forma se popularizaron las obras de los llamados «primitivos». El énfasis en el elemento lineal -como característica principal de la xilografía- en el arte de los nazarenos proviene de una visión técnicamente incomprendida del arte medieval. La indudable preponderancia del dibujo y los contornos de la pintura antigua se enfatizaron aún más por los requisitos de la imprenta de la época.
Esta versión de la pintura «prerrafaelita» se hizo conocida y amada por Overbeck como una obra de piadosa simplicidad y devoción monástica antes de ver los originales en Roma. La dulzura y la falta de sangre del arte nazareno, que a veces se nota en la actualidad, se basa en estas posibilidades limitadas de reproducción técnica.
Sobre todo, los colores tienen la función de internalizar y espiritualizar la escena. En esmalte cálido y pastel, las figuras y el paisaje están conectados. Se pone especial énfasis en la iluminación que conduce a las figuras centrales. En muchas imágenes nazarenas, ella es el único elemento dramático en una composición de imágenes, que, por cierto, está determinada por una profunda calma, interioridad y seriedad. Esta solemnidad transporta escenas que parecen temáticamente muy comunes en lo Supramundano. Los azules diáfanos y transparentes del clasicismo barroco, que quitan la escena a una distancia alegórica, son tabú. El bajo efecto de profundidad espacial y la evitación de contrastes de color deslumbrante apoyan la celebración. Son características externas que conectan a los nazarenos con sus modelos medievales.
La expresión facial de las figuras representadas es seria e interna; no ves ni una sola cara alegre o incluso risueña. Llamativas son las facciones faciales suaves y bien afeitadas de los hombres. También a este respecto, el arte nazareno es similar a los modelos medievales. Esto también se aplica al retrato de Nazareno. Como ejemplo, hay una pintura de Overbeck, una llamada imagen de amistad, ya que los hermanos Luke llamaron a los retratos que los pintaron el uno del otro. Con ojos serios y grandes en la pintura creada en 1810, Franz Pforr mira al espectador. Pforr usa vestimentas de «viejo alemán» y se inclina sobre el parapeto de una ventana cubierta de vino. Detrás de él está su futura esposa imaginaria, que teje y, al mismo tiempo, lee en un libro religioso. Un Madonna Lily, un símbolo medieval de María, lo compara con una Virgen. La ventana opuesta revela la vista de una calle medieval del norte de Europa, pero en el fondo es un paisaje costero italiano.
El erotismo está casi completamente excluido como tema en la pintura nazarena. Las personas en las pinturas nazarenas usualmente están vestidas por completo, a menudo con túnicas sueltas, con una cortina fuerte y una apariencia clasicista. Las representaciones de cuerpos casi desnudos, como en el fresco monumental romano de Friedrich Overbeck Olindo y Sophronia en la hoguera, completados en 1820, así como los desnudos de Julius Schnorr von Carolsfeld, son excepciones.
Influencia del arte nazareno en otros estilos
La influencia artística de los Nazarenos fue de largo alcance y de larga duración.
Italia: Los primeros éxitos de los nazarenos fueron en Italia, donde habían estado desde hacía mucho tiempo en casa, incluso en el Vaticano y Asís (Overbeck en la Capilla de la Porciúncula en Santa Maria degli Angeli). Especialmente Tommaso Minardi siguió su estilo, quien renunció a su caravaggeskes Frühstil alrededor de 1820 y portavoz del movimiento «Il Purismo», quien introdujo los principios nazarenos en la pintura religiosa italiana.
Francia: en Francia, su influencia llevó a una renovación del arte religioso en la escuela de Lyon y acuñó al pintor Maurice Denis. Los elementos nazarenos se pueden encontrar en la pintura de la iglesia de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Su alumno Hippolyte Flandrin creó un gran mural en St. Germain-des-Prés en 1846. El centro de la influencia alemana en Francia fue Lyon, donde Paul Chenavard diseñó enormes murales con complejos temas filosóficos.
Holanda: El holandés Ary Scheffer introdujo la simplicidad nazarena en su pintura de salón.
Inglaterra: en Gran Bretaña, Julius Schnorr de 240 ilustraciones bíblicas de Carolsfeld, publicado en 1860, fue particularmente influyente.Los prerrafaelitas, una asociación de artistas ingleses por los pintores Dante Gabriel Rossetti y Everett Millais en 1848, ya habían adoptado ideas de los nazarenos. Ford Madox Brown se había puesto en contacto con los Nazarenos. Los Prerrafaelistas, también, se esforzaron por una profundización religiosa-espiritual del arte y la consideración del arte italiano del Renacimiento temprano como un modelo. Uno extrañaba dolorosamente una tradición en la pintura histórica. Y en 1840, la Cámara del Parlamento debería estar equipada con murales, lo hiciste de manera alemana.
Alemania: en Alemania fue principalmente la escuela de Beuron, que retomó las ideas de los nazarenos en la segunda mitad del siglo XIX.La dirección de Beuroner fue fundada por el maestro constructor, escultor y pintor Peter Lenz y Jacob Wüger y Friedolin Steiner en el monasterio benedictino Beuron con el objetivo de revivir el arte religioso.