Il movimento nazareno fu adottato da un gruppo di pittori romantici tedeschi dell’inizio del XIX secolo che miravano a far rivivere l’onestà e la spiritualità nell’arte cristiana. Il nome Nazareno derivava da un termine di derisione usato contro di loro per la loro influenza su un modo biblico di abbigliamento e acconciatura.
Il nome Nazareno fu adottato da un gruppo di pittori romantici tedeschi dell’inizio del XIX secolo che miravano a far rivivere l’onestà e la spiritualità nell’arte cristiana. Il nome Nazareno derivava da un termine di derisione usato contro di loro per la loro influenza su un modo biblico di abbigliamento e acconciatura.
Stile
I Nazareni avevano come immediato precedente il pittore romantico Philipp Otto Runge (1777 – 1810), per la sua opposizione alle forme imposte dall’accademismo classico, per la sua tematica e la spiritualità che trascende nella sua opera.
I Nazareni rifiutarono il neoclassicismo, l’estetismo e il realismo pittorico, il superficiale virtuosismo dell’arte contemporanea. Questa era la sua motivazione principale. Speravano di recuperare un’arte che incarnasse valori spirituali.
Hanno cercato ispirazione da artisti del tardo Medioevo e del primo Rinascimento: prima di tutto Dürer, ma anche Fra Angelico, El Perugino e Rafael. Puoi anche vedere in loro una certa influenza del barocco classicista. Lo stile risultante è un freddo eclettismo. Questo “eclettismo pittorico” diventa simile allo “storicismo” dell’architettura del tempo.
Cercano di recuperare vecchie tecniche. In particolare, l’arte dell’affresco italiano tipico del Medioevo e del Rinascimento, che era caduto in disuso. Con questa tecnica decorarono case, come quella del console prussiano o del palazzo Massimi. Insieme a questa tecnica di grandi superfici, ritornano ai tavolini, invece delle ampie tele neoclassiche. Preferisce il disegno raffinato contro il colore. Rifiutano o limitano il ricorso al chiaroscuro, gli effetti di profondità e volume. Usano colori semplici e intensi. La tecnica è controllata e impersonale.
È un’arte medievale e patriottica, sebbene sia impregnata di mistica e religiosità cristiana. Volevano esprimere le loro preoccupazioni spirituali, sentimenti genuini e puri tipici dell’arte religiosa medievale che consideravano più vicini all’autentica natura tedesca, umile e profonda. È, quindi, un movimento pittorico ispirato alla fede cattolica. Infatti, erano eredi dell’ondata di sentimentalismo, medievalismo e religiosità benedetta che invadevano la Germania.
Oltre a temi religiosi, hanno dipinto allegorie e temi dal medioevo cavalleresco. Il loro spirito patriottico li porta a interpretare scene della storia tedesca, sia letteraria che reale.
Storia
L’Accademia d’arte di Vienna
La direzione artistica è stata portata alla vita da studenti che hanno studiato presso l’Accademia Imperiale di Belle Arti di Vienna dal 1804. Sia il figlio del patrizio di Lubecca Friedrich Overbeck che Franz Pforr, figlio di un pittore di Francoforte, iniziarono la loro formazione all’Accademia di Belle Arti di Vienna, poiché all’epoca l’istituzione aveva un’eccellente reputazione in tutta Europa.
La formazione presso l’Accademia di Friedrich Heinrich Füger ha seguito un rigoroso curriculum. Gli aspetti tecnici delle abilità artistiche hanno la precedenza sull’espressione artistica. La residenza principale degli studenti era l’antica sala con calchi di statue antiche e rilievi, secondo cui gli studenti dovevano disegnare. Nelle lezioni di pittura continua, i temi erano orientati strettamente ai modelli antichi, seguendo il concetto neoclassico del tempo. Pittori come Albrecht Dürer, Hans Holbein il Giovane o Hans Baldung Grien erano classificati come primitivi dal classicismo.
La fondazione del Lukasbund
Alcuni studenti universitari hanno perso qualcosa di essenziale nella loro educazione:
“Si impara a dipingere un eccellente panneggio, si disegna una figura reale, si impara prospettiva, l’architettura, insomma tutto – eppure non esce un vero pittore, manca uno … cuore, anima e sensazione …
Pforr, che era particolarmente colpito dai vecchi pittori tedeschi e vedeva in loro l’espressione emotiva che gli mancava durante il suo allenamento, era già amico di Overbeck in quel momento. Entrambi hanno condiviso la loro visione critica della formazione presso l’Accademia d’arte di Vienna. Durante l’estate del 1808, la cerchia di amici fu ampliata per includere Joseph Sutter, Josef Wintergerst, Johann Konrad Hottinger e Ludwig Vogel. Dal luglio 1808, i sei artisti si incontrarono regolarmente, ciascuno per parlare di un tema artistico. Un anno dopo, quando gli amici celebrarono il giubileo di un anno del loro incontro, decisero di entrare nell’Ordine di Luketo. Hanno scelto il nome perché l’evangelista Luca è considerato il santo patrono dei pittori. In letteratura, il gruppo di artisti è anche conosciuto come Luke Brothers.
Sebbene tecnicamente influenzati dalla formazione accademica, questi artisti si sono rapidamente allontanati dagli argomenti trattati dall’Accademia. In linea con gli ideali romantici e pietistici di quel tempo, hanno trovato la loro espressione intenzionale in temi romantici e soprattutto religiosi. Il suo ideale di rinnovamento motivato religiosamente per l’arte e la società l’ha portata dalle teorie dell’arte dei romantici tedeschi Wilhelm Heinrich Wackenroder, Friedrich Schlegel, Novalis e Ludwig Tieck.
Schlegel vedeva lo scopo originale dell’arte come quello di glorificare la religione e di rendere i suoi segreti ancora più belli e chiari. Oltre ai temi biblici erano a suo avviso, solo i materiali di poeti come Shakespeare e Dante adatti come contenuto di immagine. Tieck ha influenzato il Lukasbrüder con il suo romanzo d’artista Franz Sternbalds Wanderungen, pubblicato nel 1789, il cui personaggio principale Franz dedica la sua vita all’arte religiosa e che con modestia, fedelmente e onestamente svolge il suo mestiere. Proprio così, i fratelli Luke volevano dedicarsi principalmente all’arte religiosa. I loro modelli di ruolo li hanno cercati nel Rinascimento, ad esempio in Albrecht Dürerand nei pittori italiani di Raffaello come il Beato Angelico e Giotto.
Il contrasto artistico con l’educazione accademica alla fine ha portato ad aprire un conflitto. Quando nel 1809 l’Accademia dovette ridurre il numero dei suoi studenti, i fratelli Luke non furono ripresi.
La colonia di artisti a Roma
Monastero di Sant’Isidoro
Nel 1810 Franz Pforr, Friedrich Overbeck, Ludwig Vogel e Johann Konrad Hottinger lasciarono Vienna per trasferirsi a Roma per studiare i loro modelli di comportamento italiani. Si stabilirono nel vuoto monastero francescano di Sant’Isidoro sul Pincio (vicino all’odierna Piazza del Popolo) e condussero una vita artistica estranea al di fuori del mondo (Overbeck: “Intraprendere nella quiete dell’antica arte sacra”).
A differenza dei “romani tedeschi”, che prima erano pellegrini in Italia e specialmente a Roma, i Nazareni non cercavano la Roma dell’antichità, ma le chiese e i monasteri medievali, la Roma “cristiana”.
Per più di mezzo secolo, Roma aveva attratto artisti e teorici dell’arte come Johann Joachim Winckelmann, Raphael Mengs, Jacques-Louis David, Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen, che volevano far rivivere l’ideale della bellezza nell’antichità. A Roma prevalse la stasi artistica. C’era una mancanza sia di una classe media liberale che di una classe dirigente progressista che avrebbe potuto stimolare nuove direzioni artistiche. Dopo che il 1814 ebbe terminato l’occupazione francese di Roma, la città era principalmente dal Vaticano dominata politicamente e artisticamente. I membri del Lukasbund presto si sono resi conto dei veri successori del patrimonio spirituale e artistico di Roma ed erano convinti che la combinazione di bellezza classica, intimità tedesca e vero cristianesimo avrebbe portato a un nuovo rinascimento. Nei dipinti di Overbeck Italia e Germania, in cui due figure femminili simboleggiano l’arte dei loro rispettivi paesi, questa visione si riflette. L’immagine, che mostra una basilica romana e una città medievale tedesca, sullo sfondo, è quindi a volte indicata come il programma dei fratelli Luke: la Germania dai capelli biondi si china su Italia e istruisce i pazienti ascoltatori.
Il nuovo movimento artistico ha raggiunto la sua svolta e il riconoscimento pubblico attraverso due importanti contratti: il ciclo di affreschi per la Casa Bartholdy e il ciclo di affreschi per Casa Massimo. Questi due incarichi principali sono le opere più importanti che i Nazareni compirono come gruppo durante i loro primi anni a Roma.
Gli affreschi per la Casa Bartholdy
Il ciclo di affreschi di Casa Bartholdy fu creato tra il 1815 e il 1817 per conto del console generale prussiano Jakob Ludwig Salomon Bartholdy. Bartholdy visse allora in un appartamento nel Palazzo Zuccari, non lontano dal monastero di Sant’Isidoro. Gli affreschi erano destinati alla reception di questo appartamento. Il Palazzo Zuccari fu in seguito ribattezzato Casa Bartholdy ed è oggi la Bibliotheca Hertziana. Storicamente, questi dipinti sono indicati come “affreschi di Casa Bartholdy”.
I fratelli Luke non erano praticati nella pittura ad affresco, dal momento che questo era fuori moda a favore della pittura per molti decenni. Non avevano quindi alcuna conoscenza dei requisiti tecnici di questa tecnica di verniciatura, che include, tra le altre cose, diversi anni di calce fusa, un ordine dell’intonaco negli strati di chiarificazione e una tecnica bagnato su bagnato in diverse fasi precedentemente programmate . Tuttavia, dopo alcune ricerche, incontrarono un artigiano romano, che morì per Raphael Mengs, che morì nel 1779. Pareti in gesso erano state preparate per la pittura ad affresco. Senza questo artigiano, i quattro artisti coinvolti negli affreschi probabilmente non sarebbero stati in grado di completare la commissione.
Gli affreschi raffigurano scene della storia di Joseph nell’Antico Testamento. Friedrich Overbeck, Philipp Veit, Wilhelm von Schadow e Peter von Cornelius sono stati coinvolti nell’esecuzione. Cornelius aveva persino favorito questo primo importante contratto, abbandonando persino il lavoro sulla sua pittura Le vergini sagge e sciocche su cui lavorava dal 1813 e che fino a quel momento faceva riferimento al 1814 come il suo miglior dipinto.
In termini di stile e qualità, gli affreschi dei quattro artisti sono incoerenti. Gli storici dell’arte oggi valutano le opere di Cornelio e di Overbeck come l’artisticamente più interessante tra gli affreschi eseguiti. Nei Sogni di Giuseppe del faraone Cornelio contrasta la calma figura di Giuseppe con un gruppo di cortigiani che esprimono dubbi, invidia, stupore e ammirazione. Il paesaggio sullo sfondo ricorda i primi dipinti del Rinascimento. Nell’affresco Giuseppe è riconosciuto dai suoi fratelli Cornelius che ritrae il committente delle opere, il console Salomon Bartholdy, come un distinto spettatore vestito.
La lunetta di Overbeck I sette anni magri d’altra parte mostrano un’immagine deprimente di fame e angoscia. La madre disperata che dipingeva ricorda la sibilla di Cuma di Michelangelo. La vendita di Giuseppe ai mercanti egiziani, anche di Overbeck, è in un equilibrato, reminiscenza della composizione di Raffaello con armoniosa, mista principalmente di colori terra e luce colorata a colori prospettici.
I tre affreschi di Wilhelm von Schadow La benedizione di Giacobbe, l’interpretazione di Giuseppe dei sogni in prigione e Jacob riconosce l’indumento macchiato di sangue di Giuseppe, nel quale si può vedere anche il più forte legame con il quadro storico classicista. Le opere di Veit, che ha dipinto l’affresco Giuseppe e la moglie di Potifar, oltre alla Lunette The Seven Fat Years, non corrispondono alla qualità dei suoi colleghi.
1886-1887, gli affreschi furono rimossi dalla Casa Bartholdy e aggiunti alla collezione della National Gallery di Berlino. Oggi sono nella costruzione della Alte Nationalgalerie, insieme ad una copia ad acquerello. La diminuzione era possibile perché lo strato esterno si era unito per formare un solido guscio di sinterizzazione. Potrebbe quindi essere trasferito senza gravi danni nella National Gallery.
Gli affreschi per la Casa Massimo
Nonostante la diversa qualità, gli affreschi hanno attirato molta attenzione. È stato riferito che al termine, gli spettatori si sono messi in fila davanti a Casa Bartholdy per visitare la fabbrica.
Il console generale Bartholdy ha anche inviato copie delle opere al cancelliere prussiano, il principe Karl August von Hardenberg. Le copie erano acquerelli realizzati da ciascun artista dopo aver completato il suo lavoro sugli affreschi per la Casa Bartholdy. Cinque acquerelli sono stati poi montati su una tela comune e collegati da motivi architettonici dipinti. La prima volta che questo lavoro è stato esposto alla mostra autunnale dell’Accademia d’arte di Berlino in pubblico nel 1818. L’obiettivo di Bartholdy e degli artisti era di promuovere il lavoro degli artisti a Roma e di essere commissionato con grossi ordini simili in Germania. Tuttavia, la prossima importante commissione di follow-up per gli artisti dell’Associazione Luca venne di nuovo da Roma.
Già nel 1817 commissionò al marchese Massimo, un membro dell’aristocrazia romana, membri del Lukasbund, nel suo vicino Laterano Casa Massimo tre sale ai racconti di Dante, Torquato Tasso e Ludovico Ariosto da fare. Cornelius, tuttavia, interruppe i suoi lavori sull’affresco di Dante, dopo che il 1819 fu nominato dal principe Ludovico di Baviera all’Accademia reale di Monaco. Overbeck non completò il suo lavoro sugli affreschi del Tasso, perché decise di dipingere solo motivi religiosi. Philipp Veit e Joseph Anton Koch hanno realizzato questo lavoro. Solo Julius Schnorr di Carolsfeld ha completato il suo ciclo di Ariosto come previsto.
Ciclo di Cristo
Il consigliere patron e collegiale Immanuel Christian Leberecht di Ampach, canonico di Naumburg e Wurzen, nel 1820 commissionò un’altra collaborazione con i nazareni a Roma. Gli amici pittore Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich von Olivier e Theodor Rehbenitz visse dal 1819 nella costruzione della legazione prussiana presso la Santa Sede, nel Palazzo Caffarelli sul Campidoglio; sono diventati i tre Capitolinescalled. I nove dipinti raffiguranti la vita di Gesù sono stati prodotti dal progetto di Julius Schnorr von Carolsfeld da nove artisti selezionati personalmente da Ampach, tra cui gli altri Capitoliners Olivier e Rehbenitz, per la sua band privata a Naumburg. Ampach ha passato il ciclo con la sua morte alla Cattedrale di Naumburg, dove otto di loro sono ancora mostrati nella Cappella dei Tre Re. Julius Schnorr von Carolsfelds Lasciate che i neonati vengano da me bruciati nel 1931 nella Glaspalast di Monaco. Le scatole di cartone per i dipinti sono state donate da Ampach al Dom St. Marien di Wurzen.
Ulteriore sviluppo a Vienna
A Vienna, il suo punto di partenza, il nuovo movimento artistico ha trovato più difficile prevalere. Nel 1812, il romano tedesco Joseph Anton Koch si trasferì da Roma a Vienna. Fu ammesso in una cerchia di cittadini e artisti romantici, tra cui Wilhelm von Humboldt e sua moglie Karoline, Joseph von Eichendorff, Clemens e Bettina Brentano, e una cerchia di giovani pittori che si incontrarono nella casa dei fratelli August Wilhelm e Friedrich Schlegel. Sostenuto da incarichi di questo ambiente, una serie di dipinti di paesaggi con temi religiosi, in particolare da Ferdinand Olivier e Julius Schnorr di Carolsfeld.
Nonostante il sostegno della borghesia sentimentale, il movimento incontrò una forte opposizione nel settore artistico ufficiale, dominato dallo stato. Nel 1812, il principe Metternich fu nominato curatore dell’Accademia di Vienna. Quest’ultimo continuò ad essere fedele agli ideali dell’arte classica, e Metternich, che era politicamente orientato in tutte le cose, vedeva nell’arte un dominio dello stato e, in ogni deviazione dalla linea ufficiale, gli approcci del raggruppamento segreto.
La festa nella villa Schultheiß
La conquista dei Nazareni in pubblico in Germania iniziò nel 1818 con una visita del principe ereditario bavarese Ludwig a Roma. Il principe ereditario aveva visitato durante il suo arduo viaggio in Sicilia e parte della Grecia e arrivò il 21 gennaio 1818 a Roma. Era considerato incline alla nuova arte e sapeva di voler fare di Monaco il nuovo centro dell’arte romantica in Germania e in Italia.
In suo onore, i numerosi artisti tedeschi che erano a Roma organizzarono una festa a Villa Schultheiß, in cui l’intera decorazione aveva la visione nazarena del ruolo degli artisti e dei mecenati al motto.
L’idea era ovviamente nata con Cornelius, e gli artisti partecipanti crearono una gran fretta per abbinare banner e decorazioni. I grandi dipinti che salutarono il principe ereditario nella sala principale di Villa Schultheiß provenivano da Cornelius, Fohr, Veit e Overbeck, nonché da Wilhelm von Schadow e Julius Schnorr von Carolsfeld. Tra i dipinti c’era un’allegoria della poesia seduta su un trono sotto una quercia tedesca; un dipinto The Ark of True Art, portato da Raffaello e Durer; un dipinto di Overbeck, raffigurante il più grande aristocratico di tutti i tempi e dall’altra l’imperatore Massimiliano, un doge di Venezia e i papali Leone X. e Giulio II. e un dipinto con i più illustri poeti e artisti. Su questo erano rappresentati tra gli altri Raffaello, Durer, Michelangelo, Wolfram von Eschenbach, Erwin von Steinbach, Omero e Re David.
Breakthrough in Germania
Il successo di Monaco
Alcuni anni dopo la festa di Villa Schultheiß, i direttori delle accademie di Düsseldorf, Berlino e Francoforte sul Meno furono occupati dai Nazareni. Ciò è dovuto al successo del lavoro di Cornelius e alla protezione del re bavarese e del nazionalismo romantico emergente.
La prima importante commissione che Cornelius ricevette da Luigi I fu gli affreschi della Gliptoteca, creati tra il 1820 e il 1830. L’edificio, progettato da Leo von Klenze, doveva servire come museo di sculture, in cui principalmente statue antiche dovevano essere visti. Gli affreschi dovrebbero mostrare corrispondenti rappresentazioni individuali della mitologia greca. Come ai tempi di Raffaello, non solo Cornelio fu coinvolto nell’esecuzione, ma anche i suoi allievi. Già dopo il completamento del Göttsaal nel 1824 Cornelius fu nominato direttore dell’Academy.
L’effetto nel resto della Germania
La seconda capitale del movimento Nazareno era Francoforte sul Meno. Philipp Veit fu nominato direttore della scuola di pittura e direttore della galleria di Francoforte nel 1830. Johann David Passavant divenne l’ispettore dello Städel e contribuì significativamente al fatto che questo museo oggi ha una così grande collezione di arte medievale. Ad esempio, l’acquisto della Madonna di Lucca di Jan van Eyck può essere attribuito a lui.
Eduard von Steinle creò affreschi per la Cattedrale di Colonia, la Ägidienkirche di Münster, la Kaisersaal e il Kaiserdom di Francoforte sul Meno e la Marienkirche di Aquisgrana. Dopo che Cornelius si era estraniato nel 1839 con il re bavarese Ludwig I, andò a Berlino e fu lì per la vicina ricostruzione della Cattedrale di Berlino, che Camposanto progettò anche affreschi. Sulla scia della rivoluzione del 1848, Federico Guglielmo IV. Tuttavia, i piani per la costruzione di Campo Santo di nuovo. Cornelius, che aveva lavorato agli studi preliminari dal 1843, continuò a lavorarci fino alla sua morte quasi vent’anni dopo. Era consapevole del fatto che probabilmente non sarebbero mai andati a buon fine, perché a causa delle loro dimensioni, nessun altro posto del Campo Santo in questione era stato messo in discussione. I disegni a carboncino, che Cornelius considerava le sue opere artistiche più importanti, sono oggi conservati nei magazzini della National Gallery di Berlino. Particolarmente impressionante tra loro è il 472 centimetri di altezza e 588 centimetri di larghezza di disegno a carboncino The Apocalyptic Rider.
La fine del movimento
Dalla secolarizzazione al Kulturkampf
La conclusione dell’arte nazarena fu causata da ragioni esterne e interne. Romanticismo polarizzato tra religiosità e tempesta politica e urgenza. Una ragione esterna per la concentrazione dei Nazareni sui religiosi furono le rivoluzioni del 1830 e del 1848/49 e la loro successiva repressione. Successivamente un dominio politico prussiano emerse dal 1848.
Dopo un breve periodo di accordo con la Chiesa cattolica, questo fu associato a un’aggressiva politica culturale della Prussia: il prussiano Kulturkampf seguì le dispute locali della chiesa, come nel ducato di Nassau. Era contrario a tutte le correnti che erano associate agli atteggiamenti cattolici, perché dietro a un atteggiamento anti-prussiano si sospettava. La lotta prussiana contro l’ultramontanismo fu accompagnata dalla trasformazione dello stato di Stato del Vaticano in un’entità di “stato” ideale la cui determinazione territoriale non sarebbe avvenuta fino al secolo successivo. La perdita territoriale del Vaticano – come presunta “opportunità favorevole” per la politica prussiana per far valere le pretese ideologiche ed egemoniche contro i cattolici in Prussia e Germania – non era accompagnata dall’abbandono della sua leadership intellettuale e religiosa, ma piuttosto da uno stato in il vero senso è un’istituzione dell’insegnamento spirituale e guida della chiesa. Si è manifestato in sculture la cui diffusione attraverso i moderni metodi di stampa le ha rese note in privato. L’ideale di creazione dei primi nazareni trovò la loro strada nella riproducibilità tecnica.
Come risultato di questa repressione, l’orizzonte artistico di molti Nazareni si restringe a temi religiosi come l’unico mezzo per guadagnarsi da vivere, mentre in precedenza temi e paesaggi storici avevano una parte importante nel lavoro complessivo. Allo stesso tempo, la soluzione dal background italianizzato ha limitato l’orizzonte di presentazione. Se in precedenza si erano cercate o costruite radici comuni, ad esempio nell’immagine Italia e Germania, la formazione delle nazioni portò una mutua demarcazione.
Il rinnovamento religioso ricercato tra secolarizzazione e lotte culturali secondo un linguaggio pittorico adeguato. I temi biblici erano originariamente legati alle condizioni di vita rurali ed erano anche raffigurati. In contrasto con questa era la crescente industrializzazione. Il doppio senzatetto – di fatto e spirituale – ha trovato la sua controparte nel passato rurale idealizzato, che si è trovato come sfondo per la chiara azione della Chiesa. I Nazareni hanno incontrato questo bisogno con la loro serietà religiosa.
La Chiesa cattolica è stata in grado di effettuare ordini su vasta scala. Allo stesso tempo, grazie alle tecniche di riproduzione in evoluzione, è stata in grado di trasportare l’arte contemporanea in ogni casa con il contenuto che desiderava. In questo contesto, l’associazione per la diffusione di immagini religiose, fondata nel 1841, ha avuto un significato speciale per le ultime immagini devozionali nazarene degli incisori della Scuola di Düsseldorf e li ha resi noti a livello internazionale. Innumerevoli nuove chiese neogotiche furono decorate nella seconda metà del XIX secolo con opere di nazareni di seconda e terza generazione. Questi numerosi ordini hanno contribuito alla divulgazione dell’arte nazarena.
Il lavoro di professore di pittura religiosa presso l’Accademia di Belle Arti di Monaco, Martin von Feuerstein (1856-1931), ha dato una spinta finale.
La banalizzazione di un ideale artistico
Mentre l’impressionismo acquistò importanza nella seconda metà del diciannovesimo secolo, l’ideale artistico dei nazareni si era esaurito ed era diventato un modello. L’intero movimento artistico fu sempre più sminuito dagli intenditori d’arte e cadde nell’oblio.
“Nel linguaggio dei non specialisti”, Nazareno si riferisce a un immaginario religioso esangue e sentimentale che è stato vivo fino alla seconda guerra mondiale e può ancora essere compreso oggi nelle sue ultime colline. È all’incirca come l’equivalente tedesco di quelle arti decorative ecclesiastiche che a Parigi si trovava intorno alla chiesa di Saint-Sulpice e applicava la sua produzione di massa standardizzata come l’epitome del cattivo gusto. “Con queste parole, Sigrid Metken ha avuto l’impatto della seconda metà del 19 ° secolo della divulgazione insieme.Questo giudizio includeva anche i primi protagonisti che erano pittori eccezionali e coraggiosi innovatori ai loro tempi.
A tale giudizio contribuirono significativamente l’abbondanza di immagini dolciastri, qualitativamente deboli e pie, che trovarono la loro copia in stampe murali a basso costo e nella seconda metà del 19 ° secolo guadagnarono popolarità in ampi strati. Questa banale arte è stata prodotta e commercializzata industrialmente nelle fiere. Anche quando le riproduzioni di opere dei principali rappresentanti dei Nazareni, come Overbeck e Steinle, gli originali erano semplificati sentimentali. Questo si intensificò quando il colore si accese. Sigrid Metken ha mostrato nelle sue indagini, come Schnorr, Overbeck e Steinle per la produzione di immagini sacre e devozionali sono stati raccolti e verkitscht, al fine di soddisfare un ampio gusto del pubblico.
La riscoperta dei nazareni
Le prime opere d’arte storica sui Nazareni appartenenti ai pittori, che erano più di una pura fonte e raccolta materiale, furono pubblicate negli anni ’20 e ’30. Queste erano monografie che si occupavano principalmente dei personaggi principali tra i fratelli Luke. Negli anni ’30 questo fu arricchito da un lavoro più esteso sugli affreschi di Casa Massimo.
Tuttavia, l’esame dettagliato dell’arte nazarena non ebbe inizio fino alla seconda metà del XX secolo. Nel 1964, i Nazareni – Una confraternita di pittori tedeschi apparve a Roma da Keith Andrews, un libro che, come diverse mostre minori, tra cui una al Museo Nazionale Germanico di Norimberga, iniziò un esame più dettagliato e fattuale del concetto di arte nazista. Dagli anni ’70, ci fu una rivalutazione dello storicismo artistico del XIX secolo e, in questo contesto, un rinnovato interesse per l’arte nazarena. Nel 1977, una grande mostra nello Städel di Francoforte sul Meno si è dedicata ai Nazareni e ha riunito nel catalogo della mostra articoli di base su questo movimento artistico. Seguì nel 1981 una mostra altrettanto grande a Roma, a seguito della quale gli affreschi di Casa Massimo furono ampiamente restaurati. Nella prima metà del 2005, lo Schirn di Francoforte sul Meno ha nuovamente mostrato opere dei Nazareni in una mostra a loro dedicata.
Uno dei centri d’arte dei Nazareni oggi è il Museo Behnhaus / Drägerhaus di Lubecca, città natale di Overbeck. Il museo ha avuto la sua tenuta artistica dal 1914.
Caratteristiche dell’arte nazarena
In un certo senso, l’arte nazarena assomiglia alla scuola neoclassica da cui si è sviluppata: la forma chiara e contornata ha la precedenza sul colore, il disegno ha la precedenza sulla pittura. L’elemento predominante della composizione è la figura umana.
Il protagonista di questa direzione fu Johann Gottfried Herder (1744-1803), i principali teorici di Sturm und Drang. Si rivolse contro alcuni degli insegnamenti centrali dell’Illuminismo (il Classicismo) e sottolineò la bellezza anche delle cose casuali, primitive, l’antichità (Medioevo).
Questo sviluppo iniziò nel 17 ° secolo, ma piuttosto in circoli di élite e con poche possibilità tecniche. Nel 18 ° e specialmente nel 19 ° secolo, questi sforzi furono considerevolmente intensificati. Adesso venivano anche pubblicati libri che dovevano riprodurre opere d’arte di queste ere. Per la riproduzione queste opere furono trasformate in incisioni su legno o xilografie – e in questa forma divennero popolari le opere dei cosiddetti “primitivi”. L’enfasi sull’elemento lineare – caratteristica principale della xilografia – nell’arte dei Nazareni deriva quindi da una visione tecnicamente incompresa dell’arte medievale. L’indubbia preponderanza del disegno e dei contorni della vecchia pittura fu enfatizzata ancor più dalle esigenze della stampa del tempo.
Questa versione della pittura “preraffaellita” divenne nota e amata da Overbeck come un’opera di pia semplicità e devozione monastica, prima di vedere gli originali a Roma. La dolcezza e la mancanza di sangue dell’arte nazarena, che a volte è notevole, si basa su queste limitate possibilità di riproduzione tecnica.
Soprattutto, i colori hanno la funzione di interiorizzare e spiritualizzare la scena. In caldi smalti pastello, figure e paesaggi sono collegati. Un’enfasi speciale è posta sull’illuminazione che porta alle figure centrali. In molte immagini del Nazareno lei è l’unico elemento drammatico in una composizione di immagini, che, a proposito, è determinata da profonda calma, interiorità e serietà. Questa solennità trasporta scene che sembrano tematicamente molto comuni nel Sovramundano. Il blando arioso e trasparente del classicismo barocco, che rimuove la scena in una distanza allegorica, è un tabù. Il basso effetto di profondità spaziale e l’evitamento di contrasti di colori abbaglianti supportano la celebrazione. Sono caratteristiche esterne che collegano i Nazareni con i loro modelli di ruolo medievali.
L’espressione facciale delle figure raffigurate è seria e interna; non vedi una sola faccia allegra o addirittura ridente. Sorprendenti sono le caratteristiche facciali morbide e ben rasate degli uomini. Anche in questo caso, l’arte nazarena è simile ai modelli medievali. Questo vale anche per la ritrattistica nazarena. Ad esempio, un dipinto di Overbeck, una cosiddetta immagine di amicizia, come i fratelli Luke chiamavano i ritratti che li dipingevano l’uno dall’altro. Con gli occhi grandi e seri nel dipinto creato nel 1810, Franz Pforr guarda lo spettatore. Pforr indossa abiti “vecchio tedesco” e si appoggia al parapetto di una finestra coperta di vino. Dietro di lui c’è la sua futura moglie immaginaria, che lavora a maglia e allo stesso tempo legge in un libro religioso. Una Madonna Lily, un simbolo medievale di Maria, lo identifica con una Madonna. La finestra opposta mostra la vista di una strada medievale dell’Europa settentrionale, ma sullo sfondo c’è un paesaggio costiero italiano.
L’erotismo è quasi completamente escluso come tema nella pittura nazarena. Le persone nei dipinti del Nazareno sono di solito completamente vestite, colpendo spesso in abiti fluenti con un forte aspetto drappeggiato e classicista. Rappresentazioni di corpi quasi nudi, come l’affresco monumentale romano di Friedrich Overbeck Olindo e Sophronia sul rogo, completato nel 1820, così come i nudi di Julius Schnorr von Carolsfeld, sono eccezioni.
Influenza dell’arte nazarena su altri stili
L’influenza artistica dei Nazareni fu di vasta portata e duratura.
Italia: I primi successi per i Nazareni furono in Italia, dove erano stati a lungo a casa, anche in Vaticano e Assisi (Overbeck nella Cappella Porciuncula a Santa Maria degli Angeli). Soprattutto Tommaso Minardi seguì il suo stile, che abbandonò i suoi caravaggeschi Frühstil intorno al 1820 e portavoce del movimento “Il Purismo”, che introdusse i principi nazareni nella pittura religiosa italiana.
Francia: in Francia, la sua influenza ha portato a un rinnovamento dell’arte religiosa nella scuola di Lione e ha coniato il pittore Maurice Denis. Elementi di Nazareno possono essere trovati nel dipinto di chiesa di Jean-Auguste-Dominique Ingres. Il suo allievo Hippolyte Flandrin creò un grande murale a St. Germain-des-Prés nel 1846. Il centro di influenza tedesca in Francia era Lione, dove Paul Chenavard disegnò enormi murales con complessi temi filosofici.
Olanda: l’olandese Ary Scheffer ha introdotto la semplicità del Nazareno nella sua pittura da salone.
Inghilterra: in Gran Bretagna, Julius Schnorr delle 240 illustrazioni bibliche di Carolsfeld, pubblicate nel 1860, fu particolarmente influente. Already the Pre-Raphaelites , an English artist association founded by the painters Dante Gabriel Rossetti and Everett Millais in 1848, had taken up ideas of the Nazarenes. Ford Madox Brown had contacted the Nazarenes. The Pre-Raphaelites, too, strove for a religious-spiritual deepening of art and regarded Italian early-Renaissance art as a model. One painfully missed a tradition in history painting. And in 1840 the House of Parliament should be equipped with murals, you did that in German manner.
Germany: In Germany it was mainly the school of Beuron , which took up the ideas of the Nazarenes in the second half of the 19th century. The Beuroner direction was founded by the master builder, sculptor and painter Peter Lenz and Jacob Wüger and Friedolin Steiner in the Benedictine monastery Beuron with the aim of reviving religious art.