Pintura renacentista francesa

Art

A finales del siglo XV, la invasión francesa de Italia y la proximidad de la vibrante corte de Borgoña (con sus conexiones flamencas) pusieron en contacto a los franceses con los productos, las pinturas y el espíritu creativo del Renacimiento norteño e italiano, y la inicial los cambios artísticos en Francia fueron a menudo realizados por artistas italianos y flamencos, como Jean Clouet y su hijo François Clouet y los italianos Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio y Niccolò dell’Abbate de la (llamada) primera Escuela de Fontainebleau (desde 1531 )

La pintura francesa es, en Francia más que en Italia, llevada por el movimiento de edificación de los castillos lanzados por los príncipes. Así, la Condestable de Francia Anne de Montmorency, cuando construyó su casa más grande, Castle Ecouen, contrató a un gran número de artistas, famosos o desconocidos, para crear decoraciones interiores. Algunos de ellos llegaron desde que el Y se hizo famoso por sus creaciones en Ecou. Por lo tanto, todas las chimeneas del castillo están pintadas en un estilo muy italiano, las paredes comprenden amplios frisos y los motivos están en color faien.

Muchos pintores italianos y flamencos participan en la corte de Francisco I y sus sucesores y participan en la decoración de casas reales y castillos de la nobleza. Estos artistas crearon una escuela de pintura inspirada en el moderado manierismo italiano llamada Escuela de Fontainebleau, recordando el papel decisivo de este sitio de los reyes Francisco I, Henri II y Henri IV en el establecimiento y la difusión del estilo renacentista en Fran. Sus representantes más famosos son Rosso Fiorentino, Primatice y Nicolò dell’Abbate bajo François I, entonces, bajo Henri IV, Ambroise Dubois y Toussaint Dubreu.

En Francia, el arte de la pintura de retratos ya era conocido y difundido desde mediados del siglo XV, especialmente gracias a Jean Fouquet y Jean Perreal, pero realmente cobró impulso durante el Renacimiento, en el siglo XVI, gracias a Pierre y Daniel Dumonsti. Los pintores retratados del rey Jean Clouet y su hijo François, en el estilo de gran precisión y delicadeza (dibujos preparatorios realizados antes de la ejecución de los retratos pintados), perpetúan el estilo de Ros. Influyen en retratistas posteriores como Corneille de Lyon y François Quesnel, mientras que Antoine Caron, ex colaborador de Primatice, evoca tanto las festividades de la Cour des Valois como la violencia de las llamadas guerras civiles “religiosas”, marcadas por el Masacre de San Bartolomé.

Los italianos

Fiorentino Rosso (1494-1540)
Giovanni Battista di Iacopo (1495-1540) fue apodado Rosso Fiorentino, “el pelirrojo florentino”, por su color de pelo y su ciudad natal. Educado en Florencia en el estudio de Andrea del Sarto, y muy influenciado por el arte de Miguel Ángel, trabajó en Florencia, luego en Roma de 1524 a 1527, antes de regresar a Tusca. En 1530, cuando estaba en Venecia, invitado por el dramaturgo italiano Pierre l’Aretin, tuvo la suerte de conocer a François I, quien, encantado, no tardó en llamarlo en Francia. Su llegada a París en octubre de 1530 marcó un punto de inflexión en el arte francés, con la plena aceptación del Renacimiento en todos los campos artísticos. Él está con la Primatice el creador de la escuela de Fontainebleau.

En medio del Renacimiento francés, el rey Valois es un admirador del arte italiano. La corte de Francia le dará los medios al Rosso para desarrollar realmente todos sus talentos de artista de la corte: pintor, dibujante, diseñador de decorados fijos y efímeros, y objetos de un … 46 Su Majestad es conquistada por este artista culto y músico. Ella lo llena de generosidad y le confía la decoración del castillo de Fontaineble. Así es como el Rosso reunió a su alrededor un equipo de artistas italianos para ayudar con la realización de los decorados.

Durante casi una década, Le Rosso al crear obras independientes dirige la decoración de Fontaineble. Muchos de los conjuntos y obras que ha diseñado han desaparecido. Podemos mencionar el pabellón de Pomona, el pabellón de Poesles, el bajo galle. Pero es especialmente la gran galería François I er que conecta el antiguo y el nuevo castillo de Fontainebleau, realizada principalmente entre 1533 y 1537, que sigue siendo su obra maestra hecha de una decoración decorada con pinturas, frisos, frescos y modelos de cuero y estuco. Un motivo recurrente de la galería es el emblema animal del rey, la salamandra. El Rosso es recompensado con su nombramiento como el primer pintor del rey y canónigo de la Sainte-Chapel. El artista participa en la creación de platos suntuarios y crea para el rey un bastón cantoral (cetro) con tallo fleurdelysée, coronado por una columna pedicular que lleva en su centro una estatuilla del Virg. Del último período de su vida, aparte de los dibujos preparatorios para la atención de los grabadores Antonio Fantuzzi, Boyvin o el maestro desconocido LD, solo hay pinturas raras de naturaleza religiosa que se conservan de su período francés, como en el ejemplo de la Pietà visible en el Museo del Louvre.

El final del artista es oscuro. El avaro artista habría acusado a su fiel amigo Francisco di Pellegrino de robar sus ahorros. Este último sometido a tortura salva su inocencia. El Rosso, desesperado por haber perdido a su amigo, habría sido destruido por envenenamiento a finales del año 1540. La biografía escrita por Giorgio Vasari, que se detiene en este trágico final, está hoy en duda.

El Primatice, su adjunto desde 1532 y cada vez más su rival autoritario y exhibido, suprime después de 1540 con el pretexto de la ampliación o su predilección por la escultura pedestal número de obras decorativas de la regla roja.

Es Aretino, famoso e influyente escritor, quien recomendó el Rosso a Francisco I. En París, donde era conocido como el maestro de Roux, el ascenso social del artista florentino, tanto pintor como escultor, fue extremadamente rápido. El rey le aseguró un salario muy alto y, en 1532, le hizo canónigo de Sainte-Chapelle. Como tal, cinco años después, el canonicato en Notre-Dame. Pero Rosso sufrió crónicamente de un estado de ánimo inestable; fue fatal para él el 14 de noviembre de 1540, cuando puso fin a su vida.

Por su influencia, el Rosso es el fundador de la primera escuela de Fontainebleau que lanzó el Renacimiento francés en el arte de la pintura. Este decorador erudito, atraído por lo extraño y lo espectacular, mientras cuenta una historia con varios niveles de lectura o emoción, altera los géneros establecidos y sigue siendo una fuente de evolución sostenible del arte de la ornamentación de las cortes principescas del Euro del Norte.

Francesco Primatice (1504-1570)
Francesco Primaticcio dice que Primatice comienza su aprendizaje en Bolonia, su ciudad natal, y es con un estudiante de Raphael, Bagnacavallo, que recibe su primer entrenamiento, luego en Mantua, cerca de un discípulo de Rafael, Jules Romain, quien se da cuenta por Frédéric Gonzague uno de los edificios más importantes de la época, el palacio de. En un escenario que invade las paredes y las bóvedas, todos los recursos del Manierismo se implementan para celebrar el Amor al evocar los amores de los dioses o sugerir el terror mediante la representación de enfrentamientos titánicos.

Primatice adquiere cerca de él la aptitud para transposiciones fabulosas y el sentido de un arte decorativo completo en el que los ornamentos de estuco adquieren una nueva importancia. Se convierte en un experto en este campo, pero es en Francia, en el Château de Fontainebleau, donde podrá medirse.

Llegó en 1532, llamado por Francisco I, que quiere hacer de su hogar favorito un centro artístico vivo y prestigioso. Hasta su muerte, Primatice dedicará la mayor parte de su actividad a esta ambiciosa empresa. Al principio, colabora con otro maestro italiano, el Rosso fiorentino, que dirige las obras e impone su estilo: una versión exacerbada del estilo florentino.

El trabajo del Rosso en Fontainebleau, como el de Primatice, ha sido en gran parte destruido o desfigurado. Sin embargo, la restauración de la Galerie François I er, en el siglo XX, permite apreciar la coherencia de un estilo ornamental donde el capricho de la invención, la agudeza de las formas y los ritmos también se expresan en el pintado y en los estucos. con relieves acentuados, perfiles elegantes, patrones sorprendentemente diversificados.

La Primatice reemplaza al Rosso en 1540, a la muerte de este último, a la cabeza de las empresas reales. Él reina por encima de la multitud de artistas y trabajadores que trabajan en la decoración interior del castillo, las nuevas construcciones, el paisajismo de los jardines. Él supervisa los talleres de tapices y los de los fundadores que realizan las estatuas en bronce.

Las dos misiones a Italia que le encomendó el rey le brindan la oportunidad de reconectarse con el arte de la península y conocer las formulaciones más recientes, que se adapta con facilidad a su manera. En 1541, Hippolyte d’Este le encargó la realización de frescos para las paredes de su capilla en la Abadía de Chaalis. En Fontainebleau, en la galería de Ulises (ahora destruida), el poema de Homero fue ilustrado en cincuenta y ocho paneles distribuidos entre las ventanas, y el techo incluía noventa y tres temas mitológicos sobre un fondo de grutescos.

Al mismo tiempo que realizó la galería de Ulises, la Primatice presenta los proyectos de las composiciones que exaltan el Amor, la Armonía y el Concorde, destinados al salón de baile, ejecutados por Nicolò dell’Abbate. El orden de la obra es obra de Philibert Delorme, quien, bajo el reinado de Enrique II, asume la dirección de los Edificios del Rey.

El advenimiento de Francisco II (1559) le da al Primatice todas sus prerrogativas: el monumento del corazón de Enrique II, la tumba del rey, todas las esculturas de la rotonda Valois (ahora destruida) que Catalina de Médicis llevó a Saint-Denis en los planes de Primati.

El genio multifacético de la Primatice realizó el sueño de Francisco I dando a la escuela de Fontainebleau, no el brillo efímero de un edificio real privilegiado temporalmente, sino la radiación de un movimiento innovador que marcó en Francia una evolución tan decisiva de la pintura y las artes decorativas .

Primatice se convierte en gran maestro de las obras del rey después de la muerte de Henry. En Dampierre, originalmente una mansión se convirtió en un príncipe en el siglo XVI, construyó en el pabellón de la esquina adyacente a la torre una sauna real, ejemplo típico de este gusto en el momento de un retorno a una forma de vida en la antigüedad.

Nicolò dell’Abbate (1509/1512 – 1571)
Niccolò dell ‘Abate fue un artista nacido en Módena, cerca de Bolonia, que se hizo muy famoso en Francia, desempeñando un papel fundamental en la primera escuela de Fontaineble. Esta escuela fue creada por artistas italianos activos en el castillo de Fontainebleau, donde desarrollaron un estilo que repercutió en su influencia en el arte francés y en el norte de Europa también.

Toda la familia de Abbate, de padre a hijo, se dedicó a las artes. Citamos con honor entre los pintores de Módena, su padre Jean, su hermano Pierre-Paul, su hijo Jules-Camille, su nieto Hércules y su bisnieto Pierre-Paul.

Formado en Módena, estudió en el estudio de Alberto Fontana y fue uno de los alumnos de Antonio Begarel.

En 1540 ingresó al servicio de los señores de Scandiano, a 27 km de Mode. Entre 1540 y 1543, también decoró la Rocca de los príncipes Meli Lupi en Soragna, al noroeste de Par.

Luego trabajó en Bolonia entre 1548 y 1552, sirviendo a una clientela adinerada de clérigos y banqueros.

En Bolonia, su estilo está influenciado por Correggio y Parmes. Sus muchos retratos evocan los de Pontor.

En 1552, Niccolò dell ‘Abate fue invitado a Francia al servicio de Enrique II 55 (a menudo se lo llamaba Nicolas Labbé). En el Château de Fontainebleau, colaboró ​​en la decoración del edificio real, bajo la supervisión de Primatice (1504 – 1570), otro artista fundamental de la Escuela de Fontainebleau, así como del pintor florentino Rosso (1494 – 1540). Dos años más tarde, da el sorteo del proyecto de decoración en honor de Connétable Anne de Montmoren.

En París, realiza frescos en el techo del Hotel de Guise (ahora extinto), según los dibujos de Primati. El artista recibe muchos comandos de naturaleza privada, como pequeñas pinturas portátiles de temas mitológicos insertados en paisajes.

Una buena parte de su producción artística se dedica al género de los aparatos decorativos efímeros, realizados durante los momentos importantes que marcaron la vida de la corte real. El principal ejemplo es el ciclo de decoraciones hechas para la entrada triunfal en París de Carlos IX y su esposa Elisabeth de Austria en 1571, el año de la muerte de Nicolò dell’Abbate en Fran.

El legado del pintor Emiliano se compone principalmente de paisajes que forman el telón de fondo de escenas mitológicas, motivos que inspirarán a artistas franceses como Claude Lorrain (1600 – 1682) y Nicolas Poussin (1594 – 1665).

Los flamencos

Jean Clouet (conocido como Janet, 1475 / 85-1540)
Jean Clouet el Joven (nacido en 1480 en Bruselas, murió en 1541 en París) es un pintor de retratos de los Países Bajos Borgoña del siglo XVI. Sus comienzos son poco conocidos.

Pintor oficial de Francisco I, Jean Clouet se encuentra entre los valets de chambre del rey desde 1516, a las órdenes de sus colegas Jean Perréal y Jean Bourdich. De origen flamenco, trajo un nuevo estilo a la pintura de retratos ceremoniales mediante la práctica, además de la miniatura tradicional (Comentarios de la Guerra de las Galias), la pintura de caballete ejecutada después de un dibujo a lápiz, de acuerdo con el gusto de los pintores de la Norte.

Se hizo popular muy temprano hasta el punto de que recibió casi todos los retratos franceses de principios del siglo XVI. De las únicas dos pinturas de él atestiguadas por textos, una es conocida solo por un grabado (Oronce Finé), la otra por una réplica guardada en el Museo de Versalles (Guillaume Budé).

Pero la celebridad Jean Clouet proviene del grupo de 130 dibujos del Museo Condé en Chantil. Los retratos de la familia real se atribuyen generalmente al pintor, y por lo tanto a las pinturas mismas, como el famoso retrato de Francisco I en el Louvre (alrededor de 1527), cuya atribución a Jean Clouet se remonta a una tradición antigua y segura.

La reputación de Jean Clouet probablemente no fue usurpada y fue reconocida en todo momento, aunque su trabajo fue rápidamente confundido con el de su hijo Franço. Jean Clouet introdujo realmente en el arte del retrato francés una nueva finura y fundó, de hecho, una escuela de pintores de retratos oficiales que, por Robert Nanteuil y Hyacinthe Rigaud, debía asegurar la supremacía francesa en este campo durante más de dos siglos.

Corneille de Lyon (1510-1575)
Corneille de Lyon o Corneille de la Haye (nació entre 1500 y 1510 en La Haya y murió en 1575 en Lyon) es un pintor real del retrato franco-holandés del siglo XVI.

Aunque era conocido en su época como el Cuervo de La Haya, no sabemos nada de su juventud holandesa y llegó a Lyon a más tardar el 15. Realizando desde 1536 retratos de varios miembros de la familia real, obtuvo el título de pintor real en 1541. . A pesar de esta función, él permanece en la ciudad de Rhone durante toda su vida. Al casarse con la hija de un impresor de renombre, se convirtió en parte de la notoriedad de la ciudad, y adquirió una sólida posición social, viviendo en el distrito de impresión, cerca de Notre-Dame-de-Confo.

Vive su trabajo como pintor, y parece cooperar con otros artistas del barrio (pintores o grabadores). Su estudio tiene una galería de copias de pinturas de las personas más famosas que ha retratado. Esto permite a los clientes adquirir una nueva copia, o los alienta a obtener un retrato de un pintor famoso. Su negocio parece próspero hasta las guerras de religión, durante las cuales, a pesar de su apego a la religión reformada, no parece ser víctima de agresión o expoliación. Se vuelve limitado a la religión católica en 1569.

El arte del pequeño retrato sin decoración de Corneille es innovador para la época. Adquiere un gran prestigio hasta el punto de que las pinturas de este estilo terminan siendo designadas como “cuervos”. Trabajando en aceite sobre madera, enfoca su trabajo en la cara y el busto. Corneille es muy preciso en la composición de las pilosidades, el pelo, las barbas, que a veces traza casi desnudo. Sus modelos rara vez usan ropa pesada y decorada, su estilo sigue siendo muy sobrio. El fondo de sus pinturas es siempre sencillo, sin decoración y parece funcionar sin un dibujo preparatorio.

Después del Renacimiento, la fama de Corneille se desvanece, sus descendientes no se hacen cargo de la realización de pequeños retratos. Fue redescubierto en el siglo XVII por François Roger de Gaignièr. Cayendo aún más en el olvido, su nombre resurgió en el siglo XIX, a partir de citas en los textos de la época. La extrema dificultad de encontrar obras de referencia causa serios problemas de atribución y reconstitución de su corpus artístico. Muchos malentendidos y confusiones son hechos por historiadores del arte y aficionados. El primer trabajo inequívocamente atribuible se descubrió en 1962. Varias obras reproducen las conclusiones anteriores y la primera síntesis sobre el artista es hecha por Anne Dubois de Groër en 1996.

Navidad Bellemare (activo entre 1512 y 1546)
Noël Bellemare es un pintor e iluminador francés de origen flamenco, activo entre 1512 y 1546, en Amberes y París. Se le acredita con vitrinas y miniatur. Algunas de sus iluminaciones se han agrupado bajo el nombre de la Convención del Maestro Getty de las Epístolas, presumiblemente a la cabeza de un taller conocido en otro lugar como el Taller de 1520.

Christmas Bellemare es el hijo de un antwerpian y un parisino. Su presencia está atestiguada en Amberes en 1512, pero encontramos su rastro desde 1515 en París, donde termina y termina su carrera. Está instalado en la ciudad como pintor e iluminador en el puente Notre-Dame, junto a otros artistas y libreros.

Los archivos documentan varias órdenes oficiales en París: pintó el techo del hotel-Dieu en 1515, decora la entrada del puente Notre-Dame en 1531 para la entrada de Eleonore de Austria en 1531, una decoración del Palacio del Louvre en colaboración con Matteo del Nassaro para la llegada de Carlos V en 1540. También realiza dorados en el castillo de Fontaineble. Él se menciona en 1536 como jurado de la pintura del pintor.

Las primeras obras del pintor están influenciadas por el Manierismo de Amberes y por el grabado de Albrecht Dür. Posteriormente, una influencia de pinturas Raphael y Giulio Roma. Esta influencia indudablemente proviene de la asistencia de la Escuela de Fontainebleau que frota participando en las decoraciones del castillo.

De hecho, las fuentes de la mano de la Navidad de Bellemare solo atestiguan una obra: es el cartón de una ventana de Pentecostés de la iglesia Saint-Germain-l’Auxerrois del Par. Por analogía y comparación estilística, un conjunto de iluminaciones y vitrales son atribuidos por el historiador de arte Guy-Michel Lepro.

El corpus de iluminaciones que se le atribuye se conoce desde hace tiempo como el Maestro Getty de la Convención de las Epístolas. Estas obras también fueron agrupadas por un tiempo por la historiadora de arte estadounidense Myra Orth en un conjunto más grande de 25 manuscritos y bajo el nombre de Taller de la década de 1520. Noel Bellemare podría haber sido el líder. Entre ellos, las miniaturas atribuidas al Doheny Master of the Hours podrían corresponder a un período anterior del mismo pintor.

Finalmente, algunas de las miniaturas del Maestro de las Epístolas Getty son posteriores a su muerte: parece que este mismo taller duró algún tiempo después de su desaparición.

Grégoire Guérard (activo alrededor de 1518-1530)
Grégoire Guérard es un pintor de los Países Bajos, establecido en Tournus y activo en Borgoña entre 1512 y 1530, en la región de Autun, Chalon-sur-Saône y Bourg-en-Bres.

Es un artista formado en el norte de los Países Bajos y cuya actitud parece deberse a una estancia en Italia en los años 1515 y 1518.

Según las fuentes, proporcionó un tríptico para la iglesia carmelita de Chalon, otro para la iglesia de Saint-Laurent-lès-Chalon, trabajó en el castillo de Brancion y el de Balleure para Claude de Saint-Julien de Balleure, cuyo hijo Pierre alaba las “bellas pinturas, el trabajo singular y exquisito, fallas de la mano divinamente erudita del excelente pintor Guererd Gregoire Hollandois compatriota y padre Erasmus de Rotterdam”.

Grégoire Guérard recibió recientemente una docena de paneles fechados entre 1512 y 1530, conservados, con algunas excepciones, en el sur de Borgoña, Bresse o Franche-Com. El elemento principal de este conjunto es el Tríptico de la Eucaristía en Autun (1515), y en el Museo de Dijon, El arresto de Cristo y La presentación en el Templo de Dijon (1521) son parte de él.

Bartholomeus Pons
Originario de Haarlem, Bartholomeus Pons está documentado precisamente en 1518 en el taller de Grégoire Guérard en Tourn. Ahora se puede identificar al Maestro de Dinteville (autor del retablo de la leyenda de Santa Eugenia en Varzy).

Godefroy the Batavian (1515-1526)
Godefroy the Batavian es un pintor / iluminador del norte de los Países Bajos activo en Francia. Él es conocido solo por su actividad en la corte de Francisco I.

Su nombre proviene de una inscripción en latín que lo identifica como pictoris batavi en el tercer volumen de su obra más conocida, los Comentarios de la Guerra Francesa (1520, Museo Condé, Chantilly). También firmó Godefroy, una firma encontrada en los Triunfos de Petrarque (circa 1524, Biblioteca del Arsenal, París). Los Comentarios de la Guerra Francesa (1520, Museo Condé, Chantilly), Dominus illuminatio mea (1516, Museo Condé, Chantilly) y la Vida de Magdalena (1517, Museo Condé, Chantilly) fueron iluminados bajo la supervisión directa de su autor Franciscano , François Du Moulin o Demoulins (fl 1502-24), para la presentación al rey y su madre Luisa de Saboya, condesa de Angoulême (1476-1531).

Los manuscritos vernáculos, diminutos y personalizados proporcionan una visión del arte de la corte y el gusto francés en los primeros años del Renacimiento.

El francés
Jean Cousin: el padre (1490 aproximadamente-1560) y el hijo (1522 aproximadamente-1594)
Jean Cousin the Elder (Soucy, cerca de Sens, alrededor de 1490 o 1500 – París, después de 1560), también se llama el Padre, o el Viejo para distinguirlo de su hijo también llamado Jean Cous. Este artista no es solo un pintor, dibujante y decorador, sino que también es un grabador. Jean Cousin the Elder representa a Jean Clouet, el principal pintor francés del siglo XVI. Apodado el “Michelangelo francés” 60, su pintura Eva prima Pandora conservada en el Louvre sigue siendo su obra más famosa.

Su vida es poco conocida, y muchas obras solo se le atribuyen, a veces más probablemente ejecutadas por su hijo Jean Cousin el Joven con quien a menudo se confunde. Otro escultor no relacionado también lleva el mismo nombre.

Es en su ciudad natal de Sens, en 1526, que Jean Cousin, el padre (1490-1560) comenzó su carrera como topógrafo, continuando su actividad allí hasta 1540. Después de hacer cajas de vidrios de colores, la catedral de Sens y un retablo para la Abadía Vauluisant en 1530, Jean Cousin el Padre se mudó a París en 1540 donde realizó importantes obras.

En 1541, se le ordenaron las cajas para los tapices de la Vida de Santa Genoveva y en 1543, se dio cuenta para el Cardenal Givry de las ocho cajas de la Historia de San Mam. Estos tapices, que decoraban el coro de la catedral de Langres, fueron ejecutados por tejedores parisienses. Es entonces cuando en 1549 colabora con la entrada triunfal del rey Enrique II en París.

También trabaja para fabricantes de vidrio, y ejecuta vitrales en la capilla del hospital de Orfèvres, un calvario para la iglesia de los Jacobinos en París, varias vidrieras para la iglesia de Saint Gervais (El juicio de Salomón, El martirio de San Lorenzo, el Mujer samaritana conversando con Cristo y la cura del paralítico), la iglesia de Moret, las de Saint-Patrice y Saint-Godard en Ruán 62 y el castillo de Vincennes (L ‘Aproximación del Juicio Final, según el Apocalipsis, La Anunciación de la Santísima Virgen) donde también realiza los retratos de cuerpo entero de Francisco I y Enrique. A Jean Cousin también se le atribuyen los vitrales de grisaille hechos para el castillo de Anet (de los cuales Abraham devolvió a su hijo Ismael a Agar, los israelitas que conquistaron a los amalecitas bajo la guía de Moisés y Jesucristo predicando en el desierto).

Solo un pequeño número de pinturas de Jean Cousin, el padre: Eva Prima Pandora, ahora en el Louvre, y La Chari. Estas obras atestiguan, como los tapices de la Historia de Saint Mammès, la influencia de Rosso, pero Jean Cousin el padre pudo interpretar en un estilo muy personal el arte de la escuela de Fontainebleau.

Algunos dibujos de Pénélope, Martirio de un santo y Juegos de niños, se atribuyen hoy a Jean Cousin el Padre, de quien también se tienen dos grabados firmados: la Anunciación y el Entombme.

Teórico, el artista publicó dos tratados ilustrados de xilografías, el Libro de Perspectiva de 1560 y el Libro de Pourtraicture completado por su hijo en 1571. Reimpreso en 1589, no se ha encontrado copia hasta la fecha. Sin embargo, es probable que este último trabajo sea el publicado justo después de la muerte de Cousin the Younger en París en 1595 por David Leclerc, con láminas grabadas de Jean Le Cle. Este tratado, que también es una obra maestra de la ilustración anatómica, fue reimpreso varias veces en el siglo XVII.

Jean Cousin el Hijo (1522-1594) también dijo que el joven estuvo confundido por mucho tiempo con su padre, de quien era un alumno. Jean Cousin el Joven estudió primero en la Universidad de París al menos hasta 1542, y luego colaboró ​​en el trabajo de su padre. Cuando murió, se hizo cargo.

Su producción parece haber sido importante. En 1563, colaboró ​​en los preparativos para la entrada triunfal de Carlos. Alrededor de 1565, la contribución de Cousin the Father y Cousin the Son al monumento funerario de Philippe Chabot, almirante de Francia es controvertida; al hijo se le atribuye el marco ornamental del monumento y los cuatro genios alados tratados en un estilo manierista muy brillante.

La única pintura atribuida a Jean Cousin Fils es el Juicio Final fechado en 1585 y conservada en la Musa del Louvre. Esta obra refleja tanto la influencia del manierismo florentino como la del flamenco a. Varios dibujos, ilustraciones del Libro de la fortuna (1568), Las metamorfosis de Ovidio (1570) y Fábulas de Esopo (1582) revelan un artista inteligente influenciado por su padre, el medio de Saint-Louis y el arte de los países nórdicos.

Antoine Caron (1521-1599)
Antoine Caron, nacido en 1521 en Beauvais y fallecido en París en 1599, es un maestro vidriero, ilustrador y pintor manierista francés del Fontainebleau Scho.

En la bisagra entre las dos escuelas de Fontainebleau, Antoine Caron es una de las principales personalidades de Manneri francés. Uno de los pocos pintores franceses de su tiempo que posee una personalidad artística pronunciada. Su obra refleja la atmósfera refinada, aunque inestable, del patio de la casa Valois durante las guerras de religión de 1560 a 1598.

Dejando Beauvais, donde había estado pintando pinturas religiosas desde la adolescencia, Antoine Caron trabajó en el taller de Leprince en vidrieras, luego entrenó en los talleres de Primatice y Nicolò dell’Abbate en la Escuela de Fontainebleau de 1540. en 1550. En 1561, fue nombrado pintor de la corte de Enrique II y Catalina de Médicis y más tarde se convirtió en el pintor designado de la misma.

Su función como pintor de la corte incluía la responsabilidad de la organización de las representaciones oficiales. Él, como tal, participó en la organización de la ceremonia y la entrada real a París para la coronación de Carlos IX y el matrimonio de Enrique IV con Marguerite de Valo. Algunas de sus ilustraciones de las festividades en la corte de Carlos IX permanecen y son fuentes probables para la representación de la corte en los tapices de Valois.

Las pocas obras supervivientes de Caron incluyen temas históricos y alegóricos, ceremonias cortesanas y escenas astrológicas. Es un erudito, y sus escenas eruditas y sofisticadas reflejan la brillante cultura que se desarrolló en París durante el reinado de los últimos Valois.

Sus masacres se llevaron a cabo a mediados de la década de 1560, como su única pintura firmada y fechada, las Massacres du Triumvirat (1566) conservadas en el Louvre. Evoca los masscres perpetrados durante las guerras civiles civiles, antes de JC por los triumvirs Antoine, Octave y Lepid. Sería una alusión a las masacres que los protestantes fueron víctimas durante la guerra religiosa, principalmente desde 1561, cuando tres defensores del catolicismo, Ana de Montmorency, Jacques d’Albon de Saint-André y François de Guise formaron un triunvirato para oponerse a la política de apaciguamiento de Catalina de Médicis.

El componente esencial de su estilo es la reanudación de la figura muy alargada de los artistas italianos, incluso en retratos como Portrait de femme (1577), un gesto elocuente, mucho movimiento y dinamismo. Le da un aspecto muy extraño a sus composiciones. Y la vivacidad de sus colores que contribuyen a este personaje a menudo fantástico dado a sus obras.

El otro aspecto emblemático de su trabajo es la incorporación de arquitecturas fantásticas, a veces mezclándose con ruinas romanas. Como su maestro Nicolò dell’Abbate, a menudo ha colocado figuras humanas casi insignificantes en medio de escenas inmensas.

Estilísticamente, su adhesión al Manierismo del Norte se refiere a la tipología de sus personajes. La crítica moderna lo llama “el abuelo del Manierismo”.

La escasez de documentación de la pintura francesa en este momento significa que muchas de las obras atribuidas a él también se atribuyen a otros artistas como Henri Lerambe. La relativa notoriedad de Antoine Caron contribuye a la asociación de su nombre con obras comparables a las más conocidas de las suyas. En algunos casos, estas pinturas, por ejemplo, la Sumisión de Milán a Francisco I en 1515 (v. 1570) 69 ahora se atribuyen al “Estudio de Antoine Caron”. !