No final do século XV, a invasão francesa da Itália e a proximidade da vibrante corte da Borgonha (com suas conexões flamengas) levaram os franceses a entrar em contato com os bens, as pinturas e o espírito criativo do Renascimento do Norte e da Itália, e a inicial as mudanças artísticas na França foram muitas vezes realizadas por artistas italianos e flamengos, como Jean Clouet e seu filho François Clouet e os italianos Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio e Niccolò dell’Abbate da (assim chamada) primeira escola de Fontainebleau (a partir de 1531 ).
A pintura francesa é, na França, mais do que na Itália, levada pelo movimento de edificação dos castelos lançados pelos príncipes. Assim, o condestável da França Anne de Montmorency, quando ele construiu sua maior casa, Castle Ecouen, envolveu um grande número de artistas, famosos ou desconhecidos, para criar decorações de interiores Alguns deles vieram desde o E foram feitos famosos por suas criações em Ecou. Assim, todas as chaminés do castelo são pintadas em um estilo muito italiano, as paredes compreendem frisos largos e as terras estão em faien colorido.
Muitos pintores italianos e flamengos estão envolvidos na corte de Francisco I e seus sucessores e participam na decoração de casas reais e castelos da nobreza. Estes artistas criaram uma escola de pintura inspirada no temperado maneirismo italiano chamado Escola de Fontainebleau, recordando o papel decisivo deste lugar dos reis Francis I, Henri II e Henri IV no estabelecimento e disseminação do estilo renascentista em Fran. Seus representantes mais famosos são Rosso Fiorentino, Primatice e Nicolò dell’Abbate sob François I, então, sob Henri IV, Ambroise Dubois e Toussaint Dubreu.
Na França, a arte da pintura de retratos já era conhecida e difundida desde meados do século XV, especialmente graças a Jean Fouquet e Jean Perreal, mas realmente ganhou força durante a Renascença, no século XVI, graças a Pierre e Daniel Dumonsti. Os retratistas nomeados do rei Jean Clouet e seu filho François, no estilo de grande precisão e fineza (desenhos preparatórios feitos antes da execução de retratos pintados), perpetuam o estilo de Ros. Influenciam pintores de retratos posteriores como Corneille de Lyon e François Quesnel, enquanto Antoine Caron, antigo colaborador do Primatice, evoca tanto as festividades da Cour des Valois como a violência das chamadas guerras civis “religiosas”, marcadas pela Massacre de São Bartolomeu.
Os italianos
Fiorentino Rosso (1494-1540)
Giovanni Battista di Iacopo (1495-1540) foi apelidado de Rosso Fiorentino, “o ruivo florentino”, por causa de sua cor de cabelo e sua cidade natal. Educado em Florença no ateliê de Andrea del Sarto e muito influenciado pela arte de Michelangelo, trabalhou em Florença, depois em Roma de 1524 a 1527, antes de retornar a Tusca. Em 1530, quando estava em Veneza, convidado pelo dramaturgo italiano Pierre l’Aretin, teve a sorte de ser apresentado a François I, que, encantado, não tardou a chamá-lo na França. Sua chegada a Paris, em outubro de 1530, marcou um ponto de virada na arte francesa, com a plena aceitação do Renascimento em todos os campos artísticos. Ele está com o Primatice, o criador da escola de Fontainebleau.
No meio do renascimento francês, o rei Valois é um admirador da arte italiana. A corte da França então dará os meios para o Rosso realmente desenvolver todos os seus talentos de artista da corte: pintor, desenhista, designer de cenários fixos e efêmeros, e objetos de uma … 46 Sua Majestade é conquistada por este artista culto e músico. Enche-o de generosidade e confia-lhe a decoração do castelo de Fontaineble. Foi assim que o Rosso reuniu em torno dele uma equipe de artistas italianos para ajudar na realização de sets.
Por quase uma década, Le Rosso, enquanto cria obras independentes, dirige a decoração de Fontaineble. Muitos dos conjuntos e obras que ele projetou desapareceram. Podemos mencionar o pavilhão de Pomona, o pavilhão de Poesles, a baixa galle. Mas é sobretudo a grande galeria François I er que liga o antigo e o novo castelo de Fontainebleau, realizada principalmente entre 1533 e 1537, que continua sendo sua obra-prima de decoração decorada com pinturas, frisos, afrescos e modelos de couro lapidado e estuque 46 Um motivo recorrente da galeria é o emblema animal do rei, o salamandra. O Rosso é recompensado por sua nomeação como o primeiro pintor do rei e cânone da Sainte-Chapel. O artista participa então da criação de um prato sumptuário e cria para o rei um pau cantoral (cetro) com haste de fleurdelysée, encimado por um pedículo de coluna que leva em seu centro uma estatueta do Virg. Do último período de sua vida, além dos desenhos preparatórios para a atenção dos gravadores Antonio Fantuzzi, Boyvin ou o mestre desconhecido LD, há apenas raras pinturas de natureza religiosa que é preservada de seu período francês, como no exemplo. do Pietà visível no Museu do Louvre.
O final do artista é obscuro. O artista avarento teria acusado seu fiel amigo Francisco di Pellegrino de roubar suas economias. Este último sujeito a tortura salva sua inocência. O Rosso, desesperado por ter perdido o seu amigo, teria sido destruído por envenenamento no final do ano de 1540. A biografia escrita por Giorgio Vasari, que aborda este trágico fim, está hoje em dúvida.
O Primatice, seu vice desde 1532 e mais e mais seu rival autoritário e exibido, suprime depois de 1540 sob o pretexto de ampliação ou a sua predileção por pedestal escultura número de obras decorativas da régua vermelha.
É Aretino, escritor famoso e influente, que recomendou o Rosso a Francisco I. Em Paris, onde era conhecido como o mestre dos Roux, a ascensão social do artista florentino, tanto pintor quanto escultor, foi extremamente rápida. O rei assegurou-lhe um salário muito alto e, em 1532, fez dele o cânone de Sainte-Chapelle. Como tal, cinco anos depois, o canonicat em Notre-Dame. Mas Rosso sofria cronicamente de um humor instável; foi fatal para ele em 14 de novembro de 1540, quando pôs fim à sua vida.
Por sua influência, o Rosso é o fundador da primeira escola de Fontainebleau que lançou o renascimento francês na arte da pintura. Esse decorador erudito, atraído pelo bizarro e pelo espetacular, ao contar uma história com vários níveis de leitura ou emoção, perturba os gêneros estabelecidos e continua sendo uma fonte de evolução sustentável da arte da ornamentação das cortes principescas do Euro do Norte.
Francesco Primatice (1504-1570)
Francesco Primaticcio diz Primatice começa seu aprendizado em Bolonha, sua cidade natal, e é com um estudante de Raphael, Bagnacavallo, que ele recebe seu primeiro treinamento, em seguida, em Mântua, perto de um discípulo de Rafael, Jules Romain, que realiza para Frédéric Gonzague um dos principais edifícios da época, o palácio de São Paulo. Em um cenário que invade as paredes e abóbadas, todos os recursos do maneirismo são implementados para celebrar o amor, evocando os amores dos deuses ou sugerindo o terror pela representação de confrontos titânicos.
Primatice adquire perto dele a aptidão para transposições fabulosas e o sentido de uma arte decorativa completa na qual os ornamentos de estuque assumem uma nova importância. Ele se torna um especialista neste campo, mas é na França, no Château de Fontainebleau, que ele poderá medir a si mesmo.
Ele chegou em 1532, chamado por Francis I, que quer fazer de sua casa favorita um centro de arte vivo e de prestígio. Até a sua morte, Primatice dedicará a maior parte de sua atividade a esse empreendimento ambicioso. No início, ele colabora com outro mestre italiano, o Rosso Fiorentino, que administra os trabalhos e impõe seu estilo: uma versão exacerbada dos costumes florentinos.
O trabalho do Rosso em Fontainebleau, como o do Primatice, foi em grande parte destruído ou desfigurado. No entanto, a restauração da Galerie François I er, no século XX, permite apreciar a coerência de um estilo ornamental onde o capricho da invenção, a agudeza das formas e ritmos são também expressos nos pintados e nos estuques, com relevos acentuados, perfis elegantes, padrões surpreendentemente diversificados.
O Primatice substitui o Rosso em 1540, com a morte deste último, à frente dos empreendimentos reais. Ele reina supremo sobre a multidão de artistas e trabalhadores que trabalham nas decorações interiores do castelo, as novas construções, o paisagismo dos jardins. Ele supervisiona as oficinas de tapeçaria e os dos fundadores que realizam as estátuas em bronze.
As duas missões à Itália confiadas a ele pelo rei são uma oportunidade para ele se reconectar com a arte da península e conhecer as formulações mais recentes, que ele adapta com facilidade a seu modo. Em 1541, Hippolyte d’Este encarregou-o de produzir afrescos para as paredes de sua capela na Abadia de Chaalis. Em Fontainebleau, na galeria de Ulisses (agora destruída), o poema de Homero foi ilustrado em cinquenta e oito painéis distribuídos entre as janelas, e o teto incluía noventa e três temas mitológicos contra um fundo de grotescos.
Ao mesmo tempo em que realizou a galeria de Ulisses, o Primatice apresenta os projetos das composições exaltando o Amor, a Harmonia e o Concorde, destinados ao salão de festas, executado por Nicolò dell’Abbate. A ordem da peça é de Philibert Delorme que, sob o reinado de Henrique II, assume a direção dos Edifícios do Rei.
O advento de Francisco II (1559) dá ao Primatice todas as suas prerrogativas: o monumento do coração de Henrique II, o túmulo do rei, todas as esculturas para a rotunda de Valois (agora destruída) que Catarina de Médici trouxe para Saint-Denis nos planos de Primati.
O gênio multifacetado do Primatice realizou o sonho de Francisco I dando à escola de Fontainebleau, não o brilho efêmero de um edifício real temporariamente privilegiado, mas a irradiação de um movimento inovador que marcou na França tão decisiva evolução da pintura e artes decorativas .
Primatice torna-se grande mestre das obras do rei após a morte de Henrique. Em Dampierre, originalmente uma mansão tornou-se um principesco no século XVI, ele construiu no pavilhão de canto adjacente à torre uma sauna real, exemplo típico deste gosto na época para um retorno a um modo de vida na antiguidade.
Nicolò dell’Abbate (1509/1512 – 1571)
Niccolò dell ‘Abate foi um artista nascido em Modena, perto de Bolonha, que se tornou muito famoso na França, desempenhando um papel fundamental na primeira escola de Fontaineble. Esta escola foi criada por artistas italianos ativos no castelo de Fontainebleau, onde eles desenvolveram um estilo que reverberou sua influência na arte francesa e no norte da Europa também.
Toda a família de Abbate, de pai para filho, foi dedicada às artes. Citamos com honra os pintores de Modena, seu pai Jean, seu irmão Pierre-Paul, seu filho Jules-Camille, seu neto Hercules e seu bisneto Pierre-Paul.
Treinado em Modena, estudou no ateliê de Alberto Fontana e foi um dos alunos de Antonio Begarel.
Em 1540 ele entrou ao serviço dos senhores de Scandiano, a 27 km do Mode. Entre 1540 e 1543, ele também decorou os príncipes Rocca dos Meli Lupi em Soragna, a noroeste de Par.
Ele então trabalhou em Bolonha entre 1548 e 1552, servindo uma rica clientela de clérigos e banqueiros.
Em Bolonha, seu estilo é influenciado por Correggio e Parmes. Seus muitos retratos evocam os de Pontor.
Em 1552, Niccolò dell ‘Abate foi convidado para a França a serviço de Henrique II 55 (ele era freqüentemente chamado Nicolas Labbé). No Château de Fontainebleau, ele colaborou na decoração do edifício real, sob a supervisão de Primatice (1504 – 1570), outro artista fundamental da Escola de Fontainebleau, bem como o pintor florentino Rosso (1494 – 1540). Dois anos depois, ele dá o desenho do projeto de decoração em homenagem a Connétable Anne de Montmoren.
Em Paris, ele realiza afrescos no teto do Hotel de Guise (hoje extinto), segundo os desenhos de Primati. O artista recebe então muitos comandos de natureza privada, como pequenas pinturas portáteis de temas mitológicos inseridos em paisagens.
Boa parte de sua produção artística é, portanto, dedicada ao gênero de aparatos decorativos efêmeros, feitos durante momentos importantes que marcaram a vida da corte real. O principal exemplo é o ciclo de decorações feitas para a entrada triunfal em Paris de Charles IX e sua esposa Elisabeth da Áustria em 1571, o ano da morte de Nicolò dell’Abbate em Fran.
O legado do pintor emiliano é composto principalmente de paisagens que formam o cenário de cenas mitológicas, motivos que inspirarão artistas franceses como Claude Lorrain (1600 – 1682) e Nicolas Poussin (1594 – 1665).
Os flamengos
Jean Clouet (conhecido como Janet, 1475 / 85-1540)
Jean Clouet, o Jovem (nascido em 1480 em Bruxelas, morreu em 1541 em Paris) é um retratista da Borgonha dos Países Baixos do século XVI. Seu começo é pouco conhecido.
Pintor oficial de Francis I, Jean Clouet está entre os valets de chambre do rei desde 1516, sob as ordens de seus colegas Jean Perréal e Jean Bourdich. De origem flamenga, ele trouxe um novo estilo para a pintura de retratos cerimoniais, praticando, além da miniatura tradicional (Comentários da Guerra Gálica), a pintura de cavalete executado após um desenho a lápis, de acordo com o gosto dos pintores do Norte.
Ele se tornou popular muito cedo a ponto de ser premiado com quase todos os retratos franceses do início do século XVI. Das duas únicas pinturas dele atestadas por textos, uma é conhecida apenas por uma gravura (Oronce Finé), a outra por uma réplica mantida no Museu de Versalhes (Guillaume Budé).
Mas a celebridade Jean Clouet vem do grupo de 130 desenhos do Museu Condé em Chantil. Os retratos da família real são geralmente atribuídos ao pintor e, portanto, às próprias pinturas, como o famoso retrato de Francisco I no Louvre (por volta de 1527), cuja atribuição a Jean Clouet remonta à tradição antiga e segura.
A reputação de Jean Clouet provavelmente não foi usurpada e foi reconhecida em todos os momentos, embora seu trabalho tenha sido rapidamente confundido com o de seu filho Franço. Jean Clouet realmente introduziu na arte do retrato francês uma nova finesse e fundou de fato uma escola de retratistas oficiais que, de acordo com Robert Nanteuil e Hyacinthe Rigaud, garantiria a supremacia francesa nesse campo por mais de dois séculos.
Corneille de Lyon (1510-1575)
Corneille de Lyon ou Corneille de la Haye (nascido entre 1500 e 1510 em Haia e morreu em 1575 em Lyon) é um pintor real do retrato franco-holandês do século XVI.
Embora conhecido em sua época como o Corvo de Haia, nada sabemos sobre sua juventude holandesa e chegou a Lyon o mais tardar em 15. Com 1536 retratos de vários membros da família real, obteve o título de pintor real em 1541. Apesar desta função, ele permanece na cidade de Rhone durante toda a sua vida. Ao se casar com a filha de uma renomada gráfica, ele se tornou parte da notabilidade da cidade e adquiriu uma sólida posição social, morando no distrito de impressão, perto de Notre-Dame-de-Confo.
Ele vive seu trabalho como pintor e parece cooperar com outros artistas do bairro (pintores ou gravadores). Seu estúdio mantém uma galeria de cópias de pinturas das pessoas mais famosas que ele retratou. Isso permite que os clientes adquiram uma nova cópia ou incentiva-os a obter um retrato de um pintor famoso. Seus negócios parecem prósperos até as guerras da religião, durante as quais, apesar de seu apego à religião reformada, ele não parece vítima de agressão ou espoliação. Torna-se constrangido à religião católica em 1569.
A arte de Corneille do pequeno retrato sem decoração é inovadora para a época. Adquire um alto prestígio a ponto de as pinturas deste estilo acabarem sendo designadas como “Corvos”. Trabalhando com óleo sobre madeira, ele concentra seu trabalho no rosto e no busto. Corneille é muito preciso na composição das periferias, cabelos, barbas, que ele às vezes traça quase pelado. Suas modelos raramente usam roupas decoradas pesadas, seu estilo permanece muito sóbrio. O fundo de suas pinturas é sempre claro, sem decoração e ele parece trabalhar sem desenho preparatório.
Após a Renascença, a fama de Corneille desaparece, seus descendentes não assumem a realização de pequenos retratos. É redescoberto no século XVII por François Roger de Gaignièr. Caindo ainda mais no esquecimento, seu nome ressurgiu no século XIX, a partir de citações nos textos da época. A extrema dificuldade de encontrar obras de referência causa sérios problemas de atribuição e reconstituição do seu corpus artístico. Muitos mal-entendidos e confusões são feitos por historiadores de arte e amadores. O primeiro trabalho inequivocamente atribuível foi descoberto em 1962. Vários trabalhos reproduzem as conclusões anteriores e a primeira síntese sobre o artista é feita por Anne Dubois de Groër em 1996.
Natal Bellemare (ativo entre 1512 e 1546)
Noël Bellemare é um pintor e iluminador francês de origem flamenga, ativo entre 1512 e 1546, em Antuérpia e Paris. Ele é creditado com caixas de vidro manchado e miniatur. Algumas de suas iluminações foram agrupadas sob o nome da convenção Getty Master of the Epistles, presumivelmente à frente de um workshop conhecido em outros lugares como o Workshop de 1520s.
Natal Bellemare é o filho de uma Antuérpia e um parisiense. Sua presença é atestada em Antuérpia em 1512, mas encontramos seu rastro a partir de 1515 em Paris, onde ele termina e termina sua carreira. Ele está instalado na cidade como pintor e iluminador na ponte Notre-Dame, ao lado de outros artistas e livreiros.
Os arquivos documentam várias ordens oficiais em Paris: ele pintou o teto do hotel-Dieu em 1515, ele decora a entrada da ponte Notre-Dame em 1531 para a entrada de Eleonore da Áustria em 1531, uma decoração do Palácio do Louvre em Colaboração com Matteo del Nassaro para a vinda de Charles V em 1540. Ele também realiza douração no castelo de Fontaineble. Ele é mencionado em 1536 como jurado pintor-iluminador.
As primeiras obras do pintor são influenciadas pelo maneirismo de Antuérpia, assim como pela gravura de Albrecht Dür. Posteriormente, uma influência das pinturas Raphael e Giulio Roma. Esta influência, sem dúvida, vem da participação da Escola de Fontainebleau que ele esfrega, participando das decorações do castelo.
Apenas uma obra é realmente atestada pelas fontes da mão de Bellemare de Natal: é o cartão de uma janela do Pentecostes da igreja Saint-Germain-l’Auxerrois de Par. Por analogia e comparação estilística, um conjunto de iluminações e vitrais são atribuídos pelo historiador de arte Guy-Michel Lepro.
O corpus das iluminações atribuídas a ele tem sido referido como o Getty Master da Convenção Epistles. Essas obras também foram agrupadas por um tempo pelo historiador de arte americano Myra Orth em um conjunto maior de 25 manuscritos e sob o nome de Oficina dos anos 1520. Noel Bellemare poderia ter sido o líder. Entre elas, as miniaturas atribuídas ao Mestre das Horas Doheny poderiam corresponder a um período mais antigo do mesmo pintor.
Finalmente, algumas das miniaturas do Mestre das Epístolas Getty são posteriores à sua morte: parece que esta mesma oficina durou algum tempo após seu desaparecimento.
Grégoire Guérard (ativo por volta de 1518-1530)
Grégoire Guérard é um pintor da Holanda, estabelecido em Tournus e ativo na Borgonha entre 1512 e 1530, na região de Autun, Chalon-sur-Saône e Bourg-en-Bres.
Ele é um artista treinado no norte da Holanda e cuja forma parece devida a uma estadia na Itália nos anos 1515 e 1518
Segundo fontes, ele forneceu um tríptico para a igreja carmelita de Chalon, outro para a igreja de Saint-Laurent-lès-Chalon, trabalhou no castelo de Brancion e o de Balleure para Claude de Saint-Julien de Balleure, cujo filho Pierre elogia as “belas pinturas, trabalhos singulares e requintados, defeitos da mão divinamente erudita do excelente pintor Guererd Gregoire Hollandois compatriota e pai Erasmus de Roterdão”.
Grégoire Guérard foi recentemente premiado com uma dúzia de painéis datados entre 1512 e 1530, preservados, com algumas exceções, no sul da Borgonha, Bresse ou Franche-Com. O elemento principal deste conjunto é o Tríptico da Eucaristia em Autun (1515), e no Museu de Dijon, A Prisão de Cristo e A Apresentação no Templo de Dijon (1521) são parte dele.
Bartholomeus Pons
Originalmente de Haarlem, Bartholomeus Pons é documentado precisamente em 1518 na oficina de Grégoire Guérard em Tourn. Agora pode ser identificado para o mestre de Dinteville (autor do retábulo da lenda de Saint Eugenie em Varzy).
Godefroy the Batavian (1515-1526)
Godefroy the Batavian é um pintor / iluminador do norte da Holanda, ativo na França. Ele é conhecido apenas por sua atividade na corte de Francisco I.
Seu nome vem de uma inscrição em latim identificando-o como pictoris batavi no terceiro volume de sua obra mais conhecida, os Comentários da Guerra Francesa (1520, Museu Condé, Chantilly). Ele também assinou Godefroy, uma assinatura encontrada nos Triumphs of Petrarque (cerca de 1524, Biblioteca do Arsenal, Paris). Os Comentários da Guerra Francesa (1520, Museu do Condé, Chantilly), do Dominus illuminatio mea (1516, Museu Condé, Chantilly) e da Vida de Magdalena (1517, Museu Condé, Chantilly) foram iluminados sob a supervisão direta de seu autor franciscano. , François Du Moulin ou Demoulins (fl 1502-24), para apresentação ao rei e sua mãe Louise de Savoy, condessa de Angoulême (1476-1531).
Os manuscritos vernaculares, minúsculos e personalizados fornecem um vislumbre da arte da corte e do gosto francês nos primeiros anos do Renascimento.
O francês
Jean Cousin: o pai (1490 a 1560) e o filho (1522 a 1594)
Jean Cousin, o Velho (Soucy, perto de Sens, por volta de 1490 ou 1500 – Paris, depois de 1560), também é chamado de Pai, ou o Velho, para distingui-lo de seu filho, também chamado Jean Cous. Este artista não é apenas um pintor, desenhista e decorador, mas também é um gravador. Jean Cousin the Elder representa Jean Clouet, o principal pintor francês do século XVI. Apelidado de “Michelangelo francês” 60, sua pintura Eva prima Pandora preservada no Louvre continua sendo sua obra mais famosa.
Sua vida é pouco conhecida, e muitas obras são atribuídas a ele, às vezes mais provavelmente executadas por seu filho Jean Cousin, o Jovem, com quem ele é freqüentemente confundido. Outro escultor não relacionado também leva o mesmo nome.
É na sua cidade natal de Sens, em 1526, que Jean Cousin, o pai (1490-1560) começou sua carreira como agrimensor, continuando sua atividade até 1540. Depois de fazer caixas para vitrais, a catedral de Sens e retábulo da Abadia Vauluisant em 1530, Jean Cousin the Father mudou-se para Paris em 1540, onde realizou importantes obras.
Em 1541, ele recebeu as caixas para as tapeçarias da Vida de St. Genevieve e, em 1543, realizou para o cardeal Givry as oito caixas da History of St. Mam. Essas tapeçarias, que deviam decorar o coro da catedral de Langres, foram executadas por tecelões parisienses. É então que, em 1549, ele colabora com a entrada triunfal do rei Henrique II em Paris.
Ele também trabalha para vidreiros, e executa vitrais na capela do hospital de Orfèvres, um calvário para a igreja jacobina em Paris, vários vitrais para a igreja de Saint Gervais (O Julgamento de Salomão, O martírio de São Lourenço, o Mulher samaritana conversando com Cristo, e a cura do paralítico), a igreja de Moret, as de Saint-Patrice e Saint-Godard em Rouen 62 bem como para o castelo de Vincennes (L ‘Aproximação do Juízo Final, Segundo o Apocalipse, A Anunciação da Santíssima Virgem), onde ele também realiza os retratos completos de Francisco I e Henrique. Jean Cousin é também creditado com grisaille vitrais feitos para o castelo de Anet (dos quais Abraão retornando seu filho Ismael para Agar, os israelitas que conquistaram os amalequitas, sob a orientação de Moisés e Jesus Cristo pregando no deserto).
Apenas um pequeno número de pinturas de Jean Cousin, o pai: Eva Prima Pandora, agora no Louvre, e La Chari. Estas obras atestam, como as tapeçarias da História de São Mamede, a influência de Rosso, mas Jean Cousin o pai foi capaz de interpretar em um estilo muito pessoal a arte da escola de Fontainebleau.
Alguns desenhos Pénélope, Martírio de um santo e Jogos de crianças, são atribuídos hoje a Jean Cousin o Pai de qual também tem duas gravuras assinadas: a Anunciação e o Entombme.
Teórico, o artista publicou dois tratados ilustrados de xilogravuras, o Perspective Book datado de 1560 e o Book of Pourtraicture concluído por seu filho em 1571. Reimpresso em 1589, nenhuma cópia foi encontrada até hoje. No entanto, é provável que este último trabalho seja o publicado logo após a morte de Primo, o Jovem, em Paris, em 1595, por David Leclerc, com placas gravadas de Jean Le Cle. Este tratado, que também é uma obra-prima de ilustração anatômica, foi reimpresso várias vezes no século XVII.
Jean Cousin the Son (1522-1594) também disse que o jovem estava muito confuso com seu pai, de quem ele era aluno. Jean Cousin the Younger estudou pela primeira vez na Universidade de Paris pelo menos até 1542, depois colaborou no trabalho de seu pai. Quando ele morreu, ele assumiu.
Sua produção parece ter sido importante. Em 1563, ele colaborou nos preparativos para a entrada triunfal de Carlos. Por volta de 1565, a contribuição de Cousin the Father e Cousin the Son ao monumento fúnebre de Philippe Chabot, almirante da França, é controversa; o filho é atribuído a armação ornamental do monumento e os quatro gênios alados tratados em um estilo maneirista muito brilhante.
A única pintura atribuída a Jean Cousin Fils é o Juízo Final datado de 1585 e mantido na Musa do Louvre. Este trabalho reflete tanto a influência do maneirismo florentino quanto a do flamengo a. Uma série de desenhos, ilustrações do Livro da Fortuna (1568), Metamorfoses de Ovídio (1570) e Fábulas de Esopo (1582) revelam um artista inteligente influenciado por seu pai, o ambiente de Saint-Louis e a arte dos países nórdicos.
Antoine Caron (1521-1599)
Antoine Caron, nascido em 1521 em Beauvais e falecido em Paris em 1599, é um mestre vidreiro, ilustrador e pintor maneirista francês do Fontainebleau Scho.
Na dobradiça entre as duas escolas de Fontainebleau, Antoine Caron é uma das principais personalidades do francês Manneri. Um dos poucos pintores franceses do seu tempo a possuir uma personalidade artística pronunciada. Sua obra reflete a atmosfera refinada, embora instável, do pátio da casa dos Valois durante as Guerras Religiosas de 1560 a 1598.
Deixando Beauvais, onde pintava pinturas religiosas desde a adolescência, Antoine Caron trabalhou na oficina de Leprince em vitrais, depois fez sua formação nas oficinas de Primatice e Nicolò dell’Abbate na Escola Fontainebleau de 1540. em 1550. Em 1561, ele foi nomeado pintor da corte de Henrique II e Catarina de Medici e mais tarde tornou-se o pintor designado.
Sua função como pintor do tribunal incluía a responsabilidade pela organização das representações oficiais. Ele, como tal, participou da organização da cerimônia e da entrada real em Paris para a coroação de Carlos IX e do casamento de Henrique IV com Marguerite de Valo. Algumas de suas ilustrações das festividades na corte de Carlos IX permanecem e são prováveis fontes para a representação da corte nas tapeçarias de Valois.
As poucas obras sobreviventes de Caron incluem temas históricos e alegóricos, cerimônias judiciais e cenas astrológicas. Ele é um estudioso, e suas cenas eruditas e sofisticadas refletem a cultura brilhante que se desenvolveu em Paris durante o reinado dos últimos Valois.
Seus massacres foram realizados em meados da década de 1560, como sua única pintura assinada e datada, os Massacres du Triumvirat (1566) conservados no Louvre. Evoca os massacres perpetrados durante as guerras civis civis, antes de JC pelos triúnviros Antoine, Octave e Lepid. Seria uma alusão aos massacres que os protestantes foram vítimas durante a guerra religiosa, principalmente a partir de 1561, quando três defensores do catolicismo, Anne de Montmorency, Jacques d’Albon de Saint-André e François de Guise formaram um triunvirato para se opor à política. de apaziguamento de Catarina de Médici.
O componente essencial de seu estilo é a retomada da figura muito alongada dos artistas italianos, mesmo em retratos como Portrait de femme (1577), um gesto eloqüente, muito movimento e dinamismo. Ele dá um aspecto muito estranho às suas composições. E a vivacidade de suas cores que contribuem para esse personagem muitas vezes fantástico dado às suas obras.
O outro aspecto emblemático de sua obra é a incorporação de arquiteturas fantasiosas, às vezes misturando-se às ruínas romanas. Como seu mestre Nicolò dell’Abbate, muitas vezes colocou figuras humanas quase insignificantes no meio de cenas imensas.
Estilisticamente, sua adesão ao maneirismo do norte refere-se à tipologia de seus personagens. A crítica moderna chama isso de “o avô do maneirismo”.
A escassez de documentação da pintura francesa nesta época significa que muitas das obras atribuídas a ele também são atribuídas a outros artistas, como Henri Lerambe. A relativa notoriedade de Antoine Caron contribui para a associação de seu nome a obras comparáveis às mais conhecidas de sua autoria. Em alguns casos, essas pinturas, por exemplo, a Submissão de Milão a Francisco I em 1515 (v. 1570) 69 são agora atribuídas ao “estúdio de Antoine Caron”.