Cuando la sociedad vienesa sofisticada se preparó con un nuevo vestuario, los collares altos y rígidos caracterizan el período, al igual que los sombreros anchos de las mujeres y los peinados completos de «Gibson Girl». Una nueva silueta columnar introducida por los couturiers de París a finales de la década señalaba el abandono del corsé como una prenda indispensable.

La elegancia y la opulencia estaban en la parte superior de la lista de deseos. Las principales tendencias de moda de la «era Ringstraße» hacen una gran entrada en el Wien Museum: vestidos de fiesta extravagantes y sombreros efusivos, vestidos de novia y malas hierbas de la viuda, corsés y botines.

Con el declive del bullicio, las mangas comenzaron a aumentar de tamaño y la silueta de los años 1830 de una forma de reloj de arena se volvió popular otra vez. La silueta de moda en el siglo 20 fue el de una mujer confiada, con el pecho bajo completo y las caderas curvas. El «corsé de salud» de este período eliminó la presión del abdomen y creó una silueta de curva S.

la silueta delgada y alargada por una cantidad considerable. Las blusas y los vestidos estaban llenos en el frente y se hincharon en una forma de «pecho de paloma» de principios del siglo XX que miraba por la cintura estrecha, que se inclinaba de atrás hacia adelante y a menudo se acentuaba con un marco o cinturón. Los escotes estaban apoyados por collares deshuesados ​​muy altos.

Las faldas rozaban el suelo, a menudo con un tren, incluso para vestidos de día, a mediados de la década. Las casas de moda de París comenzaron a mostrar una nueva silueta, con una cintura más gruesa, busto más plano y caderas más estrechas. Al final de la década las faldas más de moda despejaron el piso y se acercaron al tobillo. La silueta general se estrechó y enderezó, comenzando una tendencia que continuaría.

¿Qué debo usar y cuándo?
Para damas y caballeros que pertenecían a la «sociedad», esta era una cuestión interminable, cualquiera que fuera la temporada y cualquier ocasión. Había un equipo de visita para recibir o hacer llamadas sociales; un traje de té o traje para el té de la tarde; un «turftoilette» para asistir a las carreras; un equipo de paseo para tomar el aire; y un conjunto especial de ropa, conocido como un «traje de Firnis», usado sólo para las aperturas de la exposición.

Una señora sólo estaba «apropiadamente» vestida cuando estaba equipada con un sombrero, guantes y un ventilador, y nunca saldría de la casa a menos que estuviera acompañada de estos accesorios. La exhibición de su poder de gasto, junto con la adhesión a una etiqueta estricta, gobernó la vida cotidiana de las familias más prósperas a finales del siglo XIX; y una habilidad para entender los matices más finos del gusto y la apariencia fue una de las claves del éxito social.

La ropa femenina era decorativa, simbólica y extremadamente extravagante.

La moda de los hombres, por el contrario, se esperaba que se ajustara a los ideales burgueses de trabajo duro y frugalidad, y por lo general se caracterizaba por un estilo simple y funcional y colores restringidos.

Negligé, a veces todavía conocido como deshabillé en el siglo XIX, se refirió a una elegante casa y vestido de matinée. Esta prenda, a menudo elaboradamente diseñada con plissées y parches cuadrados de bordado, fue usada por la señora de la casa en el desayuno.

Sólo las amigas cercanas y los hombres casados ​​podían verla con este vestido; nunca se usó para visitas formales. El corte era similar a un vestido de día, pero un poco más cómodo, y no fue casualidad que la negligencia se conociera como el «traje de victoria» de una mujer.

El trotteur (del francés para «correr», «trot», «adecuado para caminar»), un traje severamente cortado hecho de tejidos densamente tejidos de lana, se convirtió en el término más común para los trajes a medida ingleses a finales del siglo XIX.

Llegando como el «tailor-made» de Inglaterra en 1887, el trotteur se hizo cada vez más popular. Estaba destinado a ser usado sólo para cuando salía de la casa para hacer recados o hacer llamadas por las mañanas, y fue acompañado por una camisa adecuada. El trotteur era el precursor al traje de hoy.

Uno de los grandes placeres de la sociedad vienesa fue el paseo diario por la Ringstrasse, una continuación de la antigua tradición de caminar por las murallas de la ciudad.

El famoso Sirk-Ecke (esquina de Sirk) era siempre el lugar más ocupado, y el crítico Ludwig Hevesi escribió, «cada tarde, el estiramiento corto del pavimento entre la puerta de Kärntner y la plaza de Schwarzenberg (pero solamente en el lado de la ciudad) pueblo, un enjambre de la humanidad urbana, brazo en brazo consigo mismo, derramándose sobre sí misma como una ola, como si una conspiración se arrastrara sobre Viena bajo la sombra de la oscuridad. En el famoso rincón, donde, como si obedecían a algún mandamiento invisible, todos se volvían como uno para volver, los diversos grupos se presionaban inexorablemente unos contra otros, impidiendo cualquier movimiento ulterior: la Orden de los Caballeros de la Moda, la Aristocracia Bemonocada, la Creoso-Trouserocracia «.

Carl Schuster nació en Purkersdorf y creó esta pintura fue un artista e ilustrador en Viena.

Alrededor de 1850, la moda masculina vio la llegada de la levita de pecho doble con la capa de la rodilla-longitud que cubría las colas de la cintura. Como ropa de día formal, esto conservó su popularidad hasta alrededor de 1930, por lo general con el abrigo en sí completamente en negro y los pantalones en negro y gris de rayas verticales tejido.

Tailleur se refiere generalmente a un vestido o traje en un estilo francés, implicando un corte femenino y el uso de telas suaves tales como terciopelo o tafetán – elegido según la época del año – embellecido con las cintas, el trenzado y las piedras preciosas.

Las mujeres llevaban una bata cuando caminaban al mediodía o para encontrarse con amigos en la pastelería, y la acompañaban con una fantástica y elaborada blusa hecha de encaje, muselina o seda, junto con una boa de piel o de plumas, un bolso de oro o plata y, curso, un sombrero de moda y guantes.

Este encantador vestido de primavera o de verano habría sido ideal para caminar en el parque de la ciudad o el Prater o para dar un paseo por el jardín. La «figura de reloj de arena» se caracterizó por largas mangas de pierna de carnero, un traje superior ajustado, una cintura de avispa estrecha y una falda que se extendía suavemente y con fuerza sobre las caderas hasta la rodilla antes de arremolinarse en una campana- como falda

Trajes de los hombres dio un paso adelante en la década de 1860. La chaqueta dio paso a la túnica de un solo pecho, suelta cortada y gastada con pantalones en la misma tela.

A finales del siglo XIX, este tipo de traje se usaba a la medida del cuerpo con una pequeña solapa, el precursor de los trajes cotidianos del siglo XX.

Dependiendo de la moda, el traje podría (y todavía puede) ser usado solo o doble-breasted, con una solapa estrecha o ancha, suelta cortada o adaptada y con o sin los hombros acolchados.

Visitando o llamando a la ropa se requiere para las presentaciones sociales o para asistir a té de la tarde. El corte y el color de cada vestido se adaptó a la moda de la época, pero un pequeño tren era esencial. Estos vestidos fueron hechos elaboradamente de tafetán, grosgrain, satén, tul y suave wollen materiales. Este vestido azul abigarrado, con sus mangas plisadas y la cintura cabida, es típico de la clase de vestidos primero para ser llevado con un tournure.

Un tournure, o el bullicio, se podría crear con la ayuda de un amortiguador pequeño en forma de media luna, relleno con crin, o usando un marco semicircular de los anillos de acero incorporados en el centro de la enagua en la parte posterior. Su función era apoyar el relleno y la recolección de la bata superior para crear un trasero demasiado grande.

La gira fue tan popular que su nombre se convirtió en sinónimo no sólo con el vestido en sí, sino también con toda la historia de la ropa en este momento.

La regla no escrita de que uno debe llevar un traje diferente para cada tipo de ocasión social diurna dio lugar a conjuntos especiales que se creó incluso para asistir a la apertura de una exposición. Tales eventos eran conocidos en Viena como «Firnisstage» (Días de barniz). Se veían como ocasiones en que los miembros de ciertos círculos sociales, que a menudo ya se conocían bien, podían reunirse en un ambiente más íntimo que de costumbre.

La ropa para un Firnisstag debe ser un poco más elaborada que la vestimenta habitual, incluso un poco más audaz. Este vestido de seda es un ejemplo típico; nota cómo abraza de cerca el cuerpo, su color conspicuo, flamenco-rosado, la red de encaje de tul cremosa, el collar deshuesado y rosetón coqueto característica.

El término «tocador de césped» se refiere a un vestido extravagante que estaba destinado a ser usado para las carreras. En Viena, el primer día de mayo fue la fecha más importante en el calendario de carreras. Si el tiempo era bueno, toda la sociedad aristocrática, desde el Emperador hasta la nobleza de los terratenientes, se dirigía a Freudenau a través del Prater Hauptallee en sus carruajes más inteligentes, a menudo aplaudidos por el resto de la ciudad.

«Las princesas más azules de las princesas, acompañadas de musas de Thalia y de Terpsicore», escribió un visitante contemporáneo, «aparecieron en sus más nuevas y costosas prendas de resorte para participar en esta magnífica exhibición».

Todo tipo de reglas de vestir gobernaban una aparición en el teatro, la ópera o el concierto. Los factores importantes a considerar son la época del año, los asientos (box o stalls?), El rendimiento (una opereta, o algo más highbrow?) Y la hora del día. Los sombreros se podían usar en una caja, pero no en los puestos. Los vestidos deben abotonarse hasta el cuello excepto durante la temporada (hora del carnaval), cuando se les permitió revelar un poco del escote.

La etiqueta exigía que uno se vistiera más seriamente para el teatro y con una elegante restricción para una opereta o una revista, ya que en estas ocasiones la moda debía dejarse a los voyantes, el demi-mundo de las mujeres que nunca podrían entrar en la sociedad.

Un balón, por otra parte, permitía a una mujer sacar el máximo provecho de sus atracciones, aunque aquí también, por supuesto, tenía que recordar las exigencias de la etiqueta social.

El escote, que a menudo era ancho, sólo se permitía revelar un toque de pecho, y las chicas jóvenes se les instó a ser modesto. El vestido por lo general tienen mangas cortas o correas de los hombros, ya menudo se decoran de la manera más extravagantemente derrochadora con encajes, borlas, flores artificiales, perlas y joyas de pasta.

A veces se prefieren telas pesadas, pero también se pueden hacer vestidos de materiales delicados como piel de soie, brocado, terciopelo, tafetán, moiré, muselina, tul y organdi, a menudo combinados, y pueden ser mate o brillante en una variedad de colores intoxicantes .

Los aficionados eran necesarios cuando caminando, en excursiones y cuando montar a caballo; cuando está sentado en una caja en el teatro; en la pelota; por flirteo y salir en público sin ser reconocido. Idealmente, este accesorio importante se adaptaría en color y tela a la ocasión y a la ropa que llevaba. El ventilador mostrado aquí es un ventilador de bola elaboradamente diseñado hecho de material costoso. Los fans, conocidos en Viena como Waderl, alcanzaron el auge de su popularidad en el siglo XVIII, pero seguían siendo un accesorio indispensable, aunque frágil, para el adorno, la colección, el uso práctico y el coqueteo hasta bien entrado el siglo XX.

Los vestidos nupciales blancos primero fueron llevados en el siglo XIX. Ellos se pusieron de moda en parte debido a la influencia del Clasicismo, donde las mujeres a menudo se representaban vestidas de blanco, pero también después de que una serie de novias aristocráticas optó por usarlos.

La reina Victoria de Inglaterra, la emperatriz Eugénie de Francia y la emperatriz Elisabeth de Austria se vestían de blanco en sus bodas. El color simbolizaba la pureza, la castidad y la virginidad.

Por supuesto, sólo las familias acomodadas podían permitirse un vestido blanco para el «día más importante» en la vida de sus hijas.

Este es un ejemplo de un vestido de novia especialmente de moda en el estilo del diseñador Paul Poiret (1879-1944), que se inspiró en el Ballet Russes y sus trajes orientales. Tiene una cintura bastante alta en un corpiño de encaje que es sin mangas en la parte superior, dando paso a paneles ligeramente cubiertos en los lados.

La parte posterior del vestido se acentúa con un tejido particularmente grande. De acuerdo con las exigencias de la etiqueta, el corte oculta todo el cuerpo. El vestido está cerrado con un cuello alto deshuesado y mangas de tres cuartos de longitud.

Esta combinación es típica del traje convencionalmente usado en bodas y recepciones. En la boda, el novio llevaba un pequeño manojo de romero o de mirto en el ojal. El vestido ceremonial del novio se desarrolló a partir del abrigo después de 1850, pero sus orígenes se encuentran en el corte, la chaqueta inglesa de montar a caballo de principios del siglo XIX.

El cutaway era un tailcoat con colas cortadas, algo así como una capa de la cola de la golondrina. Siempre fue de un solo pecho con una solapa cónica, en un tejido negro o gris, llevado alrededor de 1900 con pantalones a rayas negras y sin cuña.

Puede parecer extraño hoy que una novia debe usar negro, pero en el siglo XIX fue una vista común. La «seda negra» era a menudo el mejor vestido de una mujer si no pertenecía a una familia adinerada.

Podría cumplir una variedad de funciones. Podría ser usado como para hacer y recibir llamadas, podría ser combinado con joyas para fiestas y, si fuera necesario, podría incluso ser usado como duelo.

De esta manera, es un predecesor directo del «pequeño vestido negro» de hoy, y como tal formó una parte esencial del ajuar de cualquier novia. Sin embargo, cuando se trataba de bodas, incluso las novias más pobres le gustaba llevar un velo blanco y llevar un ramo apropiado.

Diarios de moda constantemente discutido el desgaste nupcial más reciente, pero por lo general aconsejado novias que en ningún caso debe llevar un vestido blanco puro, ya que estos le haría parecer pálido. En cambio, se recomendó un vestido «blanquecino» en satén, piel de soie, tafetán o crêpe de chine.

Los vestidos nupciales se adornaban a menudo con el mirto y el romero, símbolos siempre verdes del amor, y con la flor anaranjada, que representó la fertilidad.

El luto simbolizaba la humildad y el respeto por los muertos. El requisito de ser visto como un duelo era una carga particular para las mujeres, que se esperaba que llevaran ‘hierbas de la viuda’ durante al menos un año. Nobles viudas como la reina Victoria y María Teresa llevaban su duelo hasta su muerte.

Un traje de luto tenía que ser negro y hecho en un material mate que no reflejara la luz. Crêpe estaba particularmente asociado con el luto, pero mientras que para los hombres una simple banda de crêpe negro alrededor del brazo era suficiente, las mujeres estaban obligadas a llevar vestidos negros, sombreros y pesados ​​velos de crêpe.

No fue hasta el segundo año de duelo que a una mujer se le permitió volver a usar colores, y luego sólo colores discretos como gris o malva.

Una «piel de ciudad» era un símbolo de estatus para un hombre de distinción. Esta era una típica chaqueta de invierno hecha de tejido de lana pesada con un cuello de piel, cierre de pasaje y forro de piel.

Rudolf von Alt, hijo del artista Jakob Alt, representó escenas de su época en más de mil acuarelas. Muchos de ellos presentan Viena, y su estilo se presta particularmente a revelar la atmósfera de un lugar.

Aquí vemos un cuadro de «ricos y pobres» delante de la ópera; un oficial de uniforme, un hombre del mundo con su abrigo y su sombrero de copa, una elegante dama vienesa de seda embriagadora, con un sombrero redondo y una sombrilla de filigrana, y una pobre muchacha vendiendo violetas.

Toda la vida se extiende ante nosotros: en la encrucijada de la Ópera Estatal de Viena.