Quando la sofisticata società viennese si è dotata di un nuovo guardaroba, i colletti alti e rigidi caratterizzano il periodo, così come i cappelli ampi da donna e le pettinature “Gibson Girl” complete. Una nuova sagoma colonnare, introdotta dai couturier parigini alla fine del decennio, segnalava l’approssimarsi dell’abbandono del corsetto come indumento indispensabile.

Eleganza e opulenza erano in cima alla lista dei desideri. Le principali tendenze della moda nell’era della “Ringstraße” fanno una grande entrata al Wien Museum: stravaganti abiti da ballo e cappelli effusivi, abiti da sposa e le erbacce della vedova, corsetti e stivaletti.

Con il declino del trambusto, le maniche iniziarono ad aumentare di dimensioni e la silhouette del 1830 di una forma a clessidra divenne di nuovo popolare. La silhouette alla moda nei primi anni del 20 ° secolo era quella di una donna sicura di sé, con un seno basso e fianchi sinuosi. Il “corsetto sanitario” di questo periodo ha rimosso la pressione dall’addome e ha creato una silhouette a S-curva.

la silhouette si assottiglia e si allunga di una quantità considerevole. Camicette e vestiti erano pieni di fronte e gonfiati in una forma a “seno di piccione” del 20esimo secolo che guardava oltre la stretta vita, che pendeva da dietro in avanti e spesso era accentato con una fascia o una cintura. Le scollature erano sostenute da colletti molto alti.

Le gonne sfioravano il pavimento, spesso con un treno, anche per gli abiti da giorno, a metà decennio. Le case di moda di Parigi cominciarono a mostrare una nuova silhouette, con una vita più fitta, un busto più piatto e fianchi più stretti. Entro la fine del decennio le gonne più alla moda sparpagliarono il pavimento e si avvicinarono alla caviglia. La silhouette generale si restringe e si raddrizza, dando inizio a una tendenza che continuerà.

‘Cosa dovrei indossare, e quando?’
Per signore e signori che appartenevano alla “società”, questa era una domanda senza fine, qualunque sia la stagione e qualunque sia l’occasione. C’era un vestito da visita per ricevere o fare chiamate sociali; un abito da tè o un abito per il tè del pomeriggio; un ‘turftoilette’ per assistere alle gare; un vestito da passeggio per prendere l’aria; e un set speciale di vestiti, noto come “costume di Firnis”, indossato solo per le aperture di mostre.

Una donna era vestita “correttamente” solo se equipaggiata con un cappello, guanti e un ventaglio, e non avrebbe mai lasciato la casa se non accompagnata da questi accessori. Mostrare il proprio potere di spesa, insieme all’aderenza a un’etichetta rigida, governava la vita quotidiana delle famiglie più prospere nel tardo diciannovesimo secolo; e la capacità di comprendere le più sottili sfumature del gusto e dell’aspetto era una delle chiavi del successo sociale.

L’abbigliamento femminile era decorativo, simbolico ed estremamente sfavillante.

La moda maschile, al contrario, doveva conformarsi agli ideali borghesi di duro lavoro e parsimonia, e quindi era generalmente caratterizzata da uno stile semplice e funzionale e dai colori sobri.

Negligé, a volte ancora conosciuta come deshabillé nel diciannovesimo secolo, si riferiva ad una casa elegante e ad un abito matinée. Questo capo, spesso elaboratamente disegnato con plissées e toppe quadrate di ricamo, veniva portato a colazione dalla padrona di casa.

Solo le amiche e gli uomini sposati erano autorizzati a vederla con questo vestito; non è mai stato indossato per visite formali. Il taglio era simile a un abito da giorno, ma un po ‘più comodo, e non era un caso che la negligé fosse nota come “abito da donna”.

Il trotteur (dal francese per ‘correre’, ‘trotto’, ‘adatto per camminare’), un abito tagliato pesantemente fatto di tessuti di lana densamente intrecciati, divenne il termine più comune per i costumi sartoriali inglesi alla fine del diciannovesimo secolo.

Arrivato come “fatto su misura” dall’Inghilterra nel 1887, il trotteur divenne sempre più popolare. Era destinato ad essere indossato solo quando usciva di casa per fare commissioni o fare telefonate al mattino, ed era accompagnato da una maglietta adatta. Il trotteur era il predecessore del costume di oggi.

Uno dei grandi piaceri della società viennese era la passeggiata giornaliera lungo la Ringstrasse, una continuazione della tradizione più antica di camminare lungo le mura della città.

Il famoso Sirk-Ecke (l’angolo di Sirk) era sempre il posto più frequentato, e il critico Ludwig Hevesi scrisse: “Ogni sera, il breve tratto di marciapiede tra Kärntner Gate e Schwarzenberg Square (ma solo sul lato della città), diventa una massa terrificante di gente, uno sciame di umanità urbana, a braccetto con se stessa, che si riversa su se stessa come un’onda, come se una cospirazione si stesse insinuando su Vienna sotto la copertura dell’oscurità. Nel famoso angolo, dove, come se obbedisse a qualche comando invisibile, tutti si girano per tornare indietro, i vari gruppi si spingono inesorabilmente l’uno verso l’altro, impedendo ogni ulteriore movimento: l’Ordine dei Cavalieri della Moda, l’Aristocrazia Bemonoclea, il sgualcita-Trouserocracy.”

Carl Schuster, nato a Purkersdorf e creato questo dipinto, è stato un artista e illustratore a Vienna.

Intorno al 1850, la moda maschile vide l’arrivo della redingote a doppio petto con le code del ginocchio sovrapposte al ginocchio. Come abbigliamento da giorno formale, questo ha mantenuto la sua popolarità fino al 1930 circa, di solito con il cappotto stesso interamente in nero e i pantaloni in tessuto a strisce verticali nere e grigie.

Tailleur si riferiva generalmente a un abito o un abito in stile francese, implicando un taglio femminile e l’uso di tessuti morbidi come il velluto o il taffetà – scelti in base al periodo dell’anno – impreziositi da nastri, trecce e pietre preziose.

Le donne indossavano un abito simile quando uscivano a mezzogiorno o incontravano gli amici della pasticceria, e lo accompagnavano con una camicetta fantasticamente elaborata fatta di pizzo, mussola o seta, insieme a un boa di pelliccia o piume, una borsa d’oro o d’argento e, di Certo, un cappello e guanti alla moda.

Questo incantevole abito primaverile o estivo sarebbe stato l’ideale per passeggiare nel parco cittadino o sul Prater o per passeggiare nel giardino. La “figura a clessidra” era caratterizzata da ampie maniche a coscia di montone, un abito alto attillato, una vita a vespa stretta e una gonna che si estendeva dolcemente e strettamente sui fianchi fino al ginocchio prima di divampare in una campana- come una gonna

Gli abiti da uomo fecero un passo avanti nel 1860. La giacca ha lasciato il posto alla redingote monopetto, senza tagli e indossata con pantaloni nello stesso tessuto.

Verso la fine del diciannovesimo secolo, questo tipo di completo veniva indossato su misura vicino al corpo con un piccolo risvolto, il precursore degli abiti quotidiani del ventesimo secolo.

A seconda della moda, la tuta potrebbe (e può ancora) essere indossata a petto singolo o doppio, con risvolto stretto o largo, senza taglio o su misura e con o senza spalle imbottite.

Per le presentazioni sociali o per la partecipazione al tè pomeridiano erano necessari la visita o la chiamata di vestiti. Il taglio e il colore di ogni abito sono stati adattati alla moda del tempo, ma un piccolo treno era essenziale. Questi abiti erano elaborati in taffetà, gros grain, raso, tulle e materiali morbidi di lana. Questo abito blu variegato, con le maniche pieghettate e la vita aderente, è tipico del tipo di abiti da indossare prima con una tournure.

Una tournure, o trambusto, potrebbe essere creata con l’aiuto di un piccolo cuscino a forma di mezzaluna, farcito con crine di cavallo, o usando una cornice semicircolare di anelli d’acciaio incorporati nel centro della sottoveste sul retro. La sua funzione era quella di sostenere l’imbottitura e la raccolta della tomaia in modo da creare un derrière troppo grande.

La tournée era così popolare che il suo nome divenne sinonimo non solo del vestito in sé, ma anche dell’intera storia dell’abbigliamento in questo periodo.

La regola non scritta che si dovrebbe indossare un abito diverso per ogni tipo di occasione sociale di giorno ha portato alla creazione di abiti speciali anche per assistere all’apertura di una mostra. Tali eventi erano noti a Vienna come “Firnisstage” (Varnish Days). Queste erano viste come occasioni in cui i membri di certi circoli sociali, che spesso si conoscevano già abbastanza bene, potevano incontrarsi in un ambiente più intimo del solito.

I vestiti per un Firnisstag dovrebbero essere un po ‘più elaborati del solito abbigliamento, anche un po’ più audaci. Questo vestito di seta è un tipico esempio; notate come abbraccia strettamente il corpo, il suo evidente colore rosa flamingo, la cremosa rete di tulle in pizzo, il collo disossato e la caratteristica rosetta civettuola.

Il termine “toilette con manto erboso” si riferisce a un vestito stravagante che doveva essere indossato per le gare. A Vienna, il primo giorno di maggio è stata la data più importante del calendario delle corse. Se il tempo era buono, allora tutta la società aristocratica, dall’imperatore alla nobiltà terriera, avrebbe guidato fino a Freudenau passando per il Prater Hauptallee con le loro carrozze più eleganti, spesso acclamate dal resto della città.

“La più blu delle principesse, accompagnata dalle muse della pergola di Thalia e di Terpsichore”, scrisse un visitatore contemporaneo, “è apparso nei loro ultimi capi di abbigliamento più costosi per partecipare a questo magnifico spettacolo”.

Tutti i tipi di regole sartoriali governavano un’apparizione al teatro, all’opera o al concerto. I fattori importanti da considerare erano il periodo dell’anno, i posti (box o bancarelle?), La performance (un’operetta o qualcosa di più intellettuale?) E l’ora del giorno. I cappelli possono essere indossati in una scatola, ma non nelle bancarelle. Gli abiti devono essere abbottonati fino al collo se non durante la stagione (tempo di carnevale), quando gli è stato permesso di rivelare un po ‘del décolleté.

L’etichetta esigeva che si vestissero più seriamente per il teatro, e con un’elegante restrizione per un’operetta o una rivista, come in queste occasioni la moda dovrebbe essere lasciata ai voyantes, i semi-mondi di donne che non potrebbero mai entrare nella società.

Un abito da ballo, d’altra parte, permetteva a una donna di sfruttare al meglio le sue attrazioni, sebbene anche qui, naturalmente, doveva ricordare le richieste dell’etichetta sociale.

La scollatura, che era spesso ampia, poteva solo rivelare un pizzico di seno, e le ragazze venivano esortate a essere modeste. L’abito avrebbe generalmente maniche corte o bretelle, e spesso è decorato nel modo più stravagante e spendaccione con pizzi, nappe, fiori artificiali, perle e gioielli in pasta.

A volte venivano preferiti i tessuti pesanti, ma gli abiti potevano anche essere fatti di materiali delicati come peau de soie, broccato, velluto, taffetà, moiré, mussola, tulle e organza, spesso combinati, e potevano essere opachi o lucenti in una varietà di colori inebrianti .

I fan erano necessari quando si cammina, si fanno escursioni e quando si va a cavallo; quando si è seduti in una scatola al teatro; alla palla; per flirtare e uscire in pubblico senza essere riconosciuto. Idealmente, questo importante accessorio sarebbe adattato a colori e tessuti all’occasione e agli abiti che si indossavano. La ventola mostrata qui è un ventaglio a sfera dal design elaborato fatto di materiale costoso. I fan, conosciuti a Vienna come Waderl, raggiunsero l’apice della loro popolarità nel diciottesimo secolo, ma rimasero un indispensabile, seppur fragile, accessorio per ornamento, collezione, uso pratico e flirt nel ventesimo secolo.

Gli abiti da sposa bianchi furono indossati per la prima volta nel diciannovesimo secolo. Sono diventati di moda in parte a causa dell’influenza del Classicismo, dove le donne erano spesso raffigurate vestite di bianco, ma anche dopo che un certo numero di spose aristocratiche scelse di indossarle.

La regina Vittoria d’Inghilterra, l’imperatrice Eugenia di Francia e l’imperatrice Elisabetta d’Austria, tutte vestite di bianco ai loro matrimoni. Il colore simboleggiava la purezza, la castità e la verginità.

Certo, erano solo le famiglie benestanti che potevano permettersi un abito bianco per il “giorno più importante” nelle vite delle loro figlie.

Questo è un esempio di un abito da sposa particolarmente alla moda nello stile del designer Paul Poiret (1879-1944), che si ispirò al Ballet Russes e ai suoi costumi orientali. Ha una vita piuttosto alta su un corpetto di pizzo che è senza maniche nella parte superiore, lasciando il posto a pannelli leggermente drappeggiati ai lati.

Il retro del vestito è sottolineato da una trama particolarmente grande. In conformità con le esigenze dell’etichetta, il taglio nasconde l’intero corpo. L’abito è chiuso con un colletto alto disossato e maniche a tre quarti.

Questa combinazione è tipica del vestito convenzionalmente indossato in occasione di matrimoni e ricevimenti. Al matrimonio, lo sposo indossava un piccolo mazzo di rosmarino o mirto all’occhiello. L’abito da cerimonia dello sposo si è sviluppato dalla redingote dopo il 1850, ma le sue origini si trovano nella cutaway, la giacca da equitazione inglese dei primi anni del diciannovesimo secolo.

La spaccatura era un frac con code tagliate, un po ‘come un cappotto a coda di rondine. Era sempre monopetto con risvolto affusolato, in tessuto nero o grigio, indossato intorno al 1900 con pantaloni a righe nere e grigie.

Oggi può sembrare strano che una sposa debba indossare il nero, ma nel diciannovesimo secolo era uno spettacolo comune. La “seta nera” era spesso il vestito migliore di una donna se non proveniva da una famiglia benestante.

Potrebbe soddisfare una varietà di funzioni. Potrebbe essere indossato com’era per fare e ricevere chiamate, poteva essere combinato con gioielli per feste e, se necessario, poteva anche essere indossato come lutto.

In questo modo, è un diretto predecessore del “vestito nero” di oggi, e come tale forma una parte essenziale del corredo per la sposa. Tuttavia, quando si trattava di matrimoni, anche le mogli più povere amavano indossare un velo bianco e portare un bouquet appropriato.

Le riviste di moda hanno discusso costantemente del nuovo abbigliamento da sposa, ma in genere consigliano alle spose di non indossare mai un vestito bianco puro, in quanto ciò ti farebbe apparire pallido. Invece, un vestito “bianchiccio” era consigliato in raso, peau de soie, taffeta o crêpe de chine.

Gli abiti da sposa erano spesso decorati con mirto e rosmarino, simboli sempreverdi d’amore e con fiori d’arancio, che rappresentavano fecondità.

Il lutto simboleggiava l’umiltà e il rispetto per i morti. L’obbligo di essere visto come un lutto era un onere particolare per le donne, che dovevano indossare “le erbacce della vedova” per almeno un anno. Nobili vedove come la regina Vittoria e Maria Teresa portavano il loro lutto fino alla morte.

Un abito da lutto doveva essere nero e realizzato in un materiale opaco che non rifletteva la luce. La crêpe era particolarmente associata al lutto, ma mentre per gli uomini era sufficiente una semplice fascia di crêpe nera intorno al braccio, le donne erano obbligate a indossare abiti neri, cappelli e pesanti veli di crêpe.

Non è stato fino al secondo anno di lutto che una donna è stata autorizzata a indossare di nuovo i colori, e quindi solo i colori discreti come il grigio o il malva.

Una “pelliccia di città” era uno status symbol per un uomo di distinzione. Questo era un tipico cappotto invernale realizzato in tessuto di lana pesante con un collo di pelliccia, passamaneria e fodera di pelliccia.

Rudolf von Alt, figlio dell’artista Jakob Alt, dipinse scene della sua era in più di mille acquerelli. Molti di questi sono dotati di Vienna, e il suo stile si presta particolarmente a rivelare l’atmosfera di un luogo.

Qui vediamo un tableau di “ricchi e poveri” di fronte al teatro dell’opera; un ufficiale in divisa, un uomo di mondo con la redingote e il cappello a cilindro, un’elegante signora viennese in sete inebrianti, con un cappellino tondo e un ombrello in filigrana, e una povera ragazza che vendeva violette.

Tutta la vita è diffusa davanti a noi: al crocevia dell’Opera di Stato di Vienna.