La arquitectura barroca es el estilo de construcción de la época barroca, que comenzó en Italia a fines del siglo 16, que tomó el vocabulario romano de la arquitectura renacentista y lo utilizó en una nueva forma retórica y teatral, a menudo para expresar el triunfo de la Iglesia Católica. Se caracterizó por nuevas exploraciones de la forma, la luz y la sombra, y la intensidad dramática. Las características comunes de la arquitectura barroca incluyen gigantismo de proporciones; un gran espacio central abierto donde todos podían ver el altar; columnas retorcidas, efectos teatrales, incluida la luz procedente de una cúpula de arriba; dramáticos efectos interiores creados con bronce y dorado; grupos de ángeles esculpidos y otras figuras en lo alto; y un uso extensivo de trompe-l’oeil, también llamado «cuadratura», con detalles arquitectónicos pintados y figuras en las paredes y el techo, para aumentar el efecto dramático y teatral.
Mientras que el Renacimiento se basó en la riqueza y el poder de las cortes italianas y era una mezcla de fuerzas seculares y religiosas, el barroco estuvo, inicialmente al menos, directamente relacionado con la Contrarreforma, un movimiento dentro de la Iglesia Católica para reformarse en respuesta a la Reforma Protestante. La arquitectura barroca y sus adornos fueron por un lado más accesibles a las emociones y, por otro lado, una declaración visible de la riqueza y el poder de la Iglesia Católica. El nuevo estilo se manifestó en particular en el contexto de las nuevas órdenes religiosas, como las Teatinas y los Jesuitas, que buscaban mejorar la piedad popular.
La arquitectura del Alto Barroco Romano puede asignarse a los reinos papales de Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro VII, que abarca desde 1623 hasta 1667. Los tres arquitectos principales de este período fueron el escultor Gianlorenzo Bernini, Francesco Borromini y el pintor Pietro da Cortona y cada uno desarrollaron su propia expresión arquitectónica distintivamente individual.
La difusión de la arquitectura barroca al sur de Italia dio lugar a variaciones regionales como la arquitectura barroca siciliana o la de Nápoles y Lecce. Al norte, el arquitecto teatral Camillo-Guarino Guarini, Bernardo Vittone y el siciliano Filippo Juvarra contribuyeron con edificios barrocos a la ciudad de Turín y la región de Piamonte.
Una síntesis de la arquitectura de Bernini, Borromini y Cortona se puede ver en la arquitectura del Barroco tardío del norte de Europa, lo que allanó el camino para el estilo rococó más decorativo.
A mediados del siglo XVII, el estilo barroco había encontrado su expresión secular en forma de grandes palacios, primero en Francia, con el Château de Maisons (1642) cerca de París, de François Mansart, y luego en toda Europa.
Durante el siglo XVII, la arquitectura barroca se extendió por Europa y América Latina, donde fue especialmente promovida por los jesuitas.
Precursores y características de la arquitectura barroca
Los edificios romanos tardíos de Miguel Ángel, particularmente la basílica de San Pedro, pueden considerarse precursores de la arquitectura barroca. Su discípulo Giacomo della Porta continuó este trabajo en Roma, particularmente en la fachada de la iglesia jesuita Il Gesù, que conduce directamente a la fachada más importante de la iglesia del primer barroco, Santa Susanna (1603), de Carlo Maderno.
Las características distintivas de la arquitectura barroca pueden incluir:
en iglesias, naves más amplias y formas ovales a veces dadas
elementos arquitectónicos fragmentarios o deliberadamente incompletos
uso dramático de la luz; ya sean fuertes contrastes de luz y sombra (efectos de claroscuro) como en la iglesia de la Abadía de Weltenburg, o iluminación uniforme a través de varias ventanas (por ejemplo, la iglesia de la abadía de Weingarten)
uso opulento de color y adornos (putti o figuras hechas de madera (a menudo dorado), yeso o estuco, mármol o acabado falso)
frescos en el techo a gran escala
una fachada externa a menudo caracterizada por una espectacular proyección central
el interior es un caparazón para pintura, escultura y estuco (especialmente en el barroco tardío)
efectos ilusorios como trompe l’oeil (una técnica de arte que implica imágenes extremadamente realistas para crear la ilusión óptica de que los objetos representados aparecen en tres dimensiones) y la mezcla de pintura y arquitectura
Cúpulas en forma de pera en el barroco bávaro, checo, polaco y ucraniano
Columnas de Marian y Holy Trinity erigidas en países católicos, a menudo en acción de gracias por terminar con una plaga
Barroco y colonialismo
Aunque la tendencia ha sido ver la arquitectura barroca como un fenómeno europeo, coincidió con el surgimiento del colonialismo europeo y está enredado íntegramente con él. El colonialismo requirió el desarrollo de gobiernos centralizados y poderosos con España y Francia, los primeros en avanzar en esta dirección. El colonialismo trajo grandes cantidades de riqueza, no solo en la plata que se extraía de las minas en Bolivia, México y en otros lugares, sino también en el comercio resultante de productos básicos, como el azúcar y el tabaco. La necesidad de controlar las rutas comerciales, los monopolios y la esclavitud, que estuvo principalmente en manos de los franceses durante el siglo XVII, creó un ciclo interminable de guerras entre las potencias coloniales: las guerras religiosas francesas, la Guerra de los Treinta Años (1618 y 1648), la guerra franco-española (1653), la guerra franco-holandesa (1672-1678), etc. La mala gestión inicial de la riqueza colonial por los españoles los llevó a la bancarrota en el siglo XVI (1557 y 1560), recuperándose lentamente en el siglo siguiente. Esto explica por qué el estilo barroco, aunque se desarrolló con entusiasmo en todo el Imperio español, fue en gran medida, en España, una arquitectura de superficies y fachadas, a diferencia de Francia y Austria, donde vemos la construcción de numerosos palacios y monasterios enormes. En contraste con España, los franceses, bajo Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), el ministro de finanzas, habían comenzado a industrializar su economía y, por lo tanto, pudieron convertirse, inicialmente al menos, en los benefactores del flujo de riqueza. . Si bien esto era bueno para las industrias de la construcción y las artes, la nueva riqueza creó una inflación, como nunca antes se había experimentado. Roma era conocida tanto por sus nuevas iglesias suntuosas como por sus vagabundos.
Italia
Varios edificios eclesiásticos del período barroco en Roma tenían planes basados en el paradigma italiano de la basílica con una cúpula y nave cruzadas, pero el tratamiento de la arquitectura era muy diferente de lo que se había llevado a cabo anteriormente. Una de las primeras estructuras romanas para romper con las convenciones manieristas ejemplificadas en el Gesù, fue la iglesia de Santa Susanna, diseñada por Carlo Maderno. El ritmo dinámico de columnas y pilastras, la concentración central y la protrusión y la decoración central condensada añaden complejidad a la estructura. Hay un juego incipiente con las reglas del diseño clásico, pero aún mantiene el rigor.
Las mismas preocupaciones con la plasticidad, la masa, los efectos dramáticos y la sombra y la luz son evidentes en la obra arquitectónica de Pietro da Cortona, ilustrada por su diseño de Santi Luca e Martina (la construcción comenzó en 1635) con lo que probablemente fue la primera fachada curvilínea de la iglesia barroca en Roma. Estas preocupaciones son aún más evidentes en su revisión de Santa Maria della Pace (1656-68). La fachada con su pórtico semicúpido de claroscuro y alas laterales cóncavas, se asemeja mucho a un escenario teatral y la fachada de la iglesia se proyecta hacia adelante de modo que llena sustancialmente la pequeña plaza trapezoidal. Otros conjuntos romanos del Barroco y del Barroco tardío también están impregnados de teatralidad y, como teatros urbanos, proporcionan puntos de atención dentro de su localidad en el paisaje urbano circundante.
Probablemente el ejemplo más conocido de tal enfoque sea la Plaza de San Pedro, que ha sido elogiada como un golpe maestro del teatro barroco. La piazza, diseñada por Gian Lorenzo Bernini, está formada principalmente por dos columnas de columnas independientes centradas en un obelisco egipcio. El diseño favorito de Bernini era su iglesia ovalada de Sant’Andrea al Quirinale decorada con mármoles de policromía y una cúpula de oro adornada. Su arquitectura secular incluyó el Palazzo Barberini basado en los planes de Maderno y el Palazzo Chigi-Odescalchi (1664), ambos en Roma.
El rival de Bernini, el arquitecto Francesco Borromini, produjo diseños que se desviaron dramáticamente de las composiciones regulares del mundo antiguo y el Renacimiento. Sus planes de construcción se basaban en figuras geométricas complejas, sus formas arquitectónicas eran inusuales e inventivas y empleó simbolismo de varias capas en sus diseños arquitectónicos. Los espacios arquitectónicos de Borromini parecen expandirse y contraerse cuando es necesario, mostrando cierta afinidad con el estilo tardío de Miguel Ángel. Su icónica obra maestra es la diminuta iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane, que se distingue por un complicado arreglo de planta parcialmente ovalado y en parte una cruz, y por lo tanto posee complejos ritmos de pared convexo-cóncavos. Una obra posterior, la iglesia de Sant’Ivo alla Sapienza, muestra la misma inventiva lúdica y antipatía a la superficie plana, personificada por una inusual lámpara de «sacacorchos» sobre la cúpula.
Tras la muerte de Bernini en 1680, Carlo Fontana se convirtió en el arquitecto más influyente que trabajaba en Roma. Su estilo inicial está ejemplificado por la fachada ligeramente cóncava de San Marcello al Corso. El enfoque académico de Fontana, aunque carecía de la deslumbrante inventiva de sus predecesores romanos, ejerció una influencia sustancial en la arquitectura barroca tanto a través de sus escritos prolíficos como a través de varios arquitectos que entrenó, que difundirían las expresiones barrocas a lo largo de la Europa del siglo XVIII.
En el siglo XVIII, la capital del mundo arquitectónico europeo se transfirió de Roma a París. El rococó italiano, que floreció en Roma desde la década de 1720 en adelante, estaba profundamente influenciado por las ideas de Borromini. Los arquitectos más talentosos activos en Roma -Francesco de Sanctis (Plaza de España, 1723) y Filippo Raguzzini (Piazza Sant’Ignazio, 1727) – tuvieron poca influencia fuera de su país natal, al igual que numerosos practicantes del Barroco siciliano, incluyendo a Giovanni Battista Vaccarini , Andrea Palma y Giuseppe Venanzio Marvuglia.
La última fase de la arquitectura barroca en Italia se ejemplifica en el Palacio de Caserta de Luigi Vanvitelli, considerado el edificio más grande erigido en Europa en el siglo XVIII. Endeudado con los modelos franceses y españoles contemporáneos, el palacio está hábilmente relacionado con el paisaje. En Nápoles y Caserta, Vanvitelli practicó un estilo académico sobrio y clasicista, con la misma atención a la estética y la ingeniería, un estilo que haría una transición fácil al neoclasicismo.
Norte de Italia
En el norte de Italia, los monarcas de la Casa de Saboya fueron particularmente receptivos al nuevo estilo. Emplearon una brillante tríada de arquitectos, Guarino Guarini, Filippo Juvarra y Bernardo Vittone, para ilustrar las grandiosas ambiciones políticas y el recién adquirido estatus real de su dinastía.
Guarini fue un monje itinerante que combinó muchas tradiciones (incluida la arquitectura gótica) para crear estructuras irregulares notables por sus columnas ovales y fachadas no convencionales. Basándose en los hallazgos de la geometría y la estereometría contemporáneas, Guarini elaboró el concepto de architectura obliqua, que aproximaba el estilo de Borromini tanto en audacia teórica como estructural. El Palazzo Carignano de Guarini (1679) puede haber sido la aplicación más extravagante del estilo barroco al diseño de una casa privada en el siglo XVII.
Formas fluidas, detalles ingrávidos y las amplias perspectivas de la arquitectura de Juvarra anticiparon el arte rococó. Aunque su práctica iba más allá de Turín, los diseños más llamativos de Juvarra fueron creados para Victor Amadeus II de Cerdeña. El impacto visual de su Basilica di Superga (1717) deriva de su elevada línea de techo y de su ubicación magistral en una colina sobre Turín. El ambiente rústico fomentó una articulación más libre de la forma arquitectónica en el pabellón de caza real de la Palazzina di Stupinigi (1729). Juvarra terminó su corta pero azarosa carrera en Madrid, donde trabajó en los palacios reales de La Granja y Aranjuez.
Entre los muchos que estaban profundamente influenciados por la brillantez y diversidad de Juvarra y Guarini, ninguno era más importante que Bernardo Vittone. Este arquitecto piamontés es recordado por un afloramiento de extravagantes iglesias rococó, quatrefoil en plan y delicada en los detalles. Sus sofisticados diseños a menudo presentan múltiples bóvedas, estructuras dentro de estructuras y domos dentro de domos.
Malta
El estilo barroco se introdujo en Malta a principios del siglo XVII, posiblemente por el arquitecto e ingeniero boloñés Bontadino de Bontadini, que fue responsable de la construcción del acueducto de Wignacourt entre 1612 y 1615. Las primeras estructuras barrocas en Malta fueron los elementos decorativos dentro de el acueducto, como el Arco de Wignacourt y varias fuentes.
La arquitectura barroca se hizo popular después de que Francesco Bounamici diseñó la Iglesia de los Jesuitas en La Valeta en 1635. En las décadas siguientes, muchas iglesias, edificios públicos, puertas de la ciudad, palacios y otras estructuras fueron construidas o reconstruidas con este estilo. Las nuevas iglesias fueron construidas en estilo barroco, mientras que las más antiguas fueron reconstruidas o redecoradas. Los ejemplos incluyen el interior de la Concatedral de San Juan, que fue completamente rediseñada por Mattia Preti en la década de 1660, y la Iglesia de Nuestra Señora de las Victorias, cuya fachada fue reconstruida en 1752.
El arquitecto Lorenzo Gafà diseñó muchas iglesias barrocas entre los años 1660 y 1700, incluida la Iglesia de San Lorenzo en Birgu (1681-97), la Catedral de San Pablo en Mdina (1696-1705) y la Catedral de la Asunción en Victoria, Gozo (1697-1711).
El edificio barroco más monumental de Malta es Auberge de Castille, que fue reconstruido en 1741-45 por Andrea Belli. Otros ejemplos de la arquitectura secular barroca en Malta incluyen Hostel de Verdelin (hacia 1650), partes de Fort Manoel (1723-1733), Mdina Gate (1724) y Castellania (1757-60).
El estilo barroco siguió siendo popular en Malta hasta finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, cuando se introdujo el estilo neoclásico. Sin embargo, la arquitectura tradicional maltesa continuó teniendo importantes influencias barrocas.
España
A medida que las influencias barrocas italianas penetraban a través de los Pirineos, poco a poco fueron reemplazando en popularidad el enfoque restringido y clasicista de Juan de Herrera, que había estado en boga desde fines del siglo XVI. Ya en 1667, las fachadas de la Catedral de Granada (por Alonso Cano) y la Catedral de Jaén (por Eufrasio López de Rojas) sugieren la fluidez de los artistas en la interpretación de los motivos tradicionales de la arquitectura de la catedral española en el lenguaje estético del Barroco.
En contraste con el arte del norte de Europa, el arte español de la época apelaba a las emociones en lugar de buscar complacer al intelecto. La familia Churriguera, que se especializó en el diseño de altares y retablos, se rebeló contra la sobriedad del clasicismo herreriano y promovió un estilo de decoración de superficie intrincado, exagerado, casi caprichoso, conocido como el churrigueresco. En medio siglo, transformaron a Salamanca en una ciudad churrigueresca ejemplar. Entre los aspectos más destacados del estilo, los interiores de la Cartuja de Granada ofrecen algunas de las combinaciones más impresionantes de espacio y luz en la Europa del siglo XVIII. Integrando la escultura y la arquitectura aún más radicalmente, Narciso Tomé logró llamativos efectos de claroscuro en su Transparente para la Catedral de Toledo.
El desarrollo del estilo pasó por tres fases. Entre 1680 y 1720, el Churriguera popularizó la mezcla de columnas salomónicas y orden compuesto de Guarini, conocida como la «orden suprema». Entre 1720 y 1760, la columna churrigueresca, o estípite, en forma de cono invertido u obelisco, se estableció como un elemento central de decoración ornamental. Los años desde 1760 hasta 1780 experimentaron un cambio gradual de interés desde el movimiento retorcido y la ornamentación excesiva hacia un equilibrio y sobriedad neoclásicos.
Dos de las creaciones más llamativas del Barroco español son las fachadas energéticas de la Universidad de Valladolid (Diego Tomé, 1716-1718) y Hospicio de San Fernando en Madrid (Pedro de Ribera, 1722), cuya extravagancia curvilínea parece anunciar a Antonio Gaudí y Art Nouveau. En este caso, como en muchos otros, el diseño implica un juego de elementos tectónicos y decorativos con poca relación con la estructura y la función. El enfoque de la ornamentación florida es un borde elaboradamente esculpido a la entrada principal. Si eliminamos el intrincado laberinto de frontones rotos, cornisas onduladas, conchas de estuco, cirios invertidos y guirnaldas de la pared más bien lisa contra la que se apoya, la forma del edificio no se vería afectada en lo más mínimo.
Hispanoamérica y territorios
La combinación de las influencias decorativas nativas americanas y moriscas con una interpretación extremadamente expresiva del idioma churrigueresco puede explicar el carácter amplio y variado del barroco en las colonias americanas de España. Incluso más que su homólogo español, el Barroco americano se desarrolló como un estilo de decoración de estuco. Las fachadas con dos torres de muchas catedrales americanas del siglo XVII tenían raíces medievales y el barroco en toda regla no apareció hasta 1664, cuando se construyó un santuario jesuita en la Plaza de Armas en Cusco. Incluso entonces, el nuevo estilo apenas afectó la estructura de las iglesias.
Al norte, la provincia más rica de la Nueva España-México en el siglo XVIII, produjo una arquitectura fantásticamente extravagante y visualmente frenética conocida como la churrigueresca mexicana. Este enfoque ultrabarroco culmina en las obras de Lorenzo Rodríguez, cuya obra maestra es el Sagrario Metropolitano en la Ciudad de México. Otros buenos ejemplos del estilo se pueden encontrar en ciudades remotas de extracción de plata. Por ejemplo, el Santuario de Ocotlán (comenzado en 1745) es una catedral barroca de primera categoría, revestida con brillantes azulejos rojos, que contrastan deliciosamente con una plétora de adornos comprimidos que se aplican profusamente a la entrada principal y las esbeltas torres de acompañamiento.
La verdadera capital del Barroco mexicano es Puebla, donde un suministro de cerámica pintada a mano (talavera) y piedra vernácula gris llevó a su evolución en una forma de arte personalizada y altamente localizada con un pronunciado sabor indio. Hay alrededor de sesenta iglesias cuyas fachadas y cúpulas muestran azulejos vidriados de muchos colores, a menudo dispuestos en diseños árabes. Los interiores están densamente saturados con elaborada ornamentación de hojas de oro. En el siglo XVIII, los artesanos locales desarrollaron una marca distintiva de decoración de estuco blanco, llamada «alfenique», después de un caramelo Pueblan hecho de claras de huevo y azúcar.
El barroco peruano fue particularmente lujoso, como lo demuestra el monasterio de San Francisco en Lima (1673). Mientras que el Barroco rural del Bloque Jesuita y Estancias de Córdoba en Córdoba, Argentina, siguió el modelo de Il Gesu, surgieron estilos provinciales «mestizos» en Arequipa, Potosí y La Paz. En el siglo XVIII, los arquitectos de la región se inspiraron en el arte mudéjar de la España medieval. El tipo de fachada peruana de estilo barroco tardío aparece por primera vez en la iglesia de Nuestra Señora de La Merced en Lima. De manera similar, la iglesia de La Compañía en Quito sugiere un retablo tallado con su fachada ricamente esculpida y un exceso de espiral salomónica.
Earthquake Baroque es un estilo de arquitectura barroca que se encuentra en Filipinas, que sufrió terremotos destructivos durante el siglo XVII y el siglo XVIII, donde grandes edificios públicos, como iglesias, fueron reconstruidos en un estilo barroco. Eventos similares llevaron a la arquitectura Pombalina en Lisboa después del terremoto de Lisboa de 1755 y el Barroco siciliano en Sicilia después del terremoto de 1693.
Portugal y el Imperio Portugués
El Palacio de Brejoeira, un ejemplo principal de la arquitectura barroca del norte de Portugal
Palacio Nacional de Mafra, una joya de la arquitectura barroca portuguesa
El interior de la iglesia de São Roque en Lisboa, Portugal ilustra la rica arquitectura barroca en sus capillas, incluida la capilla de San Juan Bautista, adornada en oro, la más cara del mundo.
A pesar de la prodigalidad de la decoración de superficie sensualmente rica asociada con la arquitectura barroca de la Península Ibérica, las cortes reales de Madrid y Lisboa generalmente favorecieron un vocabulario arquitectónico más sobrio destilado de la Italia del siglo XVII. Los palacios reales de Madrid, La Granja, Aranjuez y Mafra fueron diseñados por arquitectos bajo la fuerte influencia de Bernini y Juvarra. En el ámbito de la arquitectura de la iglesia, el diseño de Guarini para Santa Maria della Divina Providenza en Lisboa fue un paso adelante para la audacia estructural en la región (aunque nunca se construyó).
En Portugal, la primera iglesia completamente barroca fue la Iglesia de Santa Engrácia, en Lisboa, diseñada por el arquitecto real João Antunes, que tiene un plano de planta griego y fachadas curvas. Antunes también diseñó iglesias en las que el espacio interior es rectangular pero con esquinas curvas (como la Iglesia Menino de Deus en Lisboa), un esquema que se encuentra en varias iglesias del siglo XVIII en Portugal y Brasil. La corte de John V, por otro lado, favoreció los modelos barrocos romanos, como lo demuestra el trabajo del arquitecto real Ludovice, un alemán que diseñó el Palacio Real de Mafra, construido después de 1715.
A mediados del siglo XVIII, los arquitectos del norte de Portugal habían absorbido los conceptos del barroco italiano para deleitarse con la plasticidad del granito local en proyectos como la Torre dos Clérigos de 75 metros de altura en Oporto. El principal centro de la tradición barroca nacional fue Braga, cuyos edificios abarcan prácticamente todas las características importantes de la arquitectura y el diseño portugués. Los santuarios y palacios barrocos de Braga destacan por motivos ornamentales policromados, techos ondulantes y bordes de ventanas de formas irregulares.
Los arquitectos brasileños también exploraron la plasticidad en la forma y la decoración, aunque rara vez superaron a sus pares continentales en la ostentación. Las iglesias de Mariana y Rosario en Ouro Preto se basan en la visión de Borromini de espacios elípticos entrelazados. En São Pedro dos Clérigos, Recife), una fachada de estuco y piedra convencional está animada por «un alto aguilón enrollado apretado entre las torres».
Incluso después de que las convenciones barrocas pasaron de moda en Europa, el estilo fue practicado durante mucho tiempo en Brasil por Aleijadinho, un arquitecto brillante y prolífico en cuyos diseños se podían percibir indicios de Rococó. Su iglesia de Bom Jesus de Matozinhos en Congonhas se distingue por una pintoresca silueta y detalles ornamentales oscuros en una ligera fachada estucada. Aunque Aleijadinho recibió originalmente el encargo de diseñar São Francisco de Assis en São João del Rei, sus diseños fueron rechazados, y en su lugar fueron desplazados a la iglesia de São Francisco en Ouro Preto.
Reino de Hungría
En el Reino de Hungría, el primer gran edificio barroco fue la Iglesia Jesuita de Trnava (hoy en Eslovaquia) construida por Pietro Spozzo en 1629-37, modelando la Iglesia del Gesu en Roma. Los jesuitas fueron los principales propagadores del nuevo estilo con sus iglesias en Győr (1634-1641), Košice (1671-1684), Eger (1731-1733) y Székesfehérvár (1745-1751). La reconstrucción de los territorios devastados por el Imperio Otomano se llevó a cabo en estilo barroco en el siglo XVIII. Los paisajes urbanos intactos del Barroco se pueden encontrar en Győr, Székesfehérvár, Eger, Veszprém, Esztergom y el Distrito del Castillo de Buda. Los palacios barrocos más importantes de Hungría fueron el Palacio Real en Buda, el Palacio Grassalkovich en Gödöllő y el Palacio Esterházy en Fertőd. Pequeños edificios barrocos de la aristocracia húngara se encuentran dispersos por todo el país. El barroco húngaro muestra la doble influencia de las tendencias artísticas austríacas e italianas, ya que muchos arquitectos alemanes e italianos trabajaron en el país. Las principales características de la versión local del estilo eran la modestia, la falta de decoración excesiva y cierto sabor «rural», especialmente en las obras de los maestros locales. Importantes arquitectos del Barroco húngaro fueron Andreas Mayerhoffer, Ignác Oraschek y Márton Wittwer. Franz Anton Pilgram también trabajó en el Reino de Hungría, por ejemplo en el gran monasterio premostratense de Jasov (hoy en Eslovaquia). En las últimas décadas del siglo XVIII, las tendencias neoclásicas se volvieron dominantes. Los dos arquitectos más importantes de ese período fueron Melchior Hefele y Jakab Fellner.
En el momento en que las variedades húngaras de la arquitectura barroca apareció con varios tipos de formas, formas y decoraciones. Aquellos que se han vuelto famosos y agradables, han sido copiados. Es por eso que los edificios barrocos húngaros hacen grupos basados en similitudes. Los principales tipos de edificios son los siguientes: tipo Eszterháza, tipo Széchenyi, tipo Gödöllő, tipo barroco religioso (eclesiástico), casas y otros (castillos, casas de campesinos).
Algunas estructuras representativas del Barroco en Rumania son el Palacio Bánffy en Cluj, el Palacio Brukenthal en Sibiu y el Palacio del Obispado en Oradea. Además, casi todas las ciudades de Transilvania tienen al menos una iglesia barroca, la mayoría de las cuales son la Catedral de San Jorge de Timisoara, la Iglesia de San Juan Bautista de Târgu Mureş, la Catedral de la Santísima Trinidad de Blaj y la Iglesia escolapia de Cluj.
Francia
El centro de la arquitectura secular barroca fue Francia, donde el diseño abierto de tres alas del palacio se estableció como la solución canónica ya en el siglo XVI. Pero fue el Palais du Luxembourg de Salomon de Brosse lo que determinó la dirección sobria y clasicista que debía tomar la arquitectura barroca francesa. Por primera vez, se destacó el cuerpo de logística como la parte principal representativa del edificio, mientras que las alas laterales se trataron como jerárquicamente inferiores y se redujeron de forma apropiada. La torre medieval ha sido completamente reemplazada por la proyección central en forma de una monumental entrada de tres pisos.
La fusión de De Brosse de los elementos tradicionales franceses (por ejemplo, altos techos abuhardillados y una línea de techo compleja) con extensas citas italianizantes (por ejemplo, ubicua oxidación, derivada del Palazzo Pitti de Florencia) llegó a caracterizar el estilo Luis XIII. Probablemente el formulador más consumado de la nueva manera fue François Mansart, un perfeccionista incansable al que se le atribuye la introducción del Barroco completo en Francia. En su diseño para Château de Maisons (1642), Mansart logró reconciliar enfoques académicos y barrocos, al tiempo que demostró respeto por las idiosincrasias góticas heredadas de la tradición francesa.
El Château of Maisons demuestra la transición en curso de los castillos posmedievales del siglo XVI a las casas de campo tipo villa del siglo XVIII. La estructura es estrictamente simétrica, con un orden aplicado a cada piso, principalmente en forma de pilastra. El frontispicio, coronado con un techo engrandecido por separado, está impregnado de una notable plasticidad y el conjunto se lee como un todo tridimensional. Las estructuras de Mansart están desprovistas de efectos decorativos exagerados, tan típicos de la Roma contemporánea. La influencia del Barroco italiano está silenciada y relegada al campo de la ornamentación decorativa.
El siguiente paso en el desarrollo de la arquitectura residencial europea implicó la integración de los jardines en la composición del palacio, como lo ejemplifica Vaux-le-Vicomte), donde el arquitecto Louis Le Vau, el diseñador Charles Le Brun y el jardinero André Le Nôtre se complementó el uno al otro. Desde la cornisa principal hasta un zócalo bajo, el palacio en miniatura está revestido con el llamado «orden colosal», lo que hace que la estructura parezca más impresionante. La colaboración creativa de Le Vau y Le Nôtre marcó la llegada del «Estilo Magnífico» que permitió extender la arquitectura barroca fuera de los muros del palacio y transformar el paisaje circundante en un mosaico inmaculado de vistas expansivas.
Los mismos tres artistas ampliaron este concepto a proporciones monumentales en el pabellón de caza real y más tarde residencia principal en Versalles. En una escala mucho más grande, el palacio es una versión exagerada y algo repetitiva de Vaux-le-Vicomte. Fue el edificio residencial más grandioso y el más imitado del siglo XVII. Mannheim, Nordkirchen y Drottningholm fueron algunas de las residencias extranjeras para las que Versalles proporcionó un modelo.
La expansión final de Versalles fue supervisada por Jules Hardouin-Mansart, cuyo diseño clave es el Domo de los Inválidos, generalmente considerado como la iglesia francesa más importante del siglo. Hardouin-Mansart se benefició de las instrucciones de su tío y planea inculcar el edificio con una grandeza imperial sin precedentes en los países al norte de Italia. La majestuosa cúpula hemisférica equilibra el vigoroso empuje vertical de las órdenes, que no transmiten con precisión la estructura del interior. El arquitecto más joven no solo revivió la armonía y el equilibrio asociados con el trabajo del anciano Mansart, sino que también marcó la pauta de la arquitectura francesa del Barroco tardío, con su gran ponderación y sus cada vez mayores concesiones al academicismo.
El reinado de Luis XV vio una reacción contra el estilo oficial Luis XIV en la forma de una manera más delicada e íntima, conocida como rococó. El estilo fue iniciado por Nicolas Pineau, que colaboró con Hardouin-Mansart en los interiores del real Château de Marly. Más elaborado por Pierre Le Pautre y Juste-Aurèle Meissonier, el «género pittoresque» culminó en los interiores del Petit Château en Chantilly (c 1722) y Hôtel de Soubise en París (c 1732), donde un énfasis de moda en el Curvilínea fue más allá de toda medida razonable, mientras que la escultura, pinturas, muebles y porcelana tendieron a eclipsar las divisiones arquitectónicas del interior.