Architecture baroque

L’architecture baroque est le style de construction de l’époque baroque, commencé à la fin du XVIe siècle en Italie, qui reprenait le vocabulaire romain de l’architecture Renaissance et l’utilisait de façon rhétorique et théâtrale, souvent pour exprimer le triomphe de l’Église catholique. Il était caractérisé par de nouvelles explorations de forme, de lumière et d’ombre, et d’intensité dramatique. Les caractéristiques communes de l’architecture baroque comprenaient le gigantisme des proportions; un grand espace central ouvert où tout le monde pouvait voir l’autel; colonnes tordantes, effets théâtraux, y compris la lumière provenant d’une coupole au-dessus; effets intérieurs dramatiques créés avec le bronze et la dorure; grappes d’anges sculptés et d’autres figures haut au-dessus; et un usage intensif du trompe-l’œil, également appelé «quadratura», avec des détails architecturaux peints et des figures sur les murs et le plafond, pour augmenter l’effet dramatique et théâtral.

Alors que la Renaissance s’appuyait sur la richesse et le pouvoir des tribunaux italiens et était un mélange de forces laïques et religieuses, le Baroque était, au moins au début, directement lié à la Contre-Réforme, un mouvement au sein de l’Église catholique pour se réformer à la Réforme protestante. L’architecture baroque et ses embellissements étaient d’une part plus accessibles aux émotions et, d’autre part, une déclaration visible de la richesse et du pouvoir de l’Église catholique. Le nouveau style se manifeste notamment dans le contexte des nouveaux ordres religieux, comme les Théatins et les Jésuites qui visent à améliorer la piété populaire.

L’architecture du haut baroque romain peut être attribuée aux règnes papaux d’Urbain VIII, Innocent X et Alexandre VII, s’étendant de 1623 à 1667. Les trois principaux architectes de cette période étaient le sculpteur Gianlorenzo Bernini, Francesco Borromini et le peintre Pietro da Cortona et chacun a évolué sa propre expression architecturale distinctement individuelle.

La diffusion de l’architecture baroque au sud de l’Italie a entraîné des variations régionales telles que l’architecture baroque sicilienne ou celle de Naples et de Lecce. Au nord, l’architecte théâtrale Camillo-Guarino Guarini, Bernardo Vittone et le sicilien Filippo Juvarra ont contribué à la construction de bâtiments baroques dans la ville de Turin et dans la région du Piémont.

Une synthèse de l’architecture de Bernini, Borromini et Cortona peut être vue dans l’architecture baroque tardive du nord de l’Europe qui a ouvert la voie au style rococo plus décoratif.

Au milieu du XVIIe siècle, le style baroque avait trouvé son expression laïque sous la forme de grands palais, d’abord en France – avec le château de Maisons (1642) près de Paris par François Mansart – et ensuite dans toute l’Europe.

Au XVIIe siècle, l’architecture baroque se répandit en Europe et en Amérique latine, où elle fut particulièrement encouragée par les jésuites.

Précurseurs et caractéristiques de l’architecture baroque
Les bâtiments romains tardifs de Michel-Ange, en particulier la basilique Saint-Pierre, peuvent être considérés comme des précurseurs de l’architecture baroque. Son élève Giacomo della Porta a poursuivi ce travail à Rome, notamment dans la façade de l’église des Jésuites Il Gesù, qui mène directement à la plus importante église du début du Baroque, Santa Susanna (1603), de Carlo Maderno.

Les caractéristiques distinctives de l’architecture baroque peuvent inclure:

dans les églises, les nefs plus larges et parfois les formes ovales
éléments architecturaux fragmentaires ou délibérément incomplets
utilisation dramatique de la lumière; soit de forts contrastes de lumière et d’ombre (effets de clair-obscur) comme à l’église de l’abbaye de Weltenburg, soit un éclairage uniforme à l’aide de plusieurs fenêtres (par exemple l’église de l’abbaye de Weingarten)
utilisation opulente de couleurs et d’ornements (putti ou figures en bois (souvent doré), plâtre ou stuc, marbre ou faux-fini)
fresques de plafond à grande échelle
une façade extérieure souvent caractérisée par une projection centrale dramatique
l’intérieur est une coquille pour la peinture, la sculpture et le stuc (surtout à la fin du baroque)
des effets illusoires comme le trompe-l’œil (une technique d’art impliquant des images extrêmement réalistes pour créer l’illusion d’optique que les objets représentés apparaissent en trois dimensions) et le mélange de la peinture et de l’architecture
Dômes en forme de poire dans le baroque bavarois, tchèque, polonais et ukrainien
Des colonnes mariales et de la Sainte Trinité érigées dans les pays catholiques, souvent en remerciement pour avoir mis fin à la peste
Baroque et colonialisme

Bien que la tendance ait été de considérer l’architecture baroque comme un phénomène européen, elle coïncidait avec la montée du colonialisme européen et en était intégralement liée. Le colonialisme a nécessité le développement de gouvernements centralisés et puissants avec l’Espagne et la France, les premiers à aller dans cette direction. Le colonialisme apportait d’énormes richesses, non seulement dans l’argent extrait des mines de Bolivie, du Mexique et d’ailleurs, mais aussi dans le commerce des produits de base, comme le sucre et le tabac. La nécessité de contrôler les routes commerciales, les monopoles et l’esclavage, qui étaient principalement entre les mains des Français au XVIIe siècle, créa un cycle presque sans fin de guerres entre les puissances coloniales: les guerres de religion françaises, la guerre de Trente Ans (1618). et 1648), la guerre franco-espagnole (1653), la guerre franco-hollandaise (1672-1678), etc. La mauvaise gestion initiale de la richesse coloniale par les Espagnols les a ruinés au 16ème siècle (1557 et 1560), ne se rétablissant que lentement au siècle suivant. Ceci explique pourquoi le style baroque, bien que développé avec enthousiasme dans tout l’empire espagnol, était en grande partie, en Espagne, une architecture de surfaces et de façades, contrairement à la France et l’Autriche où l’on voit la construction de nombreux palais et monastères. Contrairement à l’Espagne, les Français, sous la direction de Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), le ministre des finances, avaient commencé à industrialiser leur économie, et étaient ainsi en mesure de devenir, au moins au début, les bienfaiteurs du flux de richesse . Tandis que cela était bon pour les industries du bâtiment et les arts, la nouvelle richesse a créé une inflation, qui n’avait jamais été expérimentée auparavant. Rome était connue aussi bien pour ses nouvelles églises somptueuses que pour ses vagabonds.

Italie
Un certain nombre de bâtiments ecclésiastiques de la période baroque à Rome avaient des plans basés sur le paradigme italien de la basilique avec un dôme et une nef croisés, mais le traitement de l’architecture était très différent de ce qui avait été réalisé précédemment. L’une des premières structures romaines à rompre avec les conventions maniéristes illustrées dans le Gesù, était l’église de Santa Susanna, conçue par Carlo Maderno. Le rythme dynamique des colonnes et des pilastres, le volume central, la saillie et la décoration centrale condensée ajoutent de la complexité à la structure. Il y a un jeu ludique avec les règles du design classique, mais il maintient toujours la rigueur.

Les mêmes préoccupations avec la plasticité, la volumétrie, les effets dramatiques et l’ombre et la lumière sont évidentes dans l’œuvre architecturale de Pietro da Cortona, illustrée par sa conception de Santi Luca e Martina (construction commencée en 1635) avec ce qui était probablement la première façade d’église baroque à Rome. Ces préoccupations sont encore plus évidentes dans son remaniement de Santa Maria della Pace (1656-68). La façade, avec son porche en demi-dôme en clair-obscur et ses ailes latérales concaves, ressemble beaucoup à un décor théâtral et la façade de l’église se projette vers l’avant de manière à remplir la petite place trapézoïdale. D’autres ensembles romains de la période baroque et baroque tardif sont également imprégnés de théâtralité et, en tant que théâtres urbains, fournissent des points de focalisation dans leur localité dans le paysage urbain environnant.

Probablement l’exemple le plus connu d’une telle approche est la place Saint-Pierre, qui a été saluée comme un maître du théâtre baroque. La piazza, conçue par Gian Lorenzo Bernini, est formée principalement par deux colonnades de colonnes autoportantes centrées sur un obélisque égyptien. Le design préféré de Bernini était son église ovale de Sant’Andrea al Quirinale ornée de marbres polychromes et d’un dôme en or orné. Son architecture séculaire comprenait le Palazzo Barberini basé sur les plans de Maderno et du Palazzo Chigi-Odescalchi (1664), tous deux à Rome.

Le rival de Bernini, l’architecte Francesco Borromini, a produit des conceptions qui déviaient radicalement des compositions régulières du monde antique et de la Renaissance. Ses plans de construction étaient basés sur des figures géométriques complexes, ses formes architecturales étaient inhabituelles et inventives et il employait le symbolisme multicouche dans ses conceptions architecturales. Les espaces architecturaux de Borromini semblent se dilater et se contracter au besoin, montrant une certaine affinité avec le style tardif de Michel-Ange. Son chef-d’œuvre emblématique est la minuscule église de San Carlo alle Quattro Fontane, caractérisée par un arrangement compliqué qui est en partie ovale et en partie une croix et possède ainsi des rythmes complexes de murs convexes-concaves. Un travail ultérieur, l’église de Sant’Ivo alla Sapienza, montre la même inventivité et antipathie ludique à la surface plane, incarnée par une lanterne inhabituelle “tire-bouchon” au-dessus du dôme.

Après la mort de Bernini en 1680, Carlo Fontana est devenu l’architecte le plus influent de Rome. Son style ancien est illustré par la façade légèrement concave de San Marcello al Corso. L’approche académique de Fontana, bien que dépourvue de l’inventivité éblouissante de ses prédécesseurs romains, exerça une influence considérable sur l’architecture baroque tant par ses écrits prolifiques que par la formation de nombreux architectes qui diffusèrent les idiomes baroques dans toute l’Europe du XVIIIe siècle.

Le 18ème siècle a vu la capitale de l’architecture européenne transférée de Rome à Paris. Le rococo italien, qui a prospéré à Rome à partir des années 1720, a été profondément influencé par les idées de Borromini. Les architectes les plus talentueux de Rome-Francesco de Sanctis (Place d’Espagne, 1723) et Filippo Raguzzini (Piazza Sant’Ignazio, 1727) ont peu d’influence en dehors de leur pays natal, ainsi que de nombreux praticiens du baroque sicilien, dont Giovanni Battista Vaccarini , Andrea Palma, et Giuseppe Venanzio Marvuglia.

La dernière phase de l’architecture baroque en Italie est illustrée par le Palais Caserta de Luigi Vanvitelli, réputé le plus grand bâtiment érigé en Europe au 18ème siècle. Endetté aux modèles français et espagnols contemporains, le palais est habilement lié au paysage. À Naples et à Caserte, Vanvitelli a pratiqué un style académique sobre et classique, avec une attention égale à l’esthétique et à l’ingénierie, un style qui ferait une transition facile au néoclassicisme.

Italie du Nord
Dans le nord de l’Italie, les monarques de la Maison de Savoie étaient particulièrement réceptifs au nouveau style. Ils ont employé une brillante triade d’architectes – Guarino Guarini, Filippo Juvarra et Bernardo Vittone – pour illustrer les ambitions politiques grandioses et le statut royal nouvellement acquis de leur dynastie.

Guarini était un moine péripatéticien qui combinait de nombreuses traditions (y compris celle de l’architecture gothique) pour créer des structures irrégulières remarquables pour leurs colonnes ovales et leurs façades non conventionnelles. S’appuyant sur les découvertes de la géométrie et de la stéréométrie contemporaines, Guarini a élaboré le concept d’architectura obliqua, qui rapproche le style de Borromini dans l’audace théorique et structurelle. Le Palazzo Carignano de Guarini (1679) a peut-être été l’application la plus flamboyante du style baroque à la conception d’une maison privée au XVIIe siècle.

Des formes fluides, des détails sans légèreté et les perspectives aériennes de l’architecture de Juvarra anticipaient l’art du Rococo. Même si sa pratique s’étendait bien au-delà de Turin, les créations les plus saisissantes de Juvarra furent créées pour Victor Amadeus II de Sardaigne. L’impact visuel de sa Basilique de Superga (1717) découle de sa ligne de toit flamboyante et de son emplacement magistral sur une colline au-dessus de Turin. L’ambiance rustique a encouragé une articulation plus libre de la forme architecturale au pavillon royal de chasse de la Palazzina di Stupinigi (1729). Juvarra a terminé sa courte mais mouvementée carrière à Madrid, où il a travaillé sur les palais royaux de La Granja et d’Aranjuez.

Parmi les nombreux qui ont été profondément influencés par l’éclat et la diversité de Juvarra et Guarini, aucun n’était plus important que Bernardo Vittone. Cet architecte piémontais est connu pour son affleurement d’églises rococo flamboyantes, son plan quadrilobe et ses détails délicats. Ses conceptions sophistiquées comportent souvent de multiples voûtes, des structures à l’intérieur des structures et des dômes à l’intérieur des dômes.

Malte
Le style baroque a été introduit à Malte au début du XVIIe siècle, peut-être par l’architecte bolognais et ingénieur Bontadino de Bontadini, qui fut responsable de la construction de l’aqueduc de Wignacourt entre 1612 et 1615. Les premières structures baroques à Malte étaient les éléments décoratifs l’aqueduc, tel que l’Arche de Wignacourt et plusieurs fontaines.

L’architecture baroque est devenue populaire après que Francesco Bounamici a conçu l’église des jésuites à La Valette en 1635. Dans les décennies suivantes, de nombreuses églises, bâtiments publics, portes de la ville, palais et autres structures ont été construits ou reconstruits dans ce style. De nouvelles églises ont été construites dans le style baroque, tandis que les plus anciennes ont été reconstruites ou redécorées. Les exemples incluent l’intérieur de la Co-Cathédrale de Saint John, qui a été complètement redessinée par Mattia Preti dans les années 1660, et l’église de Notre-Dame des Victoires, dont la façade a été reconstruite en 1752.

L’architecte Lorenzo Gafà a conçu de nombreuses églises baroques entre les années 1660 et 1700, dont l’église Saint-Laurent à Birgu (1681-97), la cathédrale Saint-Paul à Mdina (1696-1705) et la cathédrale de l’Assomption à Victoria, Gozo (1697-1711).

L’édifice baroque le plus monumental de Malte est l’Auberge de Castille, reconstruite en 1741-1745 par Andrea Belli. L’auberge de Verdelin (vers 1650), certaines parties de Fort Manoel (1723-1733), la porte Mdina (1724) et la Castellania (1757-1760) sont d’autres exemples d’architecture baroque laïque à Malte.

Le style baroque est resté populaire à Malte jusqu’à la fin du 18ème et au début du 19ème siècle, lorsque le style néoclassique a été introduit. Cependant, l’architecture traditionnelle maltaise a continué à avoir des influences baroques significatives.

Espagne
Tandis que les influences baroques italiennes pénétraient à travers les Pyrénées, ils ont progressivement supplanté l’approche classique et modérée de Juan de Herrera, qui était en vogue depuis la fin du 16ème siècle. Dès 1667, les façades de la cathédrale de Grenade (d’Alonso Cano) et de la cathédrale de Jaén (d’Eufrasio López de Rojas) suggèrent aux artistes d’interpréter les motifs traditionnels de l’architecture de la cathédrale espagnole dans l’idiome esthétique baroque.

Contrairement à l’art de l’Europe du Nord, l’art espagnol de l’époque a fait appel aux émotions plutôt que de chercher à plaire à l’intellect. La famille Churriguera, spécialisée dans la conception d’autels et de retables, se révolta contre la sobriété du classicisme herrerais et promut un style de décoration complexe, exagéré, presque capricieux, connu sous le nom de Churrigueresque. En un demi-siècle, ils ont transformé Salamanque en une ville churrigueresque exemplaire. Parmi les points forts du style, les intérieurs de la chartreuse de Grenade offrent certaines des combinaisons les plus impressionnantes d’espace et de lumière dans l’Europe du XVIIIe siècle. Intégrant encore plus radicalement la sculpture et l’architecture, Narciso Tomé réalise des effets de clair-obscur dans sa Transparente pour la cathédrale de Tolède.

Le développement du style a traversé trois phases. Entre 1680 et 1720, le Churriguera a popularisé le mélange de colonnes Salomoniques et d’ordre composite de Guarini, connu sous le nom d ‘«ordre suprême». Entre 1720 et 1760, la colonne Churrigueresque, ou estipite, en forme de cône ou d’obélisque inversé, a été établie comme un élément central de la décoration ornementale. Les années de 1760 à 1780 ont vu un déplacement graduel de l’intérêt du mouvement tordu et de l’ornementation excessive vers un équilibre et une sobriété néoclassiques.

Deux des créations les plus accrocheuses du baroque espagnol sont les façades énergiques de l’Université de Valladolid (Diego Tomé, 1716-1718) et Hospicio de San Fernando à Madrid (Pedro de Ribera, 1722), dont l’extravagance curviligne semble annoncer Antonio Gaudí et Art Nouveau. Dans ce cas comme dans beaucoup d’autres, la conception implique un jeu d’éléments tectoniques et décoratifs avec peu de relation avec la structure et la fonction. Le foyer de l’ornementation floride est un entourage sculpté minutieusement à une porte principale. Si l’on enlève le labyrinthe complexe de frontons brisés, de corniches ondulantes, de coquilles de stuc, de cierges inversés et de guirlandes sur le mur assez simple auquel elle est opposée, la forme du bâtiment n’en serait nullement affectée.

Amérique espagnole et territoires
La combinaison des influences décoratives amérindiennes et mauresques avec une interprétation extrêmement expressive de l’idiome churrigueresque peut expliquer le caractère corsé et varié du baroque dans les colonies américaines d’Espagne. Plus encore que son homologue espagnol, American Baroque développé comme un style de décoration en stuc. Les façades à deux tours de nombreuses cathédrales américaines du 17ème siècle avaient des racines médiévales et le baroque à part entière n’apparut qu’en 1664, date de la construction d’un sanctuaire jésuite sur la Plaza des Armas à Cusco. Même alors, le nouveau style n’a guère affecté la structure des églises.

Au nord, la province la plus riche de la Nouvelle-Espagne-Mexique du XVIIIe siècle produisit une architecture extravagante et visuellement frénétique connue sous le nom de Churrigueresque mexicain. Cette approche ultra-baroque culmine dans les œuvres de Lorenzo Rodriguez, dont le chef-d’œuvre est le Sagrario Metropolitano à Mexico. D’autres beaux exemples du style peuvent être trouvés dans les villes minières d’argent à distance. Par exemple, le Sanctuaire d’Ocotlán (commencé en 1745) est une cathédrale baroque haut de gamme recouverte de carreaux rouges vifs, qui contrastent délicieusement avec une pléthore d’ornements compressés prodigués à l’entrée principale et aux fines tours flanquantes.

La véritable capitale du baroque mexicain est Puebla, où un approvisionnement rapide de céramiques peintes à la main (talavera) et de pierre grise vernaculaire a conduit à son évolution vers un art personnalisé et hautement localisé avec une saveur indienne prononcée. Il y a une soixantaine d’églises dont les façades et les coupoles présentent des carreaux vernis de plusieurs couleurs, souvent disposés en motifs arabes. Les intérieurs sont densément saturés avec l’ornementation élaborée de feuille d’or. Au 18ème siècle, les artisans locaux ont développé une marque distinctive de décoration en stuc blanc, appelée “alfenique” après un bonbon Pueblan à base de blancs d’œufs et de sucre.

Le baroque péruvien était particulièrement somptueux, comme en témoigne le monastère de San Francisco à Lima (1673). Tandis que le baroque rural du Bloc des Jésuites et les Estancias de Córdoba à Córdoba, en Argentine, suivaient le modèle de Il Gesu, des styles «métis» (croisements) provinciaux ont vu le jour à Arequipa, Potosí et La Paz. Au XVIIIe siècle, les architectes de la région se sont inspirés de l’art mudéjar de l’Espagne médiévale. La façade péruvienne de type baroque tardif apparaît pour la première fois dans l’église Notre-Dame de La Merced à Lima. De même, l’église de La Compañia à Quito suggère un retable sculpté avec sa façade richement sculptée et un excès de salomónica en spirale.

Le séisme baroque est un style d’architecture baroque aux Philippines, qui a subi des tremblements de terre destructeurs au cours du 17ème siècle et 18ème siècle, où les grands bâtiments publics, tels que les églises, ont été reconstruits dans un style baroque. Des événements similaires ont conduit à l’architecture Pombaline à Lisbonne après le tremblement de terre de Lisbonne en 1755 et le baroque sicilien en Sicile à la suite du tremblement de terre de 1693.

Portugal et Empire portugais
Le palais de Brejoeira, un excellent exemple de l’architecture baroque du nord du Portugal

Mafra National Palace, un joyau de l’architecture baroque portugaise

L’intérieur de l’église São Roque à Lisbonne, au Portugal, illustre la riche architecture baroque de ses chapelles, y compris la chapelle de Saint-Jean-Baptiste, ornée d’or, la plus chère du monde.

En dépit d’une prodigalité de décoration de surface sensuellement riche associée à l’architecture baroque de la péninsule ibérique, les cours royales de Madrid et de Lisbonne ont généralement favorisé un vocabulaire architectural plus sobre distillé de l’Italie du XVIIe siècle. Les palais royaux de Madrid, La Granja, Aranjuez et Mafra ont été conçus par des architectes sous la forte influence de Bernini et Juvarra. Dans le domaine de l’architecture de l’église, la conception de Guarini pour Santa Maria della Divina Providenza à Lisbonne a été un facteur d’audace structurelle dans la région (même si elle n’a jamais été construite).

Au Portugal, la première église entièrement baroque fut l’église de Santa Engrácia, à Lisbonne, conçue par l’architecte royal João Antunes, qui a un plan en croix grecque et des façades courbes. Antunes a également conçu des églises dans lesquelles l’espace intérieur est rectangulaire mais avec des coins courbes (comme l’église Menino de Deus à Lisbonne), un schéma qui se trouve dans plusieurs églises du 18ème siècle au Portugal et au Brésil. La cour de Jean V, en revanche, a favorisé les modèles baroques romains, comme en témoigne le travail de l’architecte royal Ludovice, un Allemand qui a conçu le Palais Royal de Mafra, construit après 1715.

Au milieu du XVIIIe siècle, les architectes du nord du Portugal avaient assimilé les concepts du baroque italien pour se délecter de la plasticité du granit local dans des projets tels que la Torre dos Clérigos de Porto, haut de 75 mètres. Le principal centre de la tradition baroque nationale était Braga, dont les bâtiments englobent pratiquement toutes les caractéristiques importantes de l’architecture et du design portugais. Les sanctuaires baroques et les palais de Braga sont connus pour leurs motifs ornementaux polychromes, leurs lignes de toit ondulées et leurs encadrements irréguliers.

Les architectes brésiliens ont également exploré la plasticité dans la forme et la décoration, bien qu’ils aient rarement surpassé leurs homologues continentaux dans l’ostentation. Les églises de Mariana et de Rosario à Ouro Preto sont basées sur la vision de Borromini des espaces elliptiques imbriqués. À São Pedro dos Clérigos, Recife), une façade traditionnelle en stuc et en pierre est animée par «un haut pignon défilé étroitement serré entre les tours».

Même après que les conventions baroques eurent disparu de la mode en Europe, le style fut longtemps pratiqué au Brésil par Aleijadinho, un architecte brillant et prolifique dans les conceptions duquel des traces de Rococo pouvaient être discernées. Son église de Bom Jesus de Matozinhos à Congonhas se distingue par une silhouette pittoresque et des détails ornementaux sombres sur une façade en stuc léger. Bien qu’Aleijadinho ait été initialement chargé de la conception de São Francisco de Assis à São João del Rei, ses conceptions ont été rejetées et ont été déplacées à l’église de São Francisco à Ouro Preto.

Royaume de Hongrie
Dans le Royaume de Hongrie, le premier grand édifice baroque fut l’église des Jésuites de Trnava (aujourd’hui en Slovaquie) construite par Pietro Spozzo en 1629-1637, modelant l’église du Gesu à Rome. Les jésuites étaient les principaux propagateurs du nouveau style avec leurs églises à Győr (1634-1641), Košice (1671-1684), Eger (1731-1733) et Székesfehérvár (1745-1751). La reconstruction des territoires dévastés par l’Empire Ottoman a été réalisée dans le style baroque au 18ème siècle. Les paysages urbains baroques intacts se trouvent à Győr, Székesfehérvár, Eger, Veszprém, Esztergom et dans le quartier du château de Buda. Les palais baroques les plus importants de Hongrie furent le palais royal de Buda, le palais Grassalkovich à Gödöllő et le palais Esterházy à Fertőd. Les plus petits édifices baroques de l’aristocratie hongroise sont dispersés dans tout le pays. Le baroque hongrois montre la double influence des tendances artistiques autrichiennes et italiennes comme beaucoup d’architectes allemands et italiens ont travaillé dans le pays. Les principales caractéristiques de la version locale du style étaient la modestie, le manque de décoration excessive, et une certaine saveur “rurale”, en particulier dans les œuvres des maîtres locaux. Les architectes importants du baroque hongrois étaient Andreas Mayerhoffer, Ignác Oraschek et Márton Wittwer. Franz Anton Pilgram a également travaillé dans le Royaume de Hongrie, par exemple sur le grand monastère des Prémontrés de Jasov (aujourd’hui en Slovaquie). Dans les dernières décennies du 18ème siècle, les tendances néo-classiques sont devenues dominantes. Les deux architectes les plus importants de cette période étaient Melchior Hefele et Jakab Fellner.

Au moment où les variétés hongroises de l’architecture baroque sont apparues avec plusieurs types de formes, de formes et de décorations. Ceux qui sont devenus célèbres et gentils ont été copiés. C’est pourquoi les édifices baroques hongrois font des groupes basés sur des similitudes. Les principaux types de bâtiments sont les suivants: type Eszterháza, type Széchenyi, type Gödöllő, baroque religieux (ecclésiastique), maisons et autres (châteaux, maisons paysannes).

Quelques structures baroques représentatives en Roumanie sont le Palais Bánffy à Cluj, le Palais Brukenthal à Sibiu et le Palais Évêché à Oradea. En outre, presque chaque ville de Transylvanie a au moins une église baroque, dont la plupart sont la cathédrale Saint-Georges de Timişoara, l’église Saint-Jean-Baptiste de Târgu Mureş, la cathédrale Sainte-Trinité de Blaj et l’église piariste de Cluj.

France
Le centre de l’architecture séculaire baroque était la France, où la disposition ouverte de trois ailes du palais a été établie comme solution canonique dès le 16ème siècle. Mais c’est le Palais du Luxembourg de Salomon de Brosse qui détermina la direction sobre et classique de l’architecture baroque française. Pour la première fois, le corps de logis a été souligné comme la partie principale représentative du bâtiment, tandis que les ailes latérales étaient considérées comme hiérarchiquement inférieures et réduites de façon appropriée. La tour médiévale a été complètement remplacée par la projection centrale en forme de passerelle monumentale de trois étages.

De Brosse mêlait des éléments français traditionnels (p. Ex. De hauts toits mansardés et une toiture complexe) avec de nombreuses citations italianisantes (p. Ex. Rustication omniprésente, provenant du Palazzo Pitti à Florence) qui caractérisaient le style Louis XIII. Probablement le formulateur le plus accompli de la nouvelle manière était François Mansart, un perfectionniste infatigable crédité d’introduire le plein Baroque à la France. Dans sa conception du château de Maisons (1642), Mansart réussit à concilier les approches académiques et baroques, tout en respectant les idiosyncrasies héritées du gothique de la tradition française.

Le château de Maisons témoigne de la transition en cours entre les châteaux post-médiévaux du XVIe siècle et les maisons de campagne du XVIIIe siècle. La structure est strictement symétrique, avec une commande appliquée à chaque étage, principalement sous forme de pilastre. Le frontispice, couronné d’un toit agrandi séparé, est imprégné d’une plasticité remarquable et l’ensemble se lit comme un ensemble tridimensionnel. Les structures de Mansart sont dépouillées des effets décoratifs exagérés, si typiques de la Rome contemporaine. L’influence baroque italienne est en sourdine et reléguée au domaine de l’ornementation décorative.

La prochaine étape dans le développement de l’architecture résidentielle européenne a impliqué l’intégration des jardins dans la composition du palais, comme en témoigne Vaux-le-Vicomte), où l’architecte Louis Le Vau, le designer Charles Le Brun et le jardinier André Le Nôtre se complètent. De la corniche principale à une plinthe basse, le palais miniature est vêtu de ce qu’on appelle «l’ordre colossal», ce qui rend la structure plus impressionnante. La collaboration créative entre Le Vau et Le Nôtre marque l’arrivée du «Magnificent Manner» qui permit d’étendre l’architecture baroque à l’extérieur des murs du palais et de transformer le paysage environnant en une mosaïque immaculée de panoramas expansifs.

Les mêmes trois artistes ont étendu ce concept à des proportions monumentales dans le pavillon de chasse royal et plus tard la résidence principale à Versailles. À une échelle beaucoup plus grande, le palais est une version exagérée et quelque peu répétitive de Vaux-le-Vicomte. C’était à la fois le bâtiment résidentiel le plus grandiose et le plus imité du XVIIe siècle. Mannheim, Nordkirchen et Drottningholm étaient parmi les nombreuses résidences étrangères pour lesquelles Versailles a fourni un modèle.

L’expansion finale de Versailles a été supervisée par Jules Hardouin-Mansart, dont le design principal est le Dôme des Invalides, généralement considéré comme l’église française la plus importante du siècle. Hardouin-Mansart profite de l’instruction de son oncle et projette d’insuffler à l’édifice une grandeur impériale sans précédent dans les pays du nord de l’Italie. Le majestueux dôme hémisphérique équilibre la vigoureuse poussée verticale des ordres, qui ne traduit pas fidèlement la structure de l’intérieur. Le jeune architecte a non seulement ravivé l’harmonie et l’équilibre associés au travail de l’aîné Mansart, mais il a aussi donné le ton à l’architecture française du baroque tardif, avec sa grande lourdeur et ses concessions croissantes à l’académisme.

Le règne de Louis XV a vu une réaction contre le style officiel de Louis XIV sous la forme d’une manière plus délicate et intime, connue sous le nom de Rococo. Le style a été mis au point par Nicolas Pineau, qui a collaboré avec Hardouin-Mansart sur les intérieurs du royal Château de Marly. Plus élaboré par Pierre Le Pautre et Juste-Aurèle Meissonier, le genre pittoresque culmine dans les intérieurs du Petit Château de Chantilly (vers 1722) et de l’Hôtel de Soubise à Paris (vers 1732), où l’accent mis sur la mode Curvilinéaire allait au-delà de toute mesure raisonnable, tandis que la sculpture, les peintures, les meubles et la porcelaine avaient tendance à éclipser les divisions architecturales de l’intérieur.