L’architettura barocca è lo stile costruttivo dell’età barocca, iniziata nell’Italia del tardo XVI secolo, che ha preso il vocabolario romano dell’architettura rinascimentale e l’ha usato in una nuova forma retorica e teatrale, spesso per esprimere il trionfo della Chiesa cattolica. Era caratterizzato da nuove esplorazioni di forme, luci e ombre e intensità drammatica. Le caratteristiche comuni dell’architettura barocca includevano il gigantismo delle proporzioni; un grande spazio centrale aperto in cui tutti potevano vedere l’altare; colonne tortuose, effetti teatrali, compresa la luce proveniente da una cupola sopra; effetti interni drammatici creati con bronzo e doratura; grappoli di angeli scolpiti e altre figure in alto; e un ampio uso del trompe-l’oeil, chiamato anche “quadratura”, con dettagli architettonici dipinti e figure sulle pareti e sul soffitto, per aumentare l’effetto drammatico e teatrale.
Mentre il Rinascimento attingeva alla ricchezza e al potere delle corti italiane e costituiva un misto di forze laiche e religiose, il barocco era, almeno per lo meno, direttamente collegato alla Controriforma, un movimento all’interno della Chiesa cattolica per riformarsi in risposta alla Riforma protestante. L’architettura barocca e i suoi abbellimenti erano da un lato più accessibili alle emozioni e dall’altro, una dichiarazione visibile della ricchezza e del potere della Chiesa cattolica. Il nuovo stile si manifestò in particolare nel contesto dei nuovi ordini religiosi, come i teatini ei gesuiti che miravano a migliorare la pietà popolare.
L’architettura dell’Alto Barocco Romano può essere assegnata ai regni papali di Urbano VIII, Innocenzo X e Alessandro VII, dal 1623 al 1667. I tre principali architetti di questo periodo furono lo scultore Gianlorenzo Bernini, Francesco Borromini e il pittore Pietro da Cortona e ciascuno ha sviluppato la propria espressione architettonica distintamente individuale.
La diffusione dell’architettura barocca nel sud d’Italia ha portato a variazioni regionali come l’architettura barocca siciliana o quella di Napoli e Lecce. A nord, l’architetto teatrale Camillo-Guarino Guarini, Bernardo Vittone e il siciliano Filippo Juvarra contribuirono con edifici barocchi alla città di Torino e al Piemonte.
Una sintesi dell’architettura del Bernini, del Borromini e di Cortona può essere vista nell’architettura tardo barocca del nord Europa che ha aperto la strada allo stile più decorativo del Rococò.
Verso la metà del XVII secolo, lo stile barocco aveva trovato la sua espressione secolare sotto forma di grandi palazzi, prima in Francia – con il castello di Maisons (1642) vicino a Parigi da François Mansart – e poi in tutta Europa.
Durante il 17 ° secolo, l’architettura barocca si diffuse attraverso l’Europa e l’America Latina, dove fu particolarmente promossa dai gesuiti.
Precursori e caratteristiche dell’architettura barocca
Gli edifici tardo romanici di Michelangelo, in particolare la Basilica di San Pietro, possono essere considerati precursori dell’architettura barocca. Il suo allievo Giacomo della Porta continuò quest’opera a Roma, in particolare nella facciata della chiesa gesuita Il Gesù, che conduce direttamente alla più importante facciata della chiesa del primo barocco, Santa Susanna (1603), di Carlo Maderno.
Le caratteristiche distintive dell’architettura barocca possono includere:
nelle chiese, nelle navate più larghe e talvolta nelle forme ovali
elementi architettonici frammentari o volutamente incompleti
uso drammatico della luce; o forti contrasti di luci ed ombre (effetti chiaroscurali) come nella chiesa dell’abbazia di Weltenburg, o illuminazione uniforme per mezzo di diverse finestre (ad esempio la chiesa dell’abbazia di Weingarten)
uso opulento di colori e ornamenti (putti o figure in legno (spesso dorato), intonaco o stucco, marmo o rifiniture finte)
affreschi del soffitto su larga scala
una facciata esterna spesso caratterizzata da una drammatica proiezione centrale
l’interno è una conchiglia per la pittura, la scultura e gli stucchi (soprattutto nel tardo barocco)
effetti illusori come il trompe l’oeil (una tecnica artistica che coinvolge immagini estremamente realistiche per creare l’illusione ottica che gli oggetti raffigurati compaiono in tre dimensioni) e la fusione tra pittura e architettura
cupole a pera nel barocco bavarese, ceco, polacco e ucraino
Colonne mariane e della Santissima Trinità erette in paesi cattolici, spesso in ringraziamento per porre fine a una pestilenza
Barocco e colonialismo
Anche se la tendenza è stata quella di vedere l’architettura barocca come un fenomeno europeo, ha coinciso con la nascita del colonialismo europeo, ed è integralmente intrappolata. Il colonialismo richiedeva lo sviluppo di governi centralizzati e potenti con la Spagna e la Francia, i primi a muoversi in questa direzione. Il colonialismo portò enormi quantità di ricchezza, non solo nell’argento estratto dalle miniere in Bolivia, in Messico e altrove, ma anche nel conseguente commercio di materie prime, come zucchero e tabacco. La necessità di controllare le rotte commerciali, i monopoli e la schiavitù, che erano principalmente nelle mani dei francesi durante il XVII secolo, creò un ciclo quasi infinito di guerre tra le potenze coloniali: le guerre religiose francesi, la Guerra dei Trent’anni (1618 e 1648), guerra franco-spagnola (1653), la guerra franco-olandese (1672-1678), e così via. L’iniziale cattiva gestione della ricchezza coloniale da parte degli spagnoli li ha mandati in rovina nel 16 ° secolo (1557 e 1560), recuperando solo lentamente nel secolo successivo. Questo spiega perché lo stile barocco, sebbene sviluppato con entusiasmo in tutto l’impero spagnolo, fosse in larga misura, in Spagna, un’architettura di superfici e facciate, a differenza di Francia e Austria dove vediamo la costruzione di numerosi enormi palazzi e monasteri. In contrasto con la Spagna, i francesi, sotto Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), il ministro delle finanze, avevano cominciato a industrializzare la loro economia, e quindi, erano in grado di diventare, almeno per lo meno, i benefattori del flusso di ricchezza . Mentre ciò andava bene per le industrie edilizie e le arti, la nuova ricchezza creò un’inflazione, il che non era mai stato sperimentato prima. Roma era conosciuta tanto per le sue nuove sontuose chiese quanto per i suoi vagabondi.
Italia
Un certo numero di edifici ecclesiastici del periodo barocco a Roma aveva piani basati sul paradigma italiano della basilica con una cupola e una navata incrociate, ma il trattamento dell’architettura era molto diverso da quello che era stato fatto in precedenza. Una delle prime strutture romane a rompere con le convenzioni manieriste esemplificate nel Gesù, fu la chiesa di Santa Susanna, progettata da Carlo Maderno. Il ritmo dinamico di colonne e lesene, l’ammassamento centrale e la sporgenza e la decorazione centrale condensata aggiungono complessità alla struttura. C’è una giocosità incipiente con le regole del design classico, ma mantiene ancora il rigore.
Le stesse preoccupazioni per la plasticità, l’ammassamento, gli effetti drammatici, l’ombra e la luce sono evidenti nell’opera architettonica di Pietro da Cortona, illustrata dal disegno di Santi Luca e Martina (costruzione iniziata nel 1635) con quella che fu probabilmente la prima facciata curvilinea barocca della chiesa A Roma. Queste preoccupazioni sono ancora più evidenti nella sua rielaborazione di Santa Maria della Pace (1656-68). La facciata con il suo portico a mezza cupola in chiaroscuro e le ali laterali concave, ricorda da vicino un palcoscenico teatrale e la facciata della chiesa proietta in avanti in modo da riempire sostanzialmente la piccola piazza trapezoidale. Altre formazioni romane del periodo barocco e tardo barocco sono anch’esse soffuse di teatralità e, come teatri urbani, forniscono punti d’interesse all’interno della loro località nel paesaggio urbano circostante.
Probabilmente l’esempio più noto di tale approccio è Piazza San Pietro, che è stata elogiata come un colpo da maestro del teatro barocco. La piazza, progettata da Gian Lorenzo Bernini, è formata principalmente da due colonnati di colonne autoportanti centrate su un obelisco egizio. Il disegno preferito del Bernini era la sua chiesa ovale di Sant’Andrea al Quirinale decorata con marmi policromi e una cupola dorata ornata. La sua architettura secolare comprendeva Palazzo Barberini su progetto di Maderno e Palazzo Chigi-Odescalchi (1664), entrambi a Roma.
Il rivale del Bernini, l’architetto Francesco Borromini, ha prodotto disegni che hanno deviato in modo drammatico dalle composizioni regolari del mondo antico e del Rinascimento. I suoi piani di costruzione erano basati su complesse figure geometriche, le sue forme architettoniche erano insolite e inventive e utilizzava simbolismi a più strati nei suoi progetti architettonici. Gli spazi architettonici di Borromini sembrano espandersi e contrarsi quando necessario, dimostrando una certa affinità con lo stile tardo di Michelangelo. Il suo capolavoro iconico è la minuscola chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane, caratterizzata da un complicato schema planimetrico in parte ovale e in parte a croce e con complessi ritmi convessi-concavi della parete. Un’opera successiva, la chiesa di Sant’Ivo alla Sapienza, mostra la stessa giocosa inventiva e antipatia per la superficie piana, rappresentata da un’insolita lanterna a “cavatappi” sopra la cupola.
Dopo la morte del Bernini nel 1680, Carlo Fontana emerse come l’architetto più influente che operava a Roma. Il suo stile giovanile è esemplificato dalla facciata leggermente concava di San Marcello al Corso. L’approccio accademico di Fontana, sebbene privo della brillante inventiva dei suoi predecessori romani, esercitò un’influenza sostanziale sull’architettura barocca sia attraverso i suoi scritti prolifici che attraverso un certo numero di architetti da lui formati, che diffondevano gli idiomi barocchi in tutta l’Europa del XVIII secolo.
Il XVIII secolo vide la capitale del mondo architettonico europeo trasferita da Roma a Parigi. Il rococò italiano, che fiorì a Roma dal 1720 in poi, fu profondamente influenzato dalle idee di Borromini. Gli architetti più talentuosi attivi a Roma – Francesco de Sanctis (Piazza di Spagna, 1723) e Filippo Raguzzini (Piazza Sant’Ignazio, 1727) – avevano poca influenza al di fuori del loro paese nativo, così come numerosi praticanti del barocco siciliano, tra cui Giovanni Battista Vaccarini , Andrea Palma e Giuseppe Venanzio Marvuglia.
L’ultima fase dell’architettura barocca in Italia è esemplificata dal Palazzo di Caserta di Luigi Vanvitelli, ritenuto il più grande edificio eretto in Europa nel XVIII secolo. Indebitato con i modelli contemporanei francesi e spagnoli, il palazzo è abilmente legato al paesaggio. A Napoli e Caserta, Vanvitelli praticava uno stile accademico sobrio e classico, con uguale attenzione all’estetica e all’ingegneria, uno stile che avrebbe facilitato il passaggio al neoclassicismo.
Nord Italia
Nel nord dell’Italia, i monarchi di Casa Savoia erano particolarmente ricettivi al nuovo stile. Impiegarono una brillante triade di architetti (Guarino Guarini, Filippo Juvarra e Bernardo Vittone) per illustrare le grandiose ambizioni politiche e lo stato regale appena acquisito della loro dinastia.
Guarini era un monaco peripatetico che univa molte tradizioni (compresa quella dell’architettura gotica) per creare strutture irregolari notevoli per le loro colonne ovali e le facciate non convenzionali. Basandosi sulle scoperte della geometria e della stereometria contemporanee, Guarini elaborò il concetto di architectura obliqua, che approssima lo stile di Borromini sia in audacia teorica che strutturale. Palazzo Carignano (1679) del Guarini potrebbe essere stata l’applicazione più sgargiante dello stile barocco al progetto di una casa privata nel 17 ° secolo.
Forme fluide, dettagli senza peso e le ariose prospettive dell’architettura di Juvarra anticipavano l’arte del Rococò. Sebbene la sua pratica andasse ben oltre Torino, i disegni più accattivanti di Juvarra furono creati per Vittorio Amedeo II di Sardegna. L’impatto visivo della sua Basilica di Superga (1717) deriva dalla sua altissima linea del tetto e da una maestosa collocazione su una collina sopra Torino. L’ambiente rustico favorì un’articolazione più libera della forma architettonica nella residenza di caccia reale della Palazzina di Stupinigi (1729). Juvarra ha terminato la sua breve ma movimentata carriera a Madrid, dove ha lavorato ai palazzi reali di La Granja e Aranjuez.
Tra i molti che furono profondamente influenzati dalla genialità e dalla diversità di Juvarra e Guarini, nessuno era più importante di Bernardo Vittone. Questo architetto piemontese è ricordato per un affioramento di sfavillanti chiese rococò, quadrilatero in pianta e delicato nei dettagli. I suoi progetti sofisticati spesso presentano più volte, strutture all’interno di strutture e cupole all’interno di cupole.
Malta
Lo stile barocco fu introdotto a Malta all’inizio del XVII secolo, probabilmente dall’architetto e ingegnere bolognese Bontadino de Bontadini, che fu responsabile della costruzione dell’acquedotto di Wignacourt tra il 1612 e il 1615. Le prime strutture barocche di Malta furono gli elementi decorativi all’interno l’acquedotto, come l’arco di Wignacourt e diverse fontane.
L’architettura barocca divenne popolare dopo che Francesco Bounamici progettò la Chiesa dei Gesuiti a La Valletta nel 1635. Nei decenni successivi, molte chiese, edifici pubblici, porte cittadine, palazzi e altre strutture furono costruite o ricostruite in questo stile. Nuove chiese furono costruite in stile barocco, mentre quelle più vecchie furono ricostruite o ridecorate. Gli esempi includono l’interno della Concattedrale di San Giovanni, che è stato completamente ridisegnato da Mattia Preti nel 1660 e la Chiesa di Nostra Signora delle Vittorie, che ha ricostruito la sua facciata nel 1752.
L’architetto Lorenzo Gafà progettò molte chiese barocche tra il 1660 e il 1700, tra cui la Chiesa di San Lorenzo a Birgu (1681-97), la Cattedrale di San Paolo a Mdina (1696-1705) e la Cattedrale dell’Assunzione a Victoria, Gozo (1697-1711).
L’edificio barocco più monumentale di Malta è l’Auberge de Castille, ricostruito nel 1741-45 da Andrea Belli. Altri esempi di architettura barocca secolare a Malta includono l’Hostel de Verdelin (1650 circa), le parti di Fort Manoel (1723-33), la Porta Mdina (1724) e la Castellania (1757-60).
Lo stile barocco rimase popolare a Malta fino alla fine del XVIII e all’inizio del XIX secolo, quando fu introdotto lo stile neoclassico. Tuttavia, l’architettura tradizionale maltese ha continuato ad avere influenze barocche significative.
Spagna
Mentre le influenze barocche italiane penetrarono attraverso i Pirenei, gradualmente sostituirono in popolarità l’approccio classico e restrittivo di Juan de Herrera, che era in voga sin dal tardo XVI secolo. Già nel 1667, le facciate della Cattedrale di Granada (di Alonso Cano) e della Cattedrale di Jaén (di Eufrasio López de Rojas) suggeriscono la fluidità degli artisti nell’interpretare i motivi tradizionali dell’architettura cattedrale spagnola nell’idioma barocco.
In contrasto con l’arte del Nord Europa, l’arte spagnola del periodo faceva appello alle emozioni piuttosto che cercare di compiacere l’intelletto. La famiglia Churriguera, specializzata nella progettazione di altari e retabli, si ribellò alla sobrietà del classicismo di Herreresque e promosse uno stile di decorazione di superficie complesso, esagerato, quasi capriccioso noto come Churrigueresco. Nel giro di mezzo secolo, trasformarono Salamanca in una città esemplare di Churrigueresque. Tra i punti salienti dello stile, gli interni della Certosa di Granada offrono alcune delle più impressionanti combinazioni di spazio e luce nell’Europa del XVIII secolo. Integrando scultura e architettura in modo ancora più radicale, Narciso Tomé ha ottenuto effetti chiaroscuri sorprendenti nel suo Transparente per la Cattedrale di Toledo.
Lo sviluppo dello stile è passato attraverso tre fasi. Tra il 1680 e il 1720, la Churriguera rese popolare la fusione di colonne salomoniche e ordine composito del Guarini, noto come “l’ordine supremo”. Tra il 1720 e il 1760, la colonna Churrigueresque, o estipite, a forma di cono o obelisco rovesciato, fu istituita come elemento centrale della decorazione ornamentale. Gli anni dal 1760 al 1780 videro un graduale spostamento di interesse dal movimento contorto e dall’ornamento eccessivo verso un equilibrio e una sobrietà neoclassici.
Due delle creazioni più accattivanti del barocco spagnolo sono le facciate energetiche dell’Università di Valladolid (Diego Tomé, 1716-1718) e Hospicio de San Fernando a Madrid (Pedro de Ribera, 1722), la cui stravaganza curvilinea sembra annunciare Antonio Gaudí e Art Nouveau. In questo caso come in molti altri, il design coinvolge un gioco di elementi tettonici e decorativi con poca relazione con struttura e funzione. Il punto focale dell’ornamentazione florida è un contorno elaboratamente scolpito su una porta principale. Se togliamo l’intricato labirinto di frontoni spezzati, cornicioni ondulati, gusci di stucco, coni e cornici rovesciate dal muro piuttosto piatto su cui è appoggiata, la forma dell’edificio non ne risentirebbe minimamente.
America e territori spagnoli
La combinazione delle influenze decorative native americane e moresche con un’interpretazione estremamente espressiva dell’idioma churrigueresco può spiegare il carattere corposo e vario del barocco nelle colonie americane della Spagna. Ancor più della sua controparte spagnola, American Baroque si è sviluppato come uno stile di decorazione a stucco. Le facciate a due torri di molte cattedrali americane del XVII secolo avevano radici medievali e il barocco a tutti gli effetti non apparve fino al 1664, quando fu costruito un santuario gesuitico in Plaza des Armas a Cusco. Anche allora, il nuovo stile ha colpito a malapena la struttura delle chiese.
A nord, la provincia più ricca della nuova Spagna-Messico del XVIII secolo, produceva un’architettura straordinariamente stravagante e visivamente frenetica, conosciuta come Churrigueresque messicana. Questo approccio ultra-barocco culmina nelle opere di Lorenzo Rodriguez, il cui capolavoro è il Sagrario Metropolitano a Città del Messico. Altri eccellenti esempi dello stile si possono trovare nelle remote città minerarie d’argento. Ad esempio, il Santuario di Ocotlán (iniziato nel 1745) è una cattedrale barocca di prim’ordine emersa in tegole rosse luminose, che contrastano deliziosamente con una pletora di ornamenti appiattiti generosamente applicati all’ingresso principale e le torri fiancheggianti.
La vera capitale del barocco messicano è Puebla, dove una pronta fornitura di ceramiche dipinte a mano (talavera) e pietra grigia vernacolare ha portato alla sua ulteriore evoluzione in una forma d’arte personalizzata e altamente localizzata con un pronunciato sapore indiano. Ci sono una sessantina di chiese le cui facciate e cupole mostrano piastrelle smaltate di molti colori, spesso disposte in disegni arabi. Gli interni sono densamente saturi di elaborati ornamenti in foglia d’oro. Nel XVIII secolo, gli artigiani locali svilupparono una marca distintiva di decorazioni in stucco bianco, chiamate “alfenique” dopo una caramella Pueblan a base di albumi e zucchero.
Il barocco peruviano era particolarmente sontuoso, come dimostra il monastero di San Francisco a Lima (1673). Mentre il barocco rurale del gesuita Block e Estancias di Córdoba a Córdoba, in Argentina, seguiva il modello di Il Gesu, gli stili “meticcio” (incroci) provinciali emersero ad Arequipa, Potosí e La Paz. Nel XVIII secolo, gli architetti della regione si sono ispirati all’arte mudéjar della Spagna medievale. Il tipo tardo barocco della facciata peruviana compare per la prima volta nella chiesa della Madonna di La Merced a Lima. Allo stesso modo, la Chiesa di La Compañia a Quito suggerisce una pala d’altare scolpita con la sua facciata riccamente scolpita e un eccesso di salomónica a spirale.
Il terremoto barocco è uno stile di architettura barocca trovato nelle Filippine, che ha subito terremoti distruttivi durante il 17 ° secolo e il 18 ° secolo, dove grandi edifici pubblici, come le chiese, sono stati ricostruiti in stile barocco. Eventi simili portarono all’architettura Pombaline a Lisbona dopo il terremoto di Lisbona del 1755 e il barocco siciliano in Sicilia dopo il terremoto del 1693.
Portogallo e impero portoghese
Il Palazzo di Brejoeira, un primo esempio di architettura barocca portoghese settentrionale
Mafra National Palace, un gioiello dell’architettura barocca portoghese
L’interno della chiesa di São Roque a Lisbona, in Portogallo, illustra la ricca architettura barocca nelle sue cappelle, tra cui la cappella di San Giovanni Battista, adornata in oro, la più costosa del mondo.
Nonostante la prodigalità di una decorazione superficiale sensualmente ricca associata all’architettura barocca della penisola iberica, le corti reali di Madrid e Lisbona in generale hanno favorito un vocabolario architettonico più sobrio distillato dall’Italia del XVII secolo. I palazzi reali di Madrid, La Granja, Aranjuez e Mafra sono stati progettati da architetti sotto la forte influenza di Bernini e Juvarra. Nel regno dell’architettura ecclesiastica, il progetto di Guarini per Santa Maria della Divina Provvidenza a Lisbona è stato un passo in avanti per l’audacia strutturale nella regione (anche se non fu mai costruita).
In Portogallo, la prima chiesa interamente barocca era la Chiesa di Santa Engrácia, a Lisbona, progettata dall’architetto reale João Antunes, che ha una pianta a croce greca e facciate curve. Antunes progettò anche chiese in cui lo spazio interno fosse rettangolare ma con angoli curvi (come la Chiesa di Menino de Deus a Lisbona), uno schema che si trova in diverse chiese settecentesche in Portogallo e in Brasile. La corte di Giovanni V, d’altra parte, favorì i modelli barocchi romani, come attesta l’opera dell’architetto reale Ludovice, un tedesco che progettò il palazzo reale di Mafra, costruito dopo il 1715.
Verso la metà del XVIII secolo, gli architetti del nord del Portogallo avevano assorbito i concetti del barocco italiano per goderne la plasticità del granito locale in progetti come l’impetuosa Torre dos Clérigos di 75 metri a Porto. Il principale centro della tradizione barocca nazionale era Braga, i cui edifici comprendono praticamente ogni aspetto importante dell’architettura e del design portoghesi. I santuari e i palazzi barocchi di Braga sono noti per i motivi ornamentali policromi, le linee ondulate del tetto e le cornici delle finestre dalle forme irregolari.
Gli architetti brasiliani hanno anche esplorato la plasticità nella forma e nella decorazione, anche se raramente hanno superato i loro coetanei continentali in ostentazione. Le chiese di Mariana e del Rosario a Ouro Preto si basano sulla visione di Borromini degli spazi ellittici ad incastro. A São Pedro dos Clérigos, Recife), una convenzionale facciata in stucco e pietra è ravvivata da “un alto frontone ondulato stretto tra le torri”.
Anche dopo che le convenzioni barocche passarono di moda in Europa, lo stile fu praticato a lungo in Brasile da Aleijadinho, un brillante e prolifico architetto nei cui disegni si potevano scorgere accenni di rococò. La sua chiesa di Bom Jesus de Matozinhos a Congonhas si distingue per una silhouette pittoresca e dettagli scuri ornamentali su una facciata in stucco leggero. Anche se Aleijadinho fu originariamente incaricato di progettare São Francisco de Assis a São João del Rei, i suoi disegni furono respinti, e furono invece spostati nella chiesa di São Francisco a Ouro Preto.
Regno di Ungheria
Nel Regno d’Ungheria, il primo grande edificio barocco fu la chiesa gesuita di Trnava (oggi in Slovacchia) costruita da Pietro Spozzo nel 1629-37, che modellò la chiesa del Gesù a Roma. I gesuiti furono i principali propagatori del nuovo stile con le loro chiese a Győr (1634-1641), Košice (1671-1684), Eger (1731-1733) e Székesfehérvár (1745-1751). La ricostruzione dei territori devastati dall’impero ottomano fu eseguita in stile barocco nel XVIII secolo. Paesaggi urbani intatti in stile barocco si trovano a Győr, Székesfehérvár, Eger, Veszprém, Esztergom e il distretto del castello di Buda. I palazzi barocchi più importanti dell’Ungheria furono il Palazzo Reale di Buda, il Palazzo Grassalkovich a Gödöllő e il Palazzo Esterházy a Fertőd. I più piccoli edifici barocchi dell’aristocrazia ungherese sono sparsi in tutto il paese. Il barocco ungherese mostra la doppia influenza delle tendenze artistiche austriache e italiane come molti architetti tedeschi e italiani hanno lavorato nel paese. Le caratteristiche principali della versione locale dello stile erano la modestia, la mancanza di decorazioni eccessive e un certo sapore “rurale”, specialmente nelle opere dei maestri locali. Importanti architetti del barocco ungherese furono Andreas Mayerhoffer, Ignác Oraschek e Márton Wittwer. Franz Anton Pilgram lavorò anche nel Regno d’Ungheria, ad esempio nel grande monastero premostratense di Jasov (oggi in Slovacchia). Negli ultimi decenni del XVIII secolo le tendenze neoclassiche divennero dominanti. I due architetti più importanti di quel periodo furono Melchior Hefele e Jakab Fellner.
Nel tempo le varietà ungheresi di architettura barocca apparivano con diversi tipi di forme, forme e decorazioni. Quelli che sono diventati famosi e simpatici, sono stati copiati. Ecco perché gli edifici barocchi ungheresi creano gruppi basati sulle somiglianze. I principali tipi di edifici sono i seguenti: tipo Eszterháza, tipo Széchenyi, tipo Gödöllő, barocco religioso (ecclesiastico), case e altri (castelli, case contadine).
Alcune strutture barocche rappresentative in Romania sono il Palazzo Bánffy a Cluj, il Palazzo Brukenthal a Sibiu e il Palazzo Vescovile a Oradea. Inoltre, quasi tutte le città della Transilvania hanno almeno una chiesa barocca, la maggior parte dei quali è la Cattedrale di San Giorgio di Timişoara, la Chiesa di San Giovanni Battista di Târgu Mureş, la Cattedrale della Santa Trinità di Blaj e la Chiesa degli Scolopi di Cluj.
Francia
Il centro dell’architettura secolare barocca era la Francia, dove la disposizione a tre ali aperta del palazzo fu istituita come soluzione canonica fin dal 16 ° secolo. Ma fu il Palais du Luxembourg di Salomon de Brosse a determinare la direzione sobria e classicista che l’architettura barocca francese avrebbe dovuto prendere. Per la prima volta, il corps de logis è stato enfatizzato come la parte principale rappresentativa dell’edificio, mentre le ali laterali sono state trattate come gerarchicamente inferiori e opportunamente ridimensionate. La torre medievale è stata completamente sostituita dalla proiezione centrale a forma di monumentale portale a tre piani.
La fusione di De Brosse con elementi tradizionali francesi (ad esempio alti tetti a mansarda e una complessa linea del tetto) con ampie citazioni italiane (per esempio il bugnato onnipresente, derivato da Palazzo Pitti a Firenze) giunse a caratterizzare lo stile Luigi XIII. Probabilmente il più abile formatore del nuovo modo fu François Mansart, infaticabile perfezionista accreditato di presentare il pieno barocco alla Francia. Nel suo progetto per Château de Maisons (1642), Mansart riuscì a conciliare approcci accademici e barocchi, dimostrando il rispetto per le idiosincrasie ereditate dal gotico della tradizione francese.
Il castello di Maisons dimostra la transizione in corso dai castelli post-medievali del 16 ° secolo alle case di campagna della villa del 18 °. La struttura è rigorosamente simmetrica, con un ordine applicato ad ogni piano, per lo più in forma di pilastro. Il frontespizio, coronato da un tetto separato, è infuso di notevole plasticità e l’insieme sembra un tutto tridimensionale. Le strutture di Mansart sono spogliate di effetti decorativi esagerati, così tipici della Roma contemporanea. L’influenza barocca italiana è attenuata e relegata nel campo degli ornamenti decorativi.
Il prossimo passo nello sviluppo dell’architettura residenziale europea ha comportato l’integrazione dei giardini nella composizione del palazzo, come esemplificato da Vaux-le-Vicomte), dove l’architetto Louis Le Vau, il designer Charles Le Brun e il giardiniere André Le Nôtre si completarono a vicenda. Dal cornicione principale a un basso basamento, il palazzo in miniatura è rivestito del cosiddetto “ordine colossale”, che rende la struttura più impressionante. La collaborazione creativa di Le Vau e Le Nôtre ha segnato l’arrivo del “Magnificent Manner” che ha permesso di estendere l’architettura barocca fuori dalle mura del palazzo e trasformare il paesaggio circostante in un mosaico immacolato di ampie vedute.
Gli stessi tre artisti hanno ridimensionato questo concetto in proporzioni monumentali nella residenza reale di caccia e in seguito residenza principale a Versailles. Su una scala più grande, il palazzo è una versione esagerata e un po ‘ripetitiva di Vaux-le-Vicomte. Era sia l’edificio residenziale più grandioso che il più imitato del XVII secolo. Mannheim, Nordkirchen e Drottningholm erano tra le molte residenze straniere per le quali Versailles ha fornito un modello.
L’espansione finale di Versailles fu affidata a Jules Hardouin-Mansart, il cui design chiave è la Cupola degli Invalidi, generalmente considerata la più importante chiesa francese del secolo. Hardouin-Mansart approfittò delle istruzioni e degli schemi di suo zio per instillare l’edificio con una grandezza imperiale senza precedenti nei paesi del nord Italia. La maestosa cupola emisferica bilancia la vigorosa spinta verticale degli ordini, che non trasmettono accuratamente la struttura dell’interno. L’architetto più giovane non solo rianimò l’armonia e l’equilibrio associati all’opera del vecchio Mansart, ma creò anche il tono per l’architettura francese del tardo barocco, con la sua grande ponderatezza e le crescenti concessioni accademiche.
Il regno di Luigi XV vide una reazione contro lo stile Louis XIV ufficiale sotto forma di un modo più delicato e intimo, noto come Rococo. Lo stile fu pioniere di Nicolas Pineau, che collaborò con Hardouin-Mansart agli interni del castello reale di Marly. Ulteriormente elaborato da Pierre Le Pautre e Juste-Aurèle Meissonier, il “genere pittoresco” è culminato negli interni del Petit Château di Chantilly (1722 circa) e dell’Hôtel de Soubise a Parigi (1732 circa), dove un’enfasi alla moda il curvilineo andava oltre ogni ragionevole misura, mentre la scultura, i dipinti, i mobili e la porcellana tendevano ad oscurare le divisioni architettoniche dell’interno.