Vanitas

Eine Vanitas ist ein symbolisches Kunstwerk, das die Vergänglichkeit des Lebens, die Sinnlosigkeit des Vergnügens und die Gewissheit des Todes zeigt und oft Symbole des Reichtums und Symbole von Vergänglichkeit und Tod kontrastiert. Am bekanntesten sind die Vanitas-Stilleben, ein verbreitetes Genre in der niederländischen Kunst des 16. und 17. Jahrhunderts; Sie wurden auch zu anderen Zeiten und in anderen Medien und Genres geschaffen.

Vanitas bedeutet „Vergeblichkeit“ oder „Wertlosigkeit“, dh die Sinnlosigkeit irdischer Güter und Beschäftigungen, die auf Kohelet 1: 2 hinweisen; 12: 8 Vanitas vanitatum omnia vanitas, übersetzt „Eitelkeit der Eitelkeit, alles ist Eitelkeit“ in der King James Bibel.

Etymologie
Das lateinische Nomen vānĭtās (vom lateinischen Adjektiv „leer“) bedeutet „Leere“, „Vergeblichkeit“ oder „Wertlosigkeit“, wobei die traditionelle christliche Ansicht ist, dass irdische Güter und Beschäftigungen vergänglich und wertlos sind. Es spielt auf Kohelet 1: 2 an; 12: 8, wo Vanitas das hebräische Wort hevel übersetzt, das auch den Begriff der Vergänglichkeit einschließt.

Themen
Vanitas Themen waren in der mittelalterlichen Grabkunst üblich, mit den meisten erhaltenen Beispielen in der Skulptur. Im 15. Jahrhundert konnten diese extrem morbide und explizit sein, was eine erhöhte Obsession mit Tod und Verfall widerspiegelt, die auch in der Ars moriendi, dem Danse Macabre und dem überlappenden Motiv des Memento mori zu sehen ist. Ab der Renaissance wurden solche Motive nach und nach indirekter und fanden, als das Stilleben populär wurde, dort eine Heimat. Im Vanitas-Stil gestaltete Gemälde sollten den Betrachter an die Vergänglichkeit des Lebens, die Sinnlosigkeit des Vergnügens und die Gewissheit des Todes erinnern. Sie lieferten auch eine moralische Rechtfertigung für das Malen attraktiver Objekte.

Bildobjekte und Interpretation

Die Gravur, durch den Titel Vanitas (im Bild!), Gibt wertvolle Informationen über diese Objekte und die damit verbundenen Aktivitäten, die als eitel und vergänglich interpretiert wurden.

Hinweise auf die Vergänglichkeit der irdischen Existenz und die angehäuften weltlichen Schätze finden sich in fast jedem Stilleben des 17. Jahrhunderts. Vor allem in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts scheint die Präsentation von optisch ansprechenden und / oder teuren Luxusobjekten nie ohne den Hinweis auf die Zerbrechlichkeit dieser irdischen Eitelkeit möglich gewesen zu sein, die auch im Bild enthalten ist. Das Vanitastillleben in diesem Zusammenhang ist der reinste Ausdruck dieses Weltbildes in der Kunst. Es kann als „privates hingebungsvolles Bild“ mit der Funktion einer „Erinnerung an die Meditation über den Tod und das ewige Leben“ verstanden werden.

Sibylle Ebert-Schifferer sieht einen Unterschied zwischen den Referenzen in anderen Stilleben (Blüte, Essen, Raucher-Stilleben etc.) und dem autonomen Vanitastillleben. Der Verweis auf das Ende in Verbindung mit der Verherrlichung des Wohlstands – zum Beispiel im Essensstilleben – wirkt sich negativ aus. Die Betrachtung des Unvermeidlichen im Vanitastillleben mit der Neigung, irdische Eitelkeit in Richtung auf das ewige Leben im Jenseits zu überwinden, ist jedoch eine positive Überlegung. Das Vanitasbild verlangt vom zeitgenössischen Betrachter eine aktive mentale Teilnahme – auch im Sinne einer moralischen Reflexion über sich selbst.

Die Requisiten der Vanitas-Stillleben wurden von Ingvar Bergström in drei große Gruppen gruppiert. Die erste Gruppe enthält Symbole der irdischen Existenz. Es sind Dinge, deren Wert nur scheinbar stabil ist: Bücher, Musikinstrumente, Geld und Schätze, Insignien von Macht und Größe und Werke der bildenden Kunst. Gleichzeitig umreissen diese Objekte die verschiedenen Lebensbereiche: aktiver Alltag (vita activa), geistiges Leben in Kunst und Wissenschaft (vita contemplativa) sowie Genuss und Lust (vita voluptaria). Die zweite Gruppe besteht aus Symbolen der Vergänglichkeit in Form von Objekten, die an sich zerfallen und deren Erscheinung die Idee davon hervorruft, wie der Schädel, die Sanduhr, die sterbende Kerze, verwelkende Blumen und umgefallene oder zerbrochene Gläser. Die dritte Gruppe sind die Symbole der Wiedergeburt und des ewigen Lebens wie Ähren, Lorbeer und Efeu.

Die Bedeutung der Objekte als Symbole und Referenzen im Vanitastillleben sowie in allen anderen Stilllebenarten erklärt sich durch zeitgenössische intellektuelle Rätsel, Poesie (Cats, Bredero, etc.) und vor allem die damals populären Embleme – insbesondere Sinnemoppen von Roemer Visscher und Zinne-Belts von Jan van der Veen.

Ein besonderes Symbol der Vergänglichkeit ist der immer wieder im Vanitastillleben befindliche Schädel, der die Wurzeln dieser Stilleben in der Antike, der spätmittelalterlichen Memento-mori-Darstellungen und der autonomen Vanitasdarstellungen an den Außenseiten der Diptychen offenbart. Die Darstellungen des meditierenden Hieronymus inmitten seiner Bücher und wissenschaftlichen Instrumente – manchmal mit einem Schädel – haben wahrscheinlich noch eine besondere Bedeutung.

Ein ebenso wichtiges Objekt in Vanitastillleben ist das Buch. Einerseits als ein Symbol der Gelehrsamkeit zu verstehen, verkörperte es als Instrument der Wissenschaft die Arroganz, zu der die Neugier führen konnte. Die Hochburg der Wissenschaft im 17. Jahrhundert in Holland war die Universitätsstadt von Leiden . Diese Stadt kann auch als Zentrum des Vanitas-Gemäldes betrachtet werden. Nicht zuletzt liegt das wahrscheinlich daran, dass in den Gemälden merklich oft Bücher und damit auch die Wissenschaften thematisiert werden und das Vanitas-Bild vermutlich eine Klasse benötigt, um als Empfänger bezeichnet zu werden.

Das Vanitastillleben hatte sein großes Aussehen in der Stilllebenmalerei vor allem in den 20er Jahren des 17. Jahrhunderts. Es kann kein Zufall sein, dass das Vanitas-Bild, das den Tod als Ende alles Irdischen so eindrucksvoll thematisiert, im Zuge einer bedrohlichen politischen Situation zunehmend auftaucht. Im Jahr 1621, nach einem 12-jährigen Waffenstillstand, der Protestant nördlichen Provinzen wieder Kämpfe mit den katholischen Habsburgern. Außerdem gab es in den Jahren 1624/25 und 1636 Pestepidemien. Die These von der Verbindung von Vanitastillleben und realen lebensbedrohlichen Situationen wird dadurch unterstützt, dass die Produktion solcher Gemälde im Westen stattfindet

Motive
Häufige Vanitas-Symbole sind Schädel, die an die Gewissheit des Todes erinnern; faule Frucht (Zerfall); Blasen (die Kürze des Lebens und die Plötzlichkeit des Todes); Rauch, Uhren und Sanduhren (die Kürze des Lebens); und Musikinstrumente (Kürze und ephemere Natur des Lebens). Obst, Blumen und Schmetterlinge können auf die gleiche Weise interpretiert werden, und eine geschälte Zitrone war, wie das Leben, attraktiv anzusehen, aber bitter zu schmecken. Kunsthistoriker diskutieren, wie viel und wie ernst das Vanitas-Thema in Stilllebenbildern ohne explizite Bilder wie einen Totenkopf impliziert wird. Wie in der moralisierenden Genremalerei steht der durch die sinnliche Darstellung des Subjekts hervorgerufene Genuß in einem gewissen Widerspruch zur moralistischen Botschaft.

Die Komposition der Blumen ist ein weniger offensichtlicher Stil der Vanitas von Abraham Mignon in der National Museum , Warschau . Das Vogelskelett, das in der lebendigen und gefährlichen Natur (Schlangen, giftige Pilze) kaum sichtbar ist, ist ein Symbol der Eitelkeit und der Kürze des Lebens.

Künstler und Entwicklung
Von Jacques de Gheyn II existiert bereits ab 1603 eine autonome Darstellung von Vanitas, in der der Totenkopf als Symbol des Todes seinen Platz hat. Sein Schüler David Bailly gilt als essentieller Meister des Vanitastillleben. Seine Tätigkeit als Maler in Leiden ab 1613 prägten zahlreiche mit der Stadt verbundene Künstler den Ruf des Leidens als wesentliches Zentrum der Stilllebenmalerei.

Rembrandt hatte auch sein Studio in der Stadt, bevor er zu zog Amsterdam Im Jahr 1631. Rembrandt ist nicht für seine Stillleben berühmt, aber beeinflusst seine tonigen, vor allem braunen Farbtönen bevorzugte Gemälde der umliegenden Künstler immens – auch die von David Baillys. Interessant sind auch die Stillleben von Rembrandts Schüler Gerard Dou. Sie können am besten als eine Mischung aus autonomen Vanitas und Trompe-l’œil beschrieben werden. Dieser Eindruck wird noch verstärkt durch die Tatsache, dass Dou seine Stillleben nicht als zu verkaufende Bilder produzierte, sondern mit diesen die Türen der Schränke schmückte, in denen er seine kostbaren und sorgfältig ausgeführten feinen Gemälde aufbewahrte.

Rembrandts tonaler Malstil sowie Leyden Die Stillebenmalerei wirkte auf einen anderen großen Künstler des Jahrhunderts – Jan Davidsz. de Heem. Von diesem Künstler, der später vor allem für seine großen Blüten- und Fruchtzusammensetzungen bekannt wurde, gibt es frühe Gemälde aus seiner Zeit in Leiden (1625-31) im für die Stadt typischen Stil, in Brauntönen gehaltenes Buchstillleben.

Auch die beiden Maler Pieter Claesz, berühmt für ihr Essen Stilleben. und Willem Claesz. Heda aus Haarlem überzeugten Vanitasmaler. Claesz. Das frühe Vanitastillleben von 1624 in der Gemäldegalerie Alte Meister Dresden beschäftigt sich ganz eigenständig mit dem Thema. Das Porträtgemälde zeigt Objekte, die vor einem Vorhang präsentiert werden, wie eine goldene Deckelschale, Muscheln, eine Uhr, ein Buch usw. Claesz. Es blieb jedoch nicht bei dieser Auffassung des Bildes und der gemalten Eitelkeitsbilder zu verschiedenen Zeiten, die jedoch eindeutig dem Stil der monochromen Banketjes entsprachen.

In der folgenden Malergeneration fallen besonders die beiden Neffen und Schüler von Bailly – die Brüder Pieter und Harmen Steenwijck – als Maler von Vanitastilllebens auf. Harmen Steenwijcks Vanitastillleben von etwa 1640 in der Nationalgalerie in London ist aber nicht mehr ein tonales Buchstillleben, sondern wieder ein örtlich farbbetonendes Arrangement. Es zeigt verschiedene Objekte, darunter eine Laute, eine auffällig platzierte Muschel und den Schädel. Vor allem das Vorhandensein großer weißer Flächen im Bild, die starke Diagonale in der Komposition und die Betonung der Tischkante.

Jenseits des Leidens sind Evert Collier, Vincent Laurensz. van der Vinne, NL Peschier, Cornelis Norbertus Gijsbrechts und Franciscus Gijsbrechts als wichtiger Vanitas-Maler. Sébastien Bonnecroy vertreten, möglicherweise vermittelt durch Jan Davidsz. de Heem, das Vanitas-Stillleben in Flandern . Von Flandern kam das Vanitastillleben nach Frankreich, wo zum Beispiel Simon Renard de Saint-André arbeitete.

Vor allem in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts verlor Vanitastillleben seine künstlerische Bedeutung und damit seine Bedeutung. Die Verwandlung nach den zeitgenössischen Tendenzen in der Malerei von Vanitastillleben zu fast rein dekorativem und fast überladenem pompösem Stillleben findet sich beispielsweise in Gemälden von Jacques de Claeuw oder Pieter Boel nicht mehr übersehen. Interessant in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und später hergestelltes Vanitastillleben ist die Übernahme des hohen Formats und der Kombination der Arrangements von Objekten mit einem erkennbaren Umfeld wie einer Studie oder einer Parklandschaft.

Vanitas außerhalb der bildenden Kunst
Der erste Satz in Robert Schumanns 5 Stücke im Volksstil, für Cello und Klavier, Op. 102 heißt Vanitas vanitatum: Mit Humor.
Vanitas vanitatum ist der Titel eines Oratoriums des italienischen Barockkomponisten Giacomo Carissimi (1604/1605 – 1674).
Die Vanity des Komponisten Richard Barrett für Orchester ist von dieser Bewegung stark inspiriert.
Vanitas ist das siebte Album der britischen Extreme Metal Band Anaal Nathrakh.
Vanitas in modernen Zeiten
C. Allan Gilbert, Alles ist Eitelkeit, Zeichnung, 1892
Jana Sterbak, Vanitas: Flesh Dress für einen Albino Anorectic, Kunstwerk, 1987
Alexander de Cadenet, Schädelporträts, verschiedene Sujets, 1996 – heute
Damien Hirst, Aus Liebe zu Gott, Skulptur (Ein Diamantschädel), 2007
Anne de Carbuccia, One Planet One Future, verschiedene Themen, 2013 – heute.