Una vanitas è un’opera d’arte simbolica che mostra la caducità della vita, l’inutilità del piacere e la certezza della morte, spesso simboli contrastanti di ricchezza e simboli di effimero e morte. Le più note sono le nature morte di Vanitas, un genere comune nell’arte olandese dei secoli XVI e XVII; sono stati creati anche in altri momenti e in altri media e generi.
Vanitas significa “futilità” o “inutilità”, cioè l’inutilità dei beni e delle occupazioni terrene, alludendo a Ecclesiaste 1: 2; 12: 8 Vanitas vanitatum omnia vanitas, tradotto “Vanità delle vanità, tutto è vanità” nella Bibbia di Re Giacomo.
Etimologia
Il sostantivo latino vānĭtās (dall’aggettivo latino vanus “vuoto”) significa “vacuità”, “futilità” o “inutilità”, la tradizionale visione cristiana è che i beni e le attività terrene sono transitori e privi di valore. Allude a Ecclesiaste 1: 2; 12: 8, dove vanitas traduce la parola ebraica hevel, che include anche il concetto di transitorietà.
Temi
I temi di Vanitas erano comuni nell’arte funeraria medievale, con molti esempi sopravvissuti nella scultura. Entro il 15 ° secolo, questi potrebbero essere estremamente morbosi ed espliciti, riflettendo una crescente ossessione per la morte e la decadenza anche nell’Ars moriendi, la Danza macabra, e il motivo di sovrapposizione del Memento mori. Dal Rinascimento tali motivi divennero gradualmente più indiretti e, quando il genere della natura morta divenne popolare, vi trovarono una casa. I dipinti eseguiti in stile vanitas avevano lo scopo di ricordare agli spettatori la caducità della vita, l’inutilità del piacere e la certezza della morte. Hanno anche fornito una giustificazione morale per dipingere oggetti attraenti.
Oggetti immagine e interpretazione
L’incisione, attraverso il titolo Vanitas (nella foto!), Fornisce preziose informazioni su quegli oggetti e sulle attività associate che sono state interpretate come vane e transitorie.
I riferimenti alla caducità dell’esistenza terrena e ai tesori mondiali accumulati sono presenti in quasi tutte le nature morte del XVII secolo. Soprattutto nella prima metà del XVII secolo, la presentazione di oggetti di lusso visivamente attraenti e / o costosi non sembra mai stata possibile senza il riferimento alla fragilità di questa vanità terrena, che è anche inclusa nella foto. Il Vanitasstillleben in questo contesto è l’espressione più pura di questa visione del mondo nell’arte. Può essere inteso come una “immagine devozionale privata” con la funzione di un “promemoria della meditazione sulla morte e sulla vita eterna”.
Sibylle Ebert-Schifferer vede una differenza tra i riferimenti in altri tipi di nature morte (fiore, farina, fumatore still life ecc.) E il Vanitasstillleben autonomo. Il riferimento alla fine in combinazione con la glorificazione della prosperità – ad esempio nel pasto still life – ha un effetto negativo. La contemplazione dell’inevitabile in vanitass fino alla vita con la tendenza a superare la vanità terrena nella direzione della vita eterna nell’aldilà è, comunque, una considerazione positiva. L’immagine vanitas richiedeva allo spettatore contemporaneo una partecipazione mentale attiva, anche nel senso di una riflessione morale su se stesso.
I sostegni delle nature morte di Vanitas sono stati raggruppati da Ingvar Bergström in tre grandi gruppi. Il primo gruppo include simboli dell’esistenza terrena. Sono cose il cui valore è solo apparentemente stabile: libri, strumenti musicali, denaro e tesori, insegne di potere e grandezza e opere d’arte. Allo stesso tempo, questi oggetti delineano le diverse aree della vita: la vita quotidiana attiva (vita attiva), la vita intellettuale nell’arte e nella scienza (vita contemplativa), e il godimento e la lussuria (vita voluptaria). Il secondo gruppo è costituito da simboli di transitorietà sotto forma di oggetti che si disintegrano intrinsecamente e il cui aspetto evoca l’idea di esso, come il cranio, la clessidra, la candela morente, i fiori appassiti e gli occhiali caduti o rotti. Il terzo gruppo sono i simboli della rinascita e della vita eterna come le spighe di grano, lauro e l’edera.
Il significato degli oggetti come simboli e riferimenti nel Vanitastillleben così come in tutti gli altri Stilllebenarten è spiegato dagli indovinelli intellettuali contemporanei, dalla poesia (Cats, Bredero, ecc.) E specialmente dagli emblemi popolari in quel periodo – specialmente Sinnemoppen di Roemer Visscher e Zinne -Belts di Jan van der Veen.
Uno speciale simbolo di transitorietà si ritrova sempre nel teschio di Vanitasstillleben, che rivela le radici di questo stile di vita nell’antichità, le rappresentazioni memento-mori del tardo medioevo e il Vanitasdarstellungen autonomo sui lati esterni dei Dittici. Le raffigurazioni del meditating Hieronymus nel mezzo dei suoi libri e strumenti scientifici – a volte con un teschio – probabilmente hanno ancora un significato speciale.
Un oggetto altrettanto importante in vanitasstillleben è il libro. Da un lato, per essere inteso come un simbolo di erudizione, rappresentava uno strumento di scienza, l’arroganza a cui la curiosità poteva condurre. La fortezza della scienza nel XVII secolo in Olanda era la città universitaria di Leida. Questa città può anche essere considerata il centro del dipinto di Vanitas. Non ultimo, questo è probabilmente dovuto al fatto che molto spesso i libri, e quindi le scienze, sono tematizzati nei dipinti e l’immagine di Vanitas probabilmente richiede che una classe sia designata come ricevente.
Il Vanitasstillleben ha avuto la sua grande apparizione nella natura morta soprattutto negli anni ’20 del XVII secolo. Non può essere una coincidenza che l’immagine di Vanitas, che affronta così in modo impressionante la morte come la fine di tutto ciò che è terreno, è sempre più apparsa nel corso di una situazione politica minacciosa. Nel 1621, dopo una tregua di 12 anni, le province settentrionali protestanti ripresero a combattere con gli Asburgo cattolici. Inoltre ci furono epidemie di peste negli anni 1624/25 e 1636. La tesi della connessione di vanitasstillleben e situazioni di pericolo di vita reale è supportata dal fatto che la produzione di tali dipinti in Occidente
motivi
I simboli di vanitas comuni includono teschi, che sono un richiamo alla certezza della morte; frutta marcia (decadimento); bolle (la brevità della vita e la rapidità della morte); fumo, orologi e clessidre (la brevità della vita); e strumenti musicali (brevità e natura effimera della vita). Frutta, fiori e farfalle possono essere interpretati allo stesso modo, e un limone sbucciato era, come la vita, attraente da guardare ma amaro al gusto. Gli storici dell’arte discutono quanto e quanto seriamente il tema della vanitas è implicito nei dipinti di nature morte senza immagini esplicite come un teschio. Come nella maggior parte della pittura di genere moralista, il godimento evocato dalla rappresentazione sensuale del soggetto è in un certo conflitto con il messaggio moralista.
La composizione dei fiori è uno stile meno ovvio di Vanitas di Abraham Mignon nel Museo Nazionale di Varsavia. A malapena visibile tra natura vivida e pericolosa (serpenti, funghi velenosi), uno scheletro di uccello è un simbolo di vanità e mancanza di vita.
Artista e sviluppo
Di Jacques de Gheyn II esiste già dal 1603 una rappresentazione autonoma della Vanitas, in cui il cranio come simbolo di morte ha il suo posto. Il suo allievo David Bailly è considerato un maestro essenziale del Vanitasstillleben. La sua attività di pittore a Leida dal 1613 ha coniato molti artisti associati alla città, stabilendo così la reputazione della sofferenza come un centro essenziale della pittura di nature morte.
Rembrandt aveva anche il suo studio in città prima di trasferirsi ad Amsterdam nel 1631. Rembrandt non è famoso per le sue nature morte, ma ha influenzato le sue sfumature argillose, specialmente marroni, preferendo immensamente dipingere gli artisti circostanti – anche quelli di David Baillys. Interessanti anche le nature morte dell’alunno di Rembrandt, Gerard Dou. Sono meglio descritti come un ibrido di vanitas autonoma e trompe-l’œil. Questa impressione è rafforzata dal fatto che Dou non ha prodotto le sue nature morte come quadri da vendere, ma decorato con queste le porte degli armadi, in cui ha conservato i suoi preziosi e meticolosamente eseguiti dipinti raffinati.
Lo stile di pittura tonale di Rembrandt e la pittura di nature morte di Leyden hanno avuto un effetto su un altro grande artista del secolo: Jan Davidsz. de Heem. Da questo artista, che in seguito sarebbe diventato famoso soprattutto per le sue grandi composizioni di fiori e frutti, ci sono i primi dipinti del suo tempo a Leida (1625-31) nello stile tipico della città, in tonalità marroni conservate nel libro still life.
Anche i due pittori Pieter Claesz, famosi per il loro pasto still life. e Willem Claesz. Heda di Haarlem erano convincenti pittori di vanitas. Claesz. Il primo Vanitastillleben del 1624 nella Gemäldegalerie Alte Meister Dresden tratta l’argomento in modo abbastanza indipendente. Il ritratto dipinto mostra oggetti presentati davanti a una tenda, come una tazza con coperchio in oro, conchiglie, un orologio, un libro, ecc. Claesz. Tuttavia, non rimase con questa concezione dell’immagine e dipinse dipinti di vanità in tempi diversi, che, tuttavia, corrispondevano chiaramente allo stile dei banchi monocromatici.
Nella successiva generazione di pittori cadono soprattutto i due nipoti e studenti di Bailly – i fratelli Pieter e Harmen Steenwijck – come pittore di Vanitasstilllebens. Harmen Steenwijcks Vanitasstillleben del 1640 circa nella National Gallery di Londra, tuttavia, non è più un libro tonale ancora in vita, ma ancora una volta un enfatizzazione del colore più locale. Mostra vari oggetti, tra cui un liuto, una conchiglia ben visibile e il teschio. Soprattutto la presenza di ampi spazi bianchi nella foto, la forte diagonale nella composizione e l’enfasi sul bordo del tavolo.
Oltre la sofferenza, Evert Collier, Vincent Laurensz. van der Vinne, N.L. Peschier, Cornelis Norbertus Gijsbrechts e Franciscus Gijsbrechts come un importante pittore vanitas. Sébastien Bonnecroy rappresentato, forse mediato da Jan Davidsz. de Heem, la vanitas ancora vita nelle Fiandre. Dalle Fiandre arrivò il Vanitasstillleben in Francia, dove, per esempio, Simon Renard de Saint-André lavorava.
Soprattutto nella seconda metà del XVII secolo vanitasstillleben perse il suo significato artistico e quindi la sua importanza. La trasformazione secondo le tendenze contemporanee nella pittura di Vanitasstillleben a quasi pomposamente decorativa e quasi sovraccarica di still life pomposo è ad esempio nei dipinti di Jacques de Claeuw o Pieter Boel non più trascurati. Interessante nella seconda metà del 17 ° secolo e successivamente prodotto da Vanitasstillleben è l’adozione dell’alto formato e la combinazione degli arrangiamenti di oggetti con un ambiente riconoscibile come uno studio o un paesaggio del parco.
Vanitas al di fuori dell’arte visiva
Il primo movimento del compositore Robert Schumann in 5 pezzi in stile folk, per violoncello e pianoforte op. 102 è intitolato Vanitas vanitatum: Mit Humor.
Vanitas vanitatum è il titolo di un oratorio scritto da un compositore barocco italiano Giacomo Carissimi (1604/1605 -1674).
Il compositore Richard Barrett Vanity, per orchestra, è fortemente ispirato da questo movimento.
Vanitas è il settimo album della band dei British Extreme Metal, Anaal Nathrakh.
Vanitas nei tempi moderni
C. Allan Gilbert, All Is Vanity, disegno, 1892
Jana Sterbak, Vanitas: vestito di carne per un anoressico di albino, opera d’arte, 1987
Alexander de Cadenet, Skull Portraits, vari soggetti, 1996 – presente
Damien Hirst, For the Love of God, sculpture (A diamond skull), 2007
Anne de Carbuccia, One Planet One Future, varie materie, 2013 – presente.