Die Grenzen zwischen Kunst und Mode wurden in den achtziger Jahren weniger klar, als die Formen der Beziehung zwischen den beiden Welten auf internationaler Ebene wuchsen. Kunstinstitutionen öffneten ihre Türen für Designer wie den Metropolitan. Eine neue Kategorie von Ausstellungskuratoren und engagierten Museen entstand.

Während Kunstgalerien und Auktionshäuser dem Phänomen immer mehr Aufmerksamkeit schenkten, schufen große Modedesigner Räume, die speziell Kunstausstellungen gewidmet waren, und finanzierten Shows und Kunstwerke auf der ganzen Welt, was zu ihrem wachsenden Ruhm beitrug.

Im Gegenzug haben Künstler aus den unterschiedlichsten und komplexesten Gründen mit der Mode zusammengearbeitet: von einfachen finanziellen Überlegungen bis zum Wunsch nach Popularität, von persönlichen Beziehungen bis zur Neugier und vom großen Projekt eines Gesamtkunstwerks bis zu einer revolutionären Utopie.

Andy Warhol Kommunikationsstrategien.
Viele Male haben die Künstler für die Kommunikation von Mode gearbeitet, als Designer für Magazine, als Illustratoren von Werbekatalogen. Ein eindrucksvolles Beispiel für diese Symbiose zwischen Kunst und Mode ist Andy Warhol.

Warhol wurde seit den frühen 1950er Jahren mit Mode geboren. Er war Designer und Werbung für „Glamour“, „Vogue“ und „Harper’s Bazaar“ und kreierte Schuhe mit einer dünnen und eleganten Linie. In diesem Abschnitt werden einige Seiten ausgestellt, die in den Modemagazinen jener Jahre veröffentlicht wurden und seine ersten Tests als Modeillustrator zeigen. Warhol leitete eine Zeitschrift „Interview“, die hier in achtzehn Ausgaben abgedruckt war und als Gewerkschaft zwischen der Welt der Kunst und der der Mode fungierte.

Mit seiner Präsenz in der New Yorker Kulturszene, auf Partys, Vernissagen, Retrospektiven und Modeschauen prägte er die Beziehung zwischen Kunst, Mode und Prominenten, die wir heute kennen. Dieses Konzept wird durch eine Reihe von Fotoaufnahmen dargestellt, die Warhol in verschiedenen Momenten des New Yorker Gesellschaftslebens zeigen, sowie durch die berühmte Installation Altered Image von Christopher Makos.

Sicher ist, dass Andy Warhol in seinen Projekten wirkungsvolle ästhetische Beiträge mit oft respektlosem Charakter verbreitet hat. Das auffälligste Beispiel ist „The Souper Dress“, das in der Ausstellung gezeigt wird, ein Konzentrat aus Mode, Kunst und industrieller Logik. Es ist ein Kleid aus Papier, Zellulose und Baumwolle, das in den 1960er Jahren mit dem Motiv der berühmten Campbell-Suppe hergestellt wurde, einem wiederholten Bild nacheinander, das im Siebdruck aus der Dose der Suppe gedruckt wurde.

Germana Marucelli.
Seltener Interpret der Poesie. Wenn Ferragamos Atelier die Werkstatt des Kunsthandwerkers der Renaissance darstellt, in der die technische Meisterschaft, die mit Kreativität einherging, von grundlegender Bedeutung ist, ist Germana Marucellis Atelier der sechziger Jahre der Treffpunkt zwischen Betreibern der Mode, Künstlern und Intellektuellen, die bei der Suche vereint sind für neue Ausdrucksformen, die ihre Zeit interpretieren können. Die Sektion reproduziert den Ateliersalon Marucelli, in dem die Originalkunstwerke von Pietro Zuffi, Getulio Alviani und Paolo Scheggi ausgestellt sind, die an den Wänden ausgestellt wurden, sowie die Kleidung, die das Ergebnis der Partnerschaft mit diesen Künstlern waren. Angereichert mit Dokumenten, Fotografien, Werbebroschüren und Veröffentlichungen dokumentiert dieser Teil der Ausstellung auch die Jahre vor diesem Moment, der Nachkriegszeit, als die Näherin den Poesiepreis für San Babila einrichtete und ihr Salon jeden Donnerstag von Schriftstellern und Dichtern besucht wurde , einschließlich der wichtigsten Vertreter der italienischen Poesie des 20. Jahrhunderts, Ungaretti, Quasimodo und Montale.

Vom Atelier zum Moodboard.
Dieser Abschnitt zeigt, wie die Bilder von Modedesignern zunehmend durch Bilder erzählt werden, die aus dem Informationsfluss hervorgehen und versuchen, zwei Eigenschaften wie Aufmerksamkeit und Erinnerung in der Öffentlichkeit zu stimulieren. Mit der Zeitschrift „A MAGAZINE CURATED BY“ erstellt, begrüßt ein immersiver Raum die Öffentlichkeit und projiziert ihn in das visuelle und fantasievolle Universum außergewöhnlicher kreativer Köpfe. Die Welt von Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler und Riccardo Tisci komponiert ein Kaleidoskop von Kunstbildern. Musik, Poesie und Fotografie.

Yinka Shonibare.
Dass Kunst Mode nutzen kann, um ihre kritische Sprache zu formen, zeigt die Arbeit der britischen Künstlerin nigerianischer Herkunft, Yinka Shonibare. Mit seinen Installationen, filmischen Transpositionen, schlägt er eine tiefe Reflexion über Multikulturalität vor und analysiert hauptsächlich die Kolonialfrage. Die Figuren, die seine Werke animieren, bestehen aus Dummies in theatralischen und dramatischen Posen, die nach den Stilen der Gemälde des 18. und 19. Jahrhunderts gekleidet sind, aber aus Batikstoffen klarer afrikanischer Herkunft bestehen.

Rollenspiele.
Heute sollte die Reflexion über die Beziehung zwischen Kunst und Mode bewusst sein, dass der Dualismus (zwei Systeme, die die Modegeschichte des letzten Jahrhunderts hinterfragen, manchmal im Dialog stehen, aber getrennt bleiben) nicht mehr aktuell ist. Mode wie Kunst hinterfragt ihre Praktiken. Der Abschnitt über die Arbeit einer Reihe von Autoren wie Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor und Rolf, Helmut Lang und Nick Cave zeigt, wie es heute immer schwieriger wird, verschiedene kreative Praktiken zu definieren und zu schließen.

Über Kunst und Mode
ist Modekunst? Eine einfache Frage verbirgt das komplexe Universum einer artikulierten Beziehung, die seit langem untersucht wurde, ohne jedoch zu einer klaren und eindeutigen Definition zu gelangen. Dieses Projekt analysiert die Formen des Dialogs zwischen diesen beiden Welten: gegenseitige Inspirationen, Überschneidungen und Kollaborationen, von den Erfahrungen der Präraffaeliten bis zu denen des Futurismus und vom Surrealismus bis zur radikalen Mode. Der Ausstellungsplan konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, der von den avantgardistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts fasziniert und inspiriert war, auf mehrere Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, die Schauplätze für Studien und Begegnungen waren, und auf das Aufkommen des Kultur der Prominenten. Anschließend wird das Experimentieren der neunziger Jahre untersucht und darüber nachgedacht, ob wir in der zeitgenössischen Kulturindustrie immer noch über zwei getrennte Welten sprechen können oder ob es sich stattdessen um ein fließendes Rollenspiel handelt.

Diese einfache Frage verbirgt das komplexe Universum einer artikulierten Beziehung, die seit langem untersucht wurde, ohne jemals eine klare oder eindeutige Definition zu erreichen. Mode – für ihr Bedürfnis, funktional zu sein und sich daher konkret auf das wirkliche Leben zu beziehen, sowie für ihre Verbindung mit Handwerkskunst und Industrie – scheint weit vom Ideal der Kunst für Kunst entfernt zu sein, ein Konzept, das jedoch nicht immer repräsentativ war sogar von der Kunstwelt. Andy Warhol lehrte uns, dass die Einzigartigkeit des Kunstwerks nicht mehr mit der künstlerischen Produktion zusammenfällt und dass sich heute die Ausstellungen von Modedesignern vermehren und Stylisten die Praktiken der zeitgenössischen Kunst mit Verfügbarkeit begrüßen. Kann man in diesem Zusammenhang noch von der Dichotomie zwischen Kunst und Mode sprechen, wie sie im letzten Jahrhundert stattgefunden hat?

Dieses Projekt analysiert die Formen des Dialogs zwischen diesen beiden Welten: Kontaminationen, Überschneidungen und Kollaborationen. Von den Erfahrungen der Präraffaeliten bis zu denen des Futurismus, vom Surrealismus bis zur radikalen Mode. Der Weg konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, fasziniert und inspiriert von der künstlerischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts; Auf einigen Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, einem Ort des Studiums und der Zusammenkünfte und auf der Geburt der Kultur der Berühmtheit, um mit den Experimenten der neunziger Jahre fortzufahren und sich zu fragen, ob wir in der zeitgenössischen Kulturindustrie noch über zwei sprechen können Welten verschieden, oder wenn wir stattdessen mit einem fließenden Rollenspiel konfrontiert sind.

Die Besonderheit des Ausstellungsplans liegt in der Zusammenarbeit mehrerer Kulturinstitutionen und im Ausstellungsort an verschiedenen Orten: Neben dem Salvatore Ferragamo Museum, Förderer und Organisator des Projekts zusammen mit der Ferragamo Foundation, veranstalten sie die verschiedenen Ausstellungen in Florenz die Zentrale Nationalbibliothek, die Galleries degli Uffizi (Galerie für moderne Kunst des Palazzo Pitti), das Marino Marini Museum und in Prato das Textilmuseum

Die beteiligten Institutionen beteiligten sich aktiv an der Umsetzung der Idee mit dem Ziel, eine gemeinsame Reflexion einzuladen.

Es ist eine Hommage an das Salvatore Ferragamo Museum, das das Projekt kuratiert und konzipiert hat, und ein Symbol: einerseits ein dekoratives Element, das für die Ästhetik eines Modells von Salvatore Ferragamo aus dem Jahr 1958, des Tirassegno-Dekolletés, und andererseits ein Werk von Kenneth Noland, einer der großen amerikanischen Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, war eine Inspiration.

Die Ausstellung im Salvatore Ferragamo Museum hat vier Kuratoren, Stefania Ricci, Direktorin des Salvatore Ferragamo Museums, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini und Alberto Salvadori, die Tag für Tag mit ihren unterschiedlichen Fähigkeiten und Persönlichkeiten beim Bau der Route zusammengearbeitet haben. zusammen mit den Direktoren und den Managern der verschiedenen Institutionen, die mit Enthusiasmus und Geist der Zusammenarbeit an der Initiative teilgenommen haben, und den Autoren des Katalogs, die den Kuratoren bei der endgültigen Auswahl der Werke geholfen haben und ihr Wissen und ihre Fachkenntnisse zur Verfügung gestellt haben Erfahrungen. Es gibt viele Leihgaben aus den renommiertesten öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland, die der Ausstellung ein internationales Flair verleihen

Salvatore Ferragamo Museum
Das Salvatore Ferragamo Museum in Florenz, Italien, ist ein Modemuseum, das dem Leben und Werk des italienischen Schuhdesigners Salvatore Ferragamo und seiner gleichnamigen Firma gewidmet ist. Das Museum enthält 10.000 Modelle von Schuhen, die Ferragamo von den 1920er Jahren bis zu seinem Tod 1960 entworfen und besessen hat. Nach Ferragamos Tod wurde die Sammlung von seiner Witwe und seinen Kindern erweitert. Das Museum umfasst auch Filme, Presseausschnitte, Werbematerialien, Kleidung und Accessoires von den 1950er Jahren bis heute.

Die Familie Ferragamo gründete das Museum im Mai 1995, um ein internationales Publikum mit den künstlerischen Qualitäten von Salvatore Ferragamo und seiner Rolle in der Geschichte nicht nur der Schuhe, sondern auch der internationalen Mode vertraut zu machen.

Wie die meisten Firmenmuseen entspringen das Museo Salvatore Ferragamo und seine Archive der Vision einer Unternehmerin, in diesem Fall Salvatore Ferragamos Witwe Wanda, die das Unternehmen seit dem Tod der Gründerin 1960 leitet, und ihren sechs Kindern. Insbesondere das älteste ihrer Kinder, Fiamma, die nach dem Tod ihres Vaters das Kerngeschäft mit Schuhen und Lederwaren des Unternehmens leitete, stand im Auftrag ihrer Familie an der Spitze dieses Projekts und erweckte es zum Leben und formte seine Strategie mit Hilfe von Historikern und Archivare.

Die Idee für das Museum entstand ursprünglich, als im Palazzo Strozzi eine Ausstellung über die Geschichte von Salvatore Ferragamo organisiert wurde. Die Ausstellung ging auf Tournee und wurde von einigen der renommiertesten Museen der Welt wie dem Victoria and Albert in London, dem County Museum von Los Angeles, dem New Yorker Guggenheim, der Sogetsu Kai Foundation in Tokio und dem Museo de Bellas veranstaltet Artes in Mexiko. Die temporäre Ausstellung wurde nach und nach dauerhaft.

In Anerkennung der kulturellen Bedeutung des Museums und seiner zahlreichen Initiativen im Laufe der Jahre erhielt Salvatore Ferragamo 1999 den Guggenheim Impresa e Cultura Award, der jährlich an Unternehmen vergeben wird, die am besten zu konstruktiven Zwecken in Kultur investieren. Das Museum befindet sich im historischen Zentrum von Florenz im Palazzo Spini Ferroni, der seit 1938 auch der Hauptsitz des Unternehmens ist.