八十年代，当两个世界之间的关系形式在国际层面发展时，艺术与时尚之间的界限变得不那么清晰。艺术机构向诸如大都会之类的设计师敞开了大门。出现了新的类别的展览策展人和专门的博物馆。

尽管美术馆和拍卖行越来越关注这种现象，但主要的时装设计师创造了专门用于艺术展览的空间，并资助了世界各地的展览和艺术品，为他们的成名做出了贡献。

反过来，艺术家之所以与时装界合作，有多种多样的复杂原因：从简单的财务考虑到受欢迎的渴望，从人际关系到好奇心，从艺术品的宏伟计划到革命性的乌托邦。

安迪·沃霍尔的交流策略。
许多时候，艺术家曾从事时尚传播工作，曾担任杂志设计师，广告目录插图画家。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）是艺术与时尚界之间这种共生关系的一个突出例子。

沃霍尔（Warhol）自1950年代初就出生于时尚界，他曾是“ Glamor”，“ Vogue”和“ Harper’s Bazaar”的设计师和广告客户，设计出纤细而优雅的鞋履。在本部分中，将展示当年时尚杂志上发布的一些页面，以展示他作为时装插画家的首次测试。沃霍尔（Warhol）执导了《访谈》杂志，该杂志在此发行，共十八期，是艺术界和时尚界之间的工会。

在纽约文化界，派对，文艺晚会，回顾展和时装秀上，他塑造了我们今天所知的艺术，时尚和名人之间的关系。一系列摄影作品描绘了沃霍尔在纽约社交生活的不同时刻，以及克里斯托弗·马科斯（Christopher Makos）着名的装置作品《改变的图像》（Altered Image），代表了这一概念。

可以肯定的是，在他的项目中，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）散发着高影响力的审美投入，而这种投入往往具有顽固的性质。最引人注目的例子是展览中展出的“ The Souper Dress”，集时尚，艺术和工业逻辑于一身。这是一种纸质，纤维素和棉质连衣裙，以1960年代生产的著名坎贝尔汤为主题，该图像按顺序重复出现，并从汤罐上丝网印刷。

德国人马鲁切利。
罕见的诗歌翻译。如果菲拉格慕（Ferragamo）的工作室代表文艺复兴时期工匠的工作坊，其中与创造力息息相关的技术精通是根本，那么Germana Marucelli六十年代的工作室就是时尚经营者，艺术家和知识分子联合的聚会场所能够解释其时间的新表现形式。该部分复制了Marucelli工作室沙龙，展出了Pietro Zuffi，Getulio Alviani，Paolo Scheggi的原创艺术品，这些艺术品在墙上和衣服上展出，这是与这些艺术家合作的结果。展览的这一部分充满了文件，照片，促销手册和出版物，还记录了战后这一刻之前的岁月，即女裁缝建立圣巴比拉诗歌奖的那一年，作家和诗人每周四都光顾她的沙龙，其中包括20世纪意大利诗歌的主要代表Ungaretti，Quasimodo和Montale。

从工作室到情绪板。
本节通过信息流中出现的图像来说明时装设计师的图像如何越来越成为一种叙事方式，试图激发公众的注意力和记忆力这两种品质。沉浸式空间由杂志“ A MAGAZINE CURATED BY”创建，欢迎公众，并将其投射到具有卓越创造力的视觉和想象力世界中。 Haider Ackermann，Martin Margiela，Yohji Yamamoto，Iris van Herpen，Dries van Noten，Giambattista Valli，Stephen Jones，Rodarte，Jun Takahashi，Kris van Assche，Martine Sitbon，Proenza Schouler，Riccardo Tisci的世界组成了万花筒的艺术图像，音乐，诗歌和摄影。

尹卡（Yinka Shonibare）。
尼日利亚裔英国艺术家因卡·肖尼巴雷（Yinka Shonibare）的作品证明了艺术可以利用时尚来塑造其批判性语言。通过他的装置，电影换位，他对多元文化性提出了深刻的思考，主要分析了殖民问题。使他的作品动起来的人物是由假人以戏剧性和戏剧性的姿势构成的，按照十八和十九世纪绘画的风格来打扮，但用蜡染织物制成，具有明显的非洲血统。

角色扮演游戏。
如今，对艺术/时尚关系的反思应该意识到，经历了上个世纪时尚史的二元论（两个系统进行审查，有时是对话，但又保持独立）已经过时了。像艺术一样的时尚质疑其实践。通过侯赛因·查拉扬（Hussein Chalayan），马丁·马吉拉（Martin Margiela），维克多·罗夫（Viktor＆Rolf），赫尔穆特·朗（Helmut Lang）和尼克·凯夫（Nick Cave）等一系列作者的作品，该节讲述了如今如何定义和结束不同的创作实践变得越来越困难。

跨越艺术与时尚
时尚是艺术吗？一个简单的问题掩盖了长期以来一直被研究但没有明确明确定义的明确关系的复杂世界。该项目分析了这两个世界之间的对话形式：相互启发，重叠和协作，从拉斐尔前派的经历到未来主义的经历，从超现实主义到激进时尚。展览行程的重点是萨尔瓦多·菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）的作品，他对20世纪前卫的艺术运动着迷并受到启发，在五十年代和六十年代的几家工作室作为学习和交流的场所，以及名人文化。然后，它考察了九十年代的实验，并继续思考在当代文化产业中我们是否仍然可以谈论两个独立的世界，或者我们是否正在处理角色的流畅相互作用。

这个简单的问题掩盖了一种复杂的，具有明确关系的宇宙，这种关系经过长时间的研究一直没有得出明确或明确的定义。时尚-因为它需要功能性并因此具体地指代现实生活以及与手工艺和工业的联系-似乎离艺术的理想还很遥远，然而，这一概念并不总是代表即使是艺术界安迪·沃霍尔（Andy Warhol）告诉我们，艺术品的独特性已不再与艺术作品相吻合，如今，时装设计师的展览激增，设计师们也欢迎当代艺术的实践。在这种情况下，还有可能谈论上世纪发生的艺术与时尚之间的二分法吗？

该项目分析了这两个世界之间的对话形式：污染，重叠和协作。从拉斐尔前派的经历到未来主义的经历，从超现实主义到激进时尚。路径集中在萨尔瓦多·菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）的作品上，其作品受到20世纪艺术前卫的吸引和启发；在五十年代和六十年代的一些工作室，一个学习和开会的地方以及名人文化的诞生，继续进行九十年代的实验，并想知道在当代文化产业中我们是否仍然可以谈论两个截然不同的世界，或者相反，我们面临的角色游荡游戏。

展览计划的独特性在于几个文化机构的合作以及展览在不同地点的位置：除了萨尔瓦托·菲拉格慕博物馆，该项目的发起人和组织者以及菲拉格慕基金会之外，他们还举办了各种展览在佛罗伦萨，中央国家图书馆，degli Uffizi画廊（皮蒂宫现代美术馆），马里诺·马里尼博物馆以及在普拉托的纺织博物馆

有关机构积极参与了这一想法的实现，以期引起大家的普遍反省。

这是对萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆的策划和构思的致敬，同时也是一个象征：一方面是装饰元素，对于萨尔瓦多·菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）1958年的模型，Tirassegnodécolleté的美学至关重要，而另一方面二十世纪下半叶最伟大的美国艺术家之一肯尼斯·诺兰德（Kenneth Noland）就是一位灵感之源。

萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆的展览有四位策展人：斯特拉法尼亚·里奇，萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆主任，玛丽亚·路易莎·弗里萨，恩里卡·莫里尼，阿尔贝托·萨尔瓦多里，他们以不同的技能和个性日复一日地合作，共同打造这条路线，以及以热情和合作精神参加该倡议的各个机构的主任和经理，以及目录的作者，这些目录的作者帮助策展人最终选择作品，提供他们的知识和专业知识经验。从国际和国内最负盛名的公共和私人收藏中借来的很多东西，使展览具有国际化的感觉。

萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆
位于意大利佛罗伦萨的萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆是一家时尚博物馆，致力于意大利制鞋设计师萨尔瓦多·菲拉格慕及其同名公司的生活和工作。博物馆收藏了费拉格慕从1920年代到1960年去世直至1960年去世的1万种鞋款。在菲拉格慕去世后，他的遗ow和孩子们扩大了收藏范围。博物馆还包括1950年代至今的电影，剪报，广告材料，衣服和配件。

菲拉格慕家族于1995年5月成立了博物馆，以使国际观众熟悉萨尔瓦多·菲拉格慕的艺术品质以及他在制鞋历史和国际时尚中所扮演的角色。

像大多数企业博物馆一样，萨尔瓦多·菲拉格慕博物馆及其档案馆也源于企业家的眼光，在这种情况下，萨尔瓦多·菲拉格慕的遗ow万达先生（自1960年创始人去世以来一直担任公司负责人）及其六个孩子。特别是，他们的长子菲亚玛（Fiamma）在父亲去世后管理着公司的核心鞋类和皮革制品业务，代表她的家人站在这个项目的掌舵下，并将其付诸实践，并在历史学家的协助下制定了战略和档案保管员。

博物馆的构想最初是在Strozzi宫举办了有关Salvatore Ferragamo历史的展览时提出的。展览进行了巡回演出，并由一些世界上最负盛名的博物馆举办，例如伦敦的维多利亚和阿尔伯特博物馆，洛杉矶县博物馆，纽约古根海姆博物馆，东京的Sogetsu Kai基金会以及贝拉博物馆（Museo de Bellas）墨西哥的Artes。临时展览逐渐成为永久性的。

鉴于博物馆的文化重要性以及多年来的许多举措，萨尔瓦多·菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）于1999年获得了古根海姆文化创意奖，该奖项每年颁发给那些对文化进行最佳投资以达到建设性目标的公司。该博物馆位于佛罗伦萨历史中心的斯皮尼·费罗尼宫（Palazzo Spini Ferroni），自1938年以来，该博物馆一直是该公司的总部。