Los límites entre el arte y la moda, a través del arte y la moda, Museo Salvatore Ferragamo

Los límites entre el arte y la moda se hicieron menos claros en los años ochenta, cuando las formas de relación entre los dos mundos crecieron a nivel internacional. Las instituciones de arte abrieron sus puertas a los diseñadores, como el Metropolitan. Surgió una nueva categoría de comisarios de exposiciones y museos dedicados.

Si bien las galerías de arte y las casas de subastas prestaron cada vez más atención al fenómeno, los principales diseñadores de moda crearon espacios específicamente dedicados a exposiciones de arte y espectáculos y obras de arte financiados en todo el mundo, contribuyendo a su creciente fama.

A su vez, los artistas han colaborado con la moda por las razones más variadas y complejas: desde simples consideraciones financieras hasta el deseo de popularidad, desde las relaciones personales hasta la curiosidad, y desde el gran proyecto de una obra de arte total hasta una utopía revolucionaria.

Estrategias de comunicación de Andy Warhol.
Muchas veces los artistas han trabajado para la comunicación de la moda, como diseñadores de revistas, como ilustradores de catálogos publicitarios. Un ejemplo sorprendente de esta simbiosis entre el mundo del arte y la moda es Andy Warhol.

Warhol nació con la moda desde principios de la década de 1950, había sido diseñador y publicitario de “Glamour”, “Vogue” y “Harper’s Bazaar”, creando zapatos con una línea delgada y elegante. En esta sección se exhibirán algunas páginas publicadas en las revistas de moda de esos años que muestran sus primeras pruebas como ilustrador de moda. Warhol dirigió una revista “Entrevista”, reproducida aquí en dieciocho números, que actuó como un sindicato entre el mundo del arte y el de la moda.

Con su presencia en la escena cultural de Nueva York, en fiestas, vernissages, retrospectivas y desfiles de moda, moldeó la relación entre arte, moda y celebridades que conocemos hoy. Este concepto está representado por una serie de tomas fotográficas que representan a Warhol en diferentes momentos de la vida social de Nueva York y por la famosa instalación Altered Image de Christopher Makos.

Lo que es seguro es que en sus proyectos, Andy Warhol ha difundido aportes estéticos de alto impacto con una naturaleza a menudo irreverente. El ejemplo más llamativo es “The Souper Dress”, que se presenta en la exposición, un concentrado de moda, arte y lógica industrial. Es un vestido de papel, celulosa y algodón producido en la década de 1960 con el motivo de la famosa sopa Campbell, una imagen repetida en secuencia, impresa en serigrafía de la lata de la sopa.

Germana Marucelli.
Rara intérprete de poesía. Si el taller de Ferragamo representa el taller del artista-artesano renacentista, donde el dominio técnico que iba de la mano con la creatividad es fundamental, el taller de Germana Marucelli de los años sesenta es el lugar de encuentro entre operadores de la moda, artistas e intelectuales unidos en la búsqueda para nuevas formas expresivas capaces de interpretar su tiempo. La sección reproduce el taller-salón Marucelli que alberga las obras de arte originales de Pietro Zuffi, Getulio Alviani, Paolo Scheggi que se exhibieron en las paredes y la ropa, que fueron el resultado de la asociación con estos artistas. Enriquecida con documentos, fotografías, folletos promocionales y publicaciones, esta parte de la exposición también documenta los años anteriores a este momento, el período de posguerra, cuando la costurera estableció el premio de poesía de San Babila y su salón era frecuentado todos los jueves por escritores y poetas. , incluidos los principales representantes de la poesía italiana del siglo XX, Ungaretti, Quasimodo y Montale.

Desde el taller hasta el pizarrón.
Esta sección muestra cómo las imágenes de los diseñadores de moda son cada vez más una narración a través de imágenes que surgen del flujo de información, tratando de estimular dos cualidades, como la atención y la memoria en el público. Creado con la revista “A MAGAZINE CURATED BY”, un espacio inmersivo da la bienvenida al público y lo proyecta en el universo visual e imaginativo de mentes creativas excepcionales. El mundo de Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler, Riccardo Tisci compone un caleidoscopio de imágenes de arte, música, poesía y fotografía.

Yinka Shonibare.
El trabajo del artista británico de origen nigeriano, Yinka Shonibare, demuestra que el arte puede usar la moda para dar forma a su lenguaje crítico. Con sus instalaciones, transposiciones fílmicas, propone una profunda reflexión sobre la multiculturalidad, analizando principalmente la cuestión colonial. Las figuras que animan sus obras están compuestas de muñecos en poses teatrales y dramáticas, vestidas de acuerdo con los estilos tomados de las pinturas de los siglos XVIII y XIX, pero hechas con telas de batik, de clara ascendencia africana.

Juegos de rol.
Hoy, la reflexión sobre la relación arte / moda debería ser consciente de que el dualismo (dos sistemas que analizan, a veces dialogan, pero permanecen separados) que ha pasado por la historia de la moda del siglo pasado ahora está desactualizado. La moda como el arte cuestiona sus prácticas. La sección a través del trabajo de una serie de autores como Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor & Rolf, Helmut Lang, Nick Cave cuenta cómo hoy en día es cada vez más difícil definir y cerrar diferentes prácticas creativas.

A través del arte y la moda
es arte de moda? Una pregunta simple oculta el complejo universo de una relación articulada que ha sido investigada durante mucho tiempo, pero sin llegar a una definición clara e inequívoca. Este proyecto analiza las formas de diálogo entre estos dos mundos: inspiraciones recíprocas, superposiciones y colaboraciones, desde las experiencias de los prerrafaelitas hasta las del futurismo, y desde el surrealismo hasta la moda radical. El itinerario de la exposición se centra en el trabajo de Salvatore Ferragamo, que estaba fascinado e inspirado por los movimientos artísticos de vanguardia del siglo XX, en varios talleres de los años cincuenta y sesenta que fueron lugares para estudios y encuentros, y en el advenimiento de los cultura de las celebridades. Luego examina la experimentación de los años noventa y continúa reflexionando sobre si en la industria cultural contemporánea todavía podemos hablar de dos mundos separados o si en cambio estamos lidiando con una interacción fluida de roles.

Esta simple pregunta oculta el complejo universo de una relación articulada, que se ha investigado durante mucho tiempo a lo largo del tiempo, sin llegar a una definición clara o inequívoca. La moda, por su necesidad de ser funcional y, por lo tanto, de referirse concretamente a la vida real, así como por su vínculo con la artesanía y la industria, parece estar lejos del ideal del art pour arte, un concepto que, sin embargo, no siempre fue representativo incluso del mundo del arte. Andy Warhol nos enseñó que la singularidad de la obra de arte ya no coincide con la producción artística y que hoy en día proliferan las exposiciones de diseñadores de moda y los estilistas dan la bienvenida a las prácticas del arte contemporáneo con disponibilidad. ¿Todavía es posible, en este contexto, hablar de la dicotomía entre arte y moda como sucedió en el siglo pasado?

Este proyecto analiza las formas de diálogo entre estos dos mundos: contaminaciones, superposiciones y colaboraciones. De las experiencias de los prerrafaelitas a las del futurismo, del surrealismo a la moda radical. El camino se centra en la obra de Salvatore Ferragamo, fascinado e inspirado por la vanguardia artística del siglo XX; en algunos talleres de los años cincuenta y sesenta, un lugar de estudio y reuniones, y sobre el nacimiento de la cultura de las celebridades, para continuar con los experimentos de los noventa y preguntarse si en la industria cultural contemporánea todavía podemos hablar de dos mundos distintos, o si en cambio nos enfrentamos a un juego fluido de roles.

La peculiaridad del plan de exhibición radica en la colaboración de varias instituciones culturales y en la ubicación de la exposición en varios lugares: además del Museo Salvatore Ferragamo, promotor y organizador del proyecto, junto con la Fundación Ferragamo, organizan las diversas exposiciones. en Florencia, la Biblioteca Nacional Central, las Galerías degli Uffizi (Galería de Arte Moderno del Palazzo Pitti), el Museo Marino Marini y, en Prato, el Museo Textil

Las instituciones involucradas participaron activamente en la realización de la idea, con el objetivo de invitar a una reflexión común.

Es un homenaje al Museo Salvatore Ferragamo que seleccionó y concibió el proyecto y un símbolo: por un lado, un elemento decorativo, esencial para la estética de un modelo de 1958 de Salvatore Ferragamo, el décolleté de Tirassegno y, por otro, una obra de uno de los grandes artistas estadounidenses de la segunda mitad del siglo XX, Kenneth Noland, quien fue una inspiración.

La exposición en el Museo Salvatore Ferragamo cuenta con cuatro curadores, Stefania Ricci, directora del Museo Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini, Alberto Salvadori, quienes con sus diferentes habilidades y personalidades han colaborado día tras día en la construcción de la ruta, junto con los directores y los gerentes de las diversas instituciones que participaron en la iniciativa con entusiasmo y espíritu de colaboración y con los autores del catálogo, que ayudaron a los curadores en la elección final de las obras, poniendo a disposición sus conocimientos y su profesionalidad. experiencias. Hay muchos préstamos de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales, que le dan a la exposición un toque internacional.

Museo Salvatore Ferragamo
El Museo Salvatore Ferragamo en Florencia, Italia, es un museo de moda dedicado a la vida y obra del diseñador de calzado italiano Salvatore Ferragamo y su compañía homónima. El museo contiene 10,000 modelos de zapatos creados y propiedad de Ferragamo desde la década de 1920 hasta su muerte en 1960. Después de la muerte de Ferragamo, la colección fue ampliada por su viuda y sus hijos. El museo también incluye películas, recortes de prensa, material publicitario, ropa y accesorios desde la década de 1950 hasta la actualidad.

La familia Ferragamo fundó el museo en mayo de 1995 para familiarizar a un público internacional con las cualidades artísticas de Salvatore Ferragamo y el papel que desempeñó en la historia no solo del calzado sino también de la moda internacional.

Como la mayoría de los museos corporativos, el Museo Salvatore Ferragamo y sus archivos provienen de la visión de un emprendedor, en este caso la viuda de Salvatore Ferragamo, Wanda, quien dirigió la compañía desde la muerte del fundador en 1960, y sus seis hijos. En particular, el mayor de sus hijos, Fiamma, quien dirigió el negocio principal de calzado y artículos de cuero de la compañía después de la muerte de su padre, se puso al frente del proyecto en nombre de su familia y lo trajo a la vida, dando forma a su estrategia con la ayuda de historiadores. y archiveros.

La idea del museo surgió inicialmente cuando se organizó una exposición en el Palazzo Strozzi sobre la historia de Salvatore Ferragamo. La exposición fue de gira y fue presentada por algunos de los museos más prestigiosos del mundo, como el Victoria and Albert en Londres, el Museo del Condado de Los Ángeles, el Guggenheim de Nueva York, la Fundación Sogetsu Kai en Tokio y el Museo de Bellas Artes en México. La exposición temporal se convirtió gradualmente en permanente.

En reconocimiento de la importancia cultural del museo y la de sus numerosas iniciativas a lo largo de los años, en 1999, Salvatore Ferragamo recibió el Premio Guggenheim Impresa e Cultura, otorgado anualmente a las empresas que mejor invierten en cultura para fines constructivos. El museo está ubicado en el centro histórico de Florencia, en el Palazzo Spini Ferroni, que también ha sido la sede de la compañía desde 1938.