Границы между искусством и модой, через искусство и моду, музей Сальваторе Феррагамо

Границы между искусством и модой стали менее четкими в восьмидесятых годах, когда формы отношений между двумя мирами выросли на международном уровне. Художественные учреждения открыли свои двери для дизайнеров, таких как Метрополитен. Появилась новая категория кураторов выставок и специализированных музеев.

В то время как художественные галереи и аукционные дома уделяли все больше внимания этому явлению, крупные дизайнеры одежды создали места, специально посвященные художественным выставкам и финансируемым шоу и произведениям искусства во всем мире, способствуя их растущей славе.

В свою очередь, художники сотрудничали с модой по самым разным и сложным причинам: от простых финансовых соображений до стремления к популярности, от личных отношений до любопытства и от грандиозного проекта общего произведения искусства до революционной утопии.

Энди Уорхол коммуникационные стратегии.
Много раз художники работали для общения моды, как дизайнеры для журналов, как иллюстраторы рекламных каталогов. Ярким примером этого симбиоза между миром искусства и моды является Энди Уорхол.

Уорхол родился в моде с начала 1950-х годов. Он был дизайнером и рекламировал “Glamour”, “Vogue” и “Harper’s Bazaar”, создавая обувь с тонкой и элегантной линией. В этом разделе будут представлены некоторые страницы, опубликованные в журналах мод тех лет, где показаны его первые тесты в качестве иллюстратора моды. Уорхол руководил журналом “Интервью”, который был воспроизведен здесь в восемнадцати выпусках, который действовал как профсоюз между миром искусства и миром моды.

Присутствуя на нью-йоркской культурной сцене, на вечеринках, вернисажах, ретроспективах и показах мод, он сформировал отношения между искусством, модой и знаменитостями, которых мы знаем сегодня. Эта концепция представлена ​​серией фотографических снимков, изображающих Уорхола в разные моменты общественной жизни Нью-Йорка, и знаменитой инсталляцией «Измененное изображение» Кристофера Макоса.

Не вызывает сомнений то, что в своих проектах Энди Уорхол распространял высокоэффективные эстетические материалы, зачастую неуважительные по своему характеру. Самым ярким примером является «The Souper Dress», представленное на выставке, концентрат моды, искусства и индустриальной логики. Это платье из бумаги, целлюлозы и хлопка, произведенное в 1960-х годах по мотиву знаменитого супа Кэмпбелл, повторяющееся изображение в последовательности, напечатанное шелкографией из банки супа.

Германа Маручелли.
Редкий интерпретатор поэзии. Если ателье Ferragamo представляет собой мастерскую художника-ремесленника эпохи Возрождения, где техническое мастерство, которое неразрывно связано с творчеством, является основополагающим, то ателье шестидесятых Германа Маручелли – это место встречи операторов моды, художников и интеллектуалов, объединенных в поисках для новых выразительных форм, способных интерпретировать свое время. В разделе воспроизводится ателье-салон Marucelli, в котором размещены оригинальные произведения искусства Пьетро Зуффи, Гетулио Альвиани, Паоло Щеджи, которые были выставлены на стенах и на одежде, которая стала результатом партнерства с этими художниками. Обогащенная документами, фотографиями, рекламными брошюрами и публикациями, эта часть выставки также отражает годы, предшествовавшие этому моменту, послевоенному периоду, когда швея учредила приз поэзии Сан-Бабила, а ее салон каждый четверг посещали писатели и поэты. В том числе крупные представители итальянской поэзии двадцатого века, Унгаретти, Квазимодо и Монтале.

От ателье к доске настроений.
В этом разделе показано, как образы модных дизайнеров все чаще становятся повествованием через образы, возникающие из потока информации, пытаясь стимулировать два качества, таких как внимание и память в обществе. Созданное с помощью журнала «A MAGAZINE CURATED BY», захватывающее пространство приветствует публику и проецирует его в визуальную и творческую вселенную исключительных творческих умов. Мир Хайдера Акерманна, Мартина Марджела, Йоджи Ямамото, Ирис ван Херпен, Дриса ван Нотена, Джамбаттиста Валли, Стивена Джонса, Родарте, Джун Такахаши, Крис Ван Ассше, Мартина Ситбон, Прованса Шоулера, Риккардо Тисси, изображения Тисси сочиняет Кале музыка, поэзия и фотография.

Инка Шонибаре.
О том, что искусство может использовать моду для формирования своего критического языка, демонстрирует работа британского художника нигерийского происхождения Йинка Шонибаре. Своими инсталляциями, кинематографическими переносами он предлагает глубоко задуматься о мультикультурности, анализируя в основном колониальный вопрос. Фигуры, которые оживляют его работы, состоят из манекенов в театральных и драматических позах, одетых в соответствии со стилями, взятыми из картин восемнадцатого и девятнадцатого веков, но выполненных из тканей батика чистого африканского происхождения.

Ролевые игры.
Сегодня, размышляя об отношениях между искусством и модой, следует помнить, что дуализм (две системы, которые изучают, иногда ведут диалог, но остаются отдельными), который прошел через историю моды прошлого века, сейчас устарел. Мода как искусство ставит под сомнение его практику. Раздел, посвященный работе ряда авторов, таких как Хуссейн Чалаян, Мартин Марджела, Виктор и Рольф, Хельмут Ланг, Ник Кейв, рассказывает о том, как сегодня становится все труднее определять и закрывать различные творческие практики.

Через искусство и моду
такое искусство моды? Простой вопрос скрывает сложную вселенную артикулированных отношений, которые давно изучались, но не пришли к четкому и однозначному определению. В этом проекте анализируются формы диалога между этими двумя мирами: взаимное вдохновение, дублирование и сотрудничество, от опыта прерафаэлитов до опыта футуризма и от сюрреализма до радикальной моды. Маршрут выставки сфокусирован на работах Сальваторе Феррагамо, который был очарован и вдохновлен авангардными художественными движениями 20-го века, на нескольких ателье пятидесятых и шестидесятых, которые были местом для исследований и встреч, и на появлении культура знаменитостей. Затем он исследует эксперименты девяностых и продолжает размышлять, можем ли мы в современной культурной индустрии говорить о двух отдельных мирах или вместо этого имеем дело с плавным взаимодействием ролей.

Этот простой вопрос скрывает сложную вселенную артикулированных отношений, которые долгое время исследовались, не достигая четкого или однозначного определения. Мода – из-за необходимости быть функциональной и, следовательно, для конкретного обращения к реальной жизни, а также из-за ее связи с ремеслом и промышленностью – кажется, далека от идеала искусства и искусства, концепции, которая, однако, не всегда была представительной даже из мира искусства. Энди Уорхол учил нас, что уникальность произведения искусства больше не совпадает с художественной продукцией, и сегодня выставки дизайнеров моды разрастаются, и стилисты приветствуют практики современного искусства с доступностью. Можно ли в этом контексте говорить о дихотомии между искусством и модой, которая произошла в прошлом веке?

Этот проект анализирует формы диалога между этими двумя мирами: загрязнения, дублирования и сотрудничества. От опыта прерафаэлитов до опыта футуризма, от сюрреализма до радикальной моды. Путь сосредотачивается на работе Сальваторе Феррагамо, очарованном и вдохновленном артистическим авангардом двадцатого века; в некоторых ателье пятидесятых и шестидесятых годов, месте учебы и встреч, а также о зарождении культуры знаменитостей, чтобы продолжить эксперименты девяностых и задаться вопросом, можем ли мы в современной культурной индустрии говорить о двух разные миры, или если вместо этого мы сталкиваемся с плавной игрой ролей.

Особенность плана выставки заключается в сотрудничестве нескольких учреждений культуры и размещении выставки в разных местах: помимо музея Сальваторе Феррагамо, который является промоутером и организатором проекта совместно с Фондом Феррагамо, они проводят различные выставки. во Флоренции, Центральная национальная библиотека, Галереи дельи Уффици (Галерея современного искусства Палаццо Питти), Музей Марино Марини и, в Прато, Музей текстиля.

Участвующие учреждения активно участвовали в реализации этой идеи с целью выработки общего мнения.

Это дань уважения музею Сальваторе Феррагамо, который создал и задумал проект и символ: с одной стороны, декоративный элемент, необходимый для эстетики модели Сальваторе Феррагамо 1958 года, Tirassegno décolleté, а с другой – работы один из великих американских художников второй половины двадцатого века, Кеннет Ноланд, который был источником вдохновения.

На выставке в музее Сальваторе Феррагамо работают четыре куратора: Стефания Риччи, директор музея Сальваторе Феррагамо, Мария Луиза Фриса, Энрика Морини, Альберто Сальвадори, которые изо дня в день, благодаря своим различным навыкам и личностям, сотрудничали в строительстве маршрута, вместе с директорами и руководителями различных учреждений, которые с энтузиазмом и духом сотрудничества участвовали в этой инициативе, а также с авторами каталога, которые помогли кураторам в окончательном выборе работ, предоставив свои знания и профессионализм. опыт. Есть много кредитов из самых престижных государственных и частных коллекций, национальных и международных, которые придают выставке международный вид

Музей Сальваторе Феррагамо
Музей Сальваторе Феррагамо во Флоренции, Италия – это музей моды, посвященный жизни и работе итальянского дизайнера обуви Сальваторе Феррагамо и его одноименной компании. Музей содержит 10 000 моделей обуви, созданной и принадлежавшей Феррагамо с 1920-х годов до его смерти в 1960 году. После смерти Феррагамо коллекция была расширена его вдовой и детьми. В музее также представлены фильмы, пресс-релизы, рекламные материалы, одежда и аксессуары с 1950-х годов до наших дней.

Семья Феррагамо основала музей в мае 1995 года, чтобы познакомить международную аудиторию с художественными качествами Сальваторе Феррагамо и ролью, которую он сыграл в истории не только обуви, но и международной моды.

Как и большинство корпоративных музеев, Музей Сальваторе Феррагамо и его архивы основаны на видении предпринимателя, в данном случае вдовы Сальваторе Феррагамо, Ванды, которая возглавляла компанию после смерти основателя в 1960 году, и ее шестерых детей. В частности, старшая из их детей, Fiamma, которая управляла основным бизнесом компании по производству обуви и изделий из кожи после смерти ее отца, стояла у руля этого проекта от имени своей семьи и воплотила его в жизнь, формируя свою стратегию с помощью историков и архивариусы.

Идея музея изначально возникла, когда в Палаццо Строцци была организована выставка, посвященная истории Сальваторе Феррагамо. Выставка проходила в туре и была организована некоторыми из самых престижных музеев мира, такими как Виктория и Альберт в Лондоне, Музей округа Лос-Анджелес, Нью-Йорк Гуггенхайм, Фонд Согетсу Кая в Токио и Музей Белла Артес в Мексике. Временная выставка постепенно стала постоянной.

В знак признания культурной значимости музея и его многочисленных инициатив за эти годы в 1999 году Сальваторе Феррагамо был удостоен премии Guggenheim Impresa e Cultura Award, ежегодно присуждаемой компаниям, которые наилучшим образом вкладывают средства в культуру для достижения конструктивных целей. Музей расположен в историческом центре Флоренции, в Палаццо Спини Феррони, которое также является штаб-квартирой компании с 1938 года.