Les frontières entre l’art et la mode, À travers l’art et la mode, Musée Salvatore Ferragamo

Les frontières entre l’art et la mode sont devenues moins claires dans les années 80, lorsque les formes de relation entre les deux mondes se sont développées au niveau international. Les institutions artistiques ont ouvert leurs portes aux designers, comme le Metropolitan. Une nouvelle catégorie de commissaires d’exposition et de musées dédiés a vu le jour.

Alors que les galeries d’art et les maisons de vente aux enchères accordaient de plus en plus d’attention au phénomène, les grands créateurs de mode ont créé des espaces spécifiquement consacrés aux expositions d’art et financé des spectacles et des œuvres d’art à travers le monde, contribuant à leur renommée croissante.

À leur tour, les artistes ont collaboré avec la mode pour les raisons les plus variées et les plus complexes: des simples considérations financières au désir de popularité, des relations personnelles à la curiosité, et du grand projet d’une œuvre d’art totale à une utopie révolutionnaire.

Stratégies de communication d’Andy Warhol.
Plusieurs fois, les artistes ont travaillé pour la communication de la mode, en tant que créateurs de magazines, en tant qu’illustrateurs de catalogues publicitaires. Andy Warhol est un exemple frappant de cette symbiose entre le monde de l’art et de la mode.

Warhol est né avec la mode depuis le début des années 1950, il avait été designer et publicitaire pour “Glamour”, “Vogue” et “Harper’s Bazaar”, créant des chaussures avec une ligne fine et élégante. Dans cette section seront exposées quelques pages publiées dans les magazines de mode de ces années qui montrent ses premiers tests en tant qu’illustrateur de mode. Warhol a dirigé un magazine “Interview”, reproduit ici en dix-huit numéros, qui a agi comme un syndicat entre le monde de l’art et celui de la mode.

Par sa présence sur la scène culturelle new-yorkaise, lors de fêtes, vernissages, rétrospectives et défilés de mode, il a façonné la relation entre art, mode et célébrités que nous connaissons aujourd’hui. Ce concept est représenté par une série de clichés photographiques représentant Warhol à différents moments de la vie sociale new-yorkaise et par la célèbre installation Altered Image de Christopher Makos.

Ce qui est certain, c’est que dans ses projets, Andy Warhol a diffusé des contributions esthétiques à fort impact avec un caractère souvent irrévérencieux. L’exemple le plus frappant est “The Souper Dress” qui est présenté dans l’exposition, un concentré de mode, d’art et de logique industrielle. Il s’agit d’une robe en papier, cellulose et coton produite dans les années 1960 avec le motif de la célèbre soupe Campbell, une image répétée en séquence, imprimée en sérigraphie à partir de la boîte de la soupe.

Germana Marucelli.
Rare interprète de poésie. Si l’atelier de Ferragamo représente l’atelier de l’artisan-artisan de la Renaissance, où la maîtrise technique qui allait de pair avec la créativité est fondamentale, l’atelier de Germana Marucelli des années 60 est le lieu de rencontre entre opérateurs de la mode, artistes et intellectuels unis dans la recherche pour de nouvelles formes expressives capables d’interpréter leur temps. La section reproduit l’atelier-salon Marucelli accueillant les œuvres d’art originales de Pietro Zuffi, Getulio Alviani, Paolo Scheggi qui ont été exposées sur les murs et les vêtements, qui étaient le résultat du partenariat avec ces artistes. Enrichie de documents, photographies, brochures promotionnelles et publications, cette partie de l’exposition documente également les années précédant ce moment, l’après-guerre, lorsque la couturière établit le prix de la poésie de San Babila et son salon était fréquenté tous les jeudis par des écrivains et des poètes , y compris les principaux représentants de la poésie italienne du XXe siècle, Ungaretti, Quasimodo et Montale.

De l’atelier au mood board.
Cette section montre comment l’imagerie des créateurs de mode est de plus en plus une narration à travers des images qui émergent du flux d’informations, essayant de stimuler deux qualités telles que l’attention et la mémoire du public. Créé avec le magazine “A MAGAZINE CURATED BY”, un espace immersif accueille le public et le projette dans l’univers visuel et imaginatif d’esprits créatifs d’exception. Le monde de Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler, Riccardo Tisci compose un kaléidoscope d’images d’art, musique, poésie et photographie.

Yinka Shonibare.
Que l’art peut utiliser la mode pour façonner son langage critique est démontré par le travail de l’artiste britannique d’origine nigériane, Yinka Shonibare. Avec ses installations, transpositions filmiques, il propose une réflexion profonde sur la multiculturalité, analysant principalement la question coloniale. Les personnages qui animent ses œuvres sont constitués de mannequins dans des poses théâtrales et dramatiques, habillés selon les styles empruntés aux tableaux des XVIIIe et XIXe siècles, mais réalisés avec des tissus batik, de claire ascendance africaine.

Jeux de rôle.
Aujourd’hui, la réflexion sur la relation art / mode doit être consciente que le dualisme (deux systèmes qui scrutent, dialoguent parfois, mais restent séparés) qui a traversé l’histoire de la mode du siècle dernier est désormais dépassé. La mode comme l’art interroge ses pratiques. La section à travers le travail d’une série d’auteurs tels que Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor & Rolf, Helmut Lang, Nick Cave raconte comment il est aujourd’hui de plus en plus difficile de définir et de fermer différentes pratiques créatives.

À travers l’art et la mode
est l’art de la mode? Une question simple cache l’univers complexe d’une relation articulée qui a longtemps été étudiée, mais sans parvenir à une définition claire et sans équivoque. Ce projet analyse les formes de dialogue entre ces deux mondes: inspirations réciproques, chevauchements et collaborations, des expériences des préraphaélites à celles du futurisme, du surréalisme à la mode radicale. L’itinéraire de l’exposition se concentre sur le travail de Salvatore Ferragamo, fasciné et inspiré par les mouvements artistiques d’avant-garde du XXe siècle, sur plusieurs ateliers des années 50 et 60 qui ont été des lieux d’études et de rencontres, et sur l’avènement de la culture des célébrités. Il examine ensuite l’expérimentation des années 90 et continue de se demander si dans l’industrie culturelle contemporaine nous pouvons encore parler de deux mondes distincts ou si nous avons plutôt affaire à une interaction fluide des rôles.

Cette question simple cache l’univers complexe d’une relation articulée, qui a été étudiée pendant longtemps au fil du temps, sans jamais parvenir à une définition claire ou non ambiguë. La mode – pour son besoin d’être fonctionnel et donc de se référer concrètement à la vie réelle, ainsi que pour son lien avec l’artisanat et l’industrie – semble être loin de l’idéal de l’art pour arte, un concept qui n’a cependant pas toujours été représentatif même du monde de l’art. Andy Warhol nous a enseigné que le caractère unique de l’œuvre d’art ne coïncide plus avec la production artistique et aujourd’hui les expositions de créateurs de mode prolifèrent et les stylistes accueillent les pratiques de l’art contemporain avec disponibilité. Est-il encore possible, dans ce contexte, de parler de la dichotomie entre art et mode comme cela s’est produit au siècle dernier?

Ce projet analyse les formes de dialogue entre ces deux mondes: contaminations, chevauchements et collaborations. Des expériences des préraphaélites à celles du futurisme, du surréalisme à la mode radicale. Le parcours se concentre sur le travail de Salvatore Ferragamo, fasciné et inspiré par l’avant-garde artistique du XXe siècle; sur certains ateliers des années 50 et 60, lieu d’étude et de rencontres, et sur la naissance de la culture de la célébrité, pour continuer les expériences des années 90 et se demander si dans l’industrie culturelle contemporaine on peut encore parler de deux mondes distincts, ou si au contraire nous sommes confrontés à un jeu fluide de rôles.

La particularité du plan d’exposition réside dans la collaboration de plusieurs institutions culturelles et dans l’emplacement de l’exposition à divers endroits: en plus du musée Salvatore Ferragamo, promoteur et organisateur du projet avec la Fondation Ferragamo, ils accueillent les différentes expositions à Florence, la Bibliothèque nationale centrale, les Galeries degli Uffizi (Galerie d’Art Moderne du Palazzo Pitti), le Musée Marino Marini et, à Prato, le Musée du Textile

Les institutions impliquées ont activement participé à la réalisation de l’idée, dans le but d’inviter une réflexion commune.

C’est un hommage au musée Salvatore Ferragamo qui a organisé et conçu le projet et un symbole: d’une part un élément décoratif, essentiel à l’esthétique d’un modèle 1958 de Salvatore Ferragamo, le Tirassegno décolleté, et d’autre part une œuvre de l’un des grands artistes américains de la seconde moitié du XXe siècle, Kenneth Noland, qui en fut une inspiration.

L’exposition au musée Salvatore Ferragamo a quatre conservateurs, Stefania Ricci, directrice du musée Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini, Alberto Salvadori, qui, avec leurs différentes compétences et personnalités, ont collaboré jour après jour à la construction de l’itinéraire, en collaboration avec les directeurs et les responsables des différentes institutions qui ont participé à l’initiative avec enthousiasme et esprit de collaboration et avec les auteurs du catalogue, qui ont aidé les conservateurs dans le choix final des œuvres, mettant à disposition leurs connaissances et leur professionnalisme. expériences. Il existe de nombreux prêts des collections publiques et privées les plus prestigieuses, nationales et internationales, qui donnent à l’exposition une atmosphère internationale

Musée Salvatore Ferragamo
Le musée Salvatore Ferragamo de Florence, en Italie, est un musée de la mode dédié à la vie et au travail du créateur de chaussures italien Salvatore Ferragamo et de sa société éponyme. Le musée contient 10 000 modèles de chaussures créées et possédées par Ferragamo des années 1920 jusqu’à sa mort en 1960. Après la mort de Ferragamo, la collection a été élargie par sa veuve et ses enfants. Le musée comprend également des films, des coupures de presse, du matériel publicitaire, des vêtements et des accessoires des années 1950 à nos jours.

La famille Ferragamo a fondé le musée en mai 1995 pour familiariser un public international avec les qualités artistiques de Salvatore Ferragamo et le rôle qu’il a joué dans l’histoire des chaussures, mais aussi de la mode internationale.

Comme la plupart des musées d’entreprises, Museo Salvatore Ferragamo et ses archives découlent de la vision d’un entrepreneur, en l’occurrence la veuve de Salvatore Ferragamo, Wanda, qui dirige l’entreprise depuis la mort du fondateur en 1960, et ses six enfants. En particulier, l’aînée de leurs enfants, Fiamma, qui dirigeait les activités principales de l’entreprise de chaussures et de maroquinerie après la mort de son père, s’est tenue à la tête de ce projet au nom de sa famille et l’a concrétisé, façonnant sa stratégie avec l’aide d’historiens. et archivistes.

L’idée du musée est née à l’origine au Palazzo Strozzi d’une exposition sur l’histoire de Salvatore Ferragamo. L’exposition a fait une tournée et a été accueillie par certains des musées les plus prestigieux du monde, tels que le Victoria and Albert à Londres, le County Museum de Los Angeles, le New York Guggenheim, la Fondation Sogetsu Kai à Tokyo et le Museo de Bellas Artes au Mexique. L’exposition temporaire est devenue progressivement permanente.

En reconnaissance de l’importance culturelle du musée et de ses nombreuses initiatives au fil des ans, Salvatore Ferragamo a reçu en 1999 le prix Guggenheim Impresa e Cultura, décerné chaque année aux entreprises qui investissent le mieux dans la culture à des fins constructives. Le musée est situé dans le centre historique de Florence, au Palazzo Spini Ferroni, qui est également le siège de l’entreprise depuis 1938.