As fronteiras entre arte e moda tornaram-se menos claras nos anos 80, quando as formas de relacionamento entre os dois mundos cresceram em nível internacional. Instituições de arte abriram suas portas para designers, como o Metropolitan. Surgiu uma nova categoria de curadores de exposições e museus dedicados.
Enquanto as galerias de arte e as casas de leilão prestam cada vez mais atenção ao fenômeno, os principais estilistas criaram espaços dedicados especificamente a exposições de arte e exibições e obras de arte financiadas em todo o mundo, contribuindo para sua crescente fama.
Por sua vez, os artistas colaboraram com a moda pelos motivos mais variados e complexos: desde simples considerações financeiras ao desejo de popularidade, de relações pessoais à curiosidade e do grande projeto de uma obra de arte total a uma utopia revolucionária.
Estratégias de comunicação de Andy Warhol.
Muitas vezes os artistas trabalham para a comunicação da moda, como designers de revistas, como ilustradores de catálogos de publicidade. Um exemplo impressionante dessa simbiose entre o mundo da arte e da moda é Andy Warhol.
Warhol nasceu com moda desde o início dos anos 50. Ele era designer e publicitário de “Glamour”, “Vogue” e “Harper’s Bazaar”, criando sapatos com uma linha fina e elegante. Nesta seção, serão exibidas algumas páginas publicadas nas revistas de moda daqueles anos que mostram seus primeiros testes como ilustrador de moda. Warhol dirigiu uma revista “Interview”, reproduzida aqui em dezoito edições, que atuava como um sindicato entre o mundo da arte e o da moda.
Com sua presença no cenário cultural de Nova York, em festas, vernissages, retrospectivas e desfiles de moda, ele moldou a relação entre arte, moda e celebridades que conhecemos hoje. Esse conceito é representado por uma série de fotos fotográficas representando Warhol em diferentes momentos da vida social de Nova York e pela famosa instalação Altered Image, de Christopher Makos.
O certo é que, em seus projetos, Andy Warhol disseminou contribuições estéticas de alto impacto com uma natureza muitas vezes irreverente. O exemplo mais marcante é “The Souper Dress”, que é apresentado na exposição, um concentrado de moda, arte e lógica industrial. É um vestido de papel, celulose e algodão produzido na década de 1960 com o motivo da famosa Sopa Campbell, uma imagem repetida em sequência, impressa em serigrafia na lata da sopa.
Germana Marucelli.
Intérprete raro de poesia. Se o ateliê de Ferragamo representa a oficina do artista-artes renascentista, onde o domínio técnico que acompanha a criatividade é fundamental, o ateliê de Germana Marucelli dos anos sessenta é o ponto de encontro entre operadores da moda, artistas e intelectuais unidos na busca por novas formas expressivas capazes de interpretar seu tempo. A seção reproduz o ateliê de Marucelli, que abriga as obras de arte originais de Pietro Zuffi, Getulio Alviani e Paolo Scheggi, expostas nas paredes e nas roupas, resultado da parceria com esses artistas. Enriquecida por documentos, fotografias, brochuras promocionais e publicações, esta parte da exposição também documenta os anos anteriores a esse momento, o período pós-guerra, quando a costureira estabeleceu o prêmio de poesia de San Babila e seu salão era frequentado toda quinta-feira por escritores e poetas. , incluindo os principais representantes da poesia italiana do século XX, Ungaretti, Quasimodo e Montale.
Do ateliê ao quadro de humor.
Esta seção mostra como as imagens dos estilistas são cada vez mais uma narrativa através de imagens que emergem do fluxo de informações, tentando estimular duas qualidades, como atenção e memória do público. Criado com a revista “UMA REVISTA CURADA POR”, um espaço imersivo acolhe o público e o projeta no universo visual e imaginativo de mentes criativas excepcionais. O mundo de Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler, Riccardo Tisci compõe um caleidoscópio de imagens de arte, música, poesia e fotografia.
Yinka Shonibare.
Que a arte pode usar a moda para moldar sua linguagem crítica é demonstrada pelo trabalho do artista britânico de origem nigeriana, Yinka Shonibare. Com suas instalações, transposições cinematográficas, propõe uma profunda reflexão sobre a multiculturalidade, analisando principalmente a questão colonial. As figuras que animam seus trabalhos são compostas de manequins em poses teatrais e dramáticas, vestidos de acordo com os estilos retirados das pinturas dos séculos XVIII e XIX, mas feitos com tecidos de batik, de clara ascendência africana.
Jogos de RPG.
Hoje, a reflexão sobre a relação arte / moda deve estar ciente de que o dualismo (dois sistemas que examinam, às vezes dialogam, mas permanecem separados) que passou pela história da moda do século passado está desatualizado. A moda como a arte questiona suas práticas. A seção através do trabalho de uma série de autores como Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor e Rolf, Helmut Lang, Nick Cave conta como hoje é cada vez mais difícil definir e fechar diferentes práticas criativas.
Arte e moda
é arte da moda? Uma pergunta simples oculta o universo complexo de um relacionamento articulado que há muito tempo é investigado, mas sem chegar a uma definição clara e inequívoca. Este projeto analisa as formas de diálogo entre esses dois mundos: inspirações recíprocas, sobreposições e colaborações, das experiências dos pré-rafaelitas às do futurismo e do surrealismo à moda radical. O itinerário da exposição se concentra no trabalho de Salvatore Ferragamo, que era fascinado e inspirado pelos movimentos de arte de vanguarda do século XX, em vários ateliês das décadas de 50 e 60 que eram locais de estudos e encontros e no advento da cultura de celebridades. Em seguida, examina a experimentação dos anos noventa e continua a ponderar se na indústria cultural contemporânea ainda podemos falar sobre dois mundos separados ou se estamos lidando com uma interação fluida de papéis.
Essa questão simples oculta o universo complexo de um relacionamento articulado, que é investigado há muito tempo, sem nunca chegar a uma definição clara ou inequívoca. A moda – por sua necessidade de ser funcional e, portanto, de se referir concretamente à vida real, bem como por seu vínculo com o artesanato e a indústria – parece estar longe do ideal de art pour arte, um conceito que, no entanto, nem sempre era representativo. mesmo do mundo da arte. Andy Warhol nos ensinou que a singularidade da obra de arte não coincide mais com a produção artística e hoje as exposições de estilistas proliferam e os estilistas dão boas-vindas às práticas da arte contemporânea com disponibilidade. Ainda é possível, nesse contexto, falar da dicotomia entre arte e moda como aconteceu no século passado?
Este projeto analisa as formas de diálogo entre esses dois mundos: contaminações, sobreposições e colaborações. Das experiências dos pré-rafaelitas às do futurismo, do surrealismo à moda radical. O caminho enfoca o trabalho de Salvatore Ferragamo, fascinado e inspirado pela vanguarda artística do século XX; em alguns ateliers dos anos cinquenta e sessenta, um local de estudo e reuniões, e no nascimento da cultura da celebridade, para continuar com os experimentos dos anos noventa e nos perguntarmos se na indústria cultural contemporânea ainda podemos falar sobre dois mundos distintos, ou se, em vez disso, somos confrontados com um jogo fluido de papéis.
A peculiaridade do plano de exposições está na colaboração de várias instituições culturais e na localização da exposição em vários locais: além do Museu Salvatore Ferragamo, promotor e organizador do projeto, juntamente com a Fundação Ferragamo, eles organizam as várias exposições. em Florença, a Biblioteca Nacional Central, as Galerias degli Uffizi (Galeria de Arte Moderna do Palazzo Pitti), o Museu Marino Marini e, em Prato, o Museu Têxtil
As instituições envolvidas participaram ativamente da realização da ideia, com o objetivo de convidar uma reflexão comum.
É uma homenagem ao Museu Salvatore Ferragamo, que curou e concebeu o projeto e um símbolo: por um lado, um elemento decorativo, essencial à estética de um modelo de 1958 de Salvatore Ferragamo, o decote de Tirassegno, e, por outro, um trabalho de um dos grandes artistas americanos da segunda metade do século XX, Kenneth Noland, que foi uma inspiração.
A exposição no Museu Salvatore Ferragamo conta com quatro curadores, Stefania Ricci, diretora do Museu Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini e Alberto Salvadori, que com suas diferentes habilidades e personalidades colaboram dia após dia na construção da rota, em conjunto com os diretores e os gerentes das diversas instituições que participaram da iniciativa com entusiasmo e espírito de colaboração e com os autores do catálogo, que auxiliaram os curadores na escolha final dos trabalhos, disponibilizando seus conhecimentos e profissionais. experiências. Existem muitos empréstimos das mais prestigiadas coleções públicas e privadas, nacionais e internacionais, que dão à exposição uma sensação internacional
Museu Salvatore Ferragamo
O Museu Salvatore Ferragamo, em Florença, Itália, é um museu de moda dedicado à vida e obra do designer de sapatos italiano Salvatore Ferragamo e sua empresa de mesmo nome. O museu contém 10.000 modelos de sapatos criados e de propriedade de Ferragamo desde a década de 1920 até sua morte em 1960. Após a morte de Ferragamo, a coleção foi ampliada por sua viúva e filhos. O museu também inclui filmes, recortes de imprensa, materiais publicitários, roupas e acessórios da década de 1950 até os dias atuais.
A família Ferragamo fundou o museu em maio de 1995 para familiarizar o público internacional com as qualidades artísticas de Salvatore Ferragamo e com o papel que ele desempenhou na história não apenas dos sapatos, mas também da moda internacional.
Como a maioria dos museus corporativos, o Museo Salvatore Ferragamo e seus arquivos resultam da visão de um empreendedor. Nesse caso, a viúva de Salvatore Ferragamo, Wanda, que chefia a empresa desde a morte do fundador em 1960 e seus seis filhos. Em particular, a mais velha de seus filhos, Fiamma, que administrou o negócio principal de calçados e artigos de couro da empresa após a morte de seu pai, ficou no comando deste projeto em nome de sua família e o trouxe à vida, moldando sua estratégia com a assistência de historiadores. e arquivistas.
A idéia do museu surgiu inicialmente quando uma exposição foi organizada no Palazzo Strozzi sobre a história de Salvatore Ferragamo. A exposição saiu em turnê e foi apresentada por alguns dos museus mais prestigiados do mundo, como Victoria e Albert, em Londres, o County Museum of Los Angeles, o New York Guggenheim, a Sogetsu Kai Foundation, em Tóquio, e o Museo de Bellas. Artes no México. A exposição temporária tornou-se gradualmente permanente.
Em reconhecimento à importância cultural do museu e à de suas muitas iniciativas ao longo dos anos, em 1999, Salvatore Ferragamo recebeu o Prêmio Guggenheim Impresa e Cultura, concedido anualmente às empresas que melhor investem em cultura para fins construtivos. O museu está localizado no centro histórico de Florença, no Palazzo Spini Ferroni, que também é a sede da empresa desde 1938.