Tarsila de Aguiar do Amaral (1. September 1886 – 17. Januar 1973), international bekannt als Tarsila do Amaral oder einfach Tarsila, gilt als eine der führenden Lateinamerikanische Künstler der Moderne, beschrieben als „der brasilianische Maler, der am besten das brasilianische Streben nach nationalistischem Ausdruck in einem modernen Stil erreicht hat“. Sie war Mitglied der „Grupo dos Cinco“ (Gruppe der Fünf), einer Gruppe von fünf brasilianischen Künstlern, die als der größte Einfluss in der modernen Kunstbewegung in Brasilien gelten. Die anderen Mitglieder der „Grupo dos Cinco“ sind Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mario de Andrade und Oswald de Andrade. Tarsila war auch maßgeblich an der Gründung der Antropofagia-Bewegung (1928-1929) beteiligt; Sie war in der Tat diejenige, die Oswald de Andrades berühmtes „Cannibal Manifesto“ inspirierte.

Biografie
Sie wurde am 1. September 1886 in Capivari im Landesinneren von São Paulo geboren. Sie war die Tochter von José Estanislau do Amaral Filho und Lídia Dias de Aguiar und die Enkelin von José Estanislau do Amaral, die aufgrund ihres immensen Namens „der Millionär“ genannt wurde Vermögen in Farmen des Landesinneren von São Paulo angesammelt.

Sein Vater erbte das Vermögen und mehrere Höfe, auf denen Tarsila und seine sieben Brüder die Kindheit verbrachten. Als Kind verwendete sie importierte französische Produkte und wurde nach dem Geschmack der Zeit erzogen. Seine erste Lehrerin, die Belgierin Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont brachte ihr das Lesen, Schreiben, Sticken und Sprechen von Französisch bei. Ihre Mutter verbrachte Stunden am Klavier und erzählte Geschichten von den Romanen, die sie den Kindern vorlas. Sein Vater rezitierte Verse in französischer Sprache aus den zahlreichen Bänden seiner Bibliothek.

Tarsila war die Tante des Geologen Sérgio Estanislau do Amaral.

Studium in São Paulo und Barcelona
Tarsila do Amaral studierte in São Paulo, am Nonnenkolleg in Santana und am Sion College. Und er schloss sein Studium in Barcelona, ​​Spanien, am Sacré-Coeur College ab.

Erste Ehe
Bei der Ankunft aus Europa, im Jahr 1906, verheiratet mit dem Arzt André Teixeira Pinto. Ihr Mann widersetzte sich der künstlerischen Entwicklung von Tarsila und forderte ausschließlich das häusliche Leben, was zur Trennung des Paares führte. Die endgültige Nichtigerklärung der Ehe erfolgte Jahre später. Mit ihm hatte seine einzige Tochter, das Mädchen Dulce, im selben Jahr der Hochzeit geboren. Tarsila trennte sich kurz nach der Geburt der Tochter und kehrte mit Dulce zu den Eltern auf dem Bauernhof zurück.

Frühe Karriere
Er begann 1917 bei Pedro Alexandrino Borges Malerei zu lernen. Er studierte später bei dem Deutschen George Fischer Elpons. 1920 reiste er nach Paris und besuchte die Julian Academy, wo er intensiv Akt- und Live-Models zeichnete. Studierte auch an der Akademie von Émile Renard.

Trotz des Kontakts mit den neuen Tendenzen und Avantgarden hielt Tarsila erst bei seiner Rückkehr nach Brasilien im Jahr 1922 an den modernistischen Ideen fest. In einer paulistana confeitaria präsentierte Anita Malfatti den Modernisten Oswald de Andrade, Mário de Andrade und Menotti Del Picchia. Diese neuen Freunde begannen, sein Atelier zu besuchen und bildeten die Gruppe der Fünf.

Im Januar 1923 trat Tarsila in Europa Oswald de Andrade bei und das Paar reiste durch Portugal und Spanien. Zurück in Paris lernte er bei kubistischen Künstlern: Er besuchte die Lhote-Akademie, lernte Pablo Picasso kennen und freundete sich mit dem Maler Fernand Léger an, der die Akademie dieses Meisters des Kubismus besuchte, von dem Tarsila hauptsächlich die geschmeidige Maltechnik und eine gewisse bewahrte Einfluss der legerianischen Modellierung.

Pau-Brasilien-Phasen und Anthropophagie
Während einer Reise mit den brasilianischen Modernisten und dem französisch-schweizerischen Dichter Blaise Cendrars, die 1924 unternahm, um „Brasilien neu zu entdecken“, begann Tarsila seine künstlerische Phase „Pau-Brasil“, die mit besonders tropischen und brasilianischen Farben und Themen ausgestattet war Tiere „(erwähnt in einem Gedicht von Carlos Drummond de Andrade), der Überschwang der brasilianischen Fauna und Flora, die Maschinen, Schienen, Symbole der urbanen Moderne.

Er heiratete 1926 Oswald de Andrade und veranstaltete im selben Jahr seine erste Einzelausstellung in der Percier Gallery in Paris. Im Jahr 1928 malt Tarsila die Abaporu, deren Name einheimischen Ursprungs bedeutet „Mensch, der menschliches Fleisch isst“, ein Werk, aus dem die von ihrem Ehemann idealisierte anthropophagische Bewegung hervorging.

Die Anthropophagie schlug die Verdauung ausländischer Einflüsse vor, wie im Kannibalenritual (in dem der Feind mit dem Glauben verschlungen wird, dass man seine Qualitäten aufnehmen kann), so dass die nationale Kunst ein brasilianischeres Gesicht erhielt.

Im Juli 1929 stellte Tarsila ihre Bilder zum ersten Mal in Brasilien in Rio de Janeiro aus. Im selben Jahr spüren Tarsila und ihre Bauernfamilie durch den Fall der New Yorker Börse, die als Krise von 1929 bekannt ist, die Auswirkungen der Kaffeekrise und Tarsila verliert seine Farm. Später im selben Jahr trennte sich Oswald de Andrade von Tarsila, weil er sich verliebte und beschloss, die revolutionäre Patricia Galvao, bekannt als Pagu, zu heiraten. Tarsila leidet zu sehr unter der Trennung und dem Verlust der Farm, was dazu führt, dass sie sich noch mehr ihrer Arbeit in der Kunstwelt hingibt.

1930 erhielt Tarsila die Position des Konservators der Pinakothek des Bundesstaates São Paulo. Er begann den Sammlungskatalog des ersten São Paulo Kunstmuseums zu organisieren. Mit dem Aufkommen der Getúlio Vargas-Diktatur und dem Sturz von Julio Prestes verlor er jedoch seine Position.

Reise in die UdSSR und soziale Phase
1931 verkaufte Tarsila einige Gemälde ihrer Privatsammlung, um mit ihrem neuen Ehemann, dem Psychiater Osorio Cesar aus Paraiba, in die Sowjetunion zu reisen, der ihr helfen sollte, sich an verschiedene Formen des politischen und sozialen Denkens anzupassen. Das Paar reiste nach Moskau, Leningrad, Odessa, Konstantinopel, Belgrad und Berlin. Bald würde sie wieder in Paris sein, wo Tarsila auf die Probleme der Arbeiterklasse aufmerksam wurde. Ohne Geld arbeitete sie als Bauarbeiterin, Malerin von Wänden und Türen. Er bekam bald das Geld, um nach Brasilien zurückzukehren. Mit der Krise von 1929 hatte sie fast ihren gesamten Reichtum und ihr gesamtes Vermögen verloren.

In Brasilien gilt Tarsila aufgrund ihrer Teilnahme an politischen Treffen der Linken und ihrer Ankunft nach einer Reise in die UdSSR als Verdächtige und wird wegen Subversion verhaftet. Ab dem Gemälde „Operários“ beginnt der Künstler 1933 eine Phase sozialer Themen, von denen Beispiele die Bildschirme „Operarios“ und „Second Class“ sind. Mitte der dreißiger Jahre wird der Schriftsteller Luis Martins, der zwanzig Jahre jünger als Tarsila ist, sein ständiger Begleiter, der zuerst nach dem sentimentalen Leben gemalt wird. Sie trennt sich von Osório und heiratet Luis, mit dem sie bis in die 50er Jahre zusammenlebte.

Ab den 1940er Jahren begann Tarsila mit Stilen aus früheren Phasen zu malen. Er stellte auf der 1. und 2. Biennale von São Paulo aus und gewann 1960 eine Retrospektive im Museum of Modern Art von São Paulo (MAM). Es ist ein spezielles Raumthema auf der Biennale von São Paulo 1963 und wird im folgenden Jahr vorgestellt auf der 32. Biennale von Venedig.

Letzte Jahrzehnte: 1960 und 1970
Im Jahr 1965 unterzog sich Louis, der allein lebte, einer Säulenoperation, da sie große Schmerzen hatte. Aufgrund eines medizinischen Fehlers war sie gelähmt und blieb bis zu seinen letzten Tagen im Rollstuhl.

1966 verlor Tarsila ihre einzige Tochter, Dulce, die an einem Diabetesanfall starb, an ihrer Verzweiflung. In diesen schwierigen Zeiten erklärt Tarsila in einem Interview ihre Herangehensweise an den Spiritualismus.

Von dort aus verkauft er seine Bilder und spendet einen Teil des Geldes an eine von Chico Xavier verwaltete Institution, mit der er befreundet ist. Er besuchte sie auf der Durchreise durch São Paulo, und beide unterhielten Korrespondenz.

Tarsila do Amaral, das Symbol der brasilianischen Moderne, starb am 17. Januar 1973 aus natürlichen Gründen im Beneficência Portuguesa-Krankenhaus in São Paulo. Sie wurde auf dem Trostfriedhof in weißen Kleidern beigesetzt, wie sie es wünschte.

Repräsentationen in der Kultur
Tarsila do Amaral wurde als Figur in Film und Fernsehen porträtiert, gespielt von Esther Góes im Film „Eternamente Pagu“ (1987), Eliane Giardini in den Miniserien „Um Só Coração“ (2004) und „JK“ (2006).

Der Künstler war auch das Thema des Stücks Tarsila, das Maria Adelaide Amaral zwischen November 2001 und Mai 2002 schrieb. Das Stück wurde 2003 inszeniert und 2004 in Buchform veröffentlicht. Die Titelfigur wurde von der Schauspielerin Esther Góes gespielt und das Stück hatte auch Oswald de Andrade, Mário de Andrade und Anita Malfatti als Charaktere.

Tarsila do Amaral wurde von der Internationalen Astronomischen Union geehrt, die am 20. November 2008 einem Krater auf dem Planeten Merkur den Namen „Amaral“ zuschrieb.

2008 wurde in Zusammenarbeit mit der Pinacoteca des Staates São Paulo, Staatssekretariat von São Paulo, der Raisonné Tarsila do Amaral Catalogue ins Leben gerufen, eine vollständige Katalogisierung der Arbeiten des Künstlers in drei Bänden zur Realisierung von Base7 – Kulturprojekten, die von Petrobras gesponsert wurden Kultur und Regierung des Bundesstaates São Paulo.

Werdegang
Ab 1916 studierte Tarsila do Amaral Malerei in São Paulo. Später studierte sie Zeichnen und Malen beim akademischen Maler Pedro Alexandrino. Dies waren alles respektierte, aber konservative Lehrer. Da Brasilien bis nach dem Zweiten Weltkrieg weder ein öffentliches Kunstmuseum noch eine bedeutende kommerzielle Galerie besaß, war die brasilianische Kunstwelt ästhetisch konservativ und nur begrenzt internationalen Trends ausgesetzt.

Brasilianische Moderne
Als Tarsila 1922 nach São Paulo zurückkehrte, war er vielen Dingen ausgesetzt, nachdem er Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mario de Andrade und Menotti Del Picchia getroffen hatte. Diese Künstlerkollegen bildeten eine Gruppe mit dem Namen „Grupo Dos Cinco“. Vor ihrer Ankunft in São Paulo aus Europa hatte die Gruppe in der Woche vom 11. bis 18. Februar 1922 die Semana de Arte Moderna („Woche der modernen Kunst“) organisiert. Diese Veranstaltung war von zentraler Bedeutung für die Entwicklung des Modernismus in Brasilien. Die Teilnehmer waren daran interessiert, das konservative künstlerische Establishment in Brasilien zu verändern, indem sie eine unverwechselbare Art der modernen Kunst fördern. Tarsila wurde gebeten, sich der Bewegung anzuschließen, und zusammen wurden sie zur Grupo dos Cinco, die die brasilianische Kultur, die Verwendung nicht spezifisch europäischer Stile und die Einbeziehung von Dingen, die in Brasilien heimisch waren, fördern wollte.

Während einer kurzen Rückkehr nach Paris im Jahr 1923 wurde Tarsila während ihres Studiums bei André Lhote, Fernand Léger und Albert Gleizes mit Kubismus, Futurismus und Expressionismus konfrontiert. Europäische Künstler im Allgemeinen hatten ein großes Interesse an afrikanischen und primitiven Kulturen entwickelt, um sich inspirieren zu lassen. Dies veranlasste Tarsila, die indigenen Formen ihres eigenen Landes zu verwenden und gleichzeitig die modernen Stile zu übernehmen, die sie studiert hatte. Zu dieser Zeit malte sie in Paris eines ihrer berühmtesten Werke, A Negra (1923). Das Hauptmotiv des Gemäldes ist eine große negroide weibliche Figur mit einer hervorstehenden Brust. Tarsila stilisierte die Figur, drückte den Raum flach und füllte den Hintergrund mit geometrischen Formen.

Begeistert von ihrem neu entwickelten Stil und dem Gefühl, immer nationalistischer zu werden, schrieb sie im April 1923 an ihre Familie:

„Ich fühle mich immer brasilianischer. Ich möchte der Maler meines Landes sein. Wie dankbar ich dafür bin, dass ich meine ganze Kindheit auf dem Bauernhof verbracht habe. Die Erinnerungen an diese Zeiten sind für mich wertvoll geworden. Ich möchte in der Kunst sei das kleine Mädchen aus São Bernardo, das mit Strohpuppen spielt, wie auf dem letzten Bild, an dem ich arbeite … Glaube nicht, dass diese Tendenz hier negativ gesehen wird, im Gegenteil Beitrag seines eigenen Landes. Dies erklärt den Erfolg des russischen Balletts, der japanischen Grafik und der schwarzen Musik. Paris hatte genug von der Pariser Kunst. “

Pau-Brasil-Zeit
Oswald de Andrade, der ihr Reisebegleiter geworden war, begleitete sie durch ganz Europa. Nach ihrer Rückkehr nach Brasilien Ende 1923 bereisten Tarsila und Andrade ganz Brasilien, um die Vielfalt der indigenen Kultur zu erkunden und Inspiration für ihre nationalistische Kunst zu finden. Während dieser Zeit fertigte Tarsila Zeichnungen der verschiedenen Orte an, die sie besuchte und die die Grundlage für viele ihrer bevorstehenden Gemälde bildeten. Sie illustrierte auch die Gedichte, die Andrade während seiner Reisen verfasste, einschließlich seines zentralen Gedichtbandes mit dem Titel Pau Brasil, der 1924 veröffentlicht wurde. Im gleichnamigen Manifest betonte Andrade, dass die brasilianische Kultur ein Produkt des Imports europäischer Kultur sei und berief Künstler dazu Werke zu schaffen, die einzigartig brasilianisch sind, um die brasilianische Kultur zu „exportieren“, ähnlich wie das Holz des brasilianischen Baumes ein wichtiger Export in den Rest der Welt geworden war. Außerdem forderte er Künstler auf, in ihrer Kunst einen modernistischen Ansatz zu verfolgen, ein Ziel, das sie während der Semana de Arte Moderna in São Paulo angestrebt hatten.

Während dieser Zeit wurden Tarsilas Farben lebhafter. Tatsächlich schrieb sie, dass sie die „Farben gefunden hatte, die ich als Kind verehrt hatte. Mir wurde später beigebracht, dass sie hässlich und ungekünstelt waren.“ Ihr erstes Gemälde aus dieser Zeit war E. C. F. B. (Estrada de Ferro Central do Brasil) (1924). Außerdem interessierte sie sich zu dieser Zeit für die Industrialisierung und ihre Auswirkungen auf die Gesellschaft.

Antropofagie-Periode
1926 heiratete Tarsila Andrade und sie reisten weiter durch Europa und den Nahen Osten. 1926 hatte sie in Paris ihre erste Einzelausstellung in der Galerie Percier. Zu den Gemälden der Ausstellung gehörten São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) und Morro de Favela (1924). Ihre Arbeiten wurden gelobt und als „exotisch“, „originell“, „naiv“ und „zerebral“ bezeichnet, und sie kommentierten ihre Verwendung von leuchtenden Farben und tropischen Bildern.

Während ihrer Zeit in Paris war sie dem Surrealismus ausgesetzt und nach ihrer Rückkehr nach Brasilien begann Tarsila eine neue Periode der Malerei, in der sie sich von städtischen Landschaften und Landschaften distanzierte und den surrealistischen Stil in ihre nationalistische Kunst einbezog. Diese Veränderung fiel auch mit einer größeren künstlerischen Bewegung in São Paulo und anderen Teilen Brasiliens zusammen, die sich darauf konzentrierte, Brasilien als das Land der großen Schlangenstädte zu feiern. Dies wirkte sich auch auf die Art und Weise aus, wie ihre Kunst geformt wurde. Unter Einbeziehung vertikaler Darstellungen der Gebäude in Großstädten wie Sao Paulo wurde ihre Kunst zu einer Ikone. Diese Kunstwerke, die sie gemacht hat, können kleine Aspekte der Stadt wie eine Zapfsäule oder große Elemente wie Gebäude umfassen. Ihre Mischung aus Details war wichtig, weil diese Details die Stadt ausmachten. Aufbauend auf den Ideen der früheren Pau-Brasil-Bewegung bemühten sich die Künstler um angemessene europäische Stile und Einflüsse, um Modi und Techniken zu entwickeln, die einzigartig für sie und für Brasilien waren. Diese Pau-Brasil-Bewegung war ein Konzept, das für Brasilien modernistisch war.

Tarsilas erstes Gemälde in dieser Zeit war Abaporu (1928), das Andrade zum Geburtstag ohne Titel geschenkt worden war. Das Motiv ist eine große, stilisierte menschliche Figur mit riesigen Füßen auf dem Boden neben einem Kaktus, im Hintergrund eine Zitronenscheibe. Andrade wählte in Zusammenarbeit mit dem Dichter Raul Bopp den späteren Titel Abaporu, eine indische Bezeichnung für „Mann isst“. Dies hing mit den damals aktuellen Vorstellungen über die Verschmelzung von europäischem Stil und Einflüssen zusammen. Bald darauf schrieb Andrade sein Anthropophagisches Manifest, das die Brasilianer buchstäblich aufforderte, europäische Stile zu verschlingen, sich von allen direkten Einflüssen zu befreien und ihren eigenen Stil und ihre eigene Kultur zu kreieren. Kolonialismus spielte eine Rolle in ihrer Arbeit; Tarsila hat dieses Konzept in ihre Kunst aufgenommen. Anstatt von Europa verschlungen zu werden, würden sie Europa selbst verschlingen. Andrade verwendete Abaporu für die Titelseite des Manifests als Repräsentation seiner Ideale. Im folgenden Jahr setzte sich der Einfluss des Manifests fort, als Tarsila Antropofagia (1929) malte, die die Abaporu-Figur zusammen mit der weiblichen Figur aus A Negra aus dem Jahr 1923 sowie das brasilianische Bananenblatt, den Kaktus und erneut die Zitronenscheibensonne zeigte.

1929 hatte Tarsila ihre erste Einzelausstellung in Brasilien im Palace Hotel in Rio de Janeiro, gefolgt von einer weiteren im Salon Gloria in São Paulo. 1930 war sie in Ausstellungen in New York und Paris zu sehen. Leider endete 1930 auch die Ehe von Tarsila und Andrade. Dies beendete die Zusammenarbeit.

Später Karriere und Tod
1931 reiste Tarsila in die Sowjetunion. Dort hatte sie Ausstellungen ihrer Werke in Moskau im Museum of Occidental Art und reiste in verschiedene andere Städte und Museen. Die Armut und Not des russischen Volkes wirkte sich in großem Maße auf sie aus, wie in ihrem Gemälde Workers (Operarios) (1933) zu sehen ist. Nach ihrer Rückkehr nach Brasilien im Jahr 1932 beteiligte sie sich an der von Getúlio Vargas angeführten Verfassungsrevolte von São Paulo gegen die Diktatur in Brasilien. Zusammen mit anderen, die als Linke galten, war sie einen Monat lang inhaftiert, weil ihre Reisen sie als kommunistische Sympathisantin erscheinen ließen.

Den Rest ihrer Karriere konzentrierte sie sich auf soziale Themen. Repräsentativ für diese Zeit ist das Gemälde Segundo Class (1931), das russische Männer, Frauen und Kinder als Gegenstand verarmt hat. Sie begann auch, eine wöchentliche Kunst- und Kulturkolumne für den Diario de São Paulo zu schreiben, die bis 1952 andauerte.

1938 ließ sich Tarsila endgültig in São Paulo nieder, wo sie den Rest ihrer Karriere damit verbrachte, brasilianische Menschen und Landschaften zu malen. 1950 hatte sie eine Ausstellung im Museum of Modern Art in São Paulo, wo eine Kritikerin sie als „die brasilianischste Malerin hier“ bezeichnete, die die Sonne, Vögel und jugendlichen Geister unseres Entwicklungslandes darstellt, so einfach wie die Elemente unserer Land und Natur … Sie starb 1973 in São Paulo. Tarsilas Leben ist ein Zeichen des warmen brasilianischen Charakters und ein Ausdruck des tropischen Überflusses. “

Erbe
Neben den 230 Gemälden, Hunderten von Zeichnungen, Illustrationen, Drucken, Wandgemälden und fünf Skulpturen ist Tarsilas Vermächtnis ihr Einfluss auf die Richtung der lateinamerikanischen Kunst. Tarsila brachte die Moderne in Lateinamerika voran und entwickelte einen für Brasilien einzigartigen Stil. Nach ihrem Vorbild wurden andere lateinamerikanische Künstler dazu gebracht, einheimische brasilianische Motive zu verwenden und ihren eigenen Stil zu entwickeln. Der Amaral-Krater auf Merkur ist nach ihr benannt.

2018 eröffnete das MoMA eine Einzelausstellung ihrer Arbeiten, die achte Retrospektive zu lateinamerikanischen Künstlern nach Ausstellungen zu Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, José Clemente Orozco und Joaquín Torres García.

Hauptarbeiten
Ein Angler, 1920er Jahre, Hermitage Museum, Sankt Petersburg, Russland
„A Negra“, 1923,
Cuca, 1924, Museum von Grenoble, Frankreich
Landschaft mit Stier, 1925, Privatsammler
O Ovo, 1928, Gilberto Chateaubriand, Rio de Janeiro
Abaporu, 1928, Eduardo Constantini, MALBA, Buenos Aires
See, 1928, Privatsammlung, Rio de Janeiro
Antropofagia, 1929, Paulina Nemirovsky, Nemirovsky-Stiftung, San Pablo
Sol poente, 1929, Privatsammlung, São Paulo
Segundo-Klasse, 1933, Privatsammlung, São Paulo
Retrato de Vera Vicente Azevedo, 1937, Museu de Arte Brasileira, São Paulo
Lila Landschaft mit 3 Häusern und Bergen, 1969–72, James Lisboa Escritorio de Arte, São Paulo

Ausstellungen
1922 – Salon des französischen Künstlers in Paris (Gruppe)
1926 – Galerie Percier, Paris (solo)
1928 – Galerie Percier, Paris (solo)
1929 – Palace Hotel, Rio de Janeiro (allein)
1929 – Salon Gloria, São Paulo (solo)
1930 – New York (Gruppe)
1930 – Paris (Gruppe)
1931 – Museum für abendländische Kunst, Moskau
1933 – Ich Salon Paulista de Bellas Artes, São Paulo (Gruppe)
1951 – I. Biennale von São Paulo, São Paulo (Gruppe)
1963 – VII. Biennale von São Paulo, São Paulo (Gruppe)
1963 – XXXII Venedig Bienalle, Venedig (Gruppe)
2005 – Frau: Metamorphose der Moderne, Fundacion Joan Miró, Barcelona (Gruppe)
2005 – Brasilien: Körpernostalgie, Nationalmuseum für moderne Kunst, Tokio, Japan (Gruppe)
2006 – Salao von 31: Diferencas in Process, Nationales Museum der Schönen Künste, Rio de Janeiro (Gruppe)
2006 – Brasilianische Moderne Zeichnung: 1917-1950, Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (Gruppe)
2006 – Ciccillo, Museum of Art Contemporary der Universität von São Paulo, São Paulo (Gruppe)
2007 – Ein Jahrhundert brasilianischer Kunst: Sammlung von Gilbert Chateaubriand, Museum Oscar Niemeyer, Curitiba (Gruppe)
2009 – Tarsila do Amaral, Fundación Juan March, Madrid
2017 – Tarsila do Amaral: Moderne Kunst in Brasilien erfinden, Art Institute of Chicago, Chicago (solo)
2018 – Brasilien: Body & Soul, Das Guggenheim, New York (Gruppe)
2018 – Tarsila do Amaral: Moderne Kunst in Brasilien erfinden, Museum of Modern Art, New York (solo)