Tarsila de Aguiar do Amaral, (1 er septembre 1886 – 17 janvier 1973), internationalement connue sous le nom de Tarsila do Amaral ou simplement Tarsila, est considérée comme l’un des principaux Artistes modernistes latino-américains, décrits comme « le peintre brésilien qui a le mieux réalisé les aspirations brésiliennes d’expression nationaliste dans un style moderne ». Elle était membre du « Grupo dos Cinco » (groupe de cinq), un groupe de cinq artistes brésiliens considérés comme la plus grande influence du mouvement de l’art moderne au Brésil. Les autres membres du « Grupo dos Cinco » sont Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade et Oswald de Andrade. Tarsila a également joué un rôle dans la formation du Mouvement Antropofagia (1928-1929); c’est en fait celle qui a inspiré le célèbre « Manifeste de Cannibal » d’Oswald de Andrade.

la biographie
Née le 1 er septembre 1886 à Capivari, dans l’intérieur de São Paulo, elle était la fille de José Estanislau do Amaral Filho et de Lídia Dias de Aguiar, et petite-fille de José Estanislau do Amaral, surnommé « le millionnaire » en raison de son immense fortune accumulée dans les fermes de l’intérieur de São Paulo.

Son père a hérité de la fortune et de plusieurs fermes, où Tarsila et ses sept frères ont passé l’enfance. Enfant, elle utilisait des produits français importés et était éduquée selon le goût du temps. Son premier professeur, le Belge Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont lui a appris à lire, écrire, broder et parler français. Sa mère passait des heures au piano et racontait aux enfants les romans qu’elle lisait. Son père récitait des vers en français, extraits des nombreux volumes de sa bibliothèque.

Tarsila était la tante du géologue Sérgio Estanislau do Amaral.

Études à São Paulo et à Barcelone
Tarsila do Amaral a étudié à São Paulo, dans un collège de religieuses du quartier de Santana et au collège de Sion. Et il a terminé ses études à Barcelone, en Espagne, au Sacré-Coeur College.

Premier mariage
En arrivant d’Europe, en 1906, marié avec le docteur André Teixeira Pinto. Son mari s’est opposé au développement artistique de Tarsila et a exigé exclusivement de la vie domestique, ce qui a entraîné la séparation du couple. L’annulation définitive du mariage a eu lieu des années plus tard. Avec lui avait sa fille unique, la fille Dulce, née la même année du mariage. Tarsila s’est séparée peu de temps après la naissance de la fille et est revenue vivre avec les parents à la ferme, emmenant Dulce.

Début de carrière
Il commence à apprendre la peinture en 1917 avec Pedro Alexandrino Borges. Il a ensuite étudié auprès de l’allemand George Fischer Elpons. En 1920, il se rend à Paris et fréquente la Julian Academy, où il dessine intensément des nus et des modèles vivants. Également étudié à l’Académie d’Émile Renard.

En dépit d’avoir eu des contacts avec les nouvelles tendances et avant-gardes, Tarsila n’a adhéré qu’aux idées modernistes lors de son retour au Brésil, en 1922. Dans un paulistana confeitaria, a été présenté par Anita Malfatti aux modernistes comme Oswald de Andrade, Mário de Andrade et Menotti Del Picchia. Ces nouveaux amis ont commencé à fréquenter son atelier, formant le groupe des cinq.

En janvier 1923, en Europe, Tarsila rejoignit Oswald de Andrade et le couple traversa le Portugal et l’Espagne. De retour à Paris, il étudie avec des artistes cubistes: il fréquente l’Académie Lhote, rencontre Pablo Picasso et se lie d’amitié avec le peintre Fernand Léger, visitant l’académie de ce maître du cubisme, dont Tarsila a principalement conservé la technique douce de la peinture et un certain influence de la modélisation legerienne.

Phases Pau-Brasil et Anthropophagie
En 1924, lors d’un voyage de « redécouverte du Brésil » avec les modernistes brésiliens et avec le poète franco-suisse Blaise Cendrars, Tarsila entame sa phase artistique « Pau-Brasil », dotée de couleurs et de thèmes notamment tropicaux et brésiliens, où animaux « (mentionné dans un poème de Carlos Drummond de Andrade), l’exubérance de la faune et de la flore brésiliennes, les machines, les rails, symboles de la modernité urbaine.

Il épousa Oswald de Andrade en 1926 et la même année, il réalisa sa première exposition personnelle à la galerie Percier à Paris. En 1928, Tarsila peint Abaporu, dont le nom d’origine autochtone signifie « homme qui mange de la chair humaine », œuvre à l’origine du Mouvement anthropophagique, idéalisé par son mari.

L’anthropophagie a proposé de digérer les influences étrangères, comme dans le rituel cannibale (dans lequel l’ennemi est dévoré avec la conviction que l’on peut absorber ses qualités), de sorte que l’art national gagne un visage plus brésilien.

En juillet 1929, Tarsila expose ses peintures pour la première fois au Brésil, à Rio de Janeiro. La même année, à la suite de la chute de la Bourse de New York, connue sous le nom de crise de 1929, Tarsila et sa famille d’agriculteurs ressentent dans leur poche les effets de la crise du café et Tarsila perd sa ferme. Plus tard la même année, Oswald de Andrade se sépare de Tarsila parce qu’il est tombé amoureux de lui et a décidé d’épouser la révolutionnaire Patricia Galvao, connue sous le nom de Pagu. Tarsila souffre trop de la séparation et de la perte de la ferme, ce qui la conduit à s’abandonner encore plus à son travail dans le monde artistique.

En 1930, Tarsila obtint le poste de conservateur de la Pinacothèque de l’État de São Paulo. Il a commencé à organiser le catalogue de collections du premier musée d’art de São Paulo. Cependant, avec l’avènement de la dictature de Getúlio Vargas et la chute de Julio Prestes, il a perdu son poste.

Voyage en URSS et phase sociale
En 1931, Tarsila a vendu quelques tableaux de sa collection privée pour se rendre en Union soviétique avec son nouveau mari, le psychiatre Osorio Cesar, de Paraiba, qui l’aiderait à s’adapter à différentes formes de pensée politique et sociale. Le couple s’est rendu à Moscou, Léningrad, Odessa, Constantinople, Belgrade et Berlin. Bientôt, elle serait de retour à Paris, où Tarsila a pris conscience des problèmes de la classe ouvrière. Sans argent, elle travailla comme ouvrier du bâtiment, peintre de murs et de portes. Il a bientôt eu l’argent pour retourner au Brésil. Avec la crise de 1929, elle avait perdu presque toute sa fortune et sa fortune.

Au Brésil, en raison de sa participation à des réunions politiques de gauche et de son arrivée après un voyage en URSS, Tarsila est considérée comme un suspect et est arrêtée, accusée de subversion. En 1933, à partir du tableau « Operários », l’artiste entame une phase de thèmes plus sociaux, dont les écrans Operarios et Second Class. Au milieu des années trente, l’écrivain Luis Martins, vingt ans plus jeune que Tarsila, devient son compagnon constant, premier peintre après la vie sentimentale. Elle se sépare d’Osório et épouse Luis avec qui elle a vécu jusqu’aux années 50.

À partir des années 1940, Tarsila a commencé à peindre avec les styles des phases précédentes. Il a exposé aux 1ère et 2ème Biennales de São Paulo et a remporté une rétrospective au Musée d’art moderne de São Paulo (MAM) en 1960. C’est un thème de salle spécial de la Biennale de São Paulo de 1963, et l’année suivante, il est présenté à la 32e Biennale de Venise.

Dernières décennies: 1960 et 1970
En 1965, Louis et vivant séparé seul, subit une opération de la colonne, qui souffrait beaucoup, et une erreur médicale la laissa paralysée, restant en fauteuil roulant jusqu’à ses derniers jours.

En 1966, Tarsila a perdu sa fille unique, Dulce, décédée des suites d’un diabète, à son désespoir. En cette période difficile, Tarsila déclare, dans une interview, son approche du spiritualisme.

À partir de là, il commence à vendre ses photos en donnant une partie de l’argent obtenu à une institution gérée par Chico Xavier, dont il devient l’ami. Il lui a rendu visite en passant par São Paulo et ils ont tous deux gardé la correspondance.

Tarsila do Amaral, artiste-symbole du modernisme brésilien, est décédée le 17 janvier 1973 à l’hôpital Beneficência Portuguesa de São Paulo, pour des raisons naturelles. Elle a été enterrée dans le cimetière de la consolation en robe blanche, selon son souhait.

Représentations dans la culture
Tarsila do Amaral a été décrite comme un personnage au cinéma et à la télévision, interprétée par Esther Góes dans les films « Eternamente Pagu » (1987), Eliane Giardini dans la minisérie « Um Só Coração » (2004) et « JK » (2006).

L’artiste était également le thème de la pièce Tarsila, écrite de novembre 2001 à mai 2002 par Maria Adelaide Amaral. La pièce avait été mise en scène en 2003 et publiée sous forme de livre en 2004. Le personnage principal était interprété par l’actrice Esther Góes. La pièce avait également pour personnages Oswald de Andrade, Mário de Andrade et Anita Malfatti.

Tarsila do Amaral a été honorée par l’Union astronomique internationale qui, le 20 novembre 2008, a attribué le nom « Amaral » à un cratère de la planète Mercure.

En 2008, le catalogue Raisonné Tarsila do Amaral a été lancé, un catalogue complet des œuvres de l’artiste en trois volumes, dans le cadre de la réalisation des projets culturels Base7, parrainés par Petrobras, en partenariat avec la Pinacothèque de l’État de São Paulo, Secrétariat d’État à Culture et gouvernement de l’État de São Paulo.

Carrière
À partir de 1916, Tarsila do Amaral étudie la peinture à São Paulo. Plus tard, elle a étudié le dessin et la peinture avec le peintre académique Pedro Alexandrino. Ceux-ci étaient tous respectés, mais les enseignants conservateurs. Comme le Brésil n’avait ni musée d’art public ni galerie commerciale importante jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale, le monde de l’art brésilien était esthétiquement conservateur et son exposition aux tendances internationales était limitée.

Modernisme brésilien
De retour à São Paulo en 1922, Tarsila a été exposée à de nombreuses choses après avoir rencontré Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade et Menotti Del Picchia. Ces artistes ont formé un groupe appelé « le Grupo Dos Cinco ». Avant son arrivée à São Paulo en provenance d’Europe, le groupe avait organisé la Semana de Arte Moderna (« Semaine de l’art moderne ») au cours de la semaine du 11 au 18 février 1922. Cet événement a été déterminant dans le développement du modernisme au Brésil. Les participants étaient intéressés à changer l’établissement artistique conservateur au Brésil en encourageant un mode distinctif de l’art moderne. On a demandé à Tarsila de rejoindre le mouvement et ils sont devenus ensemble le Grupo dos Cinco, qui cherche à promouvoir la culture brésilienne, l’utilisation de styles non spécifiquement européens et l’inclusion d’éléments indigènes au Brésil.

Au cours d’un bref retour à Paris en 1923, Tarsila est exposée au cubisme, au futurisme et à l’expressionnisme alors qu’il étudie avec André Lhote, Fernand Léger et Albert Gleizes. Les artistes européens en général avaient développé un grand intérêt pour les cultures africaines et primitives. Cela a conduit Tarsila à utiliser les formes autochtones de son propre pays tout en incorporant les styles modernes qu’elle avait étudiés. À Paris, à l’époque, elle peint l’une de ses œuvres les plus célèbres, A Negra (1923). Le sujet principal de la peinture est une grande figure féminine noirâtre avec un seul sein proéminent. Tarsila a stylisé la figure et aplati l’espace, remplissant l’arrière-plan de formes géométriques.

Enthousiasmée par son style nouvellement développé et se sentant de plus en plus nationaliste, elle écrivit à sa famille en avril 1923:

« Je me sens de plus en plus brésilien. Je veux être le peintre de mon pays. Je suis reconnaissant d’avoir passé toute mon enfance à la ferme. Les souvenirs de cette époque sont devenus précieux pour moi. Je veux, en art, sois la petite fille de São Bernardo qui joue avec des poupées en paille, comme dans la dernière photo sur laquelle je travaille… Ne croyez pas que cette tendance est perçue ici négativement, bien au contraire. Ce qu’elles veulent ici, c’est que chacune contribution de son pays. C’est ce qui explique le succès du ballet russe, des graphismes japonais et de la musique noire. Paris en avait assez de l’art parisien.  »

Période Pau-Brasil
Oswald de Andrade, qui était devenu son compagnon de voyage, l’accompagna dans toute l’Europe. À leur retour au Brésil à la fin de 1923, Tarsila et Andrade ont ensuite parcouru le Brésil pour explorer la variété de la culture autochtone et trouver l’inspiration pour leur art nationaliste. Au cours de cette période, Tarsila a réalisé des dessins des différents lieux visités, qui ont servi de base à nombre de ses peintures à venir. Elle a également illustré la poésie écrite par Andrade au cours de leurs voyages, notamment son livre central de poèmes intitulé Pau Brasil, publié en 1924. Dans le manifeste du même nom, Andrade a souligné que la culture brésilienne était un produit de l’importation de la culture européenne et avait appelé les artistes à créer des œuvres uniquement brésiliennes pour « exporter » la culture brésilienne, un peu comme le bois de l’arbre du Brésil était devenu une exportation importante pour le reste du monde. En outre, il a invité les artistes à utiliser une approche moderniste dans leur art, un objectif pour lequel ils s’étaient battus lors de la Semana de Arte Moderna de São Paulo.

Pendant ce temps, les couleurs de Tarsila sont devenues plus vibrantes. En fait, elle a écrit qu’elle avait trouvé les « couleurs que j’avais adorées dans mon enfance. On m’a appris plus tard qu’elles étaient laides et non sophistiquées ». Sa peinture initiale de cette époque était E.C.F.B. (Estrada de Ferro Central do Brasil) (1924). De plus, à l’époque, elle s’intéressait à l’industrialisation et à son impact sur la société.

Période Antropofagia
En 1926, Tarsila a épousé Andrade et ils ont continué à voyager en Europe et au Moyen-Orient. À Paris, en 1926, elle présente sa première exposition personnelle à la galerie Percier. Les peintures présentées à l’exposition comprenaient São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) et Morro de Favela (1924). Ses œuvres ont été louées et appelées « exotiques », « originales », « naïves » et « cérébrales », et elles ont commenté son utilisation de couleurs vives et d’images tropicales.

À Paris, elle est exposée au surréalisme et après son retour au Brésil, Tarsila entame une nouvelle période de peinture au cours de laquelle elle s’éloigne des paysages et paysages urbains et commence à incorporer le style surréaliste à son art nationaliste. Ce changement a également coïncidé avec un mouvement artistique plus vaste à São Paulo et dans d’autres régions du Brésil, qui s’est concentré sur la célébration du Brésil en tant que pays du grand serpent. Les villes ont également eu une incidence sur la formation de son art. En incluant des représentations verticales des bâtiments dans les grandes villes, comme Sao Paulo, son art est devenu emblématique. Ses œuvres d’art pourraient inclure de petits aspects de la ville, comme une pompe à essence, ou de grands éléments, comme des bâtiments. Son mélange de détails était important parce que ces détails constituaient la ville. S’appuyant sur les idées du mouvement Pau-Brasil antérieur, les artistes s’efforcent de s’approprier les styles et les influences européennes afin de développer des modes et des techniques qui leur sont propres et qui leur sont propres. Ce mouvement Pau-Brésil était un concept moderniste du Brésil.

Le premier tableau de Tarsila au cours de cette période est Abaporu (1928), qui avait été donné à Andrade sous forme de tableau sans titre pour son anniversaire. Le sujet est une grande figure humaine stylisée avec des pieds énormes assis sur le sol à côté d’un cactus avec un soleil en tranche de citron à l’arrière-plan. Andrade a choisi le titre éventuel Abaporu, qui est un terme indien pour « l’homme mange », en collaboration avec le poète Raul Bopp. Cela était lié aux idées alors en vogue concernant la fusion du style et des influences européennes. Peu de temps après, Andrade rédige son manifeste anthropophagien, qui appelle littéralement les Brésiliens à dévorer les styles européens, à se débarrasser de toutes influences directes et à créer leur propre style et leur propre culture. Le colonialisme a joué un rôle dans son travail; Tarsila a incorporé ce concept dans son art. Au lieu d’être dévorés par l’Europe, ils dévoreraient l’Europe eux-mêmes. Andrade a utilisé Abaporu pour la couverture du manifeste en tant que représentation de ses idéaux. L’année suivante, l’influence du manifeste continua, Tarsila peignit Antropofagia (1929), qui présentait la figure Abaporu ainsi que la figure féminine de A Negra de 1923, ainsi que la feuille de banane brésilienne, le cactus et encore le soleil au citron.

En 1929, Tarsila présente sa première exposition personnelle au Brésil à l’hôtel Palace de Rio de Janeiro et est suivie d’une autre au Salon Gloria de São Paulo. En 1930, elle participe à des expositions à New York et à Paris. Malheureusement, Tarsila et Andrade ont également perdu leur mariage en 1930. Cela a mis fin à leur collaboration.

Plus tard carrière et mort
En 1931, Tarsila se rendit en Union soviétique. Pendant son séjour, elle a exposé ses œuvres à Moscou au Musée d’art occidental et s’est rendue dans diverses villes et musées. La pauvreté et les souffrances du peuple russe l’affectèrent énormément, comme le montre son tableau Workers (Operarios) (1933). À son retour au Brésil en 1932, elle s’implique dans la révolte constitutionnelle de São Paulo dirigée par Getúlio Vargas contre la dictature au Brésil. Avec d’autres personnes considérées comme de gauche, elle a été emprisonnée pendant un mois parce que ses voyages la faisaient apparaître comme une sympathisante du communisme.

Le reste de sa carrière, elle s’est concentrée sur des thèmes sociaux. Le tableau de la classe Segundo (1931) est représentatif de cette période. Il a pour objet d’appauvrir hommes, femmes et enfants russes. Elle a également commencé à écrire une chronique hebdomadaire sur les arts et la culture pour le Diario de São Paulo, qui s’est poursuivie jusqu’en 1952.

En 1938, Tarsila s’établit définitivement à São Paulo où elle passa le reste de sa carrière à peindre des personnes et des paysages brésiliens. En 1950, elle expose au Museum of Modern Art de São Paulo où elle est qualifiée de « la plus brésilienne des peintres, qui représente le soleil, les oiseaux et l’esprit de jeunesse de notre pays en développement, aussi simples que les éléments de notre terre et nature… Elle est morte à São Paulo en 1973. La vie de Tarsila est une marque du caractère brésilien chaleureux et une expression de son exubérance tropicale.  »

Héritage
Outre les 230 peintures, des centaines de dessins, illustrations, gravures, peintures murales et cinq sculptures, l’héritage de Tarsila est son effet sur l’orientation de l’art latino-américain. Tarsila a fait progresser le modernisme en Amérique latine et a développé un style unique au Brésil. Suivant son exemple, d’autres artistes latino-américains ont été incités à utiliser le sujet brésilien et à développer leur propre style. Le cratère Amaral sur Mercure porte son nom.

En 2018, le MoMA a ouvert une exposition personnelle de son travail, la huitième rétrospective consacrée aux artistes d’Amérique latine, à la suite d’expositions sur Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco et Joaquín Torres García.

Grands travaux
Un pêcheur à la ligne, des années 1920, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie
« A Negra », 1923,
Cuca, 1924, musée de Grenoble, France
Paysage avec taureau, 1925, collectionneur privé
O Ovo, 1928, Gilberto Chateaubriand, Rio de Janeiro
Abaporu, 1928, Eduardo Constantini, MALBA, Buenos Aires
Lac, 1928, collection privée, Rio de Janeiro
Antropofagia, 1929, Paulina Nemirovsky, Fondation Nemirovsky, San Pablo
Sol Poente, 1929, Collection privée, São Paulo
Classe Segundo, 1933, collection privée, São Paulo
Retour de Vera Vicente Azevedo, 1937, musée d’Art brésilien, São Paulo
Paysage violet avec 3 maisons et montagnes, 1969-1972, James Lisboa Escritorio de Arte, São Paulo

Des expositions
1922 – Salon de la Société des Artistes Français à Paris (groupe)
1926 – Galerie Percier, Paris (solo)
1928 – Galerie Percier, Paris (solo)
1929 – Palace Hotel, Rio de Janeiro (solo)
1929 – Salon Gloria, São Paulo (solo)
1930 – New York (groupe)
1930 – Paris (groupe)
1931 – Musée d’art occidental, Moscou
1933 – Ier Salon Paulista de Bellas Artes, São Paulo (groupe)
1951 – I Biennale de São Paulo, São Paulo (groupe)
1963 – VII Biennale de São Paulo, São Paulo (groupe)
1963 – XXXII Venise Bienalle, Venise (groupe)
2005 – Femme: métamorphose de la modernité, Fundacion Joan Miró, Barcelone (groupe)
2005 – Brésil: Body Nostalgia, Musée national d’art moderne, Tokyo, Japon (groupe)
2006 – Salao of 31: Diferencas in Process, Musée national des beaux arts, Rio de Janeiro (groupe)
2006 – Dessin moderne brésilien: 1917-1950, Musée d’art moderne, Rio de Janeiro (groupe)
2006 – Ciccillo, musée d’art contemporain de l’université de São Paulo, São Paulo (groupe)
2007 – Un siècle d’art brésilien: Collection de Gilbert Chateaubriand, Musée Oscar Niemeyer, Curitiba (groupe)
2009 – Tarsila do Amaral, Fondation Juan March, Madrid
2017 – Tarsila do Amaral: Inventer l’art moderne au Brésil, Institut d’art de Chicago, Chicago (solo)
2018 – Brésil: Body & Soul, The Guggenheim, New York (groupe)
2018 – Tarsila do Amaral: Inventer l’art moderne au Brésil, Musée d’art moderne de New York (solo)