Tarsila de Aguiar do Amaral, (1 settembre 1886 – 17 gennaio 1973), internazionalmente conosciuta come Tarsila do Amaral o semplicemente Tarsila, è considerata una delle principali Artisti modernisti latinoamericani, descritti come “il pittore brasiliano che meglio ha raggiunto le aspirazioni brasiliane per l’espressione nazionalista in uno stile moderno”. È stata membro del “Grupo dos Cinco” (gruppo dei cinque), un gruppo di cinque artisti brasiliani considerati la più grande influenza nel movimento artistico moderno in Brasile. Gli altri membri del “Grupo dos Cinco” sono Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade. Tarsila fu anche determinante nella formazione del Movimento Antropofagia (1928-1929); era infatti colei che ispirò il famoso “Manifesto dei cannibali” di Oswald de Andrade.

Biografia
Nata il 1 ° settembre 1886 a Capivari, all’interno di São Paulo, era figlia di José Estanislau do Amaral Filho e Lídia Dias de Aguiar, e nipote di José Estanislau do Amaral, soprannominato “il milionario” in virtù dell’immenso fortuna accumulata nelle fattorie dell’interno di São Paulo.

Suo padre ereditò la fortuna e diverse fattorie, dove Tarsila ei suoi sette fratelli passarono l’infanzia. Da bambina, ha fatto uso di prodotti francesi importati ed è stata educata secondo il gusto del tempo. Il suo primo insegnante, il belga Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont le ha insegnato a leggere, scrivere, ricamare e parlare francese. Sua madre passava ore al pianoforte e raccontava storie dei romanzi che leggeva ai bambini. Suo padre recitava versi in francese, tratti dai numerosi volumi della sua biblioteca.

Tarsila era la zia del geologo Sérgio Estanislau do Amaral.

Studi a San Paolo e Barcellona
Tarsila do Amaral ha studiato a San Paolo, nel college di una suora nel quartiere di Santana e al Sion College. E ha completato i suoi studi a Barcellona, ​​in Spagna, al Sacré-Coeur College.

Primo matrimonio
Arrivando dall’Europa, nel 1906, si sposò con il dottore André Teixeira Pinto. Suo marito si oppose allo sviluppo artistico di Tarsila e chiese esclusivamente dedicato alla vita domestica, portando alla separazione della coppia. L’annullamento definitivo del matrimonio è avvenuto anni dopo. Con lui aveva la sua unica figlia, la ragazza Dulce, nata lo stesso anno delle nozze. Tarsila si separò subito dopo la nascita della figlia e tornò a vivere con i genitori nella fattoria, prendendo Dulce.

All’inizio della carriera
Ha iniziato a studiare pittura nel 1917, con Pedro Alexandrino Borges. Più tardi studiò sotto il tedesco George Fischer Elpons. Nel 1920, si recò a Parigi e frequentò l’Accademia Juliana, dove disegnò intensamente i nudi e le modelle. Anche studiato presso l’Accademia di Émile Renard.

Nonostante avesse avuto contatti con le nuove tendenze e avanguardie, Tarsila aderì alle idee moderniste quando tornò in Brasile, nel 1922. In una paulistana confeitaria, fu presentato / esposto da Anita Malfatti ai modernisti Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Questi nuovi amici hanno iniziato a frequentare il suo atelier, formando il Gruppo dei Cinque.

Nel gennaio 1923, in Europa, Tarsila si unì a Oswald de Andrade e la coppia viaggiò attraverso il Portogallo e la Spagna. Tornato a Parigi, ha studiato con artisti cubisti: ha frequentato l’Accademia Lhote, ha incontrato Pablo Picasso ed è diventato amico del pittore Fernand Léger, visitando l’accademia di questo maestro del cubismo, di cui Tarsila ha principalmente preservato la tecnica liscia della pittura e un certo influenza della modellizzazione legeriana.

Fasi del Pau-Brasil e Antropofagia
Nel 1924, durante un viaggio di “riscoperta del Brasile” con i modernisti brasiliani e con il poeta franco-svizzero Blaise Cendrars, Tarsila iniziò la sua fase artistica “Pau-Brasil”, dotata di colori e temi particolarmente tropicali e brasiliani, dove “la nazionale animali “(menzionato in un poema di Carlos Drummond de Andrade), l’esuberanza della fauna e della flora brasiliane, le macchine, i binari, i simboli della modernità urbana.

Sposò Oswald de Andrade nel 1926 e nello stesso anno tenne la sua prima mostra personale alla Galleria Percier a Parigi. Nel 1928, Tarsila dipinge l’Abaporu, il cui nome di origine indigena significa “uomo che mangia carne umana”, opera che ha dato origine al movimento antropofago, idealizzato dal marito.

L’antropofagia proponeva la digestione di influenze straniere, come nel rituale cannibale (in cui il nemico è divorato con la convinzione che si possano assorbire le sue qualità), così che l’arte nazionale acquisisca un volto più brasiliano.

Nel luglio del 1929, Tarsila espose i suoi dipinti per la prima volta in Brasile, a Rio de Janeiro. Quello stesso anno, a causa della caduta della Borsa di New York, nota come Crisi del 1929, Tarsila e la sua famiglia di agricoltori sentono nelle loro tasche gli effetti della crisi del caffè e Tarsila perde la sua fattoria. Più tardi quello stesso anno, Oswald de Andrade si separò da Tarsila perché si innamorò e decise di sposare la rivoluzionaria Patricia Galvao, conosciuta come Pagu. Tarsila soffre troppo per la separazione e la perdita della fattoria, il che la porta ad arrendersi ancora di più al suo lavoro nel mondo artistico.

Nel 1930, Tarsila ottenne la posizione di conservatore della Pinacoteca dello Stato di São Paulo. Ha iniziato a organizzare il catalogo della collezione del primo museo d’arte di San Paolo. Tuttavia, con l’avvento della dittatura di Getúlio Vargas e la caduta di Julio Prestes, ha perso la sua posizione.

Viaggio in URSS e fase sociale
Nel 1931, Tarsila vendette alcuni dipinti della sua collezione privata per recarsi in Unione Sovietica con il suo nuovo marito, lo psichiatra Osorio Cesar, di Paraiba, che l’avrebbe aiutata ad adattarsi a diverse forme di pensiero politico e sociale. La coppia si recò a Mosca, Leningrado, Odessa, Costantinopoli, Belgrado e Berlino. Presto sarebbe tornata a Parigi, dove Tarsila si accorse dei problemi della classe operaia. Senza soldi, ha lavorato come muratore, pittore di pareti e porte. Presto ha ottenuto i soldi per tornare in Brasile. Con la crisi del 1929, aveva perso quasi tutte le sue ricchezze e la sua fortuna.

In Brasile, a causa della sua partecipazione agli incontri politici di sinistra e al suo arrivo dopo un viaggio in Unione Sovietica, Tarsila è considerata un sospetto e viene arrestata, accusata di sovversione. Nel 1933, dal dipinto “Operários”, l’artista inizia una fase di più temi sociali, di cui esempi sono gli schermi Operarios e Second Class. A metà degli anni Trenta, lo scrittore Luis Martins, vent’anni più giovane di Tarsila, diventa il suo compagno costante, il primo dei dipinti dopo la vita sentimentale. Si separa da Osório e sposa Luis, con il quale visse fino agli anni ’50.

Dagli anni ’40 in poi, Tarsila iniziò a dipingere con stili di fasi precedenti. Ha esposto alla 1a e alla 2a Biennale di San Paolo e ha vinto una retrospettiva al Museo di Arte Moderna di São Paulo (MAM) nel 1960. È un tema speciale per la Biennale di San Paolo del 1963 e l’anno successivo viene presentato alla 32a Biennale di Venezia.

Ultimi decenni: 1960 e 1970
Nel 1965, Louis e separato vivente da solo, subì un intervento chirurgico di colonna, come era in grande dolore, e un errore medico la lasciò paralizzata, rimanendo su una sedia a rotelle fino ai suoi ultimi giorni.

Nel 1966, Tarsila perse la sua unica figlia, Dulce, che morì per un attacco di diabete, alla sua disperazione. In questi tempi difficili, Tarsila afferma, in un’intervista, il suo approccio allo spiritismo.

Da lì, inizia a vendere le sue foto, donando parte del denaro ottenuto ad un istituto gestito da Chico Xavier, di cui diventa amico. L’ha visitata, passando per San Paolo, ed entrambi hanno tenuto la corrispondenza.

Tarsila do Amaral, l’artista-simbolo del modernismo brasiliano, è morto all’ospedale portoghese di Beneficência, a San Paolo, il 17 gennaio 1973 per cause naturali. Fu sepolta nel Cimitero della Consolazione in abito bianco, secondo il suo desiderio.

Rappresentanze in cultura
Tarsila do Amaral è stata interpretata come personaggio nel cinema e nella televisione, interpretata da Esther Góes nel film “Eternamente Pagu” (1987), Eliane Giardini nella miniserie “Um Só Coração” (2004) e “JK” (2006).

L’artista era anche il tema della commedia Tarsila, scritta tra novembre 2001 e maggio 2002 da Maria Adelaide Amaral. L’opera è stata messa in scena nel 2003 e pubblicata in forma di libro nel 2004. Il personaggio del titolo è stato interpretato dall’attrice Esther Góes e la commedia ha anche Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Anita Malfatti come personaggi.

Tarsila do Amaral è stata premiata dall’Unione Astronomica Internazionale, che il 20 novembre 2008 ha attribuito il nome “Amaral” a un cratere sul pianeta Mercurio.

Nel 2008 è stato lanciato il catalogo Raisonné Tarsila do Amaral, una catalogazione completa delle opere dell’artista in tre volumi, nella realizzazione di Base7 Cultural Projects, sponsorizzato da Petrobras, in collaborazione con la Pinacoteca dello Stato di San Paolo, Segreteria di Stato di Cultura e governo dello stato di São Paulo.

carriera
A partire dal 1916, Tarsila do Amaral ha studiato pittura a San Paolo. Successivamente studiò disegno e pittura con il pittore accademico Pedro Alexandrino. Erano tutti insegnanti rispettati ma conservatori. Perché il Brasile mancava di un museo d’arte pubblico o di una galleria commerciale significativa fino a dopo la seconda guerra mondiale, il mondo artistico brasiliano era esteticamente conservatore e l’esposizione alle tendenze internazionali era limitata.

Modernismo brasiliano
Ritornato a San Paolo nel 1922, Tarsila fu esposto a molte cose dopo aver incontrato Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Questi colleghi artisti formarono un gruppo chiamato “il Grupo Dos Cinco”. Prima del suo arrivo a San Paolo dall’Europa, il gruppo aveva organizzato la Semana de Arte Moderna durante la settimana dell’11 al 18 febbraio 1922. L’evento è stato fondamentale nello sviluppo del modernismo in Brasile. I partecipanti erano interessati a cambiare l’establishment artistico conservatore in Brasile incoraggiando una modalità distintiva dell’arte moderna. A Tarsila fu chiesto di unirsi al movimento e insieme divennero il Grupo dos Cinco, che cercò di promuovere la cultura brasiliana, l’uso di stili che non erano specificamente europei, e l’inclusione di cose che erano indigene del Brasile.

Durante un breve ritorno a Parigi nel 1923, Tarsila fu esposta al cubismo, al futurismo e all’espressionismo mentre studiava con André Lhote, Fernand Léger e Albert Gleizes. Gli artisti europei in generale avevano sviluppato un grande interesse per le culture africane e primitive per l’ispirazione. Ciò portò Tarsila a utilizzare le forme indigene del proprio paese, incorporando gli stili moderni che aveva studiato. Mentre a Parigi in questo momento, ha dipinto una delle sue opere più famose, A Negra (1923). Il soggetto principale del dipinto è una grande figura femminile negroide con un unico seno prominente. Tarsila ha stilizzato la figura e appiattito lo spazio, riempiendo lo sfondo con forme geometriche.

Entusiasta del suo stile appena sviluppato e sentendosi sempre più nazionalista, scrisse alla sua famiglia nell’aprile 1923:

“Mi sento sempre più brasiliano, voglio essere il pittore del mio paese, quanto sono grato per aver trascorso tutta la mia infanzia nella fattoria, i ricordi di questi tempi sono diventati preziosi per me. sii la bambina di São Bernardo, che gioca con le bambole di paglia, come nell’ultima foto su cui sto lavorando … Non pensare che questa tendenza sia vista negativamente qui.Al contrario, quello che vogliono qui è che ognuno porta il contributo del suo paese, il che spiega il successo del balletto russo, della grafica giapponese e della musica nera: Parigi ne aveva abbastanza dell’arte parigina “.

Periodo Pau-Brasil
Oswald de Andrade, che era diventato il suo compagno di viaggio, l’accompagnò in tutta Europa. Al suo ritorno in Brasile alla fine del 1923, Tarsila e Andrade poi viaggiarono in tutto il Brasile per esplorare la varietà della cultura indigena e trovare ispirazione per la loro arte nazionalistica. Durante questo periodo, Tarsila realizzò i disegni dei vari luoghi visitati che divennero la base per molti dei suoi prossimi dipinti. Ha anche illustrato la poesia che Andrade ha scritto durante i suoi viaggi, incluso il suo libro di poesie intitolato Pau Brasil, pubblicato nel 1924. Nel manifesto omonimo, Andrade ha sottolineato che la cultura brasiliana era un prodotto di importazione della cultura europea e chiamato artisti a creare opere che fossero unicamente brasiliane per “esportare” la cultura brasiliana, proprio come il legno dell’albero del Brasile era diventato un’importante esportazione nel resto del mondo. Inoltre, ha sfidato gli artisti a utilizzare un approccio modernista nella loro arte, un obiettivo per il quale si erano battuti durante la Semana de Arte Moderna a San Paolo.

Durante questo periodo, i colori di Tarsila divennero più vibranti. Infatti, ha scritto di aver trovato i “colori che avevo adorato da bambino, in seguito mi hanno insegnato che erano brutti e poco sofisticati”. La sua pittura iniziale di questo periodo fu E.C.F.B. (Estrada de Ferro Central do Brasil), (1924). Inoltre, al momento, aveva un interesse per l’industrializzazione e il suo impatto sulla società.

Periodo di Antropofagia
Nel 1926, Tarsila sposò Andrade e continuarono a viaggiare in Europa e Medio Oriente. A Parigi, nel 1926, ha avuto la sua prima mostra personale alla Galerie Percier. I dipinti esposti alla mostra comprendevano São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) e Morro de Favela (1924). I suoi lavori sono stati elogiati e definiti “esotici”, “originali”, “ingenui” e “cerebrali”, e hanno commentato il suo uso dei colori vivaci e delle immagini tropicali.

Mentre era a Parigi, è stata esposta al surrealismo e dopo essere tornata in Brasile, Tarsila ha iniziato un nuovo periodo di pittura dove si è allontanata dai paesaggi e dai paesaggi urbani e ha iniziato a incorporare lo stile surrealista nella sua arte nazionalista. Questo cambiamento ha coinciso anche con un più ampio movimento artistico a San Paolo e in altre parti del Brasile, che si concentrava sulla celebrazione del Brasile come il paese del grande serpente. Le città hanno anche influito sul modo in cui la sua arte si è formata. Comprese le rappresentazioni verticali degli edifici nelle grandi città, come Sao Paulo, la sua arte divenne iconica. Queste opere d’arte che ha realizzato potrebbero includere piccoli aspetti della città, come una pompa di benzina, o elementi di grandi dimensioni come gli edifici. Il suo mix di dettagli era importante perché quei dettagli costituivano la città. Basandosi sulle idee del precedente movimento Pau-Brasil, gli artisti si sono sforzati di appropriarsi degli stili e delle influenze europee per sviluppare modalità e tecniche che fossero unicamente loro e brasiliane. Questo movimento Pau-Brasil era un concetto che era modernista del Brasile.

Il primo dipinto di Tarsila in questo periodo fu Abaporu (1928), che era stato dato ad Andrade come un dipinto senza titolo per il suo compleanno. Il soggetto è una grande figura umana stilizzata con enormi piedi seduti a terra accanto a un cactus con un sole a fette di limone sullo sfondo. Andrade ha selezionato il titolo finale, Abaporu, che è un termine indiano per “man mangia”, in collaborazione con il poeta Raul Bopp. Questo era legato alle idee correnti che riguardavano la fusione dello stile e delle influenze europee. Poco dopo, Andrade scrisse il suo Manifesto antropofagico, che letteralmente chiamava brasiliani per divorare gli stili europei, liberarsi di tutte le influenze dirette e creare il proprio stile e cultura. Il colonialismo ha avuto un ruolo nel suo lavoro; Tarsila ha incorporato questo concetto nella sua arte. Invece di essere divorati dall’Europa, divorerebbero l’Europa loro stessi. Andrade usò Abaporu per la copertina del manifesto come rappresentazione dei suoi ideali. L’anno seguente l’influenza del manifesto continuò, Tarsila dipinse Antropofagia (1929), che comprendeva la figura di Abaporu insieme alla figura femminile di A Negra del 1923, così come la foglia di banana brasiliana, il cactus e ancora il sole al limone.

Nel 1929, Tarsila fece la sua prima mostra personale in Brasile al Palace Hotel di Rio de Janeiro, e ne seguì un’altra al Salon Gloria di San Paolo. Nel 1930 partecipò a mostre a New York e Parigi. Sfortunatamente, il 1930 vide anche la fine del matrimonio di Tarsila e Andrade. Questo ha posto fine alla loro collaborazione.

Più tardi carriera e morte
Nel 1931, Tarsila viaggiò in Unione Sovietica. Mentre era lì, ha tenuto mostre delle sue opere a Mosca presso il Museum of Occidental Art, e ha viaggiato in varie altre città e musei. La povertà e la piaga del popolo russo hanno avuto un grande effetto su di lei, come si è visto nel suo dipinto Workers (Operarios) (1933). Al suo ritorno in Brasile nel 1932, è stata coinvolta nella rivolta costituzionale di San Paolo contro la dittatura in Brasile, guidata da Getúlio Vargas. Insieme ad altri che furono visti come di sinistra, fu imprigionata per un mese perché i suoi viaggi la facevano sembrare un simpatizzante comunista.

Il resto della sua carriera si è concentrata su temi sociali. Rappresentante di questo periodo è la pittura Segundo Class (1931), che ha impoverito uomini russi, donne e bambini come materia. Ha anche iniziato a scrivere una rubrica settimanale di cultura e arte per il Diario di San Paolo, che è continuata fino al 1952.

Nel 1938, Tarsila si stabilì definitivamente a San Paolo, dove trascorse il resto della sua carriera dipingendo persone e paesaggi brasiliani. Nel 1950, ha una mostra al Museum of Modern Art di San Paolo, dove un critico la definì “la più brasiliana dei pittori qui, che rappresenta il sole, gli uccelli e gli spiriti giovanili del nostro paese in via di sviluppo, semplici come gli elementi del nostro la terra e la natura … È morta a San Paolo del 1973. La vita di Tarsila è un marchio del caldo carattere brasiliano e un’espressione di esuberanza tropicale “.

eredità
Oltre ai 230 dipinti, centinaia di disegni, illustrazioni, stampe, murales e cinque sculture, l’eredità di Tarsila è il suo effetto sulla direzione dell’arte latinoamericana. Tarsila portò avanti il ​​modernismo in America Latina e sviluppò uno stile unico in Brasile. Seguendo il suo esempio, altri artisti latinoamericani sono stati influenzati per iniziare a utilizzare i soggetti indigeni brasiliani e sviluppare il proprio stile. Il cratere Amaral di Mercurio prende il nome da lei.

Nel 2018 il MoMA ha aperto una mostra personale delle sue opere, l’ottava retrospettiva sugli artisti dell’America Latina a seguito di mostre su Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco e Joaquín Torres García.

Grandi opere
Angler, 1920, Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo, Russia
“A Negra”, 1923,
Cuca, 1924, Museo di Grenoble, Francia
Paesaggio con Bull, 1925, Collezionista privato
O Ovo, 1928, Gilberto Chateaubriand, Rio de Janeiro
Abaporu, 1928, Eduardo Constantini, MALBA, Buenos Aires
Lago, 1928, Collezione privata, Rio de Janeiro
Antropofagia, 1929, Paulina Nemirovsky, Fondazione Nemirovsky, San Pablo
Sol poente, 1929, Collezione privata, São Paulo
Segundo Class, 1933, Collezione privata, São Paulo
Retrato de Vera Vicente Azevedo, 1937, Museu de Arte Brasileira, São Paulo
Paesaggio viola con 3 case e montagne, 1969-72, James Lisboa Escritorio de Arte, São Paulo

Esposizioni
1922 – Salon de la Société des Artistes Français a Parigi (gruppo)
1926 – Galerie Percier, Parigi (solo)
1928 – Galerie Percier, Parigi (solo)
1929 – Palace Hotel, Rio de Janeiro (solo)
1929 – Salon Gloria, São Paulo (solo)
1930 – New York (gruppo)
1930 – Parigi (gruppo)
1931 – Museo di arte occidentale, Mosca
1933 – I Salon Paulista de Bellas Artes, São Paulo (gruppo)
1951 – I Bienal de São Paulo, São Paulo (gruppo)
1963 – VII Bienal de São Paulo, São Paulo (gruppo)
1963 – XXXII Venezia Bienalle, Venezia (gruppo)
2005 – Donna: Metamorfosi della modernità, Fundacion Joan Miró, Barcellona (gruppo)
2005 – Brasile: Body Nostalgia, The National Museum of Modern Art, Tokyo, Giappone (gruppo)
2006 – Salao del 31: Diferencas in Process, Museo Nazionale delle Belle Arti, Rio de Janeiro (gruppo)
2006 – Disegno moderno brasiliano: 1917-1950, Museum of Modern Art, Rio de Janeiro (gruppo)
2006 – Ciccillo, Museo di arte contemporanea dell’Università di São Paulo, São Paulo (gruppo)
2007 – Un secolo di arte brasiliana: collezione di Gilbert Chateaubriand, museo Oscar Niemeyer, Curitiba (gruppo)
2009 – Tarsila do Amaral, Fundación Juan March, Madrid
2017 – Tarsila do Amaral: Inventing Modern Art in Brasile, Art Institute of Chicago, Chicago (solo)
2018 – Brasil: Body & Soul, The Guggenheim, New York (gruppo)
2018 – Tarsila do Amaral: Inventare l’arte moderna in Brasile, Museum of Modern Art, New York (solo)