Hier, jetzt, Rom Outdoor Festival 2015

Kunst und Kreativität werden in Rom mit Outdoor 2015 gefeiert, dem Festival, das NUfactory in seiner sechsten Ausgabe kuratiert. „Here, Now“, der Titel dieser sechsten Ausgabe zielt darauf ab, die Reflexionszeit- und Raumdimensionen als letzte Struktur unserer Erfahrung zu fokussieren.

Hier und jetzt ein Ort und ein Zeitlimit. Eine einzigartige, nicht reproduzierbare, die die verschiedenen Ebenen der Zeit verkörpert: die Vergangenheit der Kaserne, die Gegenwart des künstlerischen Schaffens und die zukünftige Regeneration des Raumes; und ein Ort, der kein einfacher Container ist, sondern echter Inhalt.

Die ehemalige Kaserne SMMEP (Establishment Military Electronic Appliances Precision) über Guido Reni, die Anfang der neunziger Jahre aufgegeben wurde, wird zum Instrument, mit dem das Festival verschiedene erfahrungsmäßige Prozesse in Gang setzt: den Akt der Raumtransformation, die Wahrnehmung einer vorübergehenden Handlung , Interaktion mit den Werken selbst, kollektiver Genuss eines regenerierten Ortes, aktive Teilnahme von Künstlern und Klassen an den Workshops des Outdoor Camps.

Seien Sie zu jeder Zeit präsent und erleben Sie Raum und Zeit in der Box, die zwischen den kahlen architektonischen Strukturen und den darin enthaltenen Kunstwerken entsteht. Sie werden sich bewusst, dass sie sich durch die… Transformation… mit Raum und Zeit beschäftigen.

Outdoor selbst ist ständig in Bewegung. In den letzten Jahren hat es sich zu einem Medium des Ausdrucks und der Kommunikationsformen entwickelt, in dem es verschiedene künstlerische Erfahrungen, neue Sprachen und kreative Stile übertrug, die immer mehr öffentliches Interesse geweckt haben, auf nationaler Ebene ein Bezugspunkt für Street Art und Urban Art zu werden und neue künstlerische Ausdrucksformen.

Die Auswahl der Künstler für diese Ausgabe basiert auf dem Wunsch, eine größtmögliche Karte der Kunst zu zeichnen, beginnend mit Street Art, immer die Essenz des Festivals, um andere künstlerische Ausdrucksformen zu erreichen. Während des Festivals werden die zahlreichen Säle der Kaserne von der Nation, in der die Ausstellung artikuliert ist, in Pavillons umgewandelt.

Die Ausgabe 2015 wird sich auf Konzepte wie Raum und Zeit konzentrieren, Elemente, die für eine Erfahrung geschaffen wurden, die für diesen spezifischen Kontext einzigartig ist: Here, Now. Mitarbeiter und Künstler treffen sich in der ehemaligen Guido Reni-Kaserne, um vom 2. bis 31. Oktober 2015 die sechste Ausgabe von OUTDOOR, dem internationalen Festival für urbane Kreativität, zu veranstalten.

Mit einem umfangreichen Programm rund um Kunst und Musik, Unterhaltung und Film wird das Festival ein großartiger kultureller Container sein, der eng mit dem Ort verbunden ist, an dem es spielt, ein Ort, der nur einen Monat lang von Zuschauern besucht werden darf. Hier, jetzt, ist es eine Reflexion über den Akt des künstlerischen Schaffens und dessen Genuss.

Ausstellung:
Ein Berg von Zeitungen, Möbeln, Schnickschnack, seltsamen Maschinen und Reifen. Kalender, Disketten, Rollen und alte Computer; und dann, auf den Boden gelegt und mit Staub bedeckt, die Kassette von Whitney Houston, jung und nicht wiederzuerkennen. Von all den Dingen, die meine Fantasie beim ersten Besuch in der Guido Reni-Kaserne erregten, verlassene Gebiete, die wie ein Hurrikan mit Trümmern übersät waren Ich war durch die Natur gegangen und von ihr umgeben, die den Raum langsam zurückeroberte. Seltsamerweise ist meine lebendigste Erinnerung diese Kassette. Ich wusste, dass ich es als Kind besaß, aber ich hatte es vollständig aus meinem Gedächtnis entfernt. In dieser Nacht, als ich nach Hause kam, suchte ich danach und fand es gut gepflegt und organisiert mit den anderen Kassetten. Ich habe darüber nachgedacht, wie ein Objekt und ein Ort ein mächtiges Instrument sein können, um im Laufe der Zeit unterschiedliche Reaktionen auszulösen. Dieses vergessene Band war ein Objekt, das mich in die Vergangenheit zurückversetzte, aber gleichzeitig in diesem Moment verkörperte, was kommen würde – all die Arbeiten, die in den kommenden Monaten in der Kaserne abgeschlossen werden mussten.

Erinnerung, Amnesie, Warten und Schöpfung sind alles Arten, wie wir durch Auslöser in der Gegenwart mit der Vergangenheit und der Zukunft in Beziehung treten. Hier, jetzt der Titel der sechsten Ausgabe des Festivals, Reflexionen über Zeit und Raum, die diese Maßnahmen als Weg zu verwenden strukturieren unsere Erfahrung. Hier und jetzt, ein bestimmter Ort und eine bestimmte Zeit, ein einzigartiger Moment, der nicht wiederholt werden kann und an und für sich verschiedene Epochen umfasst: die Vergangenheit der Kaserne, die aktuellen künstlerischen Kreationen und die zukünftige Erneuerung des Raums. Auf diese Weise ist der Raum nicht nur ein Gefäß, sondern ein tatsächliches Objekt.

Italienischer Pavillon

Lucamaleonte
Lucamaleonte wurde 1983 in Rom geboren, wo er noch immer arbeitet und lebt. Er fing an, Plakate und Schablonen zu verwenden, und widmete seine Forschung dann auch dem Malen auf Leinwand. Er ist einer der wenigen Künstler auf der Welt, die Masken und Farben zur Realisierung von mehrstufigen Schablonen verwenden können, die sehr ausgearbeitet und durch überlappende Farben gekennzeichnet sind.

Lucamaleonte ist eine persönliche Erinnerung, die der Künstler öffentlich machen möchte. Er präsentiert ein seltenes Werk, das seine Vergangenheit erforscht. Seine künstlerische Intervention ist eine Vergangenheit, die sich mit dem Gebäude überschneidet, in dem sie sich befindet. Sie verwischt die Grenze zwischen öffentlich und privat. Die Kaserne ist ein Ort, den er gut kennt, ein Ort aus seiner Erinnerung, ein Ort, an dem sein Großvater viele Jahre lang Direktor war. Aus diesem Grund hat der römische Künstler beschlossen, die Amtseinführung und den Rücktritt seines Großvaters durch seine Begrüßungs- und Abschiedsreden, die hier von seinem Vater vorgetragen wurden, hervorzurufen. Das Foto, das den Raum dominiert, versetzt uns in diesen Tag und zeigt den Blick seines Großvaters von der Bühne mit seinen Kollegen und Untergebenen im Publikum.

Im angrenzenden Raum enthüllt ein Triptychon seinen Großvater in Uniform eines Generals, dessen Gesicht von einem Hexaeder verdeckt wird, einer der Unterschriften des Künstlers. Die erste Figur wird einfach wie ein Geist skizziert, während die letzte vollständig definiert ist. Das Auftauchen seines Großvaters aus den Mauern der Kaserne repräsentiert die vergangene Zeit sowie seine persönliche Erinnerung an seinen Großvater, eine Erinnerung, die ihn an diesen Ort bindet.

Keine Ahnung
No Idea ist ein Labor, das von Mauro Pace und Saverio Virillo, beide Italiener, gegründet und 1983 geboren wurde. Sie definieren sich als digitale und kreative Handwerker. No Idea konzentriert sich auf Interaktionsdesign, das Erstellen interaktiver Installationen, das Projizieren und Realisieren emotionaler, interaktiver und multimedialer Ausstellungen für Museen und Veranstaltungen. Ist das Ergebnis eines Traums der beiden Künstler, die kulturelle Räume revolutionieren und ihre künstlerischen Experimente an ungewöhnlichen Orten transformieren wollen.

Die Installation von No Idea soll eine visuelle Darstellung der postmodernen Krisen der westlichen Welt sein. Darunter die Zerstörung von Gewissheiten, das Zerfallen universeller Werte, die seit Jahrhunderten unsere Darstellungen von Logik leiten und die aufgrund sozialer und kultureller Phänomene und zeitgenössischer Ereignisse zur Debatte gestellt wurden. Ein schwimmendes Meer, symbolisch für das Bewusstsein des Menschen, bildet den Hintergrund für diese kollektive Installation. Auf den ersten Blick beruhigend, zeigt es sich bald als tragische Szene. Ein volumetrisches Licht verrät plötzlich das Vorhandensein von Silhouetten, Symbolen eines dramatischen Ereignisses, das uns dazu bringt, den Tod in all seiner unnachgiebigen Qual zu erleben. Ein authentisches, unvorhersehbares Ereignis, ein Trauma, das die Grundlagen, auf denen die Welt ruht, neu konfiguriert hat.

Rub Kandy
Mimmo Rubino, bekannt als Rub Kandy, ist ein italienischer Künstler und experimentiert seine künstlerische Forschung an mehr als einem Träger. Seine Kunstwerke sind scharf und präzise: Er ist ein großartiger Beobachter des städtischen Kontextes und kann ihn durch Bilder und tiefe soziale Botschaften dekonstruieren.

ROOM1 – Arbeitsbeschreibung von Antonella Di Lullo –
Für das Outdoor Festival hat Rub Kandy beschlossen, in den Raum von drei angrenzenden Räumen in der zentralen Galerie einzudringen. Technik und Medium unterscheiden die Werke, doch es gibt einen roten Faden, der sie verbindet: den Raum, die Modifikationen des Künstlers und die Unzugänglichkeit der Bereiche. Die drei ortsspezifischen Arbeiten stammen aus einer eingehenden Untersuchung des Gebäudes und seiner architektonischen Elemente. Raum 1 – Ein dunkler, schmaler Raum, gefüllt mit Wasser und im Hintergrund einem großen Lichtkreis. Der geschlossene Raum vermittelt ein Gefühl der Not, das durch das Vorhandensein einer Mauer verstärkt wird, die notgedrungen errichtet wurde, als die Anlage aktiv war. Das große Licht und sein anschließender Nachhall sind Elemente, die den Betrachter leiten und die überwältigende Empfindung, die der Raum auf seine Augen bringt, wieder aufleben lassen.

ZIMMER 2
Das große Lagerhaus, in dem Rub Kandys zweite Installation untergebracht ist, war in zwei Teile unterteilt: Das erste wurde intakt gelassen, um seinen verschlechterten Zustand zu demonstrieren. Im Hintergrund markiert die weiß gestrichene Oberfläche einen deutlichen Bruch und verwandelt den Raum in eine aseptische Szene. Durch ihre Offenheit verändern und verbessern die Räume den Zeitfluss durch die Kaserne und ihre Architektur.

ZIMMER 3
Zahlreiche Spiegel, die während der Entstehung des Festivals gespült wurden, wurden auf Pilaster gestützt und auf den Betrachter gerichtet. Durch ein Spiel, das die Lichtreflexion in den Spiegeln vervielfacht, durchschneiden Lichtstrahlen den Raum und verändern unsere visuelle Wahrnehmung des Raumes.

Halo Halo
Halo Halo ist ein italienischer Künstler und wurde 1984 geboren. Er verwendet eine zweidimensionale Sprache und schafft ein Labyrinth von Zeichen, die sich bis ins Unendliche reproduzieren sollen. Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine weiche Struktur und komplexe Kompositionen aus, die eine Umlaufbahn aus Gedanken verfolgen, die in alle möglichen Richtungen verloren gehen.

Ein chaotisches und verwirrendes Gewirr von Pop-Art-Formen bildet eine freie Darstellung von Bildern, wie sie im Kopf erscheinen, bevor sie von der Logik überwältigt werden. Dies sind die Merkmale, die die Arbeit von Halo Halo kontinuierlich definieren. Der Raum wurde fertiggestellt, wobei Raumkoordinaten und architektonische Elemente ihre Bedeutung verlieren. Sie werden vielmehr durch die Launen des Bewusstseinsstroms des torinesischen Künstlers ersetzt. In dieser Arbeit finden wir die mechanischen Zahnräder, die auf die frühere Funktion des Raumes zurückgehen, ein kleines Selbstporträt des Künstlers, klassische architektonische Elemente und Details der Zikaden, die den Künstler mit seinem Zwitschern während seiner Zeit am begleiteten ex Caserma Guido Reni. Mit diesen Bildern erinnert sich der Künstler an den Kontext, in dem er gearbeitet hat, und lädt uns ein, ganz in seine evokative,

108
Guido Bisagni, bekannt als 108, ist ein italienischer Künstler und Street Art-Schriftsteller, geboren 1978. Seine Arbeit ist abstrakt, surreal und die meiste Zeit minimal. Er findet Inspiration in den neolithischen Graffiti Europas, in der Avantgarde des 20. Jahrhunderts und in zeitgenössischen Künstlern wie Stak und Richard Long.

Mit seiner Forschung distanziert sich 108 vom Street-Art-Label und hat sich im Laufe der Jahre stark auf Form und Farbe als grundlegende Elemente der Bildsprache konzentriert und große abstrakte Figuren geschaffen. „Für dieses Stück wollte ich eine Synthese meiner künstlerischen Forschung schaffen, die sich auf die Form oder vielmehr auf die metaphysische Struktur dieser architektonischen Räume konzentriert. Eine Art Respekt vor der Schönheit verlassener Räume, die im Laufe der Zeit verbraucht werden. Die Verwendung heller Farben hätte war respektlos, fehl am Platz und unelegant. “

Seine enormen schwarzen Flecken erzeugen ein Gefühl innerer Konflikte. Sie enthalten eine Leere, die ihre aufdringliche Präsenz ausstrahlt, wo immer man hinschaut. Sie sind ein konzeptionelles Oxymoron, da die irrationalen und formlosen Formen gleichzeitig Ähnlichkeit mit ursprünglichen Markierungen und zeitgenössischen Formen haben. Seine abstrakten Figuren enthalten auch Unvollkommenheiten, kleine unregelmäßige Tropfen, die Kollateralelemente der Störung erzeugen. Was uns stört, ist das Unbekannte und Unverständliche, das uns letztendlich zur Reflexion und Kontemplation bringt, was bei diesen Werken voll und ganz geschieht.

Filippo Minelli
Er ist ein italienischer Künstler und wurde 1983 geboren. Er analysiert und erforscht viele Themen wie Architektur, Politik, Kommunikation und Geographie, wobei er sie als Grundlage für seine Kreationen, Installationen und Performances verwendet und alles durch Bilder und Videos dokumentiert. Er war schon immer an Landschaften und öffentlichen Räumen interessiert und wurde dank seiner instinktiven und nicht autorisierten Interventionen zum Street Art-Pionier in Italien.

Alles, was ich getan habe, während ich nicht in der Armee gedient habe, ist eine Installation, die von Anfang an eine klare Botschaft der Absicht aussendet: das Konzept des Festivals auf den Kopf zu stellen und uns zu einem anderen Ort zu bringen, der aus Anspielungen und provokanten Themen besteht. Eine Umkehrung, die auf den ersten Blick fehl am Platz zu sein scheint, stattdessen die Themen des Festivals durch seine Abwesenheit reflektieren möchte und einen Kontrapunkt der Dissidenten schafft, der negative Bilder zeigt, die mit diesem Ort verbunden sind. An einem Strand mit klar definierten Grenzen und beißender Ironie zeigt der Künstler anhand von Fotografien aus seinen Archiven Details weit entfernter Orte, Lebensmomente und Einblicke in persönliche Erlebnisse, die als Kontrapunkt zur Vergangenheit der Kaserne, ihrer Funktion, stehen. und was es darstellte. Scheinbar unzusammenhängende, undurchsichtige Worte, die auf Plakaten im Raum hängen,

Tommaso Garavini
Tommaso Garavini wurde 1972 in Rom geboren. Er absolvierte die Akademie der bildenden Künste in Rom. Ab 1998 arbeitete er als Szenograf für Film und Theater. Seine Kunst reicht von Malerei, Design bis hin zu Grafik, Skulpturen und verschiedenen Installationen. 2003 schrieb er ein Theaterstück „Operamara“, das von Debora Pappalardo, Anastasia Sciuto und Igor Bacovich inszeniert wurde. 2006 gründete er ROTA-LAB, ein Design- und Kunstlabor, in dem er noch arbeitet.

Bühnenbild, Innenarchitektur und bildende Kunst vereinen sich in dieser von Tommaso Garavini geschaffenen Welt. Er kombiniert seine Fähigkeiten und bringt uns sofort in die intime Umgebung eines Raumes, der zur Kontemplation zwischen Himmel, Erde und Abgrund dient. Wissenschaft und Natur verbinden sich für dieses „Abendmahl“ von Garavini, während wir uns vom verbrannten, skulpturalen Stamm, der unsere schlimmsten irdischen Gewohnheiten darstellt, zu den göttlichen Wolken aus natürlichen Elementen und Eisen bewegen. In diesem göttlichen Bereich sehen wir die Vereinigung kaskadierender natürlicher Formen mit den scharfen Kanten einer von Menschen geschaffenen „Wolke“.

Durch den Versuch, das Chaos der Natur nachzuahmen, hat sich Garavini in den Rhythmus des Mediums selbst begeben, um das „perfekte“ Chaos zu reproduzieren, das wir in der natürlichen Umgebung finden. Wer sitzt an diesem Tisch mit bloßen Symboltafeln? Zahlen spielen auch bei der Installation eine wichtige Rolle. Dreizehn, eine Zahl, die ewige Liebe und geistige Sauberkeit oder Pech darstellt, je nach Perspektive, knüpft die Figur proportional an das Verhältnis von Wolke zu Tisch zu Holzskulptur an. Mit der Wolke und der Skulptur in einem Verhältnis von 1: 1,3 zum Tisch verbinden sich die entgegengesetzten Bedeutungen dieser Zahl mit dem entgegengesetzten Zug zwischen dem Inferno und dem Erhabenen. Wenn wir nach oben und unten skalieren, haben wir das Recht, zwischen diesen Ebenen zu wechseln, um eine Harmonie zu erreichen, die nur in der natürlichen Welt zu finden ist.

Uno
Uno ist ein italienischer Künstler und arbeitet und lebt seit 2005 in Rom. Die Techniken, die er für seine Produktionen verwendet, sind die klassischen Street-Art-Techniken, obwohl er zu Beginn Plakate oder die Wiederholung von ikonischen Elementen und Collagen bevorzugte. Er ist inspiriert von Warhols, Debords und Rotellas Lektionen, also spielt er mit den Werbetechniken, indem er Sprays und Malerei verwendet, um eine unendliche Wiederholung von Bildern zu erzeugen.

Die Welt der UNO ist ein zarter Tanz aus Farbe, Proportionen und Mustern, der fast bis an die Grenze des Überflusses geht. Der Hauptwirkungspunkt ist die Wand direkt vor uns, ein Kraftakt für Design, Muster und Farbe, der die letzten Jahre des künstlerischen Schaffens der UNO geprägt hat. UNO greift auf eine breite Palette von Techniken zurück, von Schablonen und Collagen über Poster bis hin zu Freihand-Sprühfarben, und berücksichtigt die präsentierte Umgebung voll und ganz.

Auf den ersten Blick chaotisch und doch subtil für Harmonie ausgewogen, lenkt der Raum den Fokus von der Raute, dem geometrischen Dreh- und Angelpunkt des Raumes. Innerhalb dieser Formen bewegen sich die hauptsächlich schwarz-weißen Muster von subtilen Darstellungen des Kindergesichtes zu Regentropfen, die an die Funktion dieses Raumes erinnern, dessen Waschbecken in der Ecke versteckt ist. Das Konzept des Wassers gibt dem Soundtrack des Raums Leben und ist allgegenwärtig. Die Spüle selbst verwandelt sich in eine dreidimensionale Vitrine. Die beruhigende Wirkung von Wasser in einem solch dynamischen Raum wird durch die Wahl (und Nichtwahl) der Farbe bestätigt. Helle fluoreszierende Farbverläufe ziehen sich um die schwarzen und weißen Elemente und reflektieren subtil die Goldschwaden. Dies ist der letzte Schliff für einen 360-Grad-Einblick in die künstlerische Praxis von UNO.

Alice Pasquini
Alice Pasquini ist eine römische Künstlerin, die als Illustratorin, Szenografin und Malerin arbeitet. Ihre Lieblings „Leinwände“ sind Wände. Sie reiste viel und produzierte viele Kunstwerke, zum Beispiel: Sidney, New York, Barcelona, ​​Oslo, Moskau, Paris, Kopenhagen, Marrakesch, Saigon, London und Rom. Sie wurde 1980 geboren und absolvierte die Kunstakademie in Rom. Danach lebte und arbeitete sie in England, Frankreich und Spanien. Als sie in Madrid war, besuchte sie einen wirklich angesehenen Animationskurs an der berühmten Ars-Animationsschule. 2004 erwarb sie einen MA in Kunstkritik an der Computense University. Mit ihrer Kunst möchte Alice den intimsten Moment ihres Themas aufdecken, nämlich normale Menschen und die subtilen Verbindungen zwischen ihnen.

Ob Sie es glauben oder nicht ‚- mit diesen Worten bringt Alice Pasquini den Zuschauer auf eine Reise durch einen Raum, der eine unerwartete, wirkungsvolle Seite ihres Oeuvres darstellt. Ein Raum, der auf vielen Ebenen von Illusionen geleitet wird, von subtilen Farben, die aus dem scheinbar schwarz-weißen Farbschema hervorgehen, bis hin zur Überlagerung von Figuren und Phrasen.

Glauben wir oder glauben wir nicht? In diesem Raum werden wir gebeten, unsere Wachen im Stich zu lassen und in diese dunkle Welt von Alice einzutauchen. Nur in diesem Innenraum kann die Künstlerin einen neuen Aspekt ihrer Arbeit preisgeben, der auf Konstrukten von Mysterien und Erscheinungen beruht, die von jeder Oberfläche des Raums zu strömen scheinen. Die Dualität des Künstlers ist ungezügelt von der Betrachtung der öffentlichen Kunst. Diese Innenausstattung entfernt sich von den lebendigen Farben, die ihre öffentliche Arbeit ausmachen, und ermöglicht die Erscheinung von schwarz getauchten Randfiguren, die eine Rückkehr in eine andere Zeit fordern, in der Fantasie und Illusion uns glauben ließen, alles sei möglich.

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2501
2501 ist ein italienischer Künstler. Mit 14 Jahren trat er erstmals in der Street Art-Szene in Zügen und Mauern in Mailand auf. Er integriert Graffiti, Malen auf Leinwand, Skulpturen und Videos in seine künstlerische Forschung. Als er 20 Jahre alt war, zog er als Grafikdesigner nach San Paolo Brasilien, begann einige Partnerschaften mit NGOs und unterrichtete die Kinder in den Favelas.

Recipient.cc ist ein Künstlerkollektiv aus Mailand. Es besteht aus Fachleuten aus verschiedenen Bereichen wie Multimedia-Kommunikation, Video- / Audioproduktionen, interaktiven Installationen, Design und Kunst mit vielen technischen und auch kommerziellen Aspekten

Blind Eye Factory ist ein unabhängiges Atelier von Künstlern, das sich auf die Produktion und Realisierung von Video- und Fotoinhalten spezialisiert hat. Die Gruppe wurde 2013 von der Vereinigung von Giorgio Filippini und Lorenzo Gallito gegründet. Von Anfang an konzentrierte sich das Studio auf den Bereich Kunst und Design, insbesondere auf den „neuen Wandbild“ und die Strömungen der Straßenkunst.

Die große bemalte Wand des 2501 entspricht der experimentellen Technologie des Empfängers und den bewegten Bildern der Blind Eye Factory. Während der Installation wurde der Pavillon in ein echtes Kunststudio verwandelt. In diesem Gruppenprojekt ist sogar die Öffentlichkeit aufgefordert, sich mit der Arbeit auseinanderzusetzen und ein wesentlicher Bestandteil des Stücks zu werden, das mit denselben Werkzeugen wie von verwirklicht wird der Künstler. Die zur Realisierung der Wand verwendeten Pinsel werden der Öffentlichkeit zugänglich gemacht, die sie auf dem vom Empfängerkollektiv erstellten beweglichen Papier auf Macchina 03 verwenden kann. Jeden Tag werden die fertigen Blätter an die Wände des Pavillons gehängt und erst am Ende des Festivals kann die Installation abgeschlossen werden. Die gesamte Installation ist Teil des Nomadic-Experimentprojekts. Dies ist eine Reflexion über den sich verändernden und fragmentierten Zustand, der die heutige Gesellschaft kennzeichnet. Durch seine kontinuierlichen Reisen experimentiert und dokumentiert 2501 diesen Zustand. Ein Teil des Dokumentationsvideos des Projekts von Blind Eye Factory wird im Pavillon zu sehen sein.

Spanischer Pavillon
Penique Productions
Penique Productions ist ein Künstlerkollektiv, das 2007 in Barcellona von Künstlern verschiedener Disziplinen gegründet wurde, die sich zu einem gemeinsamen Projekt zusammengeschlossen haben, das auf der Herstellung kurzlebiger Kunstwerke basiert. Die Arbeiten von Penique Productions sind bunte Luftballons, die in ganze Oberflächen eindringen. Auf diese Weise geben sie den Räumen neue Identitäten.

Für Penique Productions ist der Raum ein Vortest, mit dem wir über die Art und Weise nachdenken können, wie wir mit dem Raum interagieren. Die beiden spanischen Künstler verwenden die Plastikhülle, um die Oberflächen der Innenräume zu bedecken, dank der Luft, die von einem Ventilator bewegt wird. Auf diese Weise verändern sie die Wahrnehmung, die wir mit dem Raum haben. Durch diesen Prozess wurde der Raum unbrauchbar und der Zuschauer fühlt sich darin verloren. Zum ersten Mal und speziell für das Outdoor Festival haben sie zwei verschiedene plastische Umgebungen geschaffen, die miteinander interagieren. Die gelbe Umhüllung haftet an den Wänden des Raums und hebt die architektonischen Formen hervor. An der Ecke des Raumes schufen sie einen riesigen roten Würfel, der im Mittelpunkt des Kunstwerks steht. Anscheinend ist wie ein nicht verwandtes und unabhängiges Objekt,

Britischer Pavillon
Insa
Insa wurde in England geboren und begann mit 12 Jahren zu malen. Heute ist einer der innovativsten und angesehensten Schriftsteller im Vereinigten Königreich. Seine Kunstwerke sind eine Mischung aus verschiedenen und farbenfrohen Elementen, in ständiger kreativer Forschung und Experimentierung.

Das fließende Bildkaleidoskop in Insas GIF-Animationen hat eine hypnotische Kraft über den Zuschauer. Ihre zyklischen Bewegungen, Tiefe und brillanten Farben lassen uns verweilen und machen uns bewegungsunfähig, als ob wir unter dem Einfluss eines starken Schmerzmittels stehen. Der Blick von oben gibt eine akzentuierte Perspektive der Arbeit und zwingt uns, den Wirbel zu beobachten, der den Raum dominiert, einen Wirbel, der mit seiner Bewegung ins Nichts versinkt. Darüber sitzt ein Schädel in endloser Rotation, respektlos und sardonisch. Beide Figuren wurden in 8 Schichten erstellt, um das GIF zu bilden, das Kennzeichen von Insas Werk. Der englische Künstler reflektiert das Konzept der Unsterblichkeit in den online gefundenen Trends im Gegensatz zum realen Leben. Die beiden in der Arbeit dargestellten Objekte haben beide eine doppelte symbolische Bedeutung. Der rotierende Schädel ist sofort eine Allegorie für den Tod und,

Der Wirbel, in der alten Tradition ein Symbol für Leben und Evolution, warnt uns gleichzeitig durch seine Bewegung vor der Vergänglichkeit des Lebens. Das gesamte Werk ist eine moderne und spöttische Neuinterpretation menschlicher Vanitas. Die Arbeit ist eine skurrile und spielerische Darstellung der Vergänglichkeit unserer Existenz und erinnert uns daran, dass wir diese Bedingungen oft vergessen, wenn wir in die online geschaffene illusionäre Welt versinken.

Französischer Pavillon
Neigung
Tilt ist ein weltweit bekannter Graffiti-Künstler. Er kommt aus Tolosa, Südfrankreich. Er definiert sich selbst als „Graffiti-Fetiker“ und sein erstes Tag wurde 1988 auf einer Skateboard-Rampe realisiert. Seine Karriere wurde von langen Reisen beeinflusst, auf denen Tilt seine Spuren hinterließ, zum Beispiel in den USA, Hongkong, Japan, Mexiko, Thailand, Australien, Neuseeland, Laos, Taiwan, Cina, Kanada, Philippinen, Indonesien und andere 12 Länder in Europa. Er widmet sich immer der alten Schule und dem wilden Stil, mit dem er Formen und Farben kreiert, die den Zuschauer anziehen.

Es gibt verschiedene Bedeutungsebenen, anhand derer Tilt’s Arbeit interpretiert werden kann. Ohne Zweifel ist die ursprüngliche Natur von Graffiti für die Arbeit des französischen Künstlers von wesentlicher Bedeutung. Seine künstlerische Forschung hat sich immer auf dieses Thema konzentriert: ein Zeichen, einen Namen, in einem weiten Teil der Welt und auf einer Vielzahl von Oberflächen zu hinterlassen. Der Kotzen, der oft als bloßer Akt des Vandalismus angesehen wird, durch Tilt wird provokativ dekontextualisiert. Extrahiert und in unerwartete Kontexte eingefügt, erhält es eine neue Schönheit, die beunruhigend und desorientiert ist. Unter diesem Deckmantel werden Tags sowohl konzeptionell als auch ästhetisch legitimiert, wodurch ein Kurzschluss in den negativen Vorurteilen gegen sie entsteht.

In der ehemaligen Kaserne hat er die Grenzen seiner Forschung überschritten; Er ist nicht nur ein Akt der Dekontextualisierung, sondern hat auch die für diese Interventionen bestimmten Oberflächen umgestaltet. So werden die großen Fenster zu den Oberflächen, auf denen der Künstler arbeitet. Die zahlreichen farbenfrohen Überfälle erinnern an die großen Glasfenster gotischer Kirchen und führen uns in das heilige Reich. Die Reflexion von Licht auf den Böden und Wänden sowie die Fokuswand mit der negativen Silhouette der Fenster ziehen uns zu Respekt und Kontemplation an. Die großen bemalten Wände stehen im Kontrast zu einer Ausstellung mit Fotos von den Fenstern der römischen U-Bahn sowie anderen internationalen Städten und der Unterschrift des Künstlers. Der Betrachter muss durch den Pavillon gehen, um den gesamten Raum zu untersuchen.

Niederländischer Pavillon
Grafische Chirurgie
Graphic Surgery ist ein künstlerisches Duo aus Holland. Ihre Namen sind Erris Huigens (1978) und Gysbert Zijlstra (1978). Sie erkundeten die Grenzen verschiedener Techniken und Genres und behielten dabei stets ihren persönlichen Stil bei. Sie realisieren normalerweise Gemälde, Graffiti, Videos und Installationen mit einem Schwarz-Weiß-System aus Linien und Geometrien.

Die Installation des niederländischen Duos ist die vierte einer Reihe von Arbeiten, die sich auf komplizierte Strukturen konzentrieren, die den architektonischen Raum durchdringen. Ihre Arbeit ist stark beeinflusst von den minimalen geometrischen Formen, die das industrielle Umfeld prägen, wie z. B. den Balken in Lagern und Kränen. Insbesondere mit letzterem sind sie besonders verbunden, ein funktionales Mittel, das in der Stadtlandschaft allgegenwärtig ist, aber oft entweder ignoriert wird oder Ärger verursacht. Für die grafische Chirurgie ist der mechanische Kran ein Symbol für die sich verändernde Stadt, ein Instrument zur Erneuerung oder Zerstörung einer sich ständig weiterentwickelnden Umgebung. Ihre Arbeit für Outdoor konzentriert sich auf die Neukonfiguration der Umgebung der Kaserne, indem ein schwarzes Gitter quer über drei Räume implantiert wird . Jedes Stück ist unabhängig, gleichzeitig ein integraler Bestandteil der Gesamtstruktur. Diese Holzkonstruktion erinnert an die Holzbalken in den Lagerhäusern des Gebäudes, von denen sich die Künstler inspirieren ließen. Wie ein rein geformter Kristall in einem Stück Stein verwandelt ihre Installation die Räume und schafft neue räumliche Perspektiven.

Griechischer Pavillon
Alexandros Vasmolulakis
Alexandros Vasmoulakis wurde 1980 in Athen geboren. Er lebt zwischen Athen und London, wo er freiberuflich arbeitet. Er begann seine künstlerische Forschung im Bereich Street Art und erweiterte sie dann, insbesondere in den letzten Jahren, auf große Installationen, die mit recycelten Materialien realisiert wurden.

RELICS – Arbeitsbeschreibung von Antonella Di Lullo –
Die Objekte, die in diesem verlassenen Raum gefunden wurden, erlangten dank Alexandros Vasmoulakis ‚Kunst neues Leben. Seine Arbeit für das Outdoor-Festival besteht aus einer Reihe von Installationen, die mit Objekten und Materialien erstellt wurden, die der Künstler bei den Inspektionen vor Ort gefunden hat. Der Künstler verband ihre Entdeckung mit dem Festivalanspruch „Here, now“. Wir finden eine Säule aus Stühlen oder eine andere aus Schubladen, die beide eine Art statische Präsenz darstellen, im Gegensatz zur Leichtigkeit der Wellenplatte, die der Künstler mit grünem Glitzer bedeckt hat und die dank eines Ventilators in der Luft schwebt Aktion. In Vasmoulakis ‚Werken haben sowohl Skulpturen als auch Materialien und Zeit eine künstlerische Bedeutung.

Brasilianischer Pavillon
Tinho
Sufferenz und Einsamkeit sind die beiden Gefühle, die der Zuschauer unweigerlich empfindet, wenn er Tinho-Kunstwerke sieht. Sein richtiger Name ist Walter Nomura und er wurde 1973 in Brasilien geboren. Er ist ein Graffiti-Künstler und möchte mit seiner Arbeit sein Bild von der Welt und der modernen brasilianischen Gesellschaft präsentieren.

Die Arbeit von Walter Nomura, auch bekannt als Tinho, versucht, einen persönlichen Dialog mit dem Betrachter herzustellen und ihn in eine intime Zeit zurückzubringen, die seiner Kindheit entspricht. Durch seine eindrucksvollen Gemälde und riesigen Puppen vermittelt er die Angst vor dem zeitgenössischen Leben, die tiefe Entfremdung und den Individualismus, die das Leben in verborgenen städtischen Räumen vom rasenden Tempo des Alltags unterscheiden. Seine Puppen, Symbole für verlorene Unschuld und Leichtigkeit, führen uns zu dieser impliziten Beschwerde und lassen die Endergebnisse unserer Handlungen reflektieren. Vor allem ist seine Arbeit das Ergebnis einer moralischen und ethischen Entscheidung: In einer Zeit, in der die Wirtschaft Phänomene hervorbringt, die unseren Planeten zerstören, wie die Verschwendung von Ressourcen und die Erzeugung großer Mengen Müll, schafft er seine Puppen aus Stoffresten und gebrauchte Kleidung.

Norwegischer Pavillon
Martin Whatson
Martin Whatson wurde 1984 in Norwegen geboren und lebt dort noch immer. Er zeigt eine anhaltende Dringlichkeit in der Schönheitsforschung in dem, was normalerweise als hässlich, unmodern oder einfach nicht interessant angesehen wird. Seine Inspiration findet er in Menschen, städtischen Szenen, alten Gebäuden und zerkratzten Wänden.

Schablone und Spray. Dies sind die beiden Methoden, die der norwegische Künstler für seine Arbeit hier bei Outdoor verwendet – eine Methode präzise und technisch, die andere impulsiv und chaotisch. Der Raum ist kleiner als andere und ermöglicht dem Zuschauer einen schnellen Panoramablick, der den dynamischen Rhythmus der Arbeit auslöst. Die beiden Figuren sind in eine endlose Verfolgungsjagd verwickelt – eine Absicht zu malen, die andere bedeckt seine Spuren mit weißer Farbe. Es ist ein Rätsel, wer die Jagd begonnen hat und wer sie beenden wird. Diese beiden gegensätzlichen Gesten veranschaulichen die Vergänglichkeit der urbanen Kunst und die Dynamik, die bei der Arbeit im urbanen Kontext auftritt. Der Künstler behält sich das Urteil in diesem Kampf zwischen gegnerischen Kräften vor und beschränkt seine Beteiligung auf den Ausdruck dieses notwendigen Spiels zwischen gegnerischen Kräften.

Besonderes Projekt

Marine Leriche
Marine Leriche ist Grafik-, Textil- und Bühnenbildnerin. Sie studierte zunächst visuelle Kommunikation und Multimedia an der Nationalen Schule für Angewandte Kunst und Handwerk in Paris. Anschließend trat sie in die Abteilung für Textildesign bei ENSCI-Les Ateliers (Nationale Schule für fortgeschrittene Designstudien) ein. Gleichzeitig hat sie immer viel gelernt, mit Stylisten, Künstlern und Agenturen zusammenzuarbeiten. Tatsächlich hat sie jetzt ein multidisziplinäres Profil. Schöpfung ist ein Bedürfnis, das sie erfüllt, indem sie Objekte, Bilder und Inhalte in ihrem täglichen Leben herstellt und sammelt. Sie liebt es zu lernen, indem sie mit neuen Partnern an neuen Medien, an neuen Projekten arbeitet. Ihr zufolge ist es wichtig, immer die Fantasie anzuregen, indem man Begegnungen und Dialoge zwischen verschiedenen kreativen Bereichen herstellt.

Als wir diesen Ort betraten, hatten wir sofort das Bedürfnis, die großen Emotionen zu teilen, die wir in dieser ehemaligen Militärfabrik erlebten. Objets trouvés ist ein Katalog von Gefühlen, der einen produktiven und lebendigen Ort feiert, der über ein Jahrhundert lang aktiv blieb. Drei Monate lang waren die sieben Hektar, auf denen sich die ehemalige Kaserne SMMEP befindet, ein Land der Entdeckung. Jede Ecke dieses riesigen Ortes war Gegenstand einer unersättlichen Suche, die auf dem Weg zu einer echten Sucht wurde und dazu führte, dass wir die Fragmente eines Lebens sammelten, das nicht unser eigenes war.

Mit der Neugier und Aufregung von Kindern, die auf einem staubigen und muffigen Dachboden abenteuerliche Entdeckungen machen, symbolisiert für uns jedes Objekt eine Leistung und jede Leistung ist zu einer Geschichte geworden. Die Geschichte, die wir erzählen möchten, ist eine der Fantasie. Die ausgestellten Objekte sind scheinbar wertlos, aber reich an der Energie der Männer, die sie benutzt haben. Ihre Platzierung hat eine ästhetische und emotionale Organisation, die bewusst durchgeführt wurde, um sie nicht auf einen wissenschaftlichen Katalog des Lebens in diesen Baracken zu reduzieren. Deshalb laden wir Sie zu einer Geschichte ein, die eher einem Bilderbuch als einem Geschichtsbuch ähnelt, um eine persönliche Erfahrung zu bieten, die intim und reflektierend ist.

Möbel, Farbe, Holz, Eisen, verrostete Gegenstände, Stühle, Sessel, Helme, Flaschen, Glühbirnen, Poster, Postkarten, Briefe, Zeichnungen, Aufzeichnungen, Bestellungen und Befehle, Sonnenbrillen, Skiausrüstung, Stifte, Werkzeuge, Knöpfe, Jacken, Hemden , Banner und Flaggen, unverständliche Dinge, alte Computer, Blaupausen, Diagramme, elektrische Kabel, erotische Kalender, Radios, Grafiken, Flyer und unbekannte Objekte, die für ihre Schönheit oder den einfachen Charme des Unbekannten geschätzt werden.

Dieser in drei Monaten gesammelte Schatz soll ein Gefühl der Verwirrung vermitteln, die gleiche Verwirrung, die wir zu Beginn der Suche erfahren haben. Stattdessen verwendet die Ausstellung eine beruhigende und systemische Darstellungsmethode: nach Farbe, Form, Material, Textur und Thema. Dies unterstreicht die Ästhetik der Objekte, reguliert den Raum und erleichtert das Genießen. Wir bringen die Öffentlichkeit auf diese faszinierende Reise zwischen alltäglichen und unbekannten Objekten, die ihrer Normalität gegenübergestellt werden – eine Einladung zu einem neuen, erhabenen Blick auf das Alltagsleben .

Rom Outdoor Festival
OUTDOOR wurde 2010 mit der Absicht gegründet, die Beziehung zwischen Bürger und Stadt durch künstlerische Eingriffe in das städtische Gefüge zu stärken. Nachdem das Festival durch permanente öffentliche Kunstinstallationen zur Charakterisierung des ehemaligen Industriegebiets Ostiense beigetragen hat, konzentriert es sich auf das Thema des Einsatzes von Kunst in den Prozessen der Stadterneuerung als Schlüssel, der der Öffentlichkeit den Zugang zur Dynamik der Transformation ermöglicht das Territorium und als Kommunikationsmittel für die Stadt auf internationaler Ebene.

Das Outdoor Festival setzt seine Reflexion über die Umwandlung öffentlicher Räume durch Kunst und Musik fort, die Sie zu einem Werkzeug für die Reaktivierung verlassener Orte machen, die häufig eine erneute Erfahrung begünstigen.

Über 70.000 Quadratmeter, die als Sitz des Bezirks der Stadt der Wissenschaft und des Stadterneuerungsprojekts entstehen werden. Die ehemalige Kaserne wurde durch ein umfangreiches Kulturprogramm und ortsspezifische Interventionen von 17 lokalen Künstlern aus dem In- und Ausland reaktiviert, die vor ihrer endgültigen Erneuerung vorübergehend animiert wurden.

Nach fünf Ausgaben, an denen mehr als 70 Künstler beteiligt waren, 16.000 Auftritten im vergangenen Jahr in den ehemaligen Bräuchen von San Lorenzo, schlägt das diesjährige Festival ein einfaches Konzept vor und ist gleichzeitig stark.

In Zusammenarbeit mit Botschaften und Kulturinstituten im Ausland beherbergt das Outdoor Festival 17 Künstler aus 8 Ländern, die mit ihren Werken 10 Pavillons in den verlassenen Räumen der ehemaligen Kaserne Guido Reni besetzen.

Arbeiten von abstrakt bis 108 eklektische Mischung aus Graffiti, Skulptur und Video im Jahr 2501 in Zusammenarbeit mit dem Empfänger und der Blind Eye Factory. Aus großen Installationen griechischer Vasmoulakis Werke von Minelli, Richtlinien ja, aber gleichzeitig introspektiv.

Die Installation eines wesentlichen geometrischen niederländischen Schwarz-Weiß-Duos Graphic Surgery, Halo Halo, mit seinen zweidimensionalen Labyrinthen und dem Charme des Werkes des norwegischen Martin Whatson, in dem das dramatische Grau durch Farbflecken gebrochen wird, im Gegensatz zu Die bunten Puppen zerlumpen den Brasilianer Tinho, damit er seine sozialen Botschaften weiterleitet. Die räumliche Revolution der spanischen Penique Productions, die eine neue Konzeption des Ortes durch die Verzerrung desselben und des französischen Graffiti Tilt erforderte, erinnert uns an den Beginn des Schreibens. Die Dekonstruktion der von Rub Kandy, Insa und ihren „Giffiti“ errichteten Stadt, mehrschichtige Bilder animierten Stop-Motion, die Forschung des Straßenkünstlers Lucamaleonte, die sich bei dieser Gelegenheit auf das Gedächtnis- und Interaktionsdesign von No Idea konzentrieren wird. Und schließlich der Roma-Pavillon,

Ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm führt den Zuschauer dazu, die Kulturen der Gastländer zu entdecken, darunter Talk, Kino, Essen und eine große Auswahl an internationaler Musik.

Outdoor-Pläne für diese Ausgabe eine Erweiterungsspezifikation: Neben der bildenden Kunst ist Musik in diesem Jahr der Co-Star des Festivals. Jedes Werk der 17 beteiligten Künstler wird mit der Intervention eines Musikers kombiniert, der berufen ist, ein Original für eine Klanginstallation zu erhalten.

Outdoor hat auch drei Besonderheiten: Die Kreativkonferenz Italianism von Renato Fountain, die den Schwerpunkt auf Kreativität „Made by Italians“ legt, eine Möglichkeit, eine Bestandsaufnahme des Zustands der neuen visuellen Szene zusammen mit über hundert in Italien lebenden italienischen Fachleuten und Künstlern vorzunehmen und im Ausland aus den Bereichen Architektur, Art Direction, Kommunikation, Design, Fotografie, Cartoon, Grafik, Illustration, Wandbild und Video.

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Tags: Italy