Aquí, ahora, Roma Outdoor Festival 2015
El arte y la creatividad se celebran en Roma con Outdoor 2015, el festival comisariada por NUfactory en su sexta edición. «Aquí, ahora», el título de esta sexta edición tiene como objetivo centrar el tiempo de reflexión y las dimensiones del espacio como el último en el que estructurar nuestra experiencia.
Aquí y ahora, un lugar y un límite de tiempo. Un único, no replicable, que encarna los diferentes planos del tiempo: el pasado del cuartel, el presente de la creación artística y la futura regeneración del espacio; y un lugar que no es un simple contenedor sino contenido real.
Los antiguos cuarteles SMMEP (Establecimiento de Electrodomésticos Militares de Precisión) Via Guido Reni, abandonados a principios de los noventa, se convierten en el instrumento a través del cual el festival pone en marcha diversos procesos experienciales: el acto de transformación del espacio, la percepción de una ‘acción transitoria , la interacción con las obras mismas, el disfrute colectivo de un lugar regenerado, la participación activa de artistas y clases durante los talleres de Outdoor Camp.
Estar presente en cualquier momento y experiencia del espacio y el tiempo en la caja que se crea entre las estructuras arquitectónicas desnudas y las obras de arte contenidas en ellas, te darás cuenta de que se involucran con el espacio y el tiempo a través de la … transformación …
Al aire libre en sí mismo se mueve constantemente. En los últimos años se ha convertido en un medio de expresión y formas de comunicación en el que ha transferido varias experiencias artísticas, nuevos lenguajes y estilos creativos que han atraído cada vez más interés público para convertirse en un punto de referencia a nivel nacional para el arte callejero, el arte urbano. y nuevas expresiones artísticas.
La elección de los artistas para esta edición tiene como fundamento el deseo de dibujar un mapa del arte lo más grande posible, a partir del arte callejero, siempre esencia del festival, para llegar a otras expresiones artísticas. Durante el festival, las numerosas salas del cuartel se convierten en pabellones por nación en la que se articula la exposición.
La edición de 2015 centrará la atención en conceptos tales como el espacio y el tiempo, elementos establecidos para una experiencia única para ese contexto específico: Aquí, Ahora. El personal y los artistas se reunirán para discutir el proceso creativo en el acto en el antiguo cuartel de Guido Reni, el lugar que del 2 al 31 de octubre de 2015 albergará la sexta edición de OUTDOOR, el festival internacional dedicado a la creatividad urbana.
Con un rico calendario que gira en torno al arte y la música, la conversación y el cine, el festival será un gran contenedor cultural estrechamente relacionado con el lugar en el que se establece, un lugar que durante un mes solo puede ser visitado por los espectadores. Aquí, ahora, es una reflexión sobre el acto de creación artística y su disfrute.
Exposición:
Una montaña de periódicos, muebles, adornos, máquinas extrañas y neumáticos. Calendarios, disquetes, ruedas y computadoras viejas; y luego, colocada en el suelo y cubierta de polvo, la cinta de cassette de Whitney Houston, joven e irreconocible. De todas las cosas que capturaron mi imaginación durante la primera visita al cuartel de Guido Reni, áreas abandonadas cubiertas de restos como un huracán. Había pasado y rodeado por la naturaleza que lentamente retomaba el espacio, mi recuerdo más vívido es, extrañamente, esa cinta de cassette. Sabía que lo poseía de niño, pero lo había eliminado por completo de mi memoria. Esa noche, cuando llegué a casa, lo busqué y lo encontré bien cuidado y organizado con los otros cassettes. Me hizo reflexionar sobre cómo un objeto y un lugar pueden ser un instrumento poderoso para desencadenar diferentes reacciones a lo largo del tiempo. Esa cinta olvidada fue un objeto que me trajo de vuelta en el tiempo, pero, al mismo tiempo, en ese preciso momento, encarnaba lo que estaba por venir: todo el trabajo que se completará en los cuarteles en los próximos meses.
La memoria, la amnesia, la espera y la creación son formas en que nos relacionamos con el pasado y el futuro a través de factores desencadenantes en el presente. Aquí, ahora, el título de la sexta edición del festival, reflexiones sobre el tiempo y el espacio, utilizando estas medidas como una forma de Estructurar nuestra experiencia. Aquí y ahora, un lugar específico y un tiempo específico, un momento único para no ser replicado que en sí mismo abarca diferentes épocas: el pasado del cuartel, las creaciones artísticas actuales y la futura regeneración del espacio. De esta manera, el espacio no es solo un recipiente sino un objeto real.
Pabellón italiano
Lucamaleonte
Lucamaleonte nació en 1983 en Roma, donde todavía trabaja y vive. Comenzó a usar carteles y plantillas, y luego dedicó su investigación a pintar sobre lienzo también. Es uno de los pocos artistas en el mundo que puede usar máscaras y pintar para la realización de plantillas de varios niveles que están muy elaboradas y caracterizadas por la superposición de colores.
Un recuerdo personal que el artista ha decidido hacer público, Lucamaleonte presenta una rara obra que explora su pasado. Un pasado que se superpone con el edificio que lo alberga, su intervención artística desdibuja la línea entre lo público y lo privado. El cuartel es un espacio que él conoce bien, un lugar de sus recuerdos, un lugar donde su abuelo fue, durante muchos años, el director. Por esta razón, el artista romano ha decidido evocar la toma de posesión y el retiro de su abuelo del cargo a través de sus discursos de bienvenida y despedida, aquí recitados por su padre. La fotografía que domina la sala nos transporta a ese día y demuestra la vista de su abuelo desde el escenario, con sus colegas y subordinados en la audiencia.
En la habitación contigua, un tríptico revela a su abuelo vestido con el uniforme de un general, su rostro oculto por un hexaedro, una de las firmas del artista. La primera figura simplemente está esbozada, como si fuera un fantasma, mientras que la última está completamente definida. El surgimiento de su abuelo de las paredes de los barracones representa el tiempo que ha pasado, así como su propio recuerdo personal de su abuelo, un recuerdo que lo vincula a este lugar.
Ni idea
No Idea es un laboratorio formado por Mauro Pace y Saverio Virillo, ambos italianos y nacidos en 1983. Se definen a sí mismos como artesanos digitales y creativos. No Idea se centra en el diseño de interacción, la creación de instalaciones interactivas, la proyección y realización de exposiciones emocionales, interactivas y multimedia para museos y eventos. Es el resultado de un sueño hecho por los dos artistas que quieren revolucionar los espacios culturales, transformando sus experimentos artísticos en lugares inusuales.
La instalación de No Idea pretende ser una representación visual de las crisis posmodernas del mundo occidental. Entre ellos, la destrucción de las certezas, el desmoronamiento de los valores universales que durante siglos han guiado nuestras representaciones de la lógica y lo que se ha puesto a debate debido a los fenómenos sociales y culturales y los acontecimientos contemporáneos. Un mar flotante, simbólico de la conciencia del hombre, crea el telón de fondo para esta instalación colectiva. A primera vista tranquilizador, pronto se revela como una escena trágica. Una luz volumétrica revela de repente la presencia de siluetas, símbolos de un evento dramático que nos lleva a experimentar la muerte en toda su angustia inflexible. Un evento auténtico e impredecible, un trauma que ha reconfigurado las bases sobre las que descansa el mundo.
Frotar kandy
Mimmo Rubino, conocido como Rub Kandy, es un artista italiano y experimenta su investigación artística en más de un soporte. Sus obras de arte son nítidas y precisas: es un gran observador del contexto urbano y puede deconstruirlo mediante imágenes y mensajes sociales profundos.
ROOM1 – descripción del trabajo por Antonella Di Lullo –
Para el festival al aire libre, Rub Kandy ha decidido invadir el espacio de tres habitaciones adyacentes en la galería central. La técnica y el medio distinguen las obras, sin embargo, hay un hilo conductor que las une: el espacio, las modificaciones del artista y la inaccesibilidad de las áreas. Las tres obras específicas del sitio provienen de una profunda investigación del edificio y sus elementos arquitectónicos. Habitación 1 – Una habitación oscura y estrecha llena de agua y, en el fondo, un gran círculo de luz. El espacio cerrado da una sensación de dificultad amplificada por la presencia de un muro, construido por necesidad cuando la planta estaba activa. La gran luz y sus posteriores reverberaciones son elementos que guían al espectador y ofrecen un respiro de la sensación abrumadora que la sala provoca en sus ojos.
SALA 2
El gran almacén que alberga la segunda instalación de Rub Kandy se seccionó en dos partes distintas: la primera se dejó intacta para demostrar su estado deteriorado. En el fondo, la superficie blanca pintada marca una ruptura clara, transformando el espacio en una escena aséptica. A través de su franqueza, los espacios modifican y mejoran el flujo del tiempo a través de los cuarteles y su arquitectura.
SALA 3
Numerosos espejos recogidos durante la realización del festival han sido apoyados en pilastras y dirigidos hacia el espectador. A través de un juego que multiplica el reflejo de la luz en los espejos, los rayos de luz atraviesan el espacio y cambian nuestra percepción visual de la habitación.
Halo Halo
Halo Halo, es un artista italiano y nació en 1984. Utiliza un lenguaje bidimensional, creando un laberinto de signos diseñados para reproducirse hasta el infinito. Sus obras se caracterizan por una estructura suave, composiciones complejas que trazan una órbita hecha de pensamientos que se pierden en todas las direcciones posibles.
Una maraña caótica y confusa de formas de arte pop forma una representación libre de imágenes a medida que aparecen en la mente antes de verse abrumadas por la lógica. Estas son las características que definen continuamente el trabajo de Halo Halo. La sala ha sido completada, con coordenadas espaciales y elementos arquitectónicos que pierden su importancia. Más bien, son sustituidos por los caprichos de la corriente de conciencia del artista torinés. En este trabajo encontramos los engranajes mecánicos que se remontan a la función anterior del espacio, un pequeño autorretrato del artista, elementos arquitectónicos clásicos y detalles de las cigarras que, con sus chirridos, mantuvieron acompañado al artista durante su tiempo en el ex Caserma Guido Reni. Con estas imágenes, el artista recuerda el contexto en el que trabajó y nos invita a sumergirnos completamente en su evocador,
108
Guido Bisagni, conocido como 108, es un artista y escritor de arte callejero italiano, nacido en 1978. Su trabajo es abstracto, surrealista y minimalista la mayor parte del tiempo. Encuentra inspiración en el graffiti neolítico europeo, en la vanguardia del siglo XX y en artistas contemporáneos como Stak y Richard Long.
Con su investigación, 108 se distancia de la etiqueta de arte callejero, y a lo largo de los años se ha concentrado en gran medida en la forma y el color como elementos fundamentales del lenguaje pictórico, creando grandes figuras abstractas. «Para esta pieza, quería crear una síntesis de mi investigación artística, concentrándome en la forma, o más bien, en la estructura metafísica de estos espacios arquitectónicos. Una especie de respeto hacia la belleza de los espacios abandonados, consumidos con el tiempo. sido irrespetuoso, fuera de lugar y poco elegante «.
Sus enormes puntos negros generan una sensación de conflicto interior. Contienen un vacío que emana su presencia intrusiva donde sea que uno mire. Son un oxímoron conceptual dado que las formas irracionales y sin forma tienen, al mismo tiempo, una semejanza tanto con las marcas primordiales como con las formas contemporáneas. Sus figuras abstractas también contienen imperfecciones, pequeños goteos erráticos que crean elementos colaterales de perturbación. Lo que nos perturba es lo que es desconocido e incomprensible, lo que finalmente nos lleva a la reflexión y la contemplación, lo que ocurre completamente con estas obras.
Filippo Minelli
Es un artista italiano y nació en 1983. Analiza e investiga muchos temas como arquitectura, política, comunicación y geografía, utilizándolos como base para sus creaciones, instalaciones y actuaciones, documentando todo por imágenes y videos. Siempre le han interesado los paisajes y los espacios públicos, y se convirtió en un pionero del arte callejero en Italia gracias a sus intervenciones instintivas y no autorizadas.
Todo lo que hice mientras no estaba sirviendo en el ejército es una instalación que, desde su propio título, envía un claro mensaje de intención: t ip el concepto del festival en su cabeza y llevarnos a otro lugar hecho de alusiones y temas provocativos. Una inversión que, si bien a primera vista parece fuera de lugar, desea reflexionar sobre los temas del festival a través de su ausencia, creando un contrapunto disidente que muestra imágenes adversas vinculadas a este lugar. En una playa con límites claramente definidos, con una mordaz ironía, el artista exhibe, usando fotografías tomadas de sus archivos, detalles de lugares lejanos, momentos de la vida y vislumbres de experiencias personales que son un contrapunto al pasado del cuartel, su función, y lo que representaba. Palabras opacas, aparentemente desconectadas, vistas en carteles colgados en la habitación,
Tommaso Garavini
Tommaso Garavini nació en Roma en 1972. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Roma. Desde 1998 trabajó como escenógrafo para cine y teatro. Su arte va desde la pintura, el diseño hasta los gráficos, esculturas y diversas instalaciones. En 2003 escribió una pieza teatral «Operamara», presentada por Debora Pappalardo, Anastasia Sciuto e Igor Bacovich. En 2006 fundó ROTA-LAB, un laboratorio de diseño y arte donde aún trabaja.
Escenografía, diseño de interiores y bellas artes se unen en este mundo creado por Tommaso Garavini. Combinando sus habilidades, de inmediato nos lleva al entorno íntimo de una habitación que funciona para la contemplación entre lo celestial, lo terrenal y el abismo. La ciencia y la naturaleza se combinan para esta «Última Cena» de Garavini, a medida que avanzamos desde el tronco escultural chamuscado, que representa nuestros peores hábitos terrenales hacia las nubes divinas de elementos naturales y hierro. Es en este reino divino donde vemos la unión de formas naturales en cascada con los bordes afilados de una «nube» hecha por el hombre.
Al intentar imitar el caos de la naturaleza, Garavini se ha dejado llevar al ritmo del medio mismo en un desafío para reproducir el caos «perfecto» que encontramos en el entorno natural. ¿Quién se sienta en esta mesa con platos simbólicos al descubierto? Los números también juegan un papel importante en la instalación. Trece, un número que representa el amor eterno y la limpieza espiritual o la mala suerte, dependiendo de la perspectiva, la figura se relaciona proporcionalmente con la proporción de nube a mesa y escultura de madera. Con la nube y la escultura ambas en una relación 1; 1,3 con la tabla, los significados opuestos de este número se relacionan con la atracción opuesta entre el infierno y lo sublime. Escalando hacia arriba y hacia abajo tenemos derecho a movernos entre estos niveles, moviéndonos para lograr una armonía que solo se encuentra en el mundo natural.
Uno
Uno es un artista italiano y trabaja y vive en Roma desde 2005. Las técnicas que utiliza para sus producciones son las clásicas del arte callejero, aunque cuando comenzó prefería los carteles o la repetición de elementos y collages icónicos. Está inspirado en las lecciones de Warhol, Debord y Rotella, por lo que juega con las técnicas de publicidad usando aerosoles y pintura para crear una infinidad de repeticiones de imágenes.
El mundo de UNO es una delicada danza de color, proporción y patrón casi al límite del exceso. El principal punto de impacto es la pared directamente frente a nosotros, un tour de force del diseño, patrón y color que ha marcado los últimos años de la producción artística de UNO. Basándose en una amplia gama de técnicas, desde plantillas y collage hasta carteles y pintura en aerosol a mano alzada, UNO adopta plenamente el entorno presentado.
A primera vista, caótico, pero sutilmente equilibrado para la armonía, el espacio se centra en el rombo, el punto de apoyo geométrico de la habitación. Dentro de estas formas, los patrones principalmente en blanco y negro se mueven desde representaciones sutiles de la cara de Kinder hasta gotas de lluvia que recuerdan la función de esta habitación, con su lavabo escondido en la esquina. Dando vida a la banda sonora del espacio, el concepto de agua es omnipresente, con el fregadero transformado en un escaparate tridimensional. El efecto calmante del agua en un espacio tan dinámico se refleja en la elección (y no elección) del color. Brillantes gradientes fluorescentes aparecen alrededor de los elementos en blanco y negro, reflejándose sutilmente en las franjas doradas, que son el toque final a lo que es una visión de 360 grados de la práctica artística de UNO.
Alice Pasquini
Alice Pasquini es una artista romana que trabaja como ilustradora, escenógrafa y pintora. Sus «lienzos» favoritos son las paredes. Viajó mucho produciendo muchas obras de arte, por ejemplo: Sidney, Nueva York, Barcelona, Oslo, Moscú, París, Copenhague, Marrakech, Saigón, Londres y Roma. Nació en 1980 y se graduó de la Academia de Bellas Artes de Roma. Después de eso ella vivió y trabajó en Inglaterra, Francia y España. Cuando estaba en Madrid asistió a un curso de animación realmente prestigioso en la famosa escuela de animación Ars. En 2004 obtuvo una maestría en crítica de arte en la Universidad Computense. Por su arte, Alice quiere exponer el momento más íntimo de su tema, que son las personas normales y las conexiones sutiles entre ellos.
Créalo o no: con estas palabras, Alice Pasquini lleva al espectador en un viaje a través de un espacio que representa un lado inesperado e impactante de su obra. Un espacio guiado por la ilusión en muchos niveles, desde colores sutiles que emergen del esquema de color aparentemente blanco y negro hasta la superposición de figuras y frases.
¿Creemos o no creemos? En esta sala se nos pide que bajemos a nuestros guardias y nos sumerjamos en este oscuro mundo de Alice. Solo en este espacio interior puede la artista divulgar un nuevo aspecto de su trabajo, construido sobre construcciones de misterio y apariciones que parecen surgir de cada superficie del espacio. Desencadenada de la consideración del arte público, se muestra la dualidad del artista. Alejándose de los colores vibrantes que definen su trabajo público, este entorno interior permite la aparición de personajes marginales bañados en negro, que exigen el regreso a otra era, cuando la fantasía y la ilusión nos hicieron creer que todo era posible.
2501
2501 es un artista italiano. Apareció por primera vez en la escena del arte callejero cuando tenía 14 años, en trenes y paredes en Milán. Integra graffiti, pintura sobre lienzo, esculturas y videos en su investigación artística. Cuando tenía 20 años, se mudó a San Paolo Brasil como diseñador gráfico, comenzando pocas asociaciones con ONG y enseñando a los niños en las favelas.
Recipient.cc es un colectivo artístico de Milán. Está compuesto por profesionales de diferentes áreas, como comunicación multimedia, producciones de video / audio, instalaciones interactivas, diseño y arte, con una gran cantidad de aspectos técnicos y comerciales.
Blind Eye Factory es un estudio independiente de artistas, especializado en la producción y realización de contenidos de video y fotografía. El grupo fue fundado en 2013 por la unión de Giorgio Filippini y Lorenzo Gallito. Desde el principio, el estudio centró su actividad en el campo del arte y el diseño, especialmente en el «nuevo muralismo» y las corrientes de arte callejero.
La gran pared pintada de 2501 cumple con la tecnología experimental de Recipient y las imágenes en movimiento de Blind Eye Factory. Durante la instalación, el pabellón se transformó en un verdadero estudio de arte. En este proyecto grupal, incluso el público debe participar en el trabajo y convertirse en una parte esencial de la pieza, que alcanzará su fruto con las mismas herramientas utilizadas por el artista. Los pinceles utilizados en la realización del muro se ponen a disposición del público, que puede usarlos en el papel en movimiento que se encuentra en Macchina 03, creado por el colectivo Destinatario. Cada día, las hojas de papel terminadas se colgarán a lo largo de las paredes del pabellón y solo al final del festival se puede completar la instalación. Toda la instalación es parte del proyecto de experimento nómada, que es una reflexión sobre la condición cambiante y fragmentada que caracteriza a la sociedad contemporánea. A través de sus viajes continuos, 2501 experimenta y documenta esta condición. Una parte del video documental del proyecto, de Blind Eye Factory, estará presente en el pabellón.
Pabellón español
Penique Producciones
Penique Productions es un colectivo artístico fundado en Barcellona en 2007 por artistas de diferentes disciplinas unidos en la realización de un proyecto común basado en la realización de obras de arte efímeras. Las obras de Penique Productions son globos de colores que invaden superficies enteras. De esa forma dan nuevas identidades a los espacios.
Para Penique Productions, la sala es una prueba previa mediante la cual podemos pensar en la forma en que interactuamos con el espacio. Los dos artistas españoles usan el envoltorio de plástico para cubrir las superficies de los espacios interiores, gracias al aire movido por un ventilador. De esa manera, cambian la percepción que tenemos con el espacio. Con este proceso, la sala quedó inutilizable y el espectador se siente perdido en ella. Por primera vez y específicamente para el Festival al aire libre, crearon dos entornos plásticos diferentes que interactúan entre sí. La envoltura amarilla se adhiere a las paredes de la habitación, destacando las formas arquitectónicas. En la esquina de la habitación, crearon un enorme cubo rojo, que es el foco principal de la obra de arte. Aparentemente es como un objeto no relacionado e independiente,
Pabellón Británico
Insa
Insa nació en Inglaterra y comenzó a pintar cuando tenía 12 años. Hoy es uno de los escritores más innovadores y respetados del Reino Unido. Sus obras de arte son una mezcla de elementos diferentes y coloridos, en una constante investigación creativa y experimentación.
El caleidoscopio fluido de imágenes en las animaciones GIF de Insa tiene un poder hipnótico sobre el espectador. Sus movimientos cíclicos, profundidad y colores brillantes nos hacen demorar, inmovilizándonos como bajo la influencia de un poderoso analgésico. La vista desde arriba da una perspectiva acentuada del trabajo, obligándonos a observar el vórtice que domina la habitación, un vórtice que, con su movimiento, se hunde en la nada. Arriba se encuentra un cráneo en rotación interminable, irreverente y sardónico. Ambas figuras fueron creadas a través de 8 capas pintadas para formar el GIF, la marca definitoria del trabajo de Insa. El artista inglés reflexiona sobre el concepto de inmortalidad en las tendencias que se encuentran en línea en lugar de la vida real. Los dos objetos representados en la obra tienen dos significados simbólicos. El cráneo giratorio es a la vez una alegoría de la muerte y,
El vórtice, en la antigua tradición, un símbolo de vida y evolución, al mismo tiempo, a través de su movimiento, nos advierte sobre la fugacidad de la vida. Todo el trabajo es una reinvención moderna y burlona de las vanitas humanas. Una representación ridícula y lúdica de la naturaleza efímera de nuestra existencia, el trabajo nos recuerda que a menudo olvidamos estas condiciones a medida que nos sumergimos en el mundo ilusorio creado en línea.
Pabellón francés
Inclinación
Tilt es un artista de graffiti muy conocido en todo el mundo. Él es de Tolosa, sur de Francia. Se define a sí mismo como un «fetichista del graffiti», y su primera etiqueta se realizó en una rampa de skateboard en 1988. Su carrera estuvo influenciada por largos viajes en los que Tilt dejó su marca, por ejemplo en los Estados Unidos, Hong Kong, Japón, México, Tailandia, Australia, Nueva Zelanda, Laos, Taiwán, Cina, Canadá, Filipinas, Indonesia y otros 12 países de Europa. Siempre se dedicó a la vieja escuela y al estilo salvaje mediante el cual crea formas y colores que atraen al espectador.
Existen diferentes capas de significado por las cuales es posible interpretar el trabajo de Tilt. Sin lugar a dudas, la naturaleza primordial del graffiti es esencial para la obra del artista francés. Su investigación artística siempre se ha centrado en este tema: dejar un letrero, el nombre de uno, en una gran parte del mundo y en una amplia variedad de superficies. El vómito, a menudo visto como un mero acto de vandalismo, a través de Tilt se vuelve descontextualizado provocativamente. Extraído e insertado en contextos inesperados, adquiere una nueva belleza que es inquietante y desorientadora. Bajo este disfraz, las etiquetas se legitiman, tanto conceptual como estéticamente, creando un corto circuito en el prejuicio negativo contra ellas.
Dentro del antiguo cuartel ha llevado los límites de su investigación; no solo un acto de mera descontextualización, él ha remodelado las superficies destinadas a estas intervenciones. Así, los grandes ventanales se convierten en las superficies en las que trabaja el artista. Las numerosas evocaciones coloridas evocan las grandes vidrieras de las iglesias góticas y nos llevan al reino sagrado. El reflejo de la luz en los pisos y las paredes, así como la pared focal con la silueta negativa de las ventanas nos atrae al respeto y la contemplación. Las grandes paredes pintadas contrastan con una exposición de fotos tomadas de las ventanas del metro de Roma, así como de otras ciudades internacionales, y la firma del artista. El espectador se ve obligado a caminar por el pabellón para investigar todo el espacio.
Pabellón holandés
Cirugía Gráfica
Graphic Surgery es un dúo artístico de Holanda. Sus nombres son Erris Huigens (1978) y Gysbert Zijlstra (1978). Exploraron las fronteras de diferentes técnicas y géneros, manteniendo siempre su estilo personal. Por lo general, realizan pinturas, graffiti, videos e instalaciones utilizando un sistema de líneas y geometrías en blanco y negro.
La instalación del dúo holandés es la cuarta de una serie de obras centradas en estructuras complejas que penetran en el espacio arquitectónico. Su trabajo está muy influenciado por las formas geométricas mínimas que dan forma al entorno industrial, como las vigas que se encuentran en almacenes y grúas. Esto último, en particular, es algo a lo que están particularmente vinculados, un medio funcional que es omnipresente en el paisaje urbano, pero que a menudo se ignora o crea molestia. Para la cirugía gráfica, la grúa mecánica es un símbolo de la ciudad cambiante, un instrumento para la renovación o la destrucción de un entorno en constante evolución. Su trabajo para exteriores se centra en la reconfiguración del entorno del cuartel, implantando un enrejado negro transversalmente en tres habitaciones . Cada pieza es independiente, Sin embargo, al mismo tiempo, una parte integral de la estructura general. Esta estructura de madera recuerda las vigas expuestas en los almacenes del edificio, de donde se inspiraron los artistas. Al igual que un cristal puramente formado ubicado en un trozo de piedra, su instalación transforma las habitaciones y crea nuevas perspectivas espaciales.
Pabellón griego
Alexandros Vasmolulakis
Alexandros Vasmoulakis nació en 1980 en Atenas. Vive entre Atenas y Londres, donde trabaja como freelance. Comenzó su investigación artística en el campo del arte callejero, y luego la amplió, especialmente en los últimos años, a grandes instalaciones realizadas con materiales reciclados.
RELIQUIAS – descripción del trabajo por Antonella Di Lullo –
Los objetos que se encontraron en este espacio abandonado recuperaron una nueva vida gracias al arte de Alexandros Vasmoulakis. Su trabajo para el festival Outdoor consiste en una serie de instalaciones, creadas con objetos y materiales que el artista encontró durante las inspecciones de los sitios. El artista asoció su descubrimiento con el reclamo del festival, que es «Aquí, ahora». Podemos encontrar una columna hecha con sillas u otra hecha con cajones, ambas representando una especie de presencia estática, en contraste con la ligereza del panel ondulado que el artista cubrió con brillo verde y que flota en el aire gracias a un ventilador. acción. En las obras de Vasmoulakis, las esculturas, los materiales y el tiempo tienen una importancia artística.
Pabellón Brasileño
Tinho
Sufrencia y soledad son las dos emociones que el espectador siente inevitablemente cuando ve obras de arte de Tinho. Su verdadero nombre es Walter Nomura, y nació en 1973 en Brasil. Es un artista de graffiti, y con su trabajo, quiere presentar cuál es su imagen del mundo y la sociedad brasileña moderna.
El trabajo de Walter Nomura, también conocido como Tinho, intenta crear un diálogo personal con el espectador, devolviéndolo a un momento íntimo, el de su infancia. A través de sus pinturas evocadoras y muñecas enormes, transmite la ansiedad de la vida contemporánea, la profunda alienación y el individualismo que distinguen la vida en espacios urbanos ocultos del ritmo frenético de la vida cotidiana. Sus muñecas, símbolos de inocencia y ligereza perdidos, nos guían hacia esta queja implícita y causan una reflexión sobre los resultados finales de nuestras acciones. Sobre todo, su trabajo es el fruto de una elección moral y ética: en una era donde la economía crea fenómenos que destruyen nuestro planeta, como el desperdicio de recursos y la generación de grandes cantidades de basura, crea sus títeres con restos de tela y ropa usada.
Pabellón Noruego
Martin Whatson
Martin Whatson nació en 1984 en Noruega y todavía vive allí. Muestra una urgencia continua en la investigación de belleza en lo que generalmente se considera feo, pasado de moda o simplemente no interesante. Encuentra su inspiración en personas, escenas urbanas, edificios antiguos y paredes rayadas.
Plantilla y spray. Estos son los dos métodos utilizados por el artista noruego para su trabajo aquí en Outdoor: un método preciso y técnico, el otro impulsivo y caótico. La sala, en una escala más pequeña que otras, le permite al espectador una vista panorámica rápida, activando el ritmo dinámico de la obra. Las dos figuras se dedican a una persecución interminable: una con la intención de pintar y la otra cubriendo sus huellas con pintura blanca. Es un misterio quién comenzó la persecución y quién la terminará. Estos dos gestos opuestos ejemplifican la naturaleza efímera del arte urbano y la dinámica que ocurre mientras se trabaja en un contexto urbano. El artista se reserva el juicio en esta lucha entre fuerzas opuestas, limitando su participación a la expresión de este juego necesario entre fuerzas opuestas.
Proyecto Especial
Leriche marino
Marine Leriche es diseñadora gráfica, textil y escenográfica. Primero estudió comunicación visual y multimedia en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas y Artesanía en París. Luego ingresó al departamento de diseño textil en ENSCI-Les Ateliers (Escuela nacional de estudios avanzados en diseño). Al mismo tiempo, ella siempre aprendió mucho trabajando y colaborando con estilistas, artistas y agencias. De hecho, ahora tiene un perfil multidisciplinario. La creación es una necesidad que ella satisface al hacer y recolectar objetos, imágenes y contenidos en su vida cotidiana. Le encanta aprender trabajando en nuevos medios, en nuevos proyectos, con nuevos socios. Según ella, es importante estimular siempre la imaginación haciendo encuentros y diálogos entre diferentes campos creativos.
Cuando ingresamos a este lugar, inmediatamente sentimos la necesidad de compartir las grandes emociones que estábamos experimentando en esta antigua fábrica militar. Objets trouvés es un catálogo de sentimientos que celebra un lugar productivo y animado que permaneció activo durante más de un siglo. Durante tres meses, las siete hectáreas sobre las que se desarrolla el antiguo cuartel SMMEP fueron una tierra de descubrimiento. Cada rincón de este inmenso lugar ha sido objeto de una búsqueda insaciable que en el camino se convirtió en una verdadera adicción y que nos llevó a recolectar los fragmentos de una vida que no es la nuestra.
Con la curiosidad y la emoción de los niños haciendo descubrimientos aventureros en un ático polvoriento y rancio, para nosotros cada objeto simboliza un logro y cada logro se ha convertido en una historia. La historia que deseamos contar es de imaginación. Los objetos expuestos son aparentemente inútiles, pero ricos en la energía de los hombres que los usaron. Su ubicación tiene una organización estética y emocional hecha deliberadamente para no reducirlos a un catálogo científico de la vida que se vive dentro de estos barracones. Por lo tanto, lo invitamos a una historia que es más similar a un libro ilustrado que a un libro de historia como un medio para proporcionar una experiencia personal, íntima y reflexiva.
Muebles, pintura, madera, hierro, objetos oxidados, sillas, sillones, cascos, botellas, bombillas, carteles, postales, cartas, dibujos, registros, pedidos y comandos, gafas de sol, equipo de esquí, bolígrafos, herramientas, botones, chaquetas, camisas. , pancartas y banderas, cosas incomprensibles, computadoras viejas, planos, diagramas, cables eléctricos, calendarios eróticos, radios, gráficos, volantes y objetos desconocidos valorados por su belleza o por el simple encanto de lo desconocido.
Este tesoro recogido en tres meses está organizado para transmitir una sensación de confusión, la misma confusión que experimentamos al comienzo de la búsqueda. En cambio, la exposición adopta un método de exhibición que es tranquilizador y sistémico: por color, forma, material, textura y tema. Esto resalta la estética de los objetos, regulariza el espacio y facilita el disfrute. Traemos al público en este fascinante viaje entre objetos cotidianos y desconocidos yuxtapuestos de una manera que da valor a su normalidad: una invitación a una nueva mirada sublime a la vida cotidiana .
Festival al aire libre de Roma
OUTDOOR se creó en 2010 con la intención de reforzar la relación entre el ciudadano y la ciudad a través de intervenciones artísticas en el tejido urbano. Después de haber contribuido a la caracterización de la antigua área industrial de Ostiense a través de instalaciones permanentes de arte público, el festival se centra en el tema del uso del arte en los procesos de regeneración urbana como una clave que permite al público acceder a la dinámica de transformación que afecta el territorio y como medio de comunicación para la ciudad a nivel internacional.
Outdoor Festival continúa reflexionando sobre la conversión de espacios públicos a través del arte y la música que convierte en una herramienta para la reactivación de lugares abandonados que a menudo favorecen una experiencia renovada.
Más de 70,000 metros cuadrados que surgirán como sede del distrito de la Ciudad de las Ciencias y el proyecto de regeneración urbana. El antiguo Cuartel fue reactivado a través de un extenso programa cultural e intervenciones específicas del sitio de 17 artistas locales, nacionales e internacionales que se animaron temporalmente antes de su regeneración final.
Después de cinco ediciones, más de 70 artistas involucrados, 16,000 apariciones el año pasado en las antiguas costumbres de San Lorenzo, el festival de este año sugiere un concepto simple y fuerte al mismo tiempo.
En colaboración con embajadas e institutos culturales en el extranjero, Outdoor Festival acoge a 17 artistas de 8 países que ocupan con sus obras 10 pabellones dentro de los espacios abandonados del antiguo cuartel Guido Reni.
Trabajos que van desde el resumen hasta la mezcla ecléctica 108 de graffiti, escultura y video en 2501 llevados a cabo en colaboración con Recipient y The Blind Eye Factory. De grandes instalaciones de obras griegas de Vaselloukis de Minelli, políticas sí, pero al mismo tiempo introspectivas.
La instalación de un dúo holandés geométrico en blanco y negro, Cirugía Gráfica, Halo Halo, con sus laberintos bidimensionales y el encanto del ‘trabajo del noruego Martin whatson en el que el gris dramático se rompe por manchas de color, en contrapunto a Las coloridas muñecas trapo brasileño Tinho para que conduzca sus mensajes sociales. La revolución espacial de las producciones españolas de Penique, que exigía una nueva concepción del lugar a través de la distorsión del mismo y el graffiti francés Tilt, nos recuerda el comienzo de la escritura. La deconstrucción de lo urbano construido por Rub Kandy, Insa y su «giffiti», imágenes animadas stop-motion de varias capas, la investigación del artista callejero Lucamaleonte que en esta ocasión se centrará en el diseño de memoria e interacción de No Idea. Y finalmente, el pabellón de Roma,
Un extenso programa de eventos lleva al espectador a descubrir las culturas de los países anfitriones, incluyendo charlas, cine, comida y una gran selección de música internacional.
Planes al aire libre para esta edición una especificación de extensión: junto con las artes visuales, la música es este año co-estrella del festival. Cada obra de los 17 artistas involucrados se combina con la intervención de un músico llamado para lograr una instalación de sonido original.
Outdoor también tiene tres características especiales: la conferencia creativa Italianism, de Renato Fountain, que pone énfasis en la creatividad «Made by Italianns», una forma de hacer balance del estado de la nueva escena visual junto con más de cien profesionales y artistas italianos que residen en Italia. y en el extranjero, de los mundos de la arquitectura, la dirección de arte, la comunicación, el diseño, la fotografía, los dibujos animados, los gráficos, la ilustración, el mural y el video.