Südflügel des Noble Residential Floor, Schloss Valentino

Eine wichtige Stuck- und Freskendekoration qualifiziert den ersten Stock des Castello del Valentino, den edlen Wohnboden und den Repräsentationsboden für den Hof. Der „Salone d’Onore“ (Ehrenhalle) befindet sich im Zentrum einer Komposition aus zwei symmetrischen Wohnungen, die ursprünglich für Cristina di Francia und den jungen Carlo Emanuele bestimmt waren.

Eine Reihe von Skizzen von Innenräumen ist ein wertvoller bildlicher Beweis für die ursprüngliche Dekoration der Räume auf dem edlen Wohnboden. Die Skizzen sind in einem Album in der „Biblioteca Reale di Torino“ (Königliche Bibliothek von Turin) gespeichert und werden manchmal am Rand mit Beobachtungen von Leonardo Marini (seit 2008) als „disegnatore ordinario delle camere del Re“ (gewöhnlicher Designer von Königsräumen) kommentiert .

Das Fleur-de-lis-Zimmer
Isidoro Bianchi und seine Assistenten dekorierten diesen Raum, beginnend mit der großen zentralen Tafel, die im späten 18. Jahrhundert als mit einem großen Gemälde „natürlicher Motive“ gefüllt beschrieben wurde, ohne das Thema zu spezifizieren. In späteren Jahrhunderten arbeiteten auch andere Künstler in diesem Raum, und jetzt ist von diesem Meisterwerk nur noch ein einfaches Gemälde in Blau übrig, das wahrscheinlich im späten neunzehnten Jahrhundert entstanden ist. Um diese Zeit führte Domenico Ferri im gesamten Inneren des Valentino umfangreiche Restaurierungsarbeiten durch, und viele seiner Arbeiten sind noch in diesem Raum zu sehen.

Möglicherweise hat der große Stuckfries, der dieses zentrale Gemälde mit den Wänden verband, nur die Artikulation des Gewölbes in seiner ursprünglichen Form mit dreieckigen Buchten an den Ecken und rechteckigen Buchten über den Wänden bewahrt. Dieses Deckendesign folgt genau den allgemeinen Linien des Originalmodells, das in den von Leonardo Marini gezeichneten Skizzen dokumentiert ist, nachdem er 1775 von Vittorio Amedeo II. Als Architekt und Dekorateur der Regi Palazzi (Die königlichen Paläste) nominiert wurde. Die Skizze, in der Marini einen Teil dieser dekorativen Bordüre illustriert, zeigt die subtile Eleganz einer weiblichen Figur, die als Säule (oder Karyatide) verwendet wird und durch Blumendekorationen mit dem einfachen architektonischen Rahmen der angrenzenden Nische verbunden ist, in der zwei Putten mit einer Amphore (zwei) untergebracht sind -handled Glas von Römern und Griechen verwendet). Das subtile Dekor der Schriftrollen,

Der heutige Stil zeigt jedoch, dass der Raum stark vom Grünen Raum beeinflusst wurde – insofern, als er wahrscheinlich Gegenstand bewusster und gleichzeitiger Restaurierungsprojekte war. Selbst die obsessive und beharrliche Verwendung der Fleur-de-lis scheint Teil eines „Horror Vacui“ -Kriteriums (Angst vor Leere) des 18. Jahrhunderts zu sein, um diese wesentlichen Änderungen bei der Platzierung von Amphoren und Statuetten zu verschleiern. Marini dokumentiert deutlich ein weißes „Gesicht“, dessen Details „in Gold herausgegriffen“ sind. Dieselbe Farbfolge erscheint wieder, diesmal invertiert, auf dem Wandteppich, den das Inventar von 1644 als „einen in Flandern hergestellten floralen und farbenfrohen Lederteppich mit goldenem Hintergrund“ beschreibt. Ein weiteres ursprüngliches Merkmal scheint die Grenze zwischen den Wänden und der Decke zu sein, wo innerhalb dünner Stuckrahmen Isidoro Bianchi hatte eine ununterbrochene Linie von Putten gemalt, die mit Bändern spielten, die mit italienischen und französischen Versen beschriftet waren, und sie um Fleur-de-lis drehten. Der Tanz der Putten, dargestellt durch Figuren im Vordergrund, findet tatsächlich im Hintergrund statt.

Dies ist ein einzelner Innenraum, der durch eine perspektivische Buchtdecke mit Schriftrollen und königlichen Monogrammen definiert ist, die denen im Raum mit dem Titel „Wo Blumen geboren werden“ sehr ähnlich sind. Im Fleur-de-lis-Raum werden die Ecken des gemalten Freises durch zwei Akanthus-Putten in goldenem Stuck verstärkt, die von Löwenköpfen flankiert werden. Energetische Restaurierungen scheinen das neunzehnte Jahrhundert zu charakterisieren – sogar das Gemälde und die Skulptur über den Türen und Rahmen, die ursprünglich 1646 von Alessandro Casella angefertigt wurden.

Das Rosenzimmer
Dieser Raum wurde ursprünglich von Isidoro Bianchi und seinen Mitarbeitern dekoriert; aber seitdem wurde ein großer Teil ihrer Arbeit, einschließlich der Stuckarbeiten, stark „neu berührt“ und stellenweise vollständig beschädigt, wie die kreisförmige Tafel in der Mitte der Decke: „Ein Gemälde mit Figuren, die Venus und Der im 18. Jahrhundert noch sichtbare Mars wurde Mitte des 19. Jahrhunderts durch einen anderen ersetzt, der „eine Fama mit dem Wappen von Madama Reale trug und von einem der Schüler von Professor Gaetano Ferri gemalt wurde“.

Das Gemälde von Venus und Mars – eindeutig nach dem Vorbild von Cristina und Amedeo – dominierte die Mitte der Gewölbedecke, deren Kuppel auf einer kreisförmigen Trommel errichtet wurde, die in mehreren Abschnitten von einer Reihe von Putten auf Konsolen umgeben war. Diese Trommel ist durch vier eckige Gruppen von Stuckputten als Pedentiven mit dem darunter liegenden quadratischen Raum verbunden. Das Wappen von Savoy Rose, das als Symbol für Vittorio Amedeo für den ersehnten königlichen Titel des Königs von Zypern im Jahr 1632 verstärkt wurde, erscheint auf allen Rahmen, die in strenger architektonischer Abfolge das Gewölbe bilden, reichlich in denen mit Land und mit Konsolen und Kassetten.

Es ist schwer zu bestimmen, welcher Anteil dieser Rosen aus dem 17. Jahrhundert stammt und welcher aus der übermäßigen Verherrlichung Savoyens im 19. Jahrhundert. Wenn man zum Beispiel die Weite der Rosenrollen in Betracht zieht, die heute das erste Gesims im Gewölbe bilden und von Leonardo Marini im späten 18. Jahrhundert als „Konsole mit Olivenblättern“ beschrieben wurden.

Das Motiv der Stuckputten bildet eine Verbindung zwischen der Trommel und dem mit Fresken bemalten Fries oben an den Wänden. Die sechzehn Stuck-Putten an der gewölbten Decke teilen diesen Raum, indem sie die mit Blumen- und Fruchtgirlanden geschmückten Paneele umrahmen. Andere geflügelte Putten wurden von Isidoro Bianchi paarweise unter den gelappten und linearen Rahmen und auf einem vergoldeten Hintergrund mit Fresken an den Wänden versehen . Jedes Puttenpaar befindet sich mitten im Flug und spielt mit einem Motiv des Savoyer Wappens wie der Zypernrose und den ritterlichen Insignien, dem „Collare dell’Annunziata“.

Die Türen, die ursprünglich von Casella geschnitzt wurden, wurden im neunzehnten Jahrhundert „nach Domenico Ferris Entwürfen des Bildhauers Isella, da sie so stark reduziert waren“, komplett neu gestaltet. Die Büsten von Emanuele Filiberto und Margherita von Valois an der Süd- und Nordtür sowie Maria Giovanna Battista an der Westtür wurden ebenfalls von Isella geformt.

Der aktuelle Wandteppich, der eine Probe von nicht antikem Scheindamast imitiert, ist in einer Ecke des Raumes in voller Sicht. Es hindert einen daran, sich die ursprüngliche rot-goldene Harmonie des Raumes vorzustellen, dessen Wände durch „einen Lederteppich mit rotem Hintergrund und geprägten goldenen Blumen“ aufgewertet wurden, der ihm ein königliches und stattliches Aussehen verlieh. Es gab sogar Platz für „vier kreisförmige Gemälde, die die vier Elemente darstellten“, die von Albani gemalt wurden und sich derzeit in der Savoyer Galerie in Turin befinden. Dieser Raum war sicherlich ein Repräsentationsraum und nicht, wie häufig geschrieben wurde, das Schlafzimmer der Herzogin, da das Inventar von 1644 erklärt, dass sich die Schlafzimmer im Erdgeschoss befanden. Unter diesen Schlafzimmern befand sich eines mit königlicher Bettwäsche mit Silberfaden und dunkelblauen und goldgesäumten Satin-Kissen sowie einer vergoldeten Balustrade um das Bett.

Das grüne Zimmer
Die Dekoration dieses Raumes wurde von Isidoro Bianchi und seinem Team durchgeführt. Das Inventar von 1644 verwendet aufgrund der dominierenden Farbe der wandhängenden Lederteppiche (grüner Hintergrund mit goldenen Blumen) die Definition „grüner Raum“ und verwendet das Motiv des Gemäldes in der Mitte der Decke nicht wie es ist als Referenz der Fall mit den anderen Räumen in der Wohnung. Dies führt uns dazu, den symbolischen Wert der Farbe zu betrachten, der in allen Fresken deutlich zu erkennen ist, insbesondere in der Kleidung, die von den darin vorkommenden Zeichen getragen wird. Helles Grün symbolisiert die Ankunft des Frühlings und ein viel dunkleres Grün zeigt Tod und Leben nach dem Tod.

Das Fresko in der Mitte der Decke scheint ebenfalls eine doppelte Botschaft zu haben, da es sowohl den Triumph der Flora durch das Angebot der Stadt an Maria Cristina (so sah Marini es und die Restaurierungen des 19. Jahrhunderts) als auch andere darstellt Bedeutung, nicht besonders versteckt, zeigt dunklere Ereignisse. Das Bild nimmt einen Begräbnisaspekt an, da ein großer Stier mit Blumengirlanden geschmückt ist, der von drei Mädchen begleitet wird, die Opfer opfern. Das Gemälde am Himmel des Sternzeichens Stier deutet jedoch auf die Wiedergeburt des Stiers hin. Vittorio Amedeo Ich wurde unter diesem Zeichen geboren und sein Tod im Jahre 1637 veranlasste wahrscheinlich dieses Gemälde. Flora – Maria Cristina in dynastischen französisch-savoyischen Weißfarben, Rot und Blau sind nicht mehr vertreten, da sie sich im Raum „Wo Blumen geboren werden“ befindet und glücklich durch eine Blumenwelt geht. aber mit weit geöffneten Armen sitzen, ihr Gesicht gezeichnet und müde, umgeben von schwerem Schatten und in ihrer Nähe sind leere Vasen oder Vasen mit welkenden Blumen (eine weiße und eine rote Fleur-de-lis).

Die Rahmen und Motive in der Stuckdekoration, die die Decke und den letzten Rand an der Oberseite der Wände teilen, verbinden auch geschickt Fresken- und Kunststoffdekorationen, und diese Balance zeigt ein kompaktes und einheitliches Werk, wie die jüngsten Restaurierungen bestätigen. Wenn wir jedoch Marinis Skizze aus dem 18. Jahrhundert studieren, sind wir verwirrt über viele Details, die an einzelnen Rahmenteilen und an einzelnen dekorativen Elementen ausgeführt werden. Wenn die weiblichen Figuren und die Putten mit pflanzlichen Gliedmaßen in beiden Bildern zu finden sind und in den Stil des 17. Jahrhunderts passen, sehen die Form der Rahmen der getäfelten Fresken und die Figuren selbst ganz anders aus, tatsächlich ähneln sie eher den Vorbildern. Stil des neunzehnten Jahrhunderts.

Die Decke und der verzierte Rand oben an den Wänden passen perfekt zusammen und ihre einzelnen Stuckarbeiten und Fresken haben die gleiche Bedeutung und den gleichen Wert. Ein Paar Putten mit Akanthus-Gliedmaßen und eine gemalte Szene wechseln sich ab, wenn sie über dem Rand oben an den Wänden die gleiche Form haben. Die Metamorphose in den Stuckfiguren stellt eine hintergründige Verbindung zu den Themen in den Fresken dar, die mythologisch mit der Geburt von Pflanzen und Blumen verbunden sind, die in Ovidios ‚Metamorphose‘ beschrieben sind. Dies ist eine weitere Mehrdeutigkeit, die diesen Raum dominiert.

In den vier an der Decke gemalten Fresken befinden sich: Hyacinthus, der auf dem Boden von dem vom Phoebus geworfenen Diskus getroffen wurde und dessen Blut die gleichnamige Blume (Hyacinth) erzeugt; Pyramus und Thisbe sind durch einen Blutfluss getrennt, aus dem eine leuchtend rote Lilie wächst. Prometheus, dessen Leber von einem Adler gefressen und dann erneuert und dann wieder gefressen wird, liegt hier auf dem Boden liegend, die Brust aufgerissen, und Jonquillen (Narzissen) wachsen dort, wo sein Blut fällt. und Ajax, der es nicht ertragen kann, keine Kriegstrophäe zu erhalten, wirft sich auf sein Schwert und aus seinem Blut wächst eine rote Hyazinthe. Alle vier Geschichten zeigen das Thema des Todes eines Helden und seiner Re-Generation in Form einer Blume, die sofort wieder an den Tod des Savoyer Helden Vittorio Amedeo im Jahre 1637 erinnert. Dies trägt zur bereits gedenklichen Ausstrahlung des Raumes bei. Die Gemälde an der Bordüre oben an den Wänden wurden ebenfalls von Ovidios Metamorphose inspiriert, aber durch d’Agliè in Gemälden weiter bereichert, bei denen die weibliche Präsenz wichtiger ist als die des Mannes.

An der Westwand befinden sich, wie d’Agliè beschreibt, „Helena ruht auf einem Grabstein, weint und aus ihren Tränen wird Elenii geboren“ und König Midas ‚Bankett. An der Südwand befindet sich. Venus auf einem von Schwänen gezogenen und von Eros begleiteten Streitwagen. Zu ihren Füßen wachsen eine weiße und eine rote Lilie (nach der Erklärung von d’Agliè); Narzisse betrachtet sein Spiegelbild im Quellwasser und Blumen mit dem gleichen Namen, Narzisse (oder Narzissen) wachsen am Ufer in der Nähe. An der Ostwand finden wir Herkules und Merkur und schließlich an der Nordwand Driope mit seinem Sohn Anfisso und seiner Schwester Loti, die gerade die Zweige einer Lotuspflanze gesammelt haben (die gerade von einer Nymphe verwandelt worden war). wird er auch zu einem. Und schließlich steht der Mythos von Clizia, die in eine Sonnenblume verwandelt wurde, weiterhin der Sonne gegenüber.

Die verschachtelten Monogramme von Vittorio Amedeo und Cristina an den Ecken des Rahmens des zentralen Freskos in der Decke lassen auf die komplexen Angelegenheiten der herzoglichen Familie zwischen 1637 und 1640 schließen. Diese Jahre waren geprägt vom Tod des Herzogs. und seine Frau Maria Cristinas Verteidigung ihrer Macht, nachdem sie Regentin geworden war, und ihre Entschlossenheit, diese Macht zu bewahren und an ihren Sohn weiterzugeben. Das Angebot der Stadt an die Herzogin, der Heldenmythos und die Fortsetzung des Lebens nach dem Tod legen nahe, dass dieser Raum für die offizielle Nutzung durch die Regentschaft bestimmt war – es ist kein Zufall, dass er unmittelbar an den großen Salon angrenzt, in dem die gesamte heroische Geschichte Savoyens gefeiert wird.

Schloss Valentino
Das Schloss von Valentino ist ein historisches Gebäude in Turin und befindet sich im Valentino Park am Ufer des Po. Heute ist es im Besitz des Polytechnikums von Turin und beherbergt Studiengänge (drei Jahre und Master) in Architektur.

Im neunzehnten Jahrhundert erfuhr die Burg bedeutende Eingriffe, die die Struktur des Pavillonsystems aus dem siebzehnten Jahrhundert verzerrten. 1858 wurden die kastellamontischen Portiken, die die einstöckigen Pavillons miteinander verbanden, abgerissen und die zweistöckigen Galerien nach einem Entwurf von Domenico Ferri und Luigi Tonta errichtet. Von 1850 bis 1851 war die Erweiterung der Stadt nach Süden geplant (heutiger Stadtteil San Salvario), und sehr bald wurde die Burg Valentino aus einem außerstädtischen Gebäude urbanisiert.

Das Schloss Valentino ist seit 1997 in der Liste des UNESCO-Weltkulturerbes sowie in der Sito-Serie «Le Residenze sabaude» (Savoyer Residenz) als Eigentum des von der Vereinigung der Scuola di gegründeten Politecnico di Torino aufgeführt Bewerbung beim Regio Museo Industriale (Königliches Industriemuseum) im Jahr 1906 und Hauptsitz der Architekturabteilungen.

Das Schloss wurde kürzlich restauriert und gewinnt seinen alten Glanz zurück. Die Räume im ersten Stock wurden nach und nach wiedereröffnet und beherbergen die Büros der Leitung der Abteilung Architektur und Design des Politecnico di Torino. Am 12. Mai 2007 wurde der prächtige Raum des Tierkreises mit seinem zentralen Fresko wiedereröffnet, das den Fluss Po mit den Merkmalen von Poseidon mythologisch darstellt.