Der lettische Pavillon auf der 56. Internationalen Kunstausstellung präsentiert ARMPIT, eine multimediale Kunstinstallation von Katrīna Neiburga und Andris Eglītis. Es ist ein skulptiertes System von Gebäudekonstruktionen, das mit Video-Geschichten über ein besonderes lokales Phänomen, „Garagenelfen“, verwoben ist, die ihre Freizeit damit verbringen, in Workshops, die für dieses Hobby eingerichtet wurden, an verschiedenen Mechanismen zu basteln.

Andris Eglītis hat eine improvisierte Besetzung des eigentümlichen Mikrokosmos der Garagengemeinschaften geschaffen. Es ist ein kaleidoskopisches System aus skulpturalen Gebäudestrukturen aus vorgefertigten Baumaterialien der einheimischen Shantytown-Architektur. Die Gebäudestruktur ist mit den Videoerzählungen von Katrīna Neiburga verwoben. Ihre Porträts der Mitglieder von Garagengemeinschaften sind imaginäre Bewohner der neu errichteten Wohnung, was an eine Mischung aus Kloster und Schwitzerei erinnert.

Dies ist die erste Zusammenarbeit des Künstlerpaares, wobei jeder durch seine übliche künstlerische Praxis einen Beitrag leistet. Katrīna Neiburga arbeitet normalerweise mit zeitbasierten Medien und verwendet sie in ihrer sozioanthropologischen Untersuchungskunst, in Multimedia-Installationen und in der Szenografie. Andris Eglītis tendiert bei seiner Wahl der Medien zum Traditionellen; Sein Wunsch, mit Malerei und neuartigen skulpturalen Formen zu experimentieren, hat ihn dazu gebracht, sich architektonischen Übungen als körperlich erfahrene Praxis gegenüber konzeptbasierter Kunst zuzuwenden.

Der lettische Pavillon passt zum künstlerischen Gesamtkonzept der Biennale von Venedig. Die lettische Ausstellung steht in perfekter Harmonie mit dem Fokus der Biennale auf bestimmte Sprachen und Denkpositionen von Künstlern. Das Vorhandensein einer breiteren Vision und Kritik am Ego, die in anderen Werken kaum spürbar ist, zeichnet uns aus.

Der Titel der Ausstellung wurde von Miķelis Fišers als universelle Formel konzipiert, die der Betrachter subjektiv interpretieren kann: als Frage, als Überraschung, als Geschichte oder als Vorhersage. Miķelis Fišers wagt es, die verborgensten Fäden menschlicher Gefühle zu zupfen, was berechtigte Besorgnis über die Aussichten für morgen hervorruft und gleichzeitig Schuldgefühle und Angstgefühle mit dem Wunsch in Einklang bringt, ein Risiko einzugehen.

Es war unklar, wie alle drei Teile der Ausstellung im lettischen Pavillon nebeneinander existieren würden. Alles – das Gemälde, die Lichtinstallation und die Holzschnitzereien – funktioniert gut zusammen und eine schöne Harmonie von Materialien und Geschichten hat Gestalt angenommen. Vsitoren halten an den richtigen Stellen an und reflektieren, was schief gehen kann. Die Antwort lautet: „Alles!“ Es scheint, als hätten sie diese Frage erwartet. “

Ergänzt wird die Ausstellung durch einen Ausstellungskatalog, der Skizzen von Werken von Miķelis Fišers und allen für die diesjährige Ausstellung geschaffenen Kunstwerken sowie Aufsätze der Kuratorin Inga Šteimane und der estnischen Künstlerin Margus Tamm über esoterische Erzählungen in der lettischen und estnischen zeitgenössischen Kunst enthält sowie ein Aufsatz von Ilmārs Šlāpins über Miķelis Fišers Wunsch, den richtigen Bewusstseinszustand in den Köpfen der Betrachter zu schaffen.

Künstler
Katrīna Neiburga & Andris Eglītis

Katrīna Neiburga (1978) hat einen MA der Lettischen Kunstakademie für visuelle Kommunikation. Sie stellt seit 2000 aus und hat an den Biennalen in Sydney und Moskau teilgenommen. 2008 wurde sie für den Ars Fennica Award in die engere Wahl gezogen und erhielt den höchsten lettischen Preis für bildende Kunst. Eine umfangreiche investigative Videogeschichte „The Printing House“ (2012) über ein verlassenes Hochhaus erregte Aufmerksamkeit in Riga, Helsinki (Kabelfabrikgalerie), Budapest (Trafo-Galerie), Tallinn (KUMU), Vilnius (Nationalgalerie für Kunst), und anderswo. Katrīna Neiburga hat oft eng mit der Klangkünstlerin Andris Indāns zusammengearbeitet. Sie hat auch an Bühnenbildern für die Lettische Nationaloper, die Perm-Oper und das Balletttheater und anderswo gearbeitet und an der Inszenierung verschiedener Stücke mitgewirkt Als Bühnenbildnerin wurde ihr angeboten, an der Inszenierung der Oper „La Damnation de Faust“ an der Opernbastille in Paris mitzuarbeiten.

Andris Eglītis (1981) hat Bildende Kunst an der Lettischen Kunstakademie des I.E.Repin Saint Petersburg Institute of Art in Russland sowie an der HISK in Gent, Belgien, studiert. Obwohl sich die Ölmalerei in seiner künstlerischen Praxis gegenüber anderen Medienformen durchsetzt, gibt es auch Skulpturen, die er in Zusammenarbeit mit der Bibergemeinschaft in seinem Künstleratelier auf dem Land gemacht hat, und neuartige Architekturinstallationen, die normalerweise als narrative Prototypen für seine figurativen Gemälde gebaut werden. 2013 gewann er den Purvītis-Preis, den höchsten Preis für bildende Kunst in Lettland.

Die Ausstellung
Der lettische Pavillon auf der 56. Internationalen Kunstausstellung präsentierte Armpit, eine multimediale Kunstinstallation der Künstler Katrīna Neiburga und Andris Eglītis. Die Achselhöhle ist ein skulptiertes System von Gebäudekonstruktionen, die mit Video-Geschichten über ein besonderes lokales Phänomen, „Garagenelfen“, verwoben sind, die ihre Freizeit damit verbringen, in Workshops, die für dieses Hobby eingerichtet wurden, an verschiedenen Mechanismen zu basteln.

Was ist die Grundlage dieses ganzen „pastoralen“ Interesses an Männern, die ihre Freizeit in freiwilliger Abgeschiedenheit verbringen und in Workshops mit selbst erfundenen Geräten basteln? Es besteht die Versuchung, sie als Hüter des illusorischen Glaubens zu sehen, dass es möglich ist, eine Verbindung zwischen der realen und der technologisch beschworenen Materialität des modernen Lebens zu finden. Unsere Einstellungen zum hergestellten Bereich der Dinge werden immer passiver konsumistisch. Der Grund dafür ist nicht nur Faulheit, sondern auch Angst. Obwohl der Rhythmus unseres Lebens immer häufiger von verschiedenen Geräten bestimmt wird, wird verhindert, dass wir in ihre hermetisch abgeschlossenen Mechanismen eindringen, da das Risiko besteht, dass wir metaphorisch gesehen das Recht auf Garantiereparaturen verlieren.

Die Künstler Katrīna Neiburga und Andris Eglītis haben ein räumliches Denkmal für die marginale alltägliche Kreativität errichtet. Es wurde von einer Probe einheimischer Architektur mit lokalem Charakter inspiriert – den Genossenschaften privater Garagen aus der Sowjetzeit, deren Besitzer sie für den hybriden Einsatz als Werkstätten mit Datschen angepasst haben. Der geschlossene Mikrokosmos der Garagengenossenschaften, in dem sich das sozioökonomische Umfeld mit dem persönlichen Raum vermischt hat, bietet einen Schritt zurück in die Vergangenheit. Männer sind noch Jungen, aber ihr Basteln ist sowohl das Handwerk als auch das Hobby einzelner Unternehmer, da die Selbstausbeutung als Freizeitbeschäftigung eine Zeitkapsel ist, in der der Neoliberalismus das postindustrielle Proletariat eingeschlossen hat.

Installationskunst
Katrīna Neiburga und Andris Eglītis haben ein räumliches Denkmal für marginale Alltagskreativität mit lokalem Charakter errichtet. Es wurde von einem eher primitiven Beispiel einheimischer Architektur inspiriert – den Genossenschaften privater Garagen aus der Sowjetzeit, deren Besitzer sie für den hybriden Einsatz als Werkstätten mit Datschen angepasst haben. In den baltischen Ländern, die zwischen Russland und Polen liegen, wird viel über die Kreativwirtschaft gesprochen, und es wird normalerweise auf skandinavisches Design Bezug genommen. Der Großteil der Exporte besteht jedoch aus Rohholz, was zu einer massiven Entwaldung führt. Als Holzfäller zu arbeiten, ist eine der wenigen Möglichkeiten auf dem Land, sich nicht den Arbeitslosen anzuschließen.

Das Stadtleben ist natürlich extravaganter, und ein Beispiel dafür sind die Bewohner der «gestimmten» Garagen. Diese Männer, die sich ihrem Hobby am Rande der Schattenwirtschaft widmen, haben versehentlich einen Zweig einer von brutaler Technoromantik geprägten Macherbewegung gebildet. Die Geschichte von Garagenmännern in der Peripherie Europas ist eine Pastoral des digitalen Zeitalters. Die Fähigkeit, einen Automotor auseinanderzunehmen und zusammenzubauen, ist ungefähr die gleiche wie 1845 für Henry David Thoreau, «eine Axt auszuleihen, in den Wald zu gehen und einige ziemlich junge, hohe und schlanke Kiefern zu fällen» mit dem Ziel, sich eine Einsiedlerhütte zu bauen.

Aufgrund seines Tagebuchs haben wir einen Holzfäller namens Alek Therien kennengelernt. Dieser einfache und natürliche Mann, für den „Laster und Krankheit kaum existierten“, fütterte Chickadees aus seiner Hand und schwang seine Axt mit dem Elan eines Künstlers. Bei der Umsetzung ihrer Idee konzentrierten sich beide Künstler auf geschlechtsspezifische Stereotypen, die in der Peripherie Osteuropas noch lebendig sind. Die Kunstinstallation verkörpert eine normale Männerwelt – mit Schwerpunkt auf «normal». Daher werden die architektonischen Fragmente hier mit einer Kreissäge und einer Brechstange hergestellt, ohne persönliche körperliche Anstrengung zu meiden, und das räumliche Ambiente erinnert an die Kriegsspiele der Kindheit, die in Baumhäusern oder in den Labyrinthen von Holzschuppen im Hinterhof gespielt werden.

Der geschlossene Mikrokosmos der Garagengenossenschaften, in dem sich das sozioökonomische Umfeld mit dem persönlichen Raum vermischt hat, bietet einen Schritt zurück in die Vergangenheit. Männer sind noch Jungen, aber ihr Basteln ist sowohl das Handwerk als auch das Hobby einzelner Unternehmer, da die Selbstausbeutung als Freizeitbeschäftigung eine Zeitkapsel ist, in der der Neoliberalismus das postindustrielle Proletariat eingeschlossen hat.

Extrakt
Auszüge einiger audiovisueller Medien in der Installation:

„Achselhöhle. Die ersten Bilder zeigen eine haarige, möglicherweise verschwitzte Achselhöhle. Der lettische Pavillon ist wirklich eine Männerwelt, die sich mit der täglichen Kreativität des postsowjetischen Raums und der Zeit befasst.“
/ Ieva Astahovska /

„Einige der Garagen wurden für den Lebensunterhalt angepasst. Andere dienen als Hobby-Werkstätten. In einigen werden Autos noch aufbewahrt. Es handelt sich um eine geschlossene Männergemeinde. Ein Kloster für pensionierte Arbeiter aus der sowjetischen Wirtschaft und Ingenieure aus Fabriken, die im Laufe des Jahres geschlossen wurden neoliberale Reformen. Mit der Begeisterung der Alchemisten beschäftigen sie sich weiterhin mit der Erfindung neuer mechanischer Geräte oder dem erneuten Löten von Mikroschaltungen, die aus gebrauchten Geräten gezogen wurden. “
/ Kaspars Vanags /

„Die Geschichte von Garagenmännern in der Peripherie Europas ist eine Pastoral des digitalen Zeitalters. Die Fähigkeit, einen Automotor auseinanderzunehmen und zusammenzubauen, ist ungefähr die gleiche wie 1845, als Henry David Thoreau„ eine Axt ausleiht, los geht in den Wald und fangen an, einige ziemlich junge, hohe und schlanke Kiefern zu fällen, „mit dem Ziel, sich eine Einsiedlerhütte zu bauen“.
/ Kaspars Vanags /

„[…] Ich erinnere mich an das Gefühl, mit den Fingern über die Enden eines Bündels oder Stapels von Holzstöcken zu fahren. Das Gefühl ist sehr stark und sehr alt, sicherlich vorsprachlich und äußerst intim und aufgeladen.“
/ David Levi Strauss, Von Kopf bis Hand: Kunst und das Handbuch /

„Die Entstehung sowjetischer Garagen war Teil des Privatisierungsprozesses des Privatlebens im Land. […] Garagen befanden sich normalerweise relativ weit von den Häusern der Eigentümer entfernt, daher forderten die Garagen von Anfang an die Rolle eines“ Zweitwohnsitz““
/ Kirill Kobrin /

„Die in den Genossenschaftsgaragen eingerichteten Workshops stellen einen geschlossenen Mikrokosmos dar, in dem sich das sozioökonomische Umfeld mit dem persönlichen Raum vermischt hat. Die kreativen Aktivitäten der jeweiligen Gemeinschaft sind sowohl das Handwerk als auch das Hobby der einzelnen Unternehmer. Selbstausbeutung als Freizeit Aktivität ist eine Zeitkapsel, in der der Neoliberalismus das postindustrielle Proletariat eingeschlossen hat. “
/ Kaspars Vanags /

„Die Philosophie der Produktion wird atheistisch, verwaist und unmenschlich. Im Technokosmos wird nichts gegeben, alles wird produziert.“
/ Nick Land, Fanged Noumena /

„Technologie offenbart die Art und Weise, wie der Mensch mit ihm umgeht
Natur, der Produktionsprozess, durch den er sein Leben erhält. “
/ Karl Marx, ein Sozialist /

„Wie schafft ein Mann? Er erschafft eine andere Realität, eine andere Welt mit eigenen Regeln. Ein Mann schafft eine Anweisung für eine andere Realität und wird dabei von ihr geleitet. Wolkenkratzer, Schreibmaschinen, Cabrios, Trompeten, Fußball, Schach etc. “
/ Marts Pujāts, ein Dichter /

„Ein Mann ist einfach ein Träumer. Er muss sich vorstellen, phantasieren und erfinden.“
/ Marts Pujāts, ein Dichter /

„Wenn diese Männer damit beschäftigt sind, ihr Ding zu machen und Sie auf ihre Gesichter schauen, ist nicht wirklich klar, ob sie wichsen oder etwas feilen. Ihre Gesichter sind angespannt, ihre Atmung ist unregelmäßig, Schweißtröpfchen bedecken ihre Stirn, ihre Bewegungen sind rhythmisch und eintönig. “
/ Oksana, ein Gymnasiallehrer /

„Sie [sowjetische Garagen] sind nur leere Räume, die mit Nostalgie, Angst, Freude, Hass, Ekel gefüllt sein können; mit allem, was Sie wollen.“
/ Kirill Kobrin /

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.