Bienal de Arte de Veneza 2022, O Leite dos Sonhos, Parte 2, Pavilhões Nacionais e Eventos Colaterais

A 59ª Exposição Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, intitulada “The Milk of Dreams”, com curadoria de Cecilia Alemani, foi aberta ao público de sábado, 23 de abril a domingo, 27 de novembro de 2022. A exposição acontece no Pavilhão Central (Giardini) e no Arsenale, incluindo 213 artistas de 58 países; 180 deles participam pela primeira vez da Exposição Internacional. Das obras e objetos expostos, 80 novos projetos são concebidos especificamente para a Bienal de Arte.

A Exposição também incluirá 80 Participações Nacionais nos Pavilhões históricos do Giardini, no Arsenale e no centro da cidade de Veneza. 5 países participarão pela primeira vez da Biennale Arte: República de Camarões, Namíbia, Nepal, Sultanato de Omã e Uganda. República do Cazaquistão, República do Quirguistão e República do Uzbequistão participam pela primeira vez com seu próprio Pavilhão.

A exposição “The Milk of Dreams” leva as criaturas sobrenaturais de Leonora Carrington, juntamente com outras figuras de transformação, como companheiras de uma viagem imaginária pelas metamorfoses dos corpos e definições do humano. O Leite dos Sonhos leva o título de um livro de Leonora Carrington (1917–2011) no qual a artista surrealista descreve um mundo mágico onde a vida é constantemente repensada através do prisma da imaginação. É um mundo onde todos podem mudar, ser transformados, tornar-se algo ou outra pessoa; um mundo livre, cheio de possibilidades.

Mas é também a alegoria de um século que impôs uma pressão intolerável sobre a própria definição do eu, forçando Carrington a uma vida de exílio: trancado em hospitais psiquiátricos, um eterno objeto de fascínio e desejo, mas também uma figura de poder surpreendente. e mistério, sempre fugindo das restrições de uma identidade fixa e coerente. Esta exposição está alicerçada em muitas conversas com artistas realizadas nos últimos anos. As questões que foram surgindo desses diálogos parecem capturar esse momento da história em que a própria sobrevivência da espécie está ameaçada, mas também resumir muitas outras indagações que permeiam as ciências, as artes e os mitos de nosso tempo.

Como está mudando a definição do humano? O que constitui a vida e o que diferencia plantas e animais, humanos e não humanos? Quais são nossas responsabilidades para com o planeta, outras pessoas e outras formas de vida? E como seria a vida sem nós? Estas são algumas das questões norteadoras desta edição da Biennale Arte, que se concentra em três eixos temáticos em particular: a representação dos corpos e suas metamorfoses; a relação entre indivíduos e tecnologias; a conexão entre os corpos e a Terra.

Muitos artistas contemporâneos estão imaginando uma condição pós-humana que desafia a visão ocidental moderna do ser humano – e especialmente o suposto ideal universal do homem branco e masculino “Homem da Razão” – como centro fixo do universo e medida de todas as coisas. Em seu lugar, os artistas propõem novas alianças entre espécies e mundos habitados por seres porosos, híbridos e múltiplos que não são diferentes das criaturas extraordinárias de Carrington. Sob a pressão cada vez mais invasiva da tecnologia, as fronteiras entre corpos e objetos foram totalmente transformadas, provocando profundas mutações que remapearam subjetividades, hierarquias e anatomias.

Hoje, o mundo parece dramaticamente dividido entre o otimismo tecnológico – que promete que o corpo humano pode ser infinitamente aperfeiçoado através da ciência – e o pavor de uma completa aquisição por máquinas via automação e inteligência artificial. Essa brecha se alargou durante a pandemia de Covid-19, que nos forçou ainda mais a nos separar e engaiolou grande parte da interação humana atrás das telas dos dispositivos eletrônicos.

A pressão da tecnologia, o aumento das tensões sociais, a eclosão da pandemia e a ameaça iminente de desastre ambiental nos lembram todos os dias que, como corpos mortais, não somos invencíveis nem auto-suficientes, mas sim parte de uma teia simbiótica de interdependências que nos unem uns aos outros, a outras espécies e ao planeta como um todo.

Nesse clima, muitos artistas vislumbram o fim do antropocentrismo, celebrando uma nova comunhão com o não-humano, com o mundo animal e com a Terra; eles cultivam um senso de parentesco entre as espécies e entre o orgânico e o inorgânico, o animado e o inanimado. Outros reagem à dissolução de sistemas supostamente universais, redescobrindo formas localizadas de conhecimento e novas políticas de identidade. Outros ainda praticam o que a teórica e ativista feminista Silvia Federici chama de “reencantamento do mundo”, misturando tradições indígenas com mitologias pessoais da mesma maneira que Leonora Carrington.

O Leite dos Sonhos foi concebido e organizado num período de enorme instabilidade e incerteza, uma vez que o seu desenvolvimento coincidiu com a eclosão e propagação da pandemia de Covid-19. La Biennale di Venezia foi forçada a adiar esta edição por um ano, um evento que só havia ocorrido durante as duas Guerras Mundiais desde 1895. Portanto, o próprio fato de esta exposição poder abrir é algo extraordinário: sua inauguração não é exatamente o símbolo de uma retorno à vida normal, mas sim o resultado de um esforço coletivo que parece quase milagroso. Pela primeira vez, exceto talvez no período pós-guerra, o Diretor Artístico não pôde ver muitas das obras em primeira mão, ou se encontrar pessoalmente com a maioria dos artistas participantes.

Durante esses intermináveis ​​meses em frente à tela, o curador refletiu sobre qual o papel que a Mostra Internacional de Arte deveria desempenhar neste momento histórico, e a resposta mais simples e sincera que o curador pôde encontrar é que a Bienal resume todas as coisas sentimos tanta falta nos últimos dois anos: a liberdade de conhecer pessoas de todo o mundo, a possibilidade de viajar, a alegria de passar o tempo juntos, a prática da diferença, a tradução, a incompreensão e a comunhão.

O Leite dos Sonhos não é uma exposição sobre a pandemia, mas registra inevitavelmente as convulsões de nossa época. Em tempos como este, como mostra claramente a história de La Biennale di Venezia, a arte e os artistas podem nos ajudar a imaginar novos modos de convivência e infinitas novas possibilidades de transformação.

Participações Nacionais
A Bienal de Veneza é uma exposição bienal internacional de arte realizada em Veneza, Itália. Muitas vezes descrita como “as Olimpíadas do mundo da arte”, a participação na Bienal é um evento de prestígio para artistas contemporâneos. O festival tornou-se uma constelação de shows: uma exposição central com curadoria do diretor artístico daquele ano, pavilhões nacionais organizados por nações individuais e exposições independentes em Veneza. A organização-mãe da Bienal também organiza festivais regulares em outras artes: arquitetura, dança, cinema, música e teatro.

Fora da exposição central, internacional, nações individuais produzem seus próprios shows, conhecidos como pavilhões, como sua representação nacional. As nações que possuem seus pavilhões, como os 30 do Giardini, também são responsáveis ​​por seus próprios custos de manutenção e construção. Nações sem edifícios dedicados criam pavilhões no Arsenal de Veneza e palazzos por toda a cidade.

Giardini é o local tradicional das Exposições de Arte La Biennale desde a primeira edição em 1895. Os Giardini agora abrigam 29 pavilhões de países estrangeiros, alguns deles projetados por arquitetos famosos como o pavilhão da Áustria de Josef Hoffmann, o pavilhão holandês de Gerrit Thomas Rietveld ou o pavilhão finlandês , um pré-fabricado com planta trapezoidal desenhado por Alvar Aalto.

O Arsenale foi o maior centro de produção de Veneza durante a era pré-industrial, um símbolo do poder econômico, político e militar da cidade. Desde 1980, o Arsenale tornou-se um local de exposições da Bienal por ocasião da 1ª Exposição Internacional de Arquitetura. Mais tarde, os mesmos espaços foram utilizados durante as Exposições de Arte para a Secção Aberta.

Com a expansão gradual da escala, o escopo da Bienal de Veneza se expandiu para cobrir toda a cidade. Além dos principais locais de exposição, também inclui muitos pavilhões espalhados pelas ruas das cidades e até ilhas periféricas.

Eventos colaterais
Os Eventos Colaterais, admitidos pelo Curador e promovidos por entidades e instituições nacionais e internacionais sem fins lucrativos, decorrerão em vários locais da cidade de Veneza. Oferecem um amplo leque de contribuições e participações que enriquecem a diversidade de vozes que caracteriza a Exposição.

Elisa Giardina Papa, uma das artistas participantes da Exposição Internacional (em competição), foi convidada por Cecilia Alemani para fazer um trabalho especial no Forte Marghera, no edifício Polveriera austriaca. A artista Sophia Al-Maria foi selecionada para apresentar um trabalho no Pavilhão de Artes Aplicadas da Sale d’Armi, Arsenale. Esta é a sexta edição da colaboração entre La Biennale di Venezia e o Victoria and Albert Museum (V&A) em Londres.

Os projetos selecionados para a 1ª edição da Biennale College Arte 2021/2022 são de Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze e Kudzanai-Violet Hwami. Os 4 artistas receberão uma bolsa de 25.000 euros para a realização do trabalho final. As obras serão apresentadas, fora de competição, no âmbito da 59ª Exposição Internacional de Arte, O Leite dos Sonhos.

Pelo décimo primeiro ano consecutivo, La Biennale dedica o projeto Biennale Sessions a instituições que desenvolvem programas de pesquisa e formação em arquitetura, artes e áreas afins, e a Universidades e Academias de Belas Artes. O objetivo é facilitar visitas auto-organizadas de três dias para grupos de pelo menos 50 alunos e professores, com a possibilidade de realização de seminários nos locais de exposição oferecidos gratuitamente e assistência na coordenação de viagens e hospedagem.

Alberta Whittle: mergulho profundo (pausa) desenrolando a memória
Deep dive (pause) uncoiling memory é uma instalação do novo trabalho da premiada artista Alberta Whittle. Abrangendo duas salas em um antigo estaleiro, o trabalho de Alberta é um ambiente que contém trabalhos em tapeçaria, filme e escultura conectados por meio de um vocabulário compartilhado de motivos e ideias. Através de seu rico simbolismo, Alberta nos encoraja a desacelerar para que possamos considerar coletivamente os legados históricos e expressões contemporâneas de racismo, colonialismo e migração e começar a pensar fora dessas estruturas prejudiciais.

Angela Su: Arise, Hong Kong em Veneza
Em Arise, Angela Su transmite uma narrativa especulativa através de perspectivas ficcionais interligadas. O ato de levitação serve como uma metáfora organizadora que reaparece nos desenhos, imagens em movimento, bordados e instalações de Su. O artista assume o disfarce de alter ego ficcional para explorar uma miríade de valências culturais e políticas de ascensão no ar. A peça central da exposição é um novo trabalho em vídeo, The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Este pseudo-documentário conta a história de Lauren O, uma personagem fictícia que acredita que pode levitar, e seu envolvimento com Laden Raven, um grupo ativista catalisado pelo movimento antiguerra norte-americano da década de 1960.

Anjos ouvindo
Sete anjos em grande escala, fundidos em bronze com bocas “fechadas” com fita adesiva, cercam um confessionário dourado na instalação imersiva de Rachel Lee Hovnanian Angels Listening. Esta exposição interativa convida os espectadores a abandonar seus pensamentos mais íntimos, reprimidos devido ao medo de julgamento ou por pura incapacidade, em pedaços de fita. Uma vez descartada no local, a voz do espectador se junta a um coro de confissões derramadas – demonstrando a libertação associada à catarse e a santidade dos ambientes meditativos em momentos de isolamento compartilhado. Rachel Lee Hovnanian é uma artista de Miami cuja prática multidisciplinar explora as complexidades do feminismo moderno e os efeitos psicológicos da tecnologia.

Bosco Sodi no Palazzo Vendramin Grimani. O que vai volta
Bosco Sodi, conhecido pelo uso de matérias-primas naturais em esculturas e pinturas de grande escala, foi escolhido pela Fondazione dell’Albero d’Oro para uma residência artística no Palazzo Vendramin Grimani. A simplicidade essencial do material e os pigmentos intensos, procurados por Sodi de todo o mundo, formam a base de seu processo criativo, que o artista descreveu como um “caos controlado” que produz “algo completamente irrepetível”. As obras serão criadas pelo artista no androne ou salão térreo do palazzo com vista para o Grande Canal e formam o núcleo da exposição com curadoria de Daniela Ferretti e Dakin Hart.

Catalunha em Veneza_Llim
Llim (silte) adere aos canais e tubos de vidro, conectando-os, e assimila progressivamente as camadas que compõem Veneza. Que uma cidade cercada por água tenha se tornado o centro de fabricação de vidro do mundo ocidental se deve à viscosidade: a capacidade do vidro e da água de mudar entre os estados da matéria facilita a colaboração e a coexistência. A água tem poder fértil porque se transforma em lodo quando em contato com a terra. Da lama negra do Nilo vem a palavra árabe khemia, alquimia, que encontrou no vidro uma fonte de inspiração. Llim não aspira à obtenção do ouro nem da quintessência: move a fundação de Veneza com a mesma calma com que metaboliza e devolve os materiais à sua origem.

Chun Kwang Young: Tempos Reimaginados
Times Reimagined é um laboratório estético de Chun Kwang Young, artista que trabalha há cerca de trinta anos com o tema da interconexão entre os seres vivos e os valores socioecológicos de suas relações. Seus relevos orientados para o hanji (papel de amora coreano), esculturas, instalações e, como destaque, a estrutura arquitetônica site-specific feita em diálogo com o arquiteto Stefano Boeri estão sendo encenados durante a Exposição. O papel, que já viveu como livros, renasceu como criaturas simbólicas, reimaginando o conhecimento, a informação e os valores que julgaram e determinaram nossos tempos. Por meio deles, o público é incentivado a reconsiderar a prática não ecológica existente e a buscar novas saídas.

Claire Tabouret: Eu sou espaçoso, cantando carne
Claire Tabouret: Eu sou espaçosa, carne cantante apresenta uma nova leitura crítica das principais dimensões do trabalho do artista em uma notável exposição de pesquisa com curadoria de Kathryn Weir que explora múltiplas transformações: de si, do outro, identidades coletivas, luta, libertação e refúgio. Um diálogo poderoso e inesperado também é criado com vários objetos devocionais retirados do contexto italiano, invocando um limiar ambivalente na prática de Tabouret, um portal para múltiplas temporalidades e subjetividades através do qual se consideram relações alternativas entre os seres humanos e entre os seres humanos e seu ambiente , em comunicação com o sobrenatural diante das crises ecológicas e sociais.

Eugen Raportoru: O Rapto do Serralho
Uma cápsula do tempo multifacetada e caleidoscópica, uma série de instalações de itens sitespecific que povoam o espaço doméstico cigano. A série baseia-se na compreensão do significado das narrativas que esses objetos incorporam, bem como na sua capacidade de informar e refletir a cultura cigana, a vida cigana e a distribuição do conhecimento cigano. A história da crescente presença de tapetes orientais em lares do Leste Europeu é refeita, convidando à meditação sobre a configuração específica do espaço-tempo de noções de identidade e história, mas também trauma, esperança, corpo e afeto. Uma série de intervenções reflete ainda sobre a dupla posição minoritária das mulheres ciganas, criando uma câmara ressonante que nos permite ouvir e aprender com as suas vozes.

EWA KURYLUK
A exposição de Ewa Kuryluk é um encontro com a artista e o intelectual, bem como uma viagem nas pegadas de lugares importantes para ela: Corinto, “Pequena Itália” na Varsóvia do pós-guerra, “Pequena Veneza” em Londres e Nova York. A prosa e o ensaísmo eruditos e pós-modernos do historiador da arte, no entanto, dão lugar aqui a uma filha, irmã e amante sensível cuja história flutua em instalações efêmeras e pessoais feitas de tempo, ar e tecido. Ewa Kuryluk, artista polonesa, é conhecida mundialmente graças a mais de cinquenta shows solo na Europa, EUA, América do Sul, Canadá e Japão. Ela é uma pioneira da instalação têxtil efêmera, pintora, fotógrafa, historiadora da arte, romancista e poeta. Seu trabalho pode ser encontrado em coleções públicas e privadas na Europa e nos EUA.

Da Palestina Com Arte
A exposição, promovida pelo Palestine Museum US, mostra a riqueza da arte contemporânea produzida na Palestina e na diáspora. Contextualizando a linguagem do modernismo, artistas interpretam códigos e símbolos como artistas para mostrar a beleza da terra e do povo da Palestina. A oliveira, amada pelo povo, está no centro da exposição em cima de um mapa histórico da Palestina, cercada por vestidos bordados e pinturas. From Palestine With Art cria uma declaração poderosa que combina a determinação dos palestinos de abraçar a terra e o patrimônio.

Ha Chong Hyun
Ha Chong-Hyun é mais conhecido como um artista Dansaekhwa, mas essa designação se aplica apenas a um aspecto de uma prática variada que se dedica à exploração de materiais e suas propriedades há mais de cinquenta anos. Após a guerra da Coréia, Ha produziu trabalhos abstratos e tridimensionais usando objetos encontrados que refletiam os traumas duradouros da guerra. Em 1974, ele começou sua aclamada série Conjunction, que emprega bae-ap-bub, o método inovador do artista de empurrar tinta a óleo pela parte de trás da tela para a frente. Essa abordagem personifica o compromisso de Ha em desafiar o status quo e desenvolver um vocabulário artístico único. Esta retrospectiva pretende apresentar toda a amplitude de seus materiais, métodos e experimentação criativa, bem como destacar seu pioneirismo em ”

Heinz Mack – Vibração da Luz
Em uma extensa exposição individual, o fundador e artista cinético da ZERO Heinz Mack, que representou a Alemanha na 35ª Exposição Internacional de Arte em 1970, apresenta um impressionante corte transversal de seu trabalho em um dos locais mais emblemáticos de Veneza. Na forma de uma imponente instalação espacial, as pinturas monumentais e as estelas de luz de Mack encontram-se ali com obras-primas de Ticiano, Tintoretto e Veronese. Através das estelas que espelham a luz, o local atmosférico com suas pinturas renascentistas é retomado e refletido. A luz, que desempenha o papel central na obra de Mack e nesta exposição, também determina suas pinturas contemplativas de campo de cores que transcendem o espaço histórico em um lugar temporário de meditação.

Sonhos impossíveis
A exposição do arquivo e os eventos devem ser vistos como plataformas interativas, falando entre si e estimuladas pelos materiais de cada um. Não são iniciativas curatoriais separadas, mas assembleias que abordam memória (arquivo) e presença (evento), ambas sustentando uma fé no futuro. O arquivo torna-se um evento estético e o evento torna-se um arquivo deliberativo. O evento é um animado seminário de gestos performativos e o arquivo é composto por objetos enigmáticos. Impossible Dreams reconhece os constrangimentos da crise prevalecente e ao mesmo tempo trabalha para a realização de uma possibilidade. Impossível significa “ainda não possível”, uma descrição de uma condição e uma esperança de coisas, pessoas e mundos melhores por vir.

Katharina Grosse
Em um cenário preto, Apollo, Apollo apresenta uma imagem compositiva das mãos de Katharina Grosse impressa em um tecido de malha metálica, retratando um momento em que os limites entre o corpo do artista e o material colorido se confundem no ato de criar. Com sua fluidez metálica e intensidade matizada, que ganha especial ressonância no contexto veneziano, esta obra mescla o transparente com o opaco, deixando a luz passar, criando uma porta de entrada para um mundo onírico em que os visitantes questionam os limites entre realidade e imaginação.
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto

Kehinde Wiley: Uma Arqueologia do Silêncio
Kehinde Wiley: An Archaeology of Silence é uma reflexão sobre as brutalidades do passado colonial americano e global. A exposição inclui uma coleção de novas pinturas e esculturas monumentais que meditam sobre as mortes de homens negros em todo o mundo e como a mídia global expôs essas atrocidades que antes eram silenciadas. “Essa é a arqueologia que estou desenterrando”, afirma Wiley. “O espectro da violência policial e do controle estatal sobre os corpos de jovens negros e pardos em todo o mundo”. Os novos retratos contam uma história de sobrevivência e resiliência, permanecendo como monumentos à resistência e perseverança diante da selvageria.

Lita Albuquerque: Luz Líquida
A astronauta do século 25 do filme de Lita Albuquerque comuta um conhecimento sobrenatural através dos planos do celestial e do terrestre. Como os comerciantes que chegavam à Veneza antiga, ou os turistas desembarcando hoje, seu encontro com a Terra é de admiração e apreensão – admiração pelo que sobreviveu à corrupção do tempo e apreensão em relação à sua sobrevivência contínua. Um amálgama de iconografia, história pessoal e paisagens emocionais que incorporam a mitologia do artista, Liquid Light é exibido como uma instalação de vídeo tríptica, em conjunto com componentes de instalação adquiridos e criados localmente, em colaboração com artesãos venezianos.

Luísa Nevelson. Persistência
Organizada para marcar o 60º aniversário da apresentação de Louise Nevelson para o Pavilhão Americano da 31ª Bienal de Veneza em 1962, esta exposição se concentra no gênero que viria a ser a contribuição mais definitiva de Nevelson para a arte do século XX: assemblage. Com curadoria de Julia Bryan-Wilson, a exposição reúne mais de sessenta obras que abrangem trinta anos de produção, destacando a combinação extraordinariamente inventiva de materiais de Nevelson, incluindo as conhecidas paredes monumentais quadriculadas pretas e colagens menores e menos conhecidas que apresentam uma variedade de cores e foram feitos com coisas do dia-a-dia, como papel de jornal, pedaços achatados de metal, papelão, papel alumínio, lixa e tecido. Instalados de forma não cronológica, esses trabalhos demonstram a notável persistência de Nevelson:

Lúcio Fontana/Antony Gormley
Lucio Fontana / Antony Gormley é uma exposição construída a partir de uma conversa concisa e seletiva entre obras que analisam as implicações da luz, do espaço e da ausência. Uma seleção de desenhos realizados por Lucio Fontana entre 1946 e 1968 e uma série de trabalhos em papel que abrangem muitos aspectos da pesquisa de Antony Gormley são integrados a esculturas de cada um desses artistas. Tanto em suas capacidades bidimensionais quanto tridimensionais, a obra dos artistas “habita” o espaço e a atenção do espectador se desloca do objeto no espaço para o próprio espaço. Cada obra traz consigo o traço da realidade do momento em que o gesto, seja ele escultórico ou gráfico, libera a tensão energética contida em sua própria execução. O signo, portanto, torna-se também uma gravação do tempo.

Pêra + Flora + Fauna
O discurso sobre indigenismo e natureza é amplamente afetado pelas principais atitudes culturais das nações industrializadas, as mesmas nações que estão contribuindo para o problema ambiental existente. Isso leva a questões como: o pensamento estético pode levar à conservação e restauração da natureza ou à indígena? As populações indígenas em todo o mundo podem desafiar a história documentada (de arte) dominante escrita por não-indígenas? As populações indígenas podem alcançar a liberdade de reivindicar coletivamente “sua própria história e narrativas”, antagonizando o discurso dominante? Pera + Flora + Fauna pretende interrogar as inter-relações entre indigenismo, cultura dominante e natureza.

Estrada da fé
A Estrada da Fé mostra um processo de despertar da humanidade seguindo sua própria intuição para lutar contra o caos de sua mente e divindade. A exposição é composta por três partes: Flor do oceano, Ode à ninfa do rio Luo e Com a imutabilidade do absoluto. A obra literária do clássico chinês Ci Fu, Ode à Ninfa do Rio Luo é apresentada com tinta colorida e tecnologia VR. Nesta transmissão de duas para três dimensões, usando como guia música original contendo fonemas da ópera chinesa e da ópera ocidental, o público pode ver o confronto e a luta consistente dos seres humanos e sua própria ganância no ciclo da reencarnação.

Rony Plesl: As árvores crescem do céu
O projeto expositivo do artista tcheco Rony Plesl aborda as questões da essência da existência humana e a definição de humanidade. Também toca na relação do homem com a natureza, proporcionando seu reflexo imediato em múltiplas camadas de significado. A narrativa do conceito geral e instalação site-specific das obras de vidro únicas gira em torno de uma jornada, em torno de uma busca do nosso caminho no mundo de hoje. A realização do projeto de Veneza é uma estreia mundial da tecnologia única de fundição de vidro em um contexto global, permitindo a criação de uma escultura de vidro sem limitações.

Stanley Whitney: as pinturas italianas
O pintor abstrato virtuoso Stanley Whitney, nascido na Filadélfia em 1946, vem explorando as possibilidades formais da cor dentro de grades em constante mudança de blocos multicoloridos e campos gestuais abrangentes desde meados da década de 1970. Um período de formação vivido na Itália no início dos anos 1990, onde Whitney foi absorvido pela arte e arquitetura do país, transformou para sempre a composição de suas pinturas. Esta exposição, co-curada por Cathleen Chaffee e Vincenzo de Bellis, é a primeira a reunir obras que Whitney fez na Itália desde a década de 1990 até agora, e a considerar a influência da arte e arquitetura italiana em sua pintura.

Francesca Leone
A artista volta o olhar para o conceito de Tempo: é o tempo da ferrugem que oxida no metal, risca-o, marca-o; é nesta pele que o artista intervém e insinua delicadamente a cor, cobre as feridas. É nesse diálogo de memórias que Leone constrói sua própria narrativa visionária, onde uma Natureza dolorosa exige uma pausa, como essas obras sussurram, convidando-nos a parar, dar tempo aos pensamentos e deixar os sonhos aflorarem. Tomar o seu tempo significa permitir-se o privilégio de um olhar, dar tempo à arte para escrever a sua própria história. Um gesto insurgente para trazer à tona um novo pensamento utópico, um novo encantamento.

Ter Greenfort: Medusa Alga Laguna
A instalação Medusa Alga Laguna, do artista conceitual dinamarquês Tue Greenfort, foca em diversas interespécies da vida na lagoa de Veneza e traz uma relação humana e não humana. As manifestações escultóricas – às vezes em vidro como referência a representações realistas da natureza de meados do século XIX – nos transportam para o mundo biodiverso das águas venezianas. Ele revela a fascinante complexidade das formas de vida marinha, como algas e águas-vivas. A exposição individual é apresentada pela ERES Foundation Munich, instituição que promove o diálogo entre a ciência e as artes plásticas. A mostra continua o projeto de Greenfort Alga em Munique (2021).

Não penteada, imprevista, irrestrita
Unidade Parasol, Londres apresenta uma exposição coletiva de onze artistas contemporâneos internacionais, cujas apresentações se alinham ao fenômeno da entropia, ou medida de desordem. De acordo com o curador Ziba Ardalan, os artistas Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum com Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear e Rayyane Tabet identificaram independentemente e responderam de forma pungente a uma série de fenômenos desfavoráveis ​​que, ao longo das últimas décadas, atingiram cada vez mais um grau de significância em nosso cotidiano e meio ambiente e em nossa história social e coletiva, ameaçando assim a vida no planeta Terra.

Vera Molnár: Icone 2020
Vera Molnár: Icône 2020 é uma exposição centrada em uma nova comissão, Icône 2020, fundada, produzida e curada por Francesca Franco. Esta é a primeira escultura de vidro de Vera Molnár em uma carreira de mais de oitenta anos. Tomando a nova encomenda como ponto central, esta exposição explora o processo que tornou esta escultura possível, reunindo esboços preparatórios, desenhos originais em plotter e material de documentação que revelam as complexidades por trás da realização de Icône 2020, incentivando um novo pensamento sobre a escultura e o ramificações inimagináveis ​​da arte computacional.

Com as mãos os sinais crescem
A Fundação Odalys e a Fundação Signum, com o apoio do Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, Espanha), viabilizaram um projeto de intervenção no Palazzo Donà, sede italiana da Fundação Signum, que inclui vários sites- projetos específicos concebidos para diferentes salas do Palazzo. Um grupo de quatro jovens artistas (Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz e Sixe Paredes) participa nesta iniciativa através de um processo de criação que tem uma característica comum: a vontade de partilhar a sua visão do mundo através da arte. De modo que essas intervenções agora no espaço do Palazzo pudessem ser definidas como um conjunto de micronarrativas do território pessoal de cada artista, um território que é público -agora mas também incontestável, devido ao seu peso histórico. Artistas que trabalharam no local, relacionando cada um deles com uma parede/piso ou sala do Palazzo Donà.

Sem mulheres
A obra de arte de Zinaida Sem Mulheres é sobre a pureza da vida dos criadores de ovelhas na natureza e a transformação da energia masculina. Desde a infância até a velhice, os homens nas aldeias dos Cárpatos deixam suas moradias para ir para as montanhas por cinco meses. Entre a abundância de ovelhas e vacas, eles transformam leite em manteiga e queijo. Nesse ato de sublimação, que revela completamente os papéis masculinos, a masculinidade se renova até a pureza. Em seu ambiente solitário, os homens podem expressar e renovar plena e vividamente sua natureza masculina. Assim como os monges, esses homens vivem no seio da natureza sozinhos e sem mulheres. A obra de arte consiste em três vídeos e uma instalação, The Milk of Life.

Grupo de Arte “YiiMa”: Alegoria dos Sonhos
Allegory of Dreams é uma exposição abrangente de arte contemporânea que mostra documentação de arte performática, fotografia, vídeos e esculturas internas e externas. Com curadoria do curador internacional João Miguel Barros, a exposição apresenta trabalhos de “YiiMa”, grupo de arte formado em Macau por Ung Vai Meng e Chan Hin Io. Em sintonia com O Leite dos Sonhos, a exposição é concebida e desenvolvida como uma Alegoria dos Sonhos. Ao apresentar gravações da performance ao vivo dos dois artistas, o evento pretende apresentar aos visitantes o ambiente cultural único de Macau, cheio de memórias e história, oferecendo-lhes a oportunidade de experimentar as suas cenas oníricas mas alegóricas da vida quotidiana.