Kunstbiennale Venedig 2022, Die Milch der Träume, Teil 2, Nationalpavillons und Begleitveranstaltungen

Die 59. Internationale Kunstausstellung der Biennale di Venezia mit dem Titel „The Milk of Dreams“, kuratiert von Cecilia Alemani, war von Samstag, 23. April bis Sonntag, 27. November 2022 für die Öffentlichkeit zugänglich. Die Ausstellung findet im Zentralpavillon (Giardini) statt. und im Arsenale mit 213 Künstlern aus 58 Ländern; 180 davon nehmen erstmals an der Internationalen Ausstellung teil. 1433 der ausgestellten Werke und Objekte werden 80 neue Projekte speziell für die Biennale Arte konzipiert.

Die Ausstellung umfasst auch 80 nationale Beteiligungen in den historischen Pavillons in den Giardini, im Arsenale und im Stadtzentrum von Venedig. An der Biennale Arte nehmen erstmals 5 Länder teil: Republik Kamerun, Namibia, Nepal, Sultanat Oman und Uganda. Die Republik Kasachstan, die Kirgisische Republik und die Republik Usbekistan nehmen zum ersten Mal mit einem eigenen Pavillon teil.

Die Ausstellung „The Milk of Dreams“ nimmt Leonora Carringtons jenseitige Wesen und andere Verwandlungsfiguren mit auf eine imaginäre Reise durch die Metamorphosen von Körpern und Definitionen des Menschen. Der Titel „The Milk of Dreams“ stammt von einem Buch von Leonora Carrington (1917–2011), in dem die surrealistische Künstlerin eine magische Welt beschreibt, in der das Leben durch das Prisma der Vorstellungskraft ständig neu wahrgenommen wird. Es ist eine Welt, in der sich jeder verändern, transformieren, etwas oder jemand anderes werden kann; eine befreite Welt voller Möglichkeiten.

Aber es ist auch die Allegorie eines Jahrhunderts, das der Definition des Selbst einen unerträglichen Druck auferlegte und Carrington in ein Leben im Exil zwang: eingesperrt in Nervenheilanstalten, ein ewiges Objekt der Faszination und Begierde, aber auch eine Figur von verblüffender Macht und Mysterium, immer auf der Flucht vor den Beschränkungen einer festen, kohärenten Identität. Diese Ausstellung basiert auf vielen Gesprächen mit Künstlern, die in den letzten Jahren geführt wurden. Die Fragen, die aus diesen Dialogen immer wieder auftauchten, scheinen diesen Moment in der Geschichte einzufangen, in dem das Überleben der Spezies bedroht ist, aber auch viele andere Fragen zusammenzufassen, die die Wissenschaften, Künste und Mythen unserer Zeit durchdringen.

Wie verändert sich die Definition des Menschen? Was macht Leben aus und was unterscheidet Pflanze und Tier, Mensch und Nicht-Mensch? Welche Verantwortung haben wir gegenüber dem Planeten, anderen Menschen und anderen Lebensformen? Und wie würde das Leben ohne uns aussehen? Dies sind einige der Leitfragen für diese Ausgabe der Biennale Arte, die sich insbesondere auf drei Themenbereiche konzentriert: die Darstellung von Körpern und ihre Metamorphosen; die Beziehung zwischen Individuen und Technologien; die Verbindung zwischen Körpern und der Erde.

Viele zeitgenössische Künstler imaginieren einen posthumanen Zustand, der das moderne westliche Menschenbild – und insbesondere das angenommene universelle Ideal des weißen, männlichen „Man of Reason“ – als festen Mittelpunkt des Universums und Maß aller Dinge herausfordert. Stattdessen schlagen Künstler neue Allianzen zwischen Arten und Welten vor, die von porösen, hybriden, vielfältigen Wesen bewohnt werden, die Carringtons außergewöhnlichen Kreaturen nicht unähnlich sind. Unter dem zunehmend invasiven Druck der Technologie wurden die Grenzen zwischen Körpern und Objekten völlig verändert, was zu tiefgreifenden Mutationen führte, die Subjektivitäten, Hierarchien und Anatomien neu abbilden.

Heute scheint die Welt dramatisch gespalten zu sein zwischen technologischem Optimismus – der verspricht, dass der menschliche Körper durch Wissenschaft endlos perfektioniert werden kann – und der Angst vor einer vollständigen Übernahme durch Maschinen durch Automatisierung und künstliche Intelligenz. Diese Kluft hat sich während der Covid-19-Pandemie vergrößert, die uns noch weiter voneinander entfernt hat und einen Großteil der menschlichen Interaktion hinter den Bildschirmen elektronischer Geräte eingesperrt hat.

Der technologische Druck, die Zunahme sozialer Spannungen, der Ausbruch der Pandemie und die drohende Umweltkatastrophe erinnern uns jeden Tag daran, dass wir als sterbliche Körper weder unbesiegbar noch autark sind, sondern Teil eines symbiotischen Netzes von Interdependenzen, die uns aneinander, an andere Arten und an den Planeten als Ganzes binden.

In diesem Klima stellen sich viele Künstler das Ende des Anthropozentrismus vor und feiern eine neue Gemeinschaft mit dem Nicht-Menschlichen, mit der Tierwelt und mit der Erde; Sie kultivieren ein Gefühl der Verwandtschaft zwischen den Arten und zwischen dem Organischen und dem Anorganischen, dem Belebten und dem Unbelebten. Andere reagieren auf die Auflösung vermeintlich universeller Systeme, entdecken lokalisierte Wissensformen und neue Identitätspolitiken neu. Wieder andere praktizieren das, was die feministische Theoretikerin und Aktivistin Silvia Federici die „Wiederverzauberung der Welt“ nennt, indem sie indigene Traditionen mit persönlichen Mythologien vermischen, ähnlich wie Leonora Carrington.

The Milk of Dreams wurde in einer Zeit enormer Instabilität und Unsicherheit konzipiert und organisiert, da ihre Entwicklung mit dem Ausbruch und der Ausbreitung der Covid-19-Pandemie zusammenfiel. La Biennale di Venezia war gezwungen, diese Ausgabe um ein Jahr zu verschieben, ein Ereignis, das erst während der beiden Weltkriege seit 1895 stattgefunden hatte. Die Tatsache, dass diese Ausstellung eröffnet werden kann, ist also etwas Außergewöhnliches: Ihre Einweihung ist nicht gerade das Symbol einer Rückkehr zum normalen Leben, sondern das Ergebnis einer kollektiven Anstrengung, die fast wie ein Wunder erscheint. Zum ersten Mal, außer vielleicht in der Nachkriegszeit, war es dem künstlerischen Leiter nicht möglich, viele der Kunstwerke aus erster Hand zu sehen oder die meisten der beteiligten Künstler persönlich zu treffen.

Während dieser endlosen Monate vor dem Bildschirm hat der Kurator über die Frage nachgedacht, welche Rolle die Internationale Kunstausstellung an diesem historischen Wendepunkt spielen sollte, und die einfachste und aufrichtigste Antwort, die der Kurator finden konnte, ist, dass die Biennale alle Dinge zusammenfasst die wir in den letzten zwei Jahren so sehr vermisst haben: die Freiheit, Menschen aus aller Welt zu begegnen, die Möglichkeit zu reisen, die Freude an gemeinsamer Zeit, die Praxis der Differenz, des Übersetzens, des Unverstehens und der Gemeinschaft.

The Milk of Dreams ist keine Ausstellung über die Pandemie, aber sie registriert unweigerlich die Umbrüche unserer Zeit. In Zeiten wie diesen, wie die Geschichte der Biennale di Venezia deutlich zeigt, können Kunst und Künstler uns helfen, uns neue Formen des Zusammenlebens und unendliche neue Möglichkeiten der Transformation vorzustellen.

Nationale Beteiligungen
Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival ist zu einer Konstellation von Shows geworden: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wird, nationale Pavillons, die von einzelnen Nationen veranstaltet werden, und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Der Dachverband der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.

Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen eigene Shows, sogenannte Pavillons, als ihre nationale Repräsentation. Nationen, die Eigentümer ihrer Pavillongebäude sind, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre eigenen Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude errichten Pavillons im Arsenal von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.

Giardini ist seit der ersten Ausgabe im Jahr 1895 der traditionelle Ort der La Biennale Art Exhibitions. Die Giardini beherbergen heute 29 Pavillons aus dem Ausland, von denen einige von berühmten Architekten entworfen wurden, wie der Österreich-Pavillon von Josef Hoffmann, der niederländische Pavillon von Gerrit Thomas Rietveld oder der finnische Pavillon , ein vorgefertigtes mit trapezförmigem Grundriss, entworfen von Alvar Aalto.

Das Arsenale war das größte Produktionszentrum in Venedig während der vorindustriellen Ära, ein Symbol der wirtschaftlichen, politischen und militärischen Macht der Stadt. Seit 1980 ist das Arsenale anlässlich der 1. Internationalen Architekturausstellung Ausstellungsort der La Biennale. Später wurden die gleichen Räume während der Kunstausstellungen für den offenen Bereich genutzt.

Mit der schrittweisen Erweiterung des Maßstabs hat sich der Geltungsbereich der Biennale von Venedig auf die gesamte Stadt ausgeweitet. Neben den Hauptausstellungsorten umfasst es auch viele Pavillons, die über die Straßen von Städten und sogar abgelegenen Inseln verstreut sind.

Nebenveranstaltungen
Die Begleitveranstaltungen, die vom Kurator zugelassen und von gemeinnützigen nationalen und internationalen Einrichtungen und Institutionen gefördert werden, finden an mehreren Orten in der Stadt Venedig statt. Sie bieten ein breites Spektrum an Beiträgen und Beteiligungen, die die Vielfalt der Stimmen bereichern, die die Ausstellung auszeichnet.

Elisa Giardina Papa, eine der Künstlerinnen, die an der Internationalen Ausstellung (im Wettbewerb) teilnimmt, wurde von Cecilia Alemani eingeladen, in Forte Marghera, im Gebäude namens Polveriera austriaca, ein besonderes Werk zu schaffen. Die Künstlerin Sophia Al-Maria wurde ausgewählt, eine Arbeit im Pavillon für angewandte Kunst im Sale d’Armi, Arsenale, zu präsentieren. Dies ist die sechste Ausgabe der Zusammenarbeit zwischen La Biennale di Venezia und dem Victoria and Albert Museum (V&A) in London.

Die ausgewählten Projekte für die 1. Ausgabe der Biennale College Arte 2021/2022 stammen von Simnikiwe Buhlungu, Ambra Castagnetti, Andro Eradze und Kudzanai-Violet Hwami. Die 4 Künstler erhalten für die Realisierung der Abschlussarbeit ein Stipendium in Höhe von 25.000 Euro. Die Kunstwerke werden außer Konkurrenz im Rahmen der 59. Internationalen Kunstausstellung The Milk of Dreams präsentiert.

Zum elften Mal in Folge widmet La Biennale das Projekt Biennale Sessions Institutionen, die Forschungs- und Ausbildungsprogramme in Architektur, Kunst und verwandten Bereichen entwickeln, sowie Universitäten und Akademien der Schönen Künste. Ziel ist die Ermöglichung selbstorganisierter dreitägiger Besuche für Gruppen von mindestens 50 Studierenden und Lehrenden mit der Möglichkeit, kostenfrei Seminare in den angebotenen Ausstellungsorten abzuhalten und Unterstützung bei der Koordination von Anreise und Unterkunft.

Alberta Whittle: Tiefer Tauchgang (Pause) Erinnerung entrollend
Deep Dive (Pause) Uncoiling Memory ist eine Installation neuer Arbeiten der preisgekrönten Künstlerin Alberta Whittle. Albertas Arbeit, die sich über zwei Räume in einer ehemaligen Werft erstreckt, ist eine Umgebung, die Arbeiten in Wandteppichen, Filmen und Skulpturen enthält, die durch ein gemeinsames Vokabular von Motiven und Ideen verbunden sind. Durch ihre reiche Symbolik ermutigt Alberta uns, langsamer zu werden, damit wir gemeinsam die historischen Hinterlassenschaften und zeitgenössischen Ausdrucksformen von Rassismus, Kolonialismus und Migration betrachten und anfangen können, außerhalb dieser schädlichen Rahmenbedingungen zu denken.

Angela Su: Erhebe dich, Hongkong in Venedig
In Arise vermittelt Angela Su eine spekulative Erzählung durch ineinandergreifende fiktionale Perspektiven. Der Akt des Schwebens dient als organisierende Metapher, die in Sus Zeichnungen, bewegten Bildern, Stickereien und Installationen immer wieder auftaucht. Der Künstler nimmt die Gestalt eines fiktiven Alter Egos an, um unzählige kulturelle und politische Valenzen des Aufsteigens in die Luft zu erforschen. Das Herzstück der Ausstellung ist eine neue Videoarbeit, The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Diese Pseudodokumentation erzählt die Geschichte von Lauren O, einer fiktiven Figur, die glaubt, schweben zu können, und ihrer Beteiligung an Laden Raven, einer katalysierten Aktivistengruppe von der US-Antikriegsbewegung der 1960er Jahre.

Engel hören
Sieben großformatige, in Bronze gegossene Engel mit zugeklebten Mündern umkreisen einen vergoldeten Beichtstuhl in Rachel Lee Hovnanians immersiver Installation Angels Listening. Diese interaktive Ausstellung lädt die Betrachter ein, ihre innersten Gedanken, ob aus Angst vor Urteilen oder schierer Unfähigkeit unterdrückt, auf Bändern abzugeben. Einmal vor Ort verworfen, schließt sich die Stimme des Betrachters einem Chor vergossener Geständnisse an – und demonstriert die Befreiung, die mit der Katharsis verbunden ist, und die Heiligkeit meditativer Umgebungen in Momenten gemeinsamer Isolation. Rachel Lee Hovnanian ist eine in Miami lebende Künstlerin, deren multidisziplinäre Praxis die Komplexität des modernen Feminismus und die psychologischen Auswirkungen von Technologie erforscht.

Bosco Sodi im Palazzo Vendramin Grimani. Alles rächt sich irgendwann
Bosco Sodi, bekannt für seine Verwendung roher Naturmaterialien in großformatigen Skulpturen und Gemälden, wurde von der Fondazione dell’Albero d’Oro für eine Künstlerresidenz im Palazzo Vendramin Grimani ausgewählt. Die essentielle Einfachheit des Materials und die intensiven Pigmente, nach denen Sodi weltweit sucht, bilden die Grundlage seines kreativen Prozesses, den der Künstler als „kontrolliertes Chaos“ beschrieb, das „etwas völlig Unwiederholbares“ hervorbringt. Die Werke werden von der Künstlerin in der Androne oder Erdgeschosshalle des Palazzo mit Blick auf den Canal Grande geschaffen und bilden den Kern der von Daniela Ferretti und Dakin Hart kuratierten Ausstellung.

Katalonien in Venedig_Llim
Llim (Schlick) haftet an den Kanälen und Glasröhren, verbindet sie und assimiliert nach und nach die Schichten, aus denen Venedig besteht. Dass eine von Wasser umgebene Stadt zum Zentrum der Glasherstellung der westlichen Welt wurde, liegt an der Viskosität: Die Fähigkeit von Glas und Wasser, zwischen Materiezuständen zu wechseln, erleichtert die Zusammenarbeit und Koexistenz. Wasser hat fruchtbare Kraft, weil es bei Kontakt mit der Erde zu Schlick wird. Aus dem schwarzen Schlamm des Nils stammt das arabische Wort Khemia, Alchemie, das im Glas eine Inspirationsquelle fand. Llim strebt weder nach Gold noch nach der Quintessenz: Er bewegt Venedigs Fundament mit der gleichen Ruhe, mit der er die Materialien verstoffwechselt und an ihren Ursprung zurückführt.

Chun Kwang Young: Zeiten neu gedacht
Times Reimagined ist ein ästhetisches Labor von Chun Kwang Young, einem Künstler, der sich seit etwa dreißig Jahren mit dem Thema der Vernetzung zwischen Lebewesen und den sozioökologischen Werten ihrer Beziehungen beschäftigt. Seine an Hanji (koreanisches Maulbeerpapier) orientierten Reliefs, Skulpturen, Installationen und als Höhepunkt die ortsspezifische architektonische Struktur, die im Dialog mit dem Architekten Stefano Boeri entstand, werden während der Ausstellung präsentiert. Das Papier, das einst als Buch lebte, wurde als symbolisches Geschöpf wiedergeboren, indem es das Wissen, die Informationen und die Werte neu interpretierte, die unsere Zeit beurteilt und bestimmt haben. Dadurch wird das Publikum ermutigt, bestehende nichtökologische Praktiken zu überdenken und nach neuen Wegen zu suchen.

Claire Tabouret: Ich bin geräumig, singendes Fleisch
Claire Tabouret: Ich bin geräumig, singendes Fleisch präsentiert eine neue kritische Lesart der Schlüsseldimensionen der Arbeit der Künstlerin in einer bemerkenswerten, von Kathryn Weir kuratierten Überblicksausstellung, die mehrere Transformationen untersucht: von Selbst, anderen, kollektiven Identitäten, Kampf, Befreiung und Zuflucht. Ein kraftvoller und unerwarteter Dialog wird auch mit mehreren Devotionalien aus dem italienischen Kontext geschaffen, die eine ambivalente Schwelle in Tabourets Praxis hervorrufen, ein Portal in multiple Zeitlichkeiten und Subjektivitäten, durch das alternative Beziehungen zwischen Menschen und zwischen Menschen und ihrer Umgebung betrachtet werden können , in der Kommunikation mit dem Übernatürlichen angesichts ökologischer und sozialer Krisen.

Eugen Raportoru: Die Entführung aus dem Serail
Eine facettenreiche und kaleidoskopische Zeitkapsel, eine Installationsserie ortsspezifischer Gegenstände, die den Wohnraum der Roma bevölkern. Die Serie basiert auf einem Verständnis der Bedeutung der Erzählungen, die solche Objekte verkörpern, sowie ihrer Fähigkeit, die Roma-Kultur, das Leben der Roma und die Verbreitung des Roma-Wissens zu informieren und zu reflektieren. Die Geschichte der zunehmenden Präsenz von Orientteppichen in osteuropäischen Haushalten wird nachgezeichnet und lädt zur Meditation über die spezifische Zeit-Raum-Konfiguration von Vorstellungen von Identität und Geschichte, aber auch von Trauma, Hoffnung, Körper und Affekt ein. Eine Reihe von Interventionen reflektiert weiter die doppelte Minderheitenposition von Roma-Frauen und schafft einen Resonanzraum, der es uns ermöglicht, auf ihre Stimmen zu hören und von ihnen zu lernen.

EWA KURYLUK
Ewa Kuryluks Ausstellung ist eine Begegnung mit der Künstlerin und dem Intellektuellen sowie eine Reise auf den Spuren der für sie wichtigen Orte: Korinth, „Little Italy“ im Warschau der Nachkriegszeit, „Little Venice“ in London und New York. Die gelehrte und postmoderne Prosa und Essayistik des Kunsthistorikers weicht hier jedoch einer sensiblen Tochter, Schwester und Geliebten, deren Geschichte in ephemeren und persönlichen Installationen aus Zeit, Luft und Stoff schwebt. Ewa Kuryluk, eine polnische Künstlerin, ist dank über fünfzig Einzelausstellungen in Europa, den USA, Südamerika, Kanada und Japan weltweit bekannt. Sie ist eine Pionierin der ephemeren Textilinstallation, Malerin, Fotografin, Kunsthistorikerin, Romanautorin und Dichterin. Ihre Arbeiten befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen in Europa und den USA.

Aus Palästina mit Kunst
Die vom Palestine Museum US geförderte Ausstellung zeigt den Reichtum zeitgenössischer Kunst, die in Palästina und der Diaspora produziert wird. Die Sprache der Moderne kontextualisierend, interpretieren Künstler Codes und Symbole als Künstler, um die Schönheit von Palästinas Land und Leuten zu zeigen. Der von den Menschen geliebte Olivenbaum steht im Zentrum der Ausstellung auf einer historischen Karte von Palästina, umgeben von bestickten Kleidern und Gemälden. From Palestine With Art schafft ein starkes Statement, das der Entschlossenheit der Palästinenser entspricht, Land und Erbe anzunehmen.

Ha Chong-Hyun
Ha Chong-Hyun ist vor allem als Dansaekhwa-Künstler bekannt, aber diese Bezeichnung gilt nur für einen Aspekt einer vielfältigen Praxis, die sich seit mehr als fünfzig Jahren der Erforschung von Materialien und ihren Eigenschaften widmet. Nach dem Koreakrieg produzierte Ha abstrakte und dreidimensionale Arbeiten mit gefundenen Objekten, die die anhaltenden Traumata des Krieges widerspiegelten. 1974 begann er mit seiner gefeierten Conjunction-Serie, die Bae-ap-bub verwendet, die innovative Methode des Künstlers, Ölfarbe durch die Rückseite des Leinwandgewebes nach vorne zu drücken. Dieser Ansatz verkörpert Has Engagement, den Status quo herauszufordern und ein einzigartiges künstlerisches Vokabular zu entwickeln. Diese Retrospektive soll die ganze Breite seiner Materialien, Methoden und kreativen Experimente präsentieren sowie seine Vorreiterrolle in “

Heinz Mack – Schwingung des Lichts
In einer umfangreichen Einzelausstellung präsentiert der ZERO-Gründer und kinetische Künstler Heinz Mack, der Deutschland 1970 auf der 35. Internationalen Kunstausstellung vertrat, einen beeindruckenden Querschnitt seines Schaffens an einem der kultigsten Orte Venedigs. In Form einer imposanten Rauminstallation treffen dort Macks monumentale Gemälde und Lichtstelen auf Meisterwerke von Tizian, Tintoretto und Veronese. Durch die lichtspiegelnden Stelen wird der atmosphärische Ort mit seinen Renaissancemalereien aufgegriffen und reflektiert. Licht, das in Macks Werk und in dieser Ausstellung die zentrale Rolle spielt, bestimmt auch seine kontemplative Farbfeldmalerei, die den historischen Raum zu einem temporären Ort der Meditation transzendiert.

Unmögliche Träume
Die Archivausstellung und die Veranstaltungen sollen als interagierende Plattformen betrachtet werden, die miteinander sprechen und durch die Materialien der anderen angeregt werden. Sie sind keine getrennten kuratorischen Initiativen, sondern Versammlungen, die sich mit Erinnerung (Archiv) und Präsenz (Ereignis) befassen und beide den Glauben an die Zukunft aufrechterhalten. Das Archiv wird zum ästhetischen Ereignis und das Ereignis zum deliberativen Archiv. Die Veranstaltung ist ein lebendiges Seminar performativer Gesten und das Archiv umfasst rätselhafte Objekte. Impossible Dreams erkennt die Zwänge der herrschenden Krise an und arbeitet gleichzeitig an der Verwirklichung einer Möglichkeit. Impossible bedeutet „noch nicht möglich“, eine Beschreibung eines Zustands und eine Hoffnung auf bessere Dinge, Menschen und Welten.

Katharina Große
In einer schwarzen Umgebung zeigt Apollo, Apollo ein kompositorisches Bild von Katharina Grosses Händen, die auf ein metallisches Netzgewebe gedruckt sind und einen Moment darstellen, in dem die Grenzen zwischen dem Körper der Künstlerin und dem farbigen Material im Akt des Schaffens verschwimmen. Mit seiner metallischen Fließfähigkeit und Farbintensität, die im venezianischen Kontext eine besondere Resonanz findet, vermischt dieses Werk das Transparente mit dem Undurchsichtigen, lässt Licht durch und schafft ein Tor zu einer traumhaften Welt, in der Besucher die Grenzen zwischen Realität und Vorstellung hinterfragen.
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto

Kehinde Wiley: Eine Archäologie des Schweigens
Kehinde Wiley: An Archaeology of Silence ist eine Reflexion über die Brutalitäten der amerikanischen und globalen Kolonialvergangenheit. Die Ausstellung umfasst eine Sammlung neuer monumentaler Gemälde und Skulpturen, die über den Tod schwarzer Männer auf der ganzen Welt nachdenken und darüber, wie globale Medien diese Gräueltaten aufgedeckt haben, die einst zum Schweigen gebracht wurden. „Das ist die Archäologie, die ich ausgrabe“, stellt Wiley fest. „Das Gespenst von Polizeigewalt und staatlicher Kontrolle über die Körper junger Schwarzer und Brauner auf der ganzen Welt“. Die neuen Porträts erzählen eine Geschichte von Überleben und Widerstandsfähigkeit und stehen als Denkmäler für Ausdauer und Beharrlichkeit angesichts der Wildheit.

Lita Albuquerque: Flüssiges Licht
Die Astronautin des 25. Jahrhunderts in Lita Albuquerques Film pendelt ein jenseitiges Wissen über die Ebenen des Himmels und der Erde. Wie Händler, die im alten Venedig ankommen, oder Touristen, die heute von Bord gehen, ist ihre Begegnung mit der Erde eine von Staunen und Besorgnis – Bewunderung darüber, was die Korruption der Zeit überlebt hat, und Besorgnis über sein weiteres Überleben. Als Amalgam aus Ikonographie, persönlicher Geschichte und emotionalen Landschaften, die die Mythologie des Künstlers verkörpern, wird Liquid Light als tryptische Videoinstallation ausgestellt, zusammen mit Installationskomponenten, die in Zusammenarbeit mit venezianischen Handwerkern vor Ort bezogen und erstellt wurden.

Luise Nevelson. Beharrlichkeit
Organisiert zum 60. Jahrestag von Louise Nevelsons Präsentation für den amerikanischen Pavillon der 31. Biennale in Venedig im Jahr 1962 konzentriert sich diese Ausstellung auf das Genre, das sich als Nevelsons maßgeblichster Beitrag zur Kunst des 20. Jahrhunderts erweisen sollte: Assemblage. Die von Julia Bryan-Wilson kuratierte Ausstellung vereint mehr als sechzig Werke aus dreißig Jahren Produktion und unterstreicht Nevelsons außergewöhnlich erfinderische Kombination von Materialien, darunter bekannte monumentale schwarze Gitterwände und kleinere, weniger bekannte Collagen mit einer Reihe von Farben und wurden aus alltäglichen Dingen wie Zeitungspapier, abgeflachten Metallstücken, Pappe, Folie, Schleifpapier und Stoff hergestellt. Nicht chronologisch installiert, demonstrieren diese Werke Nevelsons bemerkenswerte Beharrlichkeit:

Lucio Fontana / Antony Gormley
Lucio Fontana / Antony Gormley ist eine Ausstellung, die auf einer prägnanten, selektiven Konversation zwischen Kunstwerken basiert, die sich mit den Auswirkungen von Licht, Raum und Abwesenheit befassen. Eine Auswahl von Zeichnungen, die Lucio Fontana zwischen 1946 und 1968 anfertigte, und eine Reihe von Arbeiten auf Papier, die viele Aspekte von Antony Gormleys Forschung abdecken, sind mit Skulpturen von jedem dieser Künstler integriert. Sowohl in ihrer zwei- als auch in ihrer dreidimensionalen Funktion „bewohnen“ die Arbeiten der Künstler den Raum, und die Aufmerksamkeit der Betrachter verlagert sich vom Objekt im Raum auf den Raum selbst. Jedes Werk trägt die Spur der Realität des Augenblicks in sich, in dem die Geste, sei sie skulptural oder grafisch, die in ihrer Ausführung enthaltene energetische Spannung freisetzt. Das Zeichen wird damit auch zur Zeitaufzeichnung.

Pera + Flora + Fauna
Der Diskurs über Indigenität und Natur wird weitgehend von den kulturellen Einstellungen der Industrienationen beeinflusst, die zu den bestehenden Umweltproblemen beitragen. Dies führt zu Fragen wie: Kann ästhetisches Denken zur Erhaltung und Wiederherstellung von Natur oder Indigenität führen? Können indigene Bevölkerungsgruppen auf der ganzen Welt die dokumentierte (Kunst-)Geschichte des Mainstreams herausfordern, die von Nicht-Indigenen geschrieben wurde? Können indigene Bevölkerungsgruppen die Freiheit erlangen, kollektiv „ihre eigene Geschichte und Erzählungen“ zu beanspruchen und damit den vorherrschenden Diskurs zu bekämpfen? Pera + Flora + Fauna will die Wechselbeziehungen zwischen Indigenität, dominanter Kultur und Natur hinterfragen.

Weg des Glaubens
Der Weg des Glaubens zeigt einen Prozess des Erwachens der Menschheit, der ihrer eigenen Intuition folgt, um gegen das Chaos ihres Geistes und ihrer Göttlichkeit zu kämpfen. Die Ausstellung besteht aus drei Teilen: Ozeanblüte, Ode an die Nymphe des Luo-Flusses und Mit der Unveränderlichkeit des Absoluten. Das literarische Werk des chinesischen Klassikers Ci Fu, Ode an die Nymphe des Luo-Flusses, wird mit Farbtinte und VR-Technologie präsentiert. In dieser Übertragung von zwei zu drei Dimensionen, unter Verwendung von Originalmusik, die Phoneme der chinesischen Oper und der westlichen Oper als Leitfaden enthält, kann das Publikum die ständige Konfrontation und den Kampf der Menschen und ihre eigene Gier im Kreislauf der Reinkarnation sehen.

Rony Plesl: Bäume wachsen vom Himmel
Das Ausstellungsprojekt des tschechischen Künstlers Rony Plesl beschäftigt sich mit den Fragen nach dem Wesen der menschlichen Existenz und der Definition von Humanität. Es berührt auch das Verhältnis von Mensch und Natur und reflektiert unmittelbar mehrere Bedeutungsebenen. Die Erzählung der Gesamtkonzeption und ortsspezifischen Installation der einzigartigen Glaskunstwerke kreist um eine Reise, um eine Wegsuche in der Welt von heute. Die Realisierung des Venedig-Projekts ist eine Weltpremiere der einzigartigen Technologie des Glasgusses im globalen Kontext, die die Schaffung einer Glasskulptur ohne Einschränkungen ermöglicht.

Stanley Whitney: die italienischen Gemälde
Der virtuose abstrakte Maler Stanley Whitney, geboren 1946 in Philadelphia, erforscht seit Mitte der 1970er Jahre die formalen Möglichkeiten der Farbe in sich ständig verändernden Rastern aus vielfarbigen Blöcken und allumfassenden gestischen Feldern. Eine prägende Zeit, die er in den frühen 1990er Jahren in Italien verbrachte, wo Whitney von der Kunst und Architektur des Landes absorbiert wurde, veränderte die Komposition seiner Gemälde für immer. Diese Ausstellung, die von Cathleen Chaffee und Vincenzo de Bellis gemeinsam kuratiert wird, ist die erste, die Werke versammelt, die Whitney in Italien von den 1990er Jahren bis heute geschaffen hat, und den Einfluss der italienischen Kunst und Architektur auf seine Malerei betrachtet.

Francesca Leone
Die Künstlerin richtet ihren Blick auf das Konzept der Zeit: Es ist die Zeit des Rosts, der auf Metall oxidiert, es zerkratzt, es schrammt; Auf diese Haut greift der Künstler ein und deutet zart Farbe an, bedeckt die Wunden. In diesem Dialog der Erinnerungen baut Leone ihre eigene visionäre Erzählung auf, in der eine schmerzhafte Natur eine Pause verlangt, während diese Werke flüstern und uns einladen, innezuhalten, unseren Gedanken Zeit zu geben und Träume an die Oberfläche zu lassen. Sich Zeit zu nehmen bedeutet, sich das Privileg eines Blicks zu gönnen, der Kunst Zeit zu geben, ihre eigene Geschichte zu schreiben. Eine aufständische Geste, um einen neuen utopischen Gedanken hervorzubringen, einen neuen Zauber.

Di Greenfort: Medusa Alga Laguna
Die Installation Medusa Alga Laguna des dänischen Konzeptkünstlers Tue Greenfort konzentriert sich auf verschiedene Lebensarten in der Lagune von Venedig und bringt eine menschliche und nichtmenschliche Beziehung ein. Die skulpturalen Manifestationen – manchmal aus Glas als Referenz an realistische Naturdarstellungen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts – entführen uns in die artenreiche Welt der venezianischen Gewässer. Es offenbart die faszinierende Komplexität mariner Lebensformen wie Algen und Quallen. Die Einzelausstellung wird präsentiert von der ERES Stiftung München, einer Institution, die den Dialog zwischen Wissenschaft und bildender Kunst fördert. Die Schau setzt Greenforts Projekt Alga in München (2021) fort.

Ungekämmt, unvorhergesehen, uneingeschränkt
Parasol unit, London stellt eine Gruppenausstellung von elf internationalen zeitgenössischen Künstlern vor, deren Präsentationen sich mit dem Phänomen der Entropie oder einem Maß für Unordnung auseinandersetzen. Laut Kuratorin Ziba Ardalan haben die Künstler Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum with Hyetal, Julian Charri re, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear und Rayyane Tabet unabhängig voneinander identifiziert und ergreifend darauf reagiert eine Reihe ungünstiger Phänomene, die in den letzten Jahrzehnten in unserem täglichen Leben und unserer Umwelt sowie in unserer sozialen und kollektiven Geschichte zunehmend an Bedeutung gewonnen haben und damit das Leben auf dem Planeten Erde bedrohen.

Vera Molnár: Icone 2020
Vera Molnár: Icône 2020 ist eine Ausstellung, die sich auf einen neuen Auftrag konzentriert, Icône 2020, gegründet, produziert und kuratiert von Francesca Franco. Dies ist Vera Molnárs allererste Glasskulptur in einer Karriere, die sich über 80 Jahre erstreckt. Diese Ausstellung nimmt den neuen Auftrag als Mittelpunkt und untersucht den Prozess, der diese Skulptur möglich gemacht hat, indem sie vorbereitende Skizzen, originale Plotterzeichnungen und Dokumentationsmaterial zusammenbringt, die die Komplexität hinter der Entstehung von Icône 2020 aufzeigen und zu neuen Denkweisen über Skulptur und die anregen unvorstellbare Auswirkungen der Computerkunst.

Mit den Händen wachsen Zeichen
Die Odalys Foundation und die Signum Foundation haben mit Unterstützung des Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, Spanien) ein Interventionsprojekt im Palazzo Donà, dem italienischen Hauptsitz der Signum Foundation, ermöglicht, das mehrere Standorte umfasst. spezifische Projekte, die für verschiedene Räume des Palazzo konzipiert wurden. Eine Gruppe von vier jungen Künstlern (Ruth Gómez, Nuria Mora, Daniel Muñoz und Sixe Paredes) beteiligt sich an dieser Initiative durch einen Schaffensprozess, der ein gemeinsames Merkmal hat: den Wunsch, ihre Vision der Welt durch Kunst zu teilen. So dass diese Interventionen jetzt im Palazzo als eine Reihe von Mikroerzählungen aus dem persönlichen Territorium jedes Künstlers definiert werden könnten, einem Territorium, das öffentlich ist – jetzt, aber auch unangefochten, wegen seiner historischen Belastung. Künstler, die an diesem Ort gearbeitet haben, beziehen sich jeweils auf eine Wand / einen Boden oder einen Raum des Palazzo Donà.

Ohne Frauen
Zinaidas Kunstwerk Without Women handelt von der Reinheit des Lebens der Schafzüchter in der Natur und der Transformation männlicher Energie. Von der Kindheit bis ins hohe Alter verlassen die Männer in den Dörfern der Karpaten ihre Wohnungen, um für fünf Monate in die Berge zu gehen. Inmitten der Fülle von Schafen und Kühen verarbeiten sie Milch zu Butter und Käse. In diesem Akt der Sublimierung, der die männlichen Rollen vollständig enthüllt, wird die Männlichkeit bis zur Reinheit erneuert. In ihrer einsamen Umgebung können Männer ihre männliche Natur voll und lebendig zum Ausdruck bringen und erneuern. Ähnlich wie Mönche leben diese Männer allein und ohne Frauen im Schoß der Natur. Das Kunstwerk besteht aus drei Videos und einer Installation, The Milk of Life.

Kunstgruppe „YiiMa“: Allegorie der Träume
Allegory of Dreams ist eine umfassende Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die Dokumentationen von Performancekunst, Fotografie, Videos sowie Innen- und Außenskulpturen zeigt. Die vom internationalen Kurator João Miguel Barros kuratierte Ausstellung zeigt Werke von „YiiMa“, einer Künstlergruppe, die in Macau von Ung Vai Meng und Chan Hin Io gegründet wurde. In Anlehnung an The Milk of Dreams ist die Ausstellung als Allegorie der Träume konzipiert und entwickelt. Durch die Präsentation von Aufzeichnungen der Live-Auftritte der beiden Künstler soll die Veranstaltung den Besuchern Macaus einzigartiges kulturelles Umfeld voller Erinnerungen und Geschichte präsentieren und ihnen die Möglichkeit bieten, die traumhaften und doch allegorischen Szenen des täglichen Lebens zu erleben.